Raum von Arturo Martini, Museum des 20. Jahrhunderts

Die zwanziger und dreißiger Jahre, die sich zwischen der Novecento-Bewegung und der abstrakten Kunst bewegen, entwickeln sich durch eine Abfolge von Einzelinseln, die Giorgio de Chirico, Giorgio Morandi, Arturo Martini und Fausto Melotti gewidmet sind. Marino Marini ist ein richtiger Saal gewidmet, der die reiche und nuancierte Produktion des Künstlers beschreiben soll.

Biografie
Arturo Martini (1889–1947) war ein führender italienischer Bildhauer zwischen dem Ersten und dem Zweiten Weltkrieg. Er bewegte sich zwischen einem sehr lebhaften (fast antiken römischen) Klassizismus und einer Moderne. Er war mit der öffentlichen Skulptur im faschistischen Italien verbunden, verzichtete aber später ganz auf sein Medium.

Die frühen Jahre
Er wurde in eine benachteiligte Familie hineingeboren, das dritte der vier Kinder von Antonio, einer professionellen Köchin, und Maria Della Valle, einer Magd aus Brisighella.

1901 wegen wiederholter Misserfolge von der Schule ausgeschlossen, wurde er Lehrling in einer Goldschmiede in Treviso und besuchte unmittelbar danach die Keramikschule (er arbeitete insbesondere mit dem Gregorj-Kriegsofen zusammen), wo er die Modellierpraxis lernte.

Fasziniert von dieser Technik begann er das Atelier des Bildhauers Antonio Carlini in Treviso zu besuchen und besuchte gleichzeitig das erste Jahr (1906-07) der Akademie der bildenden Künste in Venedig. Es gelingt ihm, eine neue chalkografische Art der Gravurtechnik zu entwickeln, die er selbst Keramographie nennt.

Seine ersten bekannten Werke stammen aus dieser Zeit: das Porträt von Fanny Nado Martini in Terrakotta (1905) und die Büste des Malers Pinelli, die sich auf die Skulptur des späten 19. Jahrhunderts beziehen.

1908 nahm er in Venedig an der ersten Ausgabe der Ausstellungen von Ca ‘Pesaro mit der kleinen Skulptur Il Palloncino teil.

Seine Erfindungen und seine plastische Vorstellungskraft werden es ihm bald ermöglichen, auf internationaler Ebene Ruhm und Bekanntheit zu erlangen, wobei er eine vorherrschende Rolle in dem ihm bekannten europäischen Kunstpanorama einnimmt.

Das Debüt in Europa und die Zeitschrift “Valori Plastici”
Er interessierte sich für europäische künstlerische Bewegungen und besuchte 1909 die Adolf von Hildebrand Schule in München. 1912 zog er für einige Monate nach Paris, wo er sein Wissen über Kubismus und Avantgarde vertiefte und im Salon d’Automne ausstellte .

Teilnahme an der Internationalen Ausstellung für freie Futuristen, die zwischen April und Mai 1914 in Rom mit dem Porträt von Homer Soppelsa stattfand und als Hommage an den Futurismus gilt. In den gleichen Jahren arbeitete er mit der futuristischen Zeitschrift L’Eroica zusammen, die sich den Themen Kunst, Literatur und Holzschnitt widmete.

Futurismus
Martini scheint zwischen 1914 und 1918 ein aktiver Unterstützer der futuristischen Bewegung gewesen zu sein. Er korrespondierte zweifellos mit Umberto Boccioni und produzierte 1918 eine modernistische Broschüre. Seine frühen Arbeiten zeigen eine archaische Tendenz, Zweidimensionalität und polychrome Effekte

Er unterbricht seine Tätigkeit gewaltsam wegen des Krieges, an dem er teilnimmt.

Anschließend nähert er sich abstrakten Grafiken und die ersten Skizzen seines Künstlerbuchs Contemplazioni werden geboren. Anstelle des Textes präsentiert das Buch eine Folge von geometrischen Zeichen.

Im April 1920 heiratete er Brigida Pessano aus Vado Ligure, wo er sich für einige Jahre niederließ. Maria Antonietta (1921) und Antonio (1928) werden aus ihrer Ehe geboren. Dies ist die Zeit, in der er The Dead Lover, Fecundity und The Sleeper verwirklicht.

Er arbeitet zwischen 1918 und 22 mit Mario Broglio in der Zeitschrift Valori Plastici zusammen und schließt sich der gleichnamigen künstlerischen Bewegung an. Dank dieser Erfahrung entdeckt er die antike Skulptur wieder und überwindet so den Naturalismus des 19. Jahrhunderts, an den er noch immer gebunden war. Unter den wichtigen Werken dieser Zeit erinnern wir uns an La Maternità (1925) und Il Bevitore (1926), letzteres ist ein Terrakotta-Werk, das in der Pinacoteca di Brera aufbewahrt wird.

1925 wird er eingeladen, in einem Raum der III. Römischen Biennale auszustellen; im folgenden Jahr nahm er nach früheren Ablehnungen erstmals an der Biennale in Venedig teil. Im selben Jahr stellte er bei der ersten Ausstellung des 20. Jahrhunderts aus, deren Bewegung er auch bei der zweiten Ausgabe von 1929 mit der Skulptur The Prodigal Son (1926) präsentieren wird. Im November 1927 eröffnete er in Mailand eine Keramikausstellung in der Pesaro-Galerie.

Die künstlerische Reife
In der letzten Zeit definiert er seine Kunst, die sich in einem idealen Treffpunkt zwischen Antike und Moderne niederschlägt. 1928 schuf er großartige Werke wie La Pisana, Il Bevitore und das monumentale (vier Meter) Grab von Ippolito Nievo.

1929 wurde er auf den dekorativen Plastikstuhl der ISIA von Monza berufen und blieb dort bis zum folgenden Jahr: Seine Leda mit dem Schwan, Gips-Skulptur, blieb, um die Sammlung der Bürgermuseen von Monza zu bereichern.

1930 richtete er in der Ilva Refrattari-Fabrik in Vado Ligure einen “Studioofen” ein, in dem er Geschirr modellieren und kochen kann, ohne es bewegen zu müssen. So schafft er eine Reihe großartiger Werke wie The Shepherd und The Sitting Boy (1930), The Dream (1931), Moonlight und Wintersport (1931-32), in denen die Anspielung auf die Bewegung, die sich zu versteifen scheint die Form.

1931 erhielt er beim Ersten Vierjahrestag in Rom einen Preis von einhunderttausend Lire, eine Summe, die es ihm ermöglichte, die verschiedenen wirtschaftlichen Probleme, die ihn immer gequält hatten, vorübergehend zu lösen. 1932 hat er ein persönliches Zimmer auf der Venezianischen Biennale, von dem es einen großen Erfolg erzielte.

1933 ließ er sich in Mailand nieder und veranstaltete eine Einzelausstellung in der Galerie für Moderne Kunst. In dieser Zeit experimentierte er mit neuen Ausdruckstechniken wie Holz, Stein, Ton und Bronze. Er nahm regelmäßig an großen nationalen Ausstellungen teil: auf der Biennale von Venedig (1934-36-38), auf der Triennale di Milan ( 1933-36-40) und der Rome Quadrennial (1935-39).

In dieser Zeit fertigte er zahlreiche monumentale Skulpturen an, darunter den gigantischen Gips, den Moses aus dem Wasser gerettet hatte und der 1933 auf der Mailänder Triennalein ausgestellt war. Der Durst (1934) in Stein, wo die Erinnerung an die Abgüsse von Pompeji wieder auftaucht; die Bronze der Athene (1935), fünf Meter hoch; Der Tod von Bligny würde beginnen (1936), inspiriert von Mussolinis Rede gegen die Wirtschaftssanktionen, die Italien nach der Besetzung Äthiopiens im Jahr 1935 auferlegt wurden. Der Löwe von Juda (1936), gewidmet dem Sieg über Äthiopien; Corporate Justice, bestimmt für den Mailänder Justizpalast; Die Sforza-Gruppe (1938-39) arbeitet für das Niguarda Ca ‘Granda-Krankenhaus in Mailand.

Das Gemälde
In den Jahren 1939 und 1940 begann er zu malen. 1940 stellte er seine Werke erfolgreich in der Barbaroux Gallery aus. Er schreibt im Februar 1940 in einigen Briefen an Carlo Anti, Rektor der Universität von Padua: Ich werde absolut ein Maler sein, meine Bekehrung ist keine Laune, aber sie ist so groß und stark wie die von Van Gogh und wieder ich Ich bin glücklich, das Malen amüsiert mich und gibt mir andere Hoffnungen, die mir die Skulptur nicht mehr gegeben hat

Zwischen 1940 und 1942 fertigte er einige Hochreliefs für den Palazzo dell’Arengario in Mailand an: Il Tito Livio und Die Frau, die unter Wasser schwimmt. In diesen Werken bewegt er sich in Richtung einer immer größeren Ausdrucksfreiheit, überzeugt von der Notwendigkeit, Statuen zu überwinden, und dass Skulptur “wenn sie leben will, muss sie in Abstraktion sterben”. Er wird dieses Thema in seinen Vorträgen über Skulptur wieder aufgreifen.

In den letzten Jahren
Von 1942 bis 1944 war er in Venedig, wo er Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste unterrichtete. Im Sommer 1945 wurde er vom Unterrichten wegen Beitritts zum Faschismus suspendiert. In Bezug auf diese Wahl hatte er geschrieben: Da ich mit Giolittismo verhungerte, glaubte ich an diese Bewegung, das heißt an den Faschismus.

Am Ende seiner künstlerischen Karriere erhielt er den Auftrag für die Statue des virgilianischen Helden Palinuro (1946) für die Universität von Padua; Er schuf auch das Grabdenkmal für einen gefallenen Partisanen, das Denkmal für den Partisanen Masaccio (1947). Schließlich entwirft er einen Anhang zum Libretto La Sculpture Lingua Morta und teilt seine Gedanken dem Schriftsteller Antonio Pinghelli mit, der sie 1948 posthum unter dem Titel Michelangelos Make-up veröffentlichen wird.

Er starb am 22. März 1947 in Mailand an Zerebralparese. Zu seinen Schülern gehört die Künstlerin Maria Lai.

Die Ausstellung
Arturo Martini war einer der bekanntesten Bildhauer der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, und seine Werke hatten in den 1930er Jahren einen tiefgreifenden modernisierenden Einfluss auf die bildende Kunst. Im Laufe seiner Karriere schuf der Künstler sowohl monumentale Werke als auch Skulpturen für eine neue Generation von Sammlern.

Le stelle (1932)
Busto di Ragazzo (1921)
Gli amanti (Il Bosco) (1932)
Le collegiali (1927)
Diese Sammler waren das Zielpublikum für die Terrakotta und Keramikstücke, in denen Martini Episoden erzählt: in sich geschlossene oder ungelöste Kurzgeschichten wie Le collegiali (The Schoolgirls, 1927) und Gli Amanti (The Lovers, 1932).

Die monumentalen Werke
Als Figur der nationalen Kunstszene nahm Martini an den großen Ausstellungen der dreißiger Jahre teil, von der Biennale in Venedig bis zur Quadriennale in Rom, wo er 1931 den ersten Preis für Skulptur gewann. Bei diesen Ausstellungen präsentierte er größere Werke mit einem größere Wirkung, Steinstücke, die auf dem Studium der antiken Skulptur wie “La sete” (Durst) von 1934 basieren und Teil einer Reihe von Werken waren, die von den Entdeckungen Pompejis inspiriert waren.

I morti di Bligny trasalirebbero (1935)
Torso di giovanetto (1929)
Storie di Milano
In den dreißiger Jahren schuf er Dekorationen für viele öffentliche Gebäude, darunter die Hochreliefs der Storie di Milano (Geschichten von Mailand, 1942-1947) für das Arengario, in dem sich heute das Museo del Novecento befindet.

Museum des 20. Jahrhunderts in Mailand
Das Museo del Novecento in Mailand ist eine Dauerausstellung von Kunstwerken des 20. Jahrhunderts im Palazzo dell’Arengario und im angrenzenden Königspalast in Mailand. Das Museum nahm die Sammlungen des früheren CIMAC (Civic Museum of Contemporary Art) auf, das sich im zweiten Stock des Königspalastes befand und 1998 geschlossen wurde.

Das Museo del Novecento im Palazzo dell’Arengario auf der Piazza del Duomo beherbergt eine Sammlung von über viertausend Werken, die die Entwicklung der italienischen Kunst des 20. Jahrhunderts katalysieren.

Das Museo del Novecento wurde am 6. Dezember 2010 mit dem Ziel gegründet, das Wissen über die Kunst des 20. Jahrhunderts zu verbreiten und einen umfassenderen Einblick in die Sammlungen zu bieten, die die Stadt Mailand im Laufe der Zeit geerbt hat. Neben seiner Hauptausstellungstätigkeit befasst sich das Museum mit der Erhaltung, Untersuchung und Förderung des italienischen kulturellen und künstlerischen Erbes des 20. Jahrhunderts mit dem Ziel, ein immer breiteres Publikum zu erreichen.

Abgesehen von einem einzigen Raum, in dem Werke ausländischer Künstler wie Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian und Picasso ausgestellt sind, stammen die meisten im Museum ausgestellten Werke italienischer Künstler. Ein großer Teil ist den italienischen Futuristen gewidmet, mit Werken von Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi und Ardengo Soffici. Giuseppe Pellizza da Volpedos große Leinwand Il Quarto Stato (1902) wird ebenfalls in einem eigenen Raum ausgestellt.

Andere Bereiche des Museums sind einzelnen Künstlern wie Giorgio de Chirico, Lucio Fontana und Morandi gewidmet. Es gibt auch Abschnitte, die Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts gewidmet sind, darunter Abstraktionismus, Arte Povera, Novecento Italiano, Postimpressionismus und Realismus sowie Genres wie Landschafts- und Monumentalkunst.