Musique baroque

La musique baroque est un style de musique d’art occidental composé d’environ 1600 à 1750. Cette ère a suivi l’ère de la musique de la Renaissance, et a été suivie à son tour par l’ère classique. La musique baroque constitue une partie importante du canon de la «musique classique» et est maintenant largement étudiée, jouée et écoutée. Les principaux compositeurs de l’ère baroque sont Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Marc-Antoine Charpentier, Arcangelo. Corelli, Tomaso Albinoni, François Couperin, Giuseppe Tartini, Heinrich Schütz, Giovanni Battista Pergolesi, Dieterich Buxtehude et Johann Pachelbel.

La période baroque a vu la création de la tonalité, une approche à l’écriture de la musique dans laquelle une chanson ou une pièce est écrite dans une clé particulière; ce type d’arrangement a continué à être utilisé dans presque toutes les musiques populaires occidentales. À l’époque baroque, les musiciens professionnels devaient être des improvisateurs accomplis à la fois de lignes mélodiques et de parties d’accompagnement. Les concerts baroques étaient typiquement accompagnés par un groupe de basse continue (comprenant des instrumentistes jouant des accords comme des clavecinistes et des luthiers improvisant des accords d’une partie de basse figurée) tandis qu’un groupe de basse – viole, violoncelle, contrebasse – jouait la ligne de basse. Une forme baroque caractéristique était la suite de danse. Alors que les pièces d’une suite de danse s’inspiraient de la musique de danse, les suites de danse étaient conçues uniquement pour l’écoute et non pour l’accompagnement des danseurs.

Pendant la période, les compositeurs et les interprètes utilisaient des ornementations musicales plus élaborées (généralement improvisées par les artistes), apportaient des changements dans la notation musicale (le développement de la basse figurée comme moyen rapide de noter la progression d’une chanson ou d’un morceau), et développé de nouvelles techniques de jeu instrumentales. La musique baroque élargit la taille, la portée et la complexité de la performance instrumentale, et établit les formes vocales / instrumentales mixtes de l’opéra, de la cantate et de l’oratorio et les formes instrumentales du concerto solo et de la sonate comme genres musicaux. De nombreux termes et concepts musicaux de cette époque, tels que toccata, fugue et concerto grosso sont encore utilisés dans les années 2010. Une musique polyphonique dense et complexe, dans laquelle plusieurs lignes mélodiques indépendantes ont été jouées simultanément (un exemple populaire de ceci est la fugue), a été une partie importante de nombreuses œuvres chorales et instrumentales baroques.

Le terme « baroque » vient du mot portugais barroco, qui signifie « perle difforme ». Les connotations négatives du terme ont eu lieu pour la première fois en 1734, dans une critique d’un opéra de Jean-Philippe Rameau, et plus tard (1750) dans une description par Charles de Brosses de l’architecture richement ornée du palais Pamphili à Rome. Bien que le terme ait continué à être appliqué à l’architecture et à la critique d’art au XIXe siècle, le vocabulaire de l’histoire de l’art de Heinrich Wölfflin n’employa le terme «baroque» qu’au XXe siècle pour désigner une période historique de la musique.

Étymologie
Le terme «baroque» est généralement utilisé par les historiens de la musique pour décrire un large éventail de styles d’une vaste région géographique, principalement en Europe, composée sur une période d’environ 150 ans. Bien que l’on ait longtemps pensé que le terme critique était d’abord appliqué à l’architecture, il apparaît plus tôt en référence à la musique, dans une revue satirique anonyme de la première en octobre 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, imprimée dans le Mercure. de France en mai 1734. Le critique laissait entendre que la nouveauté de cet opéra était «du baroque», se plaignant que la musique manquait de mélodie cohérente, était remplie de dissonances incessantes, changeait constamment de clé et de mètre, et parcourait rapidement chaque dispositif compositionnel.

L’application systématique par les historiens du terme «baroque» à la musique de cette période est un développement relativement récent. En 1919, Curt Sachs est le premier à appliquer systématiquement les cinq caractéristiques de la théorie du baroque de Heinrich Wölfflin à la musique. Les critiques ont cependant rapidement remis en question la tentative de transposer les catégories de Wölfflin en musique. Au cours du deuxième quart du XXe siècle, des tentatives indépendantes ont été faites par Manfred Bukofzer (en Allemagne et après son immigration en Amérique) et par Suzanne Clercx-Lejeune. (en Belgique) d’utiliser des analyses techniques autonomes plutôt que des abstractions comparatives, afin d’éviter l’adaptation des théories basées sur les arts plastiques et la littérature à la musique. Tous ces efforts ont abouti à un désaccord sensible sur les limites de temps de la période, en particulier concernant le moment où elle a commencé. En anglais le terme a acquis la devise seulement dans les années 1940, dans les écrits de Bukofzer et Paul Henry Lang.

En 1960 encore, les cercles académiques, notamment en France et en Grande-Bretagne, se disputaient encore pour savoir s’il était pertinent de regrouper des musiques aussi diverses que celles de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti et Johann Sebastian Bach sous une même rubrique. Néanmoins, le terme est devenu largement utilisé et accepté pour cette large gamme de musique. Il peut être utile de distinguer le baroque des périodes précédentes (Renaissance) et suivantes (classiques) de l’histoire musicale.

Histoire
La période baroque est divisée en trois phases principales: précoce, intermédiaire et tardive. Bien qu’ils se chevauchent dans le temps, ils sont conventionnellement datés de 1580 à 1630, de 1630 à 1680, et de 1680 à 1730.

Musique baroque précoce (1580-1630)
La Florentine Camerata était un groupe d’humanistes, de musiciens, de poètes et d’intellectuels à la fin de la Renaissance Florence qui se sont réunis sous le patronage du comte Giovanni de ‘Bardi pour discuter et guider les tendances dans les arts, en particulier la musique et le théâtre. En référence à la musique, ils fondent leurs idéaux sur une perception du drame musical classique (en particulier grec ancien) qui valorise le discours et l’oraison. En tant que tels, ils rejetaient l’utilisation de la polyphonie (plusieurs lignes mélodiques indépendantes) et de la musique instrumentale par leurs contemporains et discutaient de dispositifs musicaux grecs comme la monodie, qui consistait en un chant solo accompagné d’un kithara (instrument à cordes). Les premières réalisations de ces idées, parmi lesquelles Dafne et L’Euridice de Jacopo Peri, marquent le début de l’opéra, catalyseur de la musique baroque.

En ce qui concerne la théorie musicale, l’utilisation plus répandue de la basse figurée (également connue sous le nom de basse profonde) représente l’importance croissante de l’harmonie en tant que fondement linéaire de la polyphonie. L’harmonie est le résultat final du contrepoint, et la basse figurée est une représentation visuelle de ces harmonies communément employées dans la représentation musicale. Avec la basse figurée, des nombres, des altérations ou des symboles ont été placés au-dessus de la ligne de basse qui a été lue par des joueurs d’instrument à clavier tels que des joueurs de clavecin ou des organistes de tuyau (ou lutenists). Les chiffres, les altérations ou les symboles indiquent au clavier les intervalles auxquels elle doit jouer au-dessus de chaque note de basse. Le joueur de clavier improviserait un accord pour chaque note de basse. Les compositeurs commencèrent à se préoccuper de progressions harmoniques et utilisèrent le tritone, perçu comme un intervalle instable, pour créer une dissonance (il était utilisé dans l’accord de septième dominant et l’accord diminué.) Certains compositeurs de la Renaissance avaient aussi un intérêt pour l’harmonie. , notamment Carlo Gesualdo, mais l’utilisation de l’harmonie orientée vers la tonalité (mise au point sur une touche musicale qui devient la «note d’accueil» d’une pièce), plutôt que la modalité, marque le passage de la Renaissance à la période baroque. à l’idée que certaines séquences d’accords, plutôt que de simples notes, pouvaient donner un sens de fermeture à la fin d’une pièce – une des idées fondamentales qui devint connue sous le nom de tonalité.

En intégrant ces nouveaux aspects de la composition, Claudio Monteverdi a favorisé le passage du style de musique de la Renaissance à celui de la période baroque. Il a développé deux styles de composition individuels: l’héritage de la polyphonie de la Renaissance (prima pratica) et la nouvelle technique de basse continue du baroque (seconda pratica). Avec le basso continuo, un petit groupe de musiciens joue la ligne de basse et les accords qui forment l’accompagnement d’une mélodie. Le groupe de basse continue utiliserait généralement un ou plusieurs claviers et un joueur de luth qui jouerait la ligne de basse et improviserait les accords et plusieurs instruments de basse (par exemple, basse viol, violoncelle, contrebasse) qui joueraient la ligne de basse. Avec l’écriture des opéras L’Orfeo et L’incoronazione di Poppea entre autres, Monteverdi attira beaucoup d’attention sur ce nouveau genre.

Musique baroque moyenne (1630-1680)
La montée de la cour centralisée est l’une des caractéristiques économiques et politiques de ce qu’on appelle souvent l’âge de l’absolutisme, personnifié par Louis XIV de la France. Le style de palais, et le système de cour des mœurs et des arts qu’il a encouragés sont devenus le modèle pour le reste de l’Europe. Les réalités de l’augmentation du mécénat de l’église et de l’Etat ont créé une demande pour la musique publique organisée, car la disponibilité croissante des instruments a créé la demande pour la musique de chambre, qui est la musique d’un petit ensemble d’instrumentistes.

La période baroque moyenne en Italie est définie par l’émergence des styles vocaux de la cantate, de l’oratorio et de l’opéra pendant les années 1630, et un nouveau concept de mélodie et d’harmonie qui élève le statut de la musique à un niveau d’égalité. autrefois avait été considéré comme prééminent. La monodose colorée du début du Baroque cède la place à un style mélodique plus simple et plus poli. Ces mélodies ont été construites à partir d’idées courtes, cadentiellement délimitées, souvent basées sur des motifs de danse stylisés tirés de la sarabande ou de la courante. Les harmonies, aussi, pourraient être plus simples que dans la première monodie baroque, et les lignes de basse qui l’accompagnaient étaient plus intégrées à la mélodie, produisant une équivalence contrapuntique des parties qui conduisirent plus tard à l’anticipation basse des basses. la mélodie de l’aria. Cette simplification harmonique conduit également à un nouveau dispositif formel de la différenciation du récitatif (une partie plus parlée de l’opéra) et de l’aria (une partie de l’opéra qui utilise des mélodies chantées). Les novateurs les plus importants de ce style étaient les Romains Luigi Rossi et Giacomo Carissimi, qui étaient principalement des compositeurs de cantates et d’oratorios, respectivement, et le vénitien Francesco Cavalli, qui était principalement un compositeur d’opéra. Plus tard, les praticiens importants de ce style comprennent Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi et Alessandro Stradella.

Le Baroque moyen n’avait absolument aucun rapport avec le travail théorique de Johann Fux, qui systématisait le contrepoint strict caractéristique des âges antérieurs dans son Gradus ad Parnassum (1725).

Jean-Baptiste Lully est un exemple éminent d’un compositeur de style court. Il a acheté des brevets de la monarchie pour être le seul compositeur d’opéras pour le roi de France et pour empêcher d’autres d’avoir des opéras mis en scène. Il a accompli 15 tragédies lyriques et a laissé Achille et Polyxène inachevé. Lully était un exemple précoce d’un conducteur; il battrait le temps avec un grand personnel pour garder ses ensembles ensemble.

Musicalement, il n’a pas établi la norme des orchestres dominée par les cordes, héritée de l’opéra italien, et la disposition typiquement française en cinq parties (violons, altos en haut-contre, tailles et quintes – et violons de basse) avait été utilisé dans le ballet de l’époque de Louis XIII. Il introduisit cependant cet ensemble au théâtre lyrique, les parties supérieures étant souvent doublées par des flûtes à bec, des flûtes et des hautbois, et la basse par des bassons. Des trompettes et des timbales étaient souvent ajoutées pour les scènes héroïques.

On se souvient d’Arcangelo Corelli comme influent pour ses réalisations de l’autre côté de la technique musicale – comme violoniste qui a organisé la technique et la pédagogie du violon – et dans la musique purement instrumentale, en particulier son plaidoyer et son développement du concerto grosso. Alors que Lully était installé à la cour, Corelli fut l’un des premiers compositeurs à publier largement et à faire jouer sa musique partout en Europe. Comme pour la stylisation de Lully et l’organisation de l’opéra, le concerto grosso est construit sur de forts contrastes: des sections alternent entre celles jouées par l’orchestre complet et celles jouées par un groupe plus restreint. Les dynamiques étaient «en terrasse», c’est-à-dire avec une transition brusque de forte à douce et de retour. Les sections rapides et les sections lentes étaient juxtaposées les unes aux autres. Parmi ses étudiants figure Antonio Vivaldi, qui composera plus tard des centaines d’œuvres basées sur les principes des trois sonates et concerti de Corelli.

Contrairement à ces compositeurs, Dieterich Buxtehude n’était pas une créature de cour mais était plutôt musicien d’église, occupant les postes d’organiste et de Werkmeister à la Marienkirche de Lübeck. Ses fonctions de Werkmeister impliquaient d’agir en tant que secrétaire, trésorier, et directeur commercial de l’église, alors que son poste d’organiste incluait jouer pour tous les services principaux, parfois en collaboration avec d’autres instrumentistes ou chanteurs, qui étaient également payés par l’église. En dehors de ses fonctions officielles au sein de l’église, il organisa et dirigea une série de concerts connue sous le nom de Abendmusiken, qui comprenait des représentations d’œuvres dramatiques sacrées considérées par ses contemporains comme l’équivalent d’opéras.

Musique baroque tardive (1680-1730)
Le travail de George Frideric Handel, de Johann Sebastian Bach et de leurs contemporains, dont Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann et d’autres, a fait progresser l’ère baroque. À travers le travail de Johann Fux, le style de la polyphonie de la Renaissance a été la base de l’étude de la composition pour les futures ères musicales. Les compositeurs du baroque tardif avaient établi leurs exploits de composition bien avant les œuvres de Johann Fux.

Travailleur continu, Haendel a emprunté à d’autres compositeurs et a souvent «recyclé» son propre matériel. Il était également connu pour retravailler des morceaux tels que le célèbre Messie, créé en 1742, pour les chanteurs et musiciens disponibles.

Styles et formes

Suite de danse
Une forme baroque caractéristique était la suite de danse. Certaines suites de Bach sont appelées partitas, bien que ce terme soit également utilisé pour d’autres collections de pièces. Alors que les pièces d’une suite de danse s’inspiraient de la musique de danse, les suites de danse étaient conçues pour être écoutées et non pour accompagner les danseurs. Les compositeurs ont utilisé une variété de mouvements de danse différents dans leurs suites de danse. Une suite de danse comprend souvent les mouvements suivants:

Ouverture – La suite baroque commence souvent par une ouverture française («Ouverture» en français), un mouvement lent qui est suivi d’une succession de danses de différents types, principalement les quatre suivantes:
Allemande – Souvent la première danse d’une suite instrumentale, l’allemande était une danse très populaire qui avait ses origines à l’époque de la Renaissance allemande. L’allemande était jouée à un tempo modéré et pouvait commencer sur n’importe quel rythme de la barre.
Courante – La deuxième danse est la courante, une danse française animée en trois mètres. La version italienne s’appelle le corrente.
Sarabande – La sarabande, danse espagnole, est la troisième des quatre danses de base et l’une des plus lentes des danses baroques. Il est également en mesure triple et peut commencer sur n’importe quel battement de la barre, bien qu’il y ait un accent sur le deuxième temps, créant le «halting» caractéristique, ou le rythme iambic de la sarabande.
Gigue – La gigue est une danse baroque entraînante et entraînante dans un compteur composé, typiquement le mouvement final d’une suite instrumentale, et le quatrième de ses types de danse de base. La gigue peut commencer sur n’importe quel rythme de la barre et est facilement reconnaissable par sa sensation rythmique. La gigue est originaire des îles britanniques. Son homologue dans la musique folklorique est le gabarit.
Ces quatre types de danse (allemande, courante, sarabande et gigue) constituent la majorité des suites du XVIIe siècle; suites ultérieures interpolent une ou plusieurs danses supplémentaires entre la sarabande et la gigue:

Gavotte – La gavotte peut être identifiée par une variété de caractéristiques; c’est dans 4
4 fois et commence toujours sur le troisième temps de la mesure, bien que cela puisse sembler être le premier temps dans certains cas, car le premier et le troisième battement sont les battements forts en quadruple temps. La gavotte est jouée à un tempo modéré, bien que dans certains cas, elle puisse être jouée plus rapidement.
Bourrée – La bourrée est similaire à la gavotte comme elle l’est en 2
2 fois, bien qu’il commence sur la deuxième moitié du dernier temps du bar, créant une sensation différente de la danse. La bourrée est souvent jouée à un tempo modéré, bien que pour certains compositeurs, comme Handel, elle puisse être prise à un rythme beaucoup plus rapide.
Minuet – Le menuet est peut-être le plus connu des danses baroques en triple mètre. Il peut commencer sur n’importe quel rythme de la barre. Dans certaines suites, il peut y avoir un menuet I et II, joués successivement, avec le menuet que j’ai répété.
Passepied – Le passepied est une danse rapide en forme binaire et triple mètre qui a vu le jour comme une danse de cour en Bretagne. Des exemples peuvent être trouvés dans des suites ultérieures telles que celles de Bach et de Haendel.
Rigaudon – Le rigaudon est une danse française animée en duple mètre, semblable à la bourrée, mais rythmiquement plus simple. Il est né comme une famille de danses folkloriques sud-françaises étroitement liées, traditionnellement associées aux provinces du Vavarais, du Languedoc, du Dauphiné et de la Provence.

Autres caractéristiques
Prélude – une suite pourrait être commencée par un prélude, une pièce lente écrite dans un style improvisé. Certains préludes baroques n’étaient pas entièrement écrits; à la place, une séquence d’accords était indiquée, avec l’espoir que l’instrumentiste serait capable d’improviser une partie mélodique en utilisant le cadre harmonique indiqué. Le prélude n’était pas basé sur un type de danse.
Entrée – Parfois, une entrée est composée dans le cadre d’une suite; mais là c’est de la musique purement instrumentale et aucune danse n’est exécutée. C’est une introduction, une pièce en forme de marche jouée à l’entrée d’un groupe de danse, ou jouée avant un ballet. Habituellement en 4
4 fois. C’est lié à l’intrada italienne.
Basso continuo – une sorte d’accompagnement continu notée avec un nouveau système de notation musicale, basse figurée, habituellement pour un ou plusieurs instruments de basse soutenants (par exemple, violoncelle) et un ou plusieurs instruments d’accord de corde (par exemple, instruments de clavier comme clavecin, pipe orgue ou luth)
Le concerto (une pièce solo avec accompagnement orchestral) et le concerto grosso
Monody – une excroissance de la chanson
Homophonie – musique avec une voix mélodique et accompagnement chordal rythmiquement similaire (et subordonné) (ceci et la monodie sont contrastés avec la texture typique de la Renaissance, la polyphonie)
Formes musicales dramatiques comme l’opéra, dramma per musica
Formes instrumentales-vocales combinées, telles que l’oratorio et la cantate, qui utilisaient à la fois des chanteurs et des orchestres
Nouvelles techniques instrumentales, comme le trémolo et le pizzicato
Le da capo aria « apprécié la sûreté ».
L’air de ritornello – répété de courtes interruptions instrumentales de passages vocaux.
Le style concertato – contraste sonore entre les groupes d’instruments.
Une ornementation extensive, généralement improvisée par des chanteurs et des instrumentistes (par exemple, des trilles, des mordants, etc.)