Les années vingt et trente, se déplaçant entre le mouvement de Novecento et l’art abstrait, se développent à travers une séquence d’îles d’exposition solo consacrées à Giorgio de Chirico, Giorgio Morandi, Arturo Martini et Fausto Melotti. À Marino Marini est consacrée une véritable salle, destinée à décrire la production riche et nuancée de l’artiste.

Biographie
Arturo Martini (1889-1947) était un sculpteur italien de premier plan entre la Première et la Seconde Guerre mondiale. Il a évolué entre un classicisme très vigoureux (romain presque ancien) et le modernisme. Il a été associé à la sculpture publique dans l’Italie fasciste, mais a ensuite renoncé à son médium.

Les jeunes années
Il est né dans une famille défavorisée, le tiers des quatre enfants d’Antonio, un cuisinier professionnel, et de Maria Della Valle, une femme de chambre originaire de Brisighella.

Expulsé de l’école en 1901, en raison d’échecs répétés, il devient apprenti dans une orfèvrerie à Trévise et suit immédiatement l’école de céramique (il collabore notamment avec le Gregorj War Furnace) où il apprend la pratique du modelage artisanal.

Fasciné par cette technique, il a commencé à fréquenter l’atelier du sculpteur Antonio Carlini à Trévise et en même temps il a assisté à la première année (1906-07) de l’Académie des Beaux-Arts de Venise. Il parvient à imaginer un nouveau type de gravure chalcographique qu’il appelle lui-même kéramographie.

Ses premières œuvres connues remontent à cette période: le Portrait de Fanny Nado Martini, en terre cuite (1905) et le Buste du peintre Pinelli, qui font référence à la sculpture de la fin du XIXe siècle.

En 1908, à Venise, il participe à la première édition des expositions de Ca ‘Pesaro avec la petite sculpture Il Palloncino.

Ses inventions et son imagination plastique lui permettront bientôt d’acquérir renommée et notoriété au niveau international, en assumant un rôle prépondérant dans le panorama artistique européen dont il était bien conscient.

Les débuts en Europe et le magazine « Valori Plastici »
Intéressé par les mouvements artistiques européens, il fréquente l’école Adolf von Hildebrand de Munich en 1909. En 1912 il s’installe quelques mois à Paris où il approfondit ses connaissances du cubisme et de l’avant-garde et où il expose au Salon d’Automne .

Participe à l’Exposition internationale libre futuriste, tenue à Rome, entre avril mai 1914 avec le Portrait d’Homère Soppelsa, considéré comme un hommage au futurisme. Dans les mêmes années, il collabore avec le magazine futuriste L’Eroica, consacré aux thèmes de l’art, de la littérature et de la gravure sur bois.

Futurisme
Martini semble avoir été un partisan actif du mouvement futuriste entre 1914 et 1918. Il a certainement correspondu avec Umberto Boccioni et produit un livret moderniste en 1918. Ses premiers travaux montrent une tendance archaïque, une bidimensionnalité et des effets polychromes.

Il interrompt de force son activité à cause de la guerre à laquelle il participe.

Il aborde ensuite le graphisme abstrait et les premiers croquis de son livre d’artiste Contemplazioni sont nés. Au lieu du texte, le livre présente une séquence de signes géométriques.

En avril 1920, il épouse Brigida Pessano, de Vado Ligure, où il s’installe pour quelques années. Maria Antonietta (1921) et Antonio (1928) sont nés de leur mariage. C’est la période où il réalise The Dead Lover, Fecundity et The Sleeper.

Il collabore, entre 1918-22, avec Mario Broglio dans le magazine Valori Plastici, rejoignant le mouvement artistique homonyme. Grâce à cette expérience, il redécouvre la sculpture antique, surmontant ainsi le naturalisme du XIXe siècle auquel il était encore attaché. Parmi les œuvres importantes de cette période, nous nous souvenons de La Maternità (1925) et Il Bevitore (1926), cette dernière est une œuvre en terre cuite conservée à la Pinacothèque de Brera.

En 1925, il est invité à exposer dans une salle de la III Biennale romaine; l’année suivante, après des refus précédents, il participe pour la première fois à la Biennale de Venise. La même année, il expose à la première exposition du XXe siècle, un mouvement dont il sera également présent à la deuxième édition de 1929 avec la sculpture Le fils prodigue (1926). En novembre 1927, il inaugure une exposition de céramiques à Milan à la galerie Pesaro.

La maturité artistique
Dans cette dernière période, il définit son art qui se traduit par un point de rencontre idéal entre l’ancien et le moderne. En 1928, il crée de grandes œuvres telles que La Pisana, Il Bevitore et la monumentale tombe (quatre mètres) d’Ippolito Nievo.

En 1929, il fut appelé à la chaise décorative en plastique de l’ISIA de Monza et y resta jusqu’à l’année suivante: sa Leda au cygne, sculpture en plâtre, resta pour enrichir la collection des Musées Civiques de Monza.

En 1930, il installe un « four-atelier » dans l’usine Ilva Refrattari à Vado Ligure, où il peut modeler et cuisiner de la vaisselle sans avoir à la déplacer. Il crée ainsi une série de grandes œuvres, comme The Shepherd and The Sitting Boy (1930), The Dream (1931), Moonlight and Winter Sports (1931-32), œuvres dans lesquelles l’allusion au mouvement qui semble se raidir dans la forme.

En 1931, il reçut un prix de cent mille lires à la première quadriennale de Rome, somme qui lui permit de résoudre temporairement les différents problèmes économiques qui l’avaient toujours tourmenté. En 1932, il dispose d’une salle personnelle à la Biennale vénitienne, dont il obtient un immense succès.

En 1933, il s’installe à Milan et tient une exposition personnelle à la Galerie d’art moderne. Durant cette période, il expérimente l’utilisation de nouvelles techniques d’expression telles que le bois, la pierre, l’argile et le bronze, il est régulièrement vu participer à de grandes expositions nationales: à la Biennale de Venise (1934-36-38), à la Triennale di Milan ( 1933-36-40) et la Quadriennale de Rome (1935-39).

Au cours de cette période, il réalise de nombreuses sculptures monumentales dont le gigantesque plâtre que Moïse a sauvé de l’eau, haut de six mètres, exposé à la Triennale de Milan en 1933; La soif (1934), en pierre, où réapparaît la mémoire des moulages de Pompéi; le bronze d’Athéna (1935), haut de cinq mètres; La mort de Bligny commencerait (1936), inspirée par le discours de Mussolini contre les sanctions économiques imposées à l’Italie après l’occupation de l’Éthiopie en 1935; Le Lion de Juda (1936), dédié à la victoire sur l’Éthiopie; Corporate Justice, destiné au Palais de Justice de Milan; Le Groupe Sforza (1938-39), œuvre destinée à l’hôpital Niguarda Ca ‘Granda de Milan.

La peinture
Dans les années 1939 et 1940, il commence à peindre. En 1940, il expose avec succès ses œuvres à la galerie Barbaroux. Il écrit, en février 1940, dans quelques lettres adressées à Carlo Anti, recteur de l’Université de Padoue: je serai absolument peintre ma conversion n’est pas un caprice, mais elle est aussi grosse et forte que celle de Van Gogh et encore je suis heureux, la peinture m’amuse et me donne d’autres espoirs que la sculpture ne me donne plus

Il a réalisé des hauts-reliefs entre 1940 et 1942 pour le Palazzo dell’Arengario de Milan: Il Tito Livio et La femme nageant sous l’eau. Dans ces œuvres, il s’oriente vers une liberté d’expression toujours plus grande, convaincu de la nécessité de vaincre la statuaire et que la sculpture « si elle veut vivre, doit mourir dans l’abstraction ». Il reprendra ce thème dans ses interventions sur la sculpture.

Les dernières années
De 1942 à 1944, il est à Venise où il enseigne la sculpture à l’Académie des beaux-arts. À l’été 1945, il a été suspendu de son enseignement pour avoir rejoint le fascisme. Concernant ce choix, il avait écrit: Depuis que je mourais de faim avec le Giolittismo, je croyais à ce mouvement, c’est-à-dire au fascisme.

À la fin de sa carrière artistique, il reçoit la commande de la statue du héros virgilien Palinuro (1946) pour l’Université de Padoue; il a également créé le monument funéraire dédié à un partisan déchu, le Monument au partisan Masaccio (1947). Enfin, il conçoit une annexe au livret La sculpture lingua morta, communiquant ses réflexions à l’écrivain Antonio Pinghelli, qui les publiera à titre posthume, en 1948, avec le titre Michelangelo’s maquillage.

Il est décédé à Milan le 22 mars 1947, souffrant de paralysie cérébrale. Parmi ses élèves figure l’artiste Maria Lai.

L’exposition
Arturo Martini était l’un des sculpteurs les plus éminents travaillant dans la première moitié du XXe siècle, et ses œuvres ont profondément influencé la modernisation des arts plastiques dans les années 1930. Au cours de sa carrière, l’artiste a produit à la fois des œuvres monumentales et des sculptures destinées à une nouvelle génération de collectionneurs.

Le stelle (1932)
Busto di ragazzo (1921)
Gli amanti (Il bosco) (1932)
Le collegiali (1927)
Ces collectionneurs étaient le public cible des pièces en terre cuite et en céramique dans lesquelles Martini raconte des épisodes: des histoires courtes autonomes ou non résolues telles que Le collegiali (The Schoolgirls, 1927) et Gli Amanti (The Lovers, 1932).

Les oeuvres monumentales
En tant que figure de la scène artistique nationale, Martini a participé aux grandes expositions des années 30, de la Biennale de Venise à la Quadriennale de Rome, où il a remporté le premier prix de sculpture en 1931. Lors de ces expositions, il a présenté de plus grandes œuvres avec une un plus grand impact, des morceaux de pierre basés sur l’étude de la sculpture ancienne tels que « La sete » (Soif), de 1934, qui faisait partie d’une série d’œuvres inspirées des découvertes de Pompéi.

I morti di Bligny trasalirebbero (1935)
Torse de giovanetto (1929)
Storie di Milano
Il a créé des décorations pour de nombreux bâtiments publics dans les années trente, y compris les hauts reliefs représentant la Storie di Milano (Histoires de Milan, 1942 -1947) pour l’Arengario, qui abrite aujourd’hui le Museo del Novecento.

Musée du XXe siècle à Milan
Le Museo del Novecento de Milan est une exposition permanente d’œuvres d’art du XXe siècle logées dans le Palazzo dell’Arengario et le Palais Royal adjacent à Milan. Le musée a absorbé les collections du précédent Musée civique d’art contemporain (CIMAC) qui était situé au deuxième étage du Palais Royal et qui a été fermé en 1998.

Le Museo del Novecento, situé à l’intérieur du Palazzo dell’Arengario sur la Piazza del Duomo, abrite une collection de plus de quatre mille œuvres qui catalysent le développement de l’art italien du XXe siècle.

Le Museo del Novecento a été créé le 6 décembre 2010 dans le but de diffuser la connaissance de l’art du XXe siècle et d’offrir un aperçu plus complet des collections dont la ville de Milan a hérité au fil du temps. En plus de son activité principale d’exposition, le Musée est actif dans la conservation, la recherche et la promotion du patrimoine culturel et artistique italien du 20e siècle dans le but final d’atteindre un public toujours plus large.

Hormis une seule pièce abritant des œuvres d’artistes étrangers dont Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian et Picasso, la majorité des œuvres exposées au musée sont des artistes italiens. Une section importante est consacrée aux futuristes italiens, avec des œuvres de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi et Ardengo Soffici. La grande toile Il Quarto Stato de Giuseppe Pellizza da Volpedo (1902) est également exposée dans une pièce à part entière.

D’autres sections du musée sont dédiées à des artistes individuels tels que Giorgio de Chirico, Lucio Fontana et Morandi. Il existe également des sections consacrées aux mouvements artistiques du XXe siècle, notamment l’abstractionnisme, l’Arte Povera, le Novecento Italiano, le post-impressionnisme et le réalisme, ainsi qu’à des genres tels que le paysage et l’art monumental.