Música barroca

La música barroca es un estilo de música de arte occidental compuesto aproximadamente desde 1600 hasta 1750. Esta era siguió a la era de la música del Renacimiento, y fue seguida a su vez por la época clásica. La música barroca forma una parte importante del canon de la «música clásica», y ahora es ampliamente estudiada, interpretada y escuchada. Los principales compositores de la época barroca incluyen a Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Marc-Antoine Charpentier, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, François Couperin, Giuseppe Tartini, Heinrich Schütz, Giovanni Battista Pergolesi, Dieterich Buxtehude y Johann Pachelbel.

El período Barroco vio la creación de la tonalidad, un enfoque para escribir música en la que una canción o pieza se escribe en una clave particular; este tipo de arreglo se ha seguido utilizando en casi toda la música popular occidental. Durante la época del Barroco, se esperaba que los músicos profesionales fueran improvisadores consumados tanto de líneas melódicas como de partes de acompañamiento. Los conciertos barrocos solían ir acompañados de un grupo de bajo continuo (compuesto por instrumentistas de acordes como clavecinistas y laúd que improvisaban acordes de una parte del bajo) mientras un grupo de instrumentos de bajo -viola, violonchelo y contrabajo- tocaba la línea de bajo. Una característica forma Barroca era la suite de baile. Mientras que las piezas en una suite de baile se inspiraron en la música de baile real, las suites de baile fueron diseñadas exclusivamente para escuchar, no para acompañar a los bailarines.

Durante el período, los compositores y artistas usaron ornamentación musical más elaborada [aclaración necesaria] (típicamente improvisada por intérpretes), realizaron cambios en la notación musical (el desarrollo del bajo figurado como forma rápida de anotar la progresión de acordes de una canción o pieza), y desarrolló nuevas técnicas instrumentales de juego. La música barroca amplió el tamaño, rango y complejidad de la interpretación instrumental, y también estableció las formas mixtas vocales / instrumentales de la ópera, la cantata y el oratorio y las formas instrumentales del solo concierto y la sonata como géneros musicales. Muchos términos y conceptos musicales de esta época, como toccata, fuga y concierto grosso, todavía están en uso en la década de 2010. La música polifónica compleja y densa, en la que se realizaron varias líneas de melodía independientes simultáneamente (un ejemplo popular de esto es la fuga), fue una parte importante de muchos trabajos corales e instrumentales barrocos.

El término «barroco» proviene de la palabra portuguesa barroco, que significa «perla deformada». Las connotaciones negativas del término se produjeron por primera vez en 1734, en una crítica de una ópera de Jean-Philippe Rameau, y más tarde (1750) en una descripción de Charles de Brosses de la ornamentada y fuertemente ornamentada arquitectura del Palacio Pamphili en Roma. Aunque el término siguió aplicándose a la arquitectura y la crítica de arte hasta el siglo XIX, no fue sino hasta el siglo XX cuando se adoptó el término «barroco» del vocabulario de la historia del arte de Heinrich Wölfflin para designar un período histórico de la música.

Etimología
El término «Barroco» es utilizado generalmente por los historiadores de la música para describir una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuesta durante un período de aproximadamente 150 años. Aunque durante mucho tiempo se pensó que la palabra como término crítico se aplicó por primera vez a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una reseña anónima y satírica de la premiere en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impresa en el Mercure de France en mayo de 1734. La crítica implicaba que la novedad en esta ópera era «du barocque», quejándose de que la música carecía de melodía coherente, estaba llena de disonancias incesantes, cambiaba constantemente la clave y el compás, y corría rápidamente por todos los dispositivos de composición.

La aplicación sistemática por los historiadores del término «barroco» a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs se convirtió en el primero en aplicar sistemáticamente las cinco características de la teoría del Barroco de Heinrich Wölfflin a la música. Sin embargo, los críticos se apresuraron a cuestionar el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, y en el segundo cuarto del siglo XX, Manfred Bukofzer (en Alemania y, luego de su inmigración, en Estados Unidos) y Suzanne Clercx-Lejeune hicieron intentos independientes. (en Bélgica) para utilizar el análisis autónomo, técnico en lugar de abstracciones comparativas, con el fin de evitar la adaptación de las teorías basadas en las artes plásticas y la literatura a la música. Todos estos esfuerzos resultaron en desacuerdos apreciables sobre los límites de tiempo del período, especialmente con respecto a cuándo comenzó. En inglés, el término adquirió vigencia solo en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang.

Todavía en 1960, todavía había una considerable controversia en los círculos académicos, particularmente en Francia y Gran Bretaña, si era significativo agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti y Johann Sebastian Bach bajo una única rúbrica. Sin embargo, el término ha sido ampliamente utilizado y aceptado para esta amplia gama de música. Puede ser útil distinguir el Barroco de los periodos anteriores (Renacimiento) y siguientes (Clásicos) de la historia musical.

Historia
El período barroco se divide en tres fases principales: temprano, medio y tarde. Aunque se superponen en el tiempo, se datan convencionalmente de 1580 a 1630, de 1630 a 1680 y de 1680 a 1730.

Música barroca temprana (1580-1630)
La Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de finales del Renacimiento de Florencia que se reunieron bajo el patrocinio del Conde Giovanni de ‘Bardi para discutir y guiar las tendencias en las artes, especialmente la música y el drama. En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente griego antiguo) que valoraba el discurso y la oración. Como tal, rechazaron el uso que sus contemporáneos tenían de la polifonía (líneas melódicas múltiples e independientes) y la música instrumental, y discutieron sobre los dispositivos musicales griegos antiguos como monodia, que consistía en un canto solista acompañado de un kithara (un antiguo instrumento de cuerda rasgueado). Las primeras realizaciones de estas ideas, incluyendo Dafne y L’Euridice de Jacopo Peri, marcaron el comienzo de la ópera, que fue un catalizador para la música barroca.

En cuanto a la teoría de la música, el uso más generalizado del bajo figurado (también conocido como bajo completo) representa la importancia en desarrollo de la armonía como los fundamentos lineales de la polifonía. La armonía es el resultado final del contrapunto, y el bajo figurado es una representación visual de esas armonías comúnmente empleadas en el rendimiento musical. Con el bajo figurado, los números, las alteraciones o los símbolos se colocaron sobre la línea de bajo que fue leída por los intérpretes de instrumentos de teclado, como los intérpretes de clave o los organistas de pianos (o laúd). Los números, las alteraciones o los símbolos indican al tecladista los intervalos que debe tocar sobre cada nota de bajo. El teclista improvisaría un acorde de voz para cada nota de bajo. Los compositores comenzaron a referirse a sí mismos con progresiones armónicas, y también emplearon el tritono, percibido como un intervalo inestable, para crear disonancia (se usó en el séptimo acorde dominante y el acorde disminuido. También había interés en la armonía entre ciertos compositores en el Renacimiento , especialmente Carlo Gesualdo; Sin embargo, el uso de la armonía dirigida hacia la tonalidad (un enfoque en una tecla musical que se convierte en la «nota de inicio» de una pieza), en lugar de la modalidad, marca el cambio del Renacimiento al período Barroco. a la idea de que ciertas secuencias de acordes, en lugar de solo notas, podrían proporcionar una sensación de cierre al final de una pieza, una de las ideas fundamentales que se conoció como tonalidad.

Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi impulsó la transición del estilo renacentista de la música al del período barroco. Desarrolló dos estilos individuales de composición: el patrimonio de la polifonía renacentista (primapráctica) y la nueva técnica de bajo continuo del Barroco (seconda pratica). Con bajo continuo, un pequeño grupo de músicos tocaba la línea de bajo y los acordes que formaban el acompañamiento de una melodía. El grupo de bajo continuo normalmente usaría uno o más teclados y un intérprete de laúd que tocaría la línea de bajo e improvisaría los acordes y varios instrumentos de bajo (p. Ej., Contrabajo, violonchelo, contrabajo) que tocarían la línea de bajo. Con la escritura de las óperas L’Orfeo y L’incoronazione di Poppea entre otras, Monteverdi trajo considerable atención a este nuevo género.

Música barroca del medio (1630-1680)
El ascenso de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina la Era del Absolutismo, personificada por Luis XIV de Francia. El estilo del palacio y el sistema judicial de modales y artes que él fomentó se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente mecenazgo de la iglesia y el estado crearon la demanda de música pública organizada, ya que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara, que es música para un pequeño grupo de instrumentistas.

El período del Barroco medio en Italia se define por la aparición de los estilos vocales de la cantata, el oratorio y la ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó el estado de la música a uno de igualdad con las palabras, que anteriormente había sido considerado como preeminente. La florida y colorada monodia del primer Barroco dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construyeron a partir de ideas cortas, cadencialmente delimitadas, a menudo basadas en patrones de baile estilizados extraídos del sarabande o el courante. Las armonías, también, podrían ser más simples [aclaración necesaria] que en la temprana monodia Barroca, y las líneas de bajo acompañantes estaban más integradas con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntística de las partes que más tarde condujeron al dispositivo de una anticipación de graves inicial de la melodía de aria Esta simplificación armónica también condujo a un nuevo dispositivo formal de la diferenciación de recitativo (una parte más hablada de la ópera) y aria (una parte de la ópera que usaba melodías cantadas). Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi, que fueron principalmente compositores de cantatas y oratorios, respectivamente, y el veneciano Francesco Cavalli, que fue principalmente un compositor de ópera. Más tarde, los profesionales importantes de este estilo incluyen a Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella.

El barroco medio no tenía absolutamente nada que ver con el trabajo teórico de Johann Fux, que sistematizó el contrapunto estricto característico de las edades anteriores en su Gradus ad Parnassum (1725). [Aclaración necesaria]

Un ejemplo preeminente de un compositor de estilo de corte es Jean-Baptiste Lully. Compró patentes de la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey de Francia y para evitar que otros tengan óperas en escena. Completó 15 tragedias líricas y dejó inacabado Achille et Polyxène. Lully fue un ejemplo temprano de un conductor; él superaría el tiempo con un gran bastón para mantener sus ensembles juntos.

Musicalmente, él no estableció la norma dominada por cuerdas para orquestas, que fue heredada de la ópera italiana, y la característica disposición de cinco partes (violines, violas-en hautes-contre, compás y tamaños de quillas-y violines bajos) tenían sido utilizado en el ballet de la época de Luis XIII. Sin embargo, introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo duplicadas por grabadoras, flautas y oboes, y el bajo por fagots. Trompetas y timbales se añadieron con frecuencia para escenas heroicas.

Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros en el otro lado de la técnica musical -como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín- y en la música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concierto grosso. Mientras que Lully estaba instalado en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y hacer su música en toda Europa. Al igual que con la estilización y organización de la ópera de Lully, el concierto grosso se basa en fuertes contrastes: las secciones se alternan entre las ejecutadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. Las dinámicas fueron «aterrazados», es decir, con una transición brusca de fuerte a suave y viceversa. Las secciones rápidas y las secciones lentas se yuxtapusieron una contra la otra. Numerado entre sus alumnos está Antonio Vivaldi, que más tarde compuso cientos de obras basadas en los principios de las sonatas y conciertos de trío de Corelli.

En contraste con estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte, sino un músico de la iglesia, que ocupaba los puestos de organista y Werkmeister en la Marienkirche en Lübeck. Sus deberes como Werkmeister involucraron actuar como secretario, tesorero y gerente comercial de la iglesia, mientras que su posición como organista incluía tocar para todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, que también eran pagados por la iglesia. Totalmente fuera de sus deberes de iglesia oficiales, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como Abendmusiken, que incluía representaciones de obras dramáticas sagradas consideradas por sus contemporáneos como el equivalente de óperas.

Música barroca tardía (1680-1730)
El trabajo de George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach y sus contemporáneos, incluyendo Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann y otros avanzaron la era barroca a su clímax. A través del trabajo de Johann Fux, el estilo renacentista de la polifonía se convirtió en la base para el estudio de la composición para futuras épocas musicales. Los compositores del Barroco tardío habían establecido sus hazañas de composición mucho antes de las obras de Johann Fux.

Un trabajador continuo, Handel tomó prestado de otros compositores y con frecuencia «recicló» su propio material. También fue conocido por rehacer piezas como el famoso Mesías, que se estrenó en 1742, para cantantes y músicos disponibles.

Estilos y formas

Suite de baile
Una característica forma Barroca era la suite de baile. Algunas suites de baile de Bach se llaman partitas, aunque este término también se usa para otras colecciones de piezas. Si bien las piezas de una sala de baile se inspiraron en la música de baile real, las suites de baile fueron diseñadas para escuchar, no para acompañar a los bailarines. Los compositores usaron una variedad de movimientos de baile diferentes en sus salas de baile. Una suite de baile a menudo consta de los siguientes movimientos:

Obertura – La suite Barroca a menudo comenzó con una obertura francesa («Ouverture» en francés), un movimiento lento que fue seguido por una sucesión de danzas de diferentes tipos, principalmente las siguientes cuatro:
Allemande: a menudo el primer baile de una suite instrumental, el allemande fue una danza muy popular que tuvo sus orígenes en la era del Renacimiento alemán. El allemande se jugó a un tempo moderado y podría comenzar en cualquier compás del compás.
Courante – El segundo baile es el Courante, una danza alegre y francesa en triple metro. La versión italiana se llama corrente.
Sarabande – La sarabande, una danza española, es la tercera de las cuatro danzas básicas, y es una de las más lentas de las danzas barrocas. También está en triple medidor y puede comenzar en cualquier compás de la barra, aunque hay un énfasis en el segundo tiempo, creando el característico «frenado», o ritmo yámbico de la sarabanda.
Gigue – La giga es una danza barroca alegre y animada en metros compuestos, típicamente el movimiento final de una suite instrumental, y la cuarta de sus tipos básicos de baile. La giga puede comenzar en cualquier latido de la barra y se reconoce fácilmente por su sensación rítmica. La giga se originó en las Islas Británicas. Su contraparte en la música folk es la plantilla.
Estos cuatro tipos de baile (allemande, courante, sarabande y gigue) conforman la mayoría de las suites del siglo XVII; las suites posteriores interpolan uno o más bailes adicionales entre sarabande y gigue:

Gavotte: el gavotte se puede identificar por una variedad de características; está en 4
4 veces y siempre comienza en el tercer tiempo de la barra, aunque puede sonar como el primer tiempo en algunos casos, ya que el primer y tercer tiempo son los tiempos fuertes en cuádruple tiempo. El gavotte se reproduce a un tempo moderado, aunque en algunos casos puede reproducirse más rápido.
Bourrée – La bourrée es similar a la gavotte como en 2
2 veces, aunque comienza en la segunda mitad del último compás de la barra, creando una sensación diferente al baile. El bourrée se juega comúnmente a un tempo moderado, aunque para algunos compositores, como Handel, se puede tomar a un ritmo mucho más rápido.
Minuet – El minueto es quizás el más conocido de los bailes barrocos en triple metro. Puede comenzar en cualquier latido de la barra. En algunas suites puede haber un Minuet I y II, reproducido en sucesión, con el Minuet I repetido.
Passepied – Passepied es una danza rápida en forma binaria y triple que se originó como una danza de la corte en Bretaña. Se pueden encontrar ejemplos en suites posteriores como las de Bach y Handel.
Rigaudon: el rigaudon es una animada danza francesa en dúplex, similar al bourrée, pero rítmicamente más simple. Se originó como una familia de danzas folclóricas del sur de Francia estrechamente relacionadas, tradicionalmente asociadas con las provincias de Vavarais, Languedoc, Dauphiné y Provenza.

Otras características
Preludio – una suite puede ser iniciada por un preludio, una pieza lenta escrita en un estilo de improvisación. Algunos preludios barrocos no fueron completamente escritos; en su lugar, se indicó una secuencia de acordes, con la expectativa de que el instrumentista sería capaz de improvisar una parte melódica utilizando el marco armónico indicado. El preludio no se basó en un tipo de baile.
Entrée – Algunas veces se compone una entrada como parte de una suite; pero ahí está la música puramente instrumental y no se realiza ninguna danza. Es una introducción, una pieza parecida a una marcha jugada durante la entrada de un grupo de baile o jugada antes de un ballet. Usualmente en 4
4 veces Está relacionado con la ‘intrada’ italiana.
Bajo contínuo: una especie de acompañamiento continuo anotado con un nuevo sistema de notación musical, bajo modelado, generalmente para uno o más instrumentos de bajo sostenidos (p. Ej., Violonchelo) y uno o más instrumentos para tocar acordes (por ejemplo, instrumentos de teclado como clavecín, pipa órgano o laúd)
El concierto (una pieza solista con acompañamiento orquestal) y el concierto grosso
Monody – una consecuencia de la canción
Homofonía: música con una sola voz melódica y acompañamiento de acordes rítmicamente similar (y subordinado) (esto y la monodia se contrastan con la típica textura renacentista, polifonía)
Formas musicales dramáticas como ópera, dramma per musica
Formas instrumentales-vocales combinadas, como el oratorio y la cantata, que utilizan cantantes y orquesta
Nuevas técnicas instrumentales, como tremolo y pizzicato
El da capo aria «disfrutó de seguridad».
El ritornello aria – repetidas interrupciones instrumentales breves de los pasajes vocales.
El estilo concertato: contraste en el sonido entre grupos de instrumentos.
Amplia ornamentación, que normalmente era improvisada por cantantes e instrumentistas (p. Ej., Trinos, mormones, etc.)