L’art participatif est une approche de la création artistique dans laquelle le public est engagé directement dans le processus de création, ce qui lui permet de devenir co-auteurs, rédacteurs et observateurs de l’œuvre. Par conséquent, ce type d’art est incomplet sans l’interaction physique des spectateurs. Son but est de remettre en question la forme dominante de l’art en Occident, dans laquelle une petite classe d’artistes professionnels fait l’art tandis que le public assume le rôle d’observateur ou de consommateur passif, c’est-à-dire acheter le travail des professionnels sur le marché .

Quelques œuvres sur commande, qui ont fait connaître l’art participatif, sont le théâtre des opprimés d’Augusto Boal et les happenings d’Allan Kaprow. Un travail artistique, interactif et participatif, peut être défini comme un art participatif et peut également être catégorisé avec des termes tels que l’art relationnel, la pratique sociale et une nouvelle forme d’art public.Les œuvres recommandées par les défenseurs de l’art participatif popularisé incluent Augusto Boal dans son théâtre des opprimés, ainsi qu’Allan Kaprow dans les happenings.

Les arts participatifs se réfèrent à une gamme de pratiques artistiques, y compris l’esthétique relationnelle, où l’accent est mis sur le rôle du spectateur ou du spectateur dans la réalisation physique ou conceptuelle et la réception de l’œuvre. La composante centrale des arts participatifs est la participation active du spectateur ou du spectateur. De nombreuses formes de pratiques artistiques participatives mettent en avant le rôle de la collaboration dans la réalisation d’une œuvre, en soulignant le rôle de l’artiste professionnel comme seul créateur ou auteur de l’œuvre, tout en construisant des liens sociaux par le sens et l’activité communautaires. Le terme arts participatifs englobe une gamme de pratiques artistiques inspirées par des impératifs sociaux, politiques, géographiques, économiques et culturels, tels que les arts communautaires, l’art activiste, l’art public nouveau genre, l’art engagé socialement et l’art dialogique.

Les arts participatifs peuvent être spécifiques à une forme d’art, tels que les arts visuels, la musique ou l’art dramatique, ou ils peuvent être interdisciplinaires et impliquer une collaboration à travers une variété de formes d’art. Ils peuvent également impliquer une collaboration avec des agences non artistiques, telles que les organisations d’inclusion sociale, les autorités locales et les groupes de développement communautaire. L’œuvre produite peut prendre plusieurs formes et, en raison de la nature collaborative des arts participatifs, cela peut comprendre un événement, une situation ou une performance, plutôt que la production d’un objet. Les interactions qui émergent de ces rencontres sont souvent traduites en supports documentaires, tels que la photographie, la vidéo ou le texte.

L’art participatif est un terme qui décrit une forme d’art qui engage directement le public dans le processus créatif afin qu’il devienne un participant à l’événement.

À cet égard, l’artiste est perçu comme un collaborateur et un co-producteur de la situation (avec le public), et ces situations peuvent souvent avoir un début ou une fin incertains.

D’art participatif Sous – types:
Photovoice
Comic Book Project
Créer un projet Comic

Histoire
art participatif a ses origines dans le futurologue et dadaïstes performances du début du XXe siècle, qui ont été conçus pour provoquer, scandaliser et agiter le public. Dans les années 1950 l’artiste Allan Kaprow a conçu des spectacles appelés événements, où il forcerait le public à participer à l’expérience. Le cinéaste et écrivain français Guy Debord, fondateur de situationnisme, également promu une forme d’art participatif qu’il voulait éliminer la position du spectateur en mettant au point des peintures industrielles: peintures créées en masse. L’artiste contemporain Marvin Gaye-Chetwynd repose entièrement sur les participants désireux de créer ses performances, tout comme l’artiste activiste Tania Bruguera. Dans son travail la plus-value,

L’émergence de participatives Arts est informé par les mouvements d’avant-garde antérieurs, tels que dada, le constructivisme et le surréalisme, qui a soulevé des questions quant aux notions d’originalité et de l’auteur et sur les hypothèses conventionnelles a contesté le rôle passif du spectateur ou spectateur. Ce faisant, ils ont adopté une position anti-bourgeoise sur le rôle et la fonction de l’art.

Les bouleversements sociaux, politiques et culturels des années 1960 et l’élitisme perçu, le désengagement social et la marchandisation de l’art associé au modernisme ont contribué à de nouvelles formes de pratique politisée, réactionnaire et socialement engagés, comme l’art conceptuel, Fluxus et situationnisme. Le développement des nouvelles technologies et l’amélioration des mécanismes de communication et de distribution, combinée à la décomposition des formes d’art spécifiques à moyen, à condition de plus grandes possibilités pour les artistes d’interagir physiquement avec le spectateur. De nouvelles formes de pratique ont été élaborées par des artistes, qui ont cherché de manière proactive de nouveaux supports artistiques pour façonner l’échange mutuel grâce à des pratiques ouvertes et inclusives. Ces nouvelles formes de pratiques sociales non approprièrent formes hiérarchiques et ont été informés par une série de disciplines théoriques et pratiques, telles que le féminisme, la théorie postcoloniale, la psychanalyse, la théorie critique et de la théorie littéraire. Alors que les questions d’auteur qui ont soulevé des préoccupations au sujet participe à la définition et à la production de l’art, la relation de l’œuvre à son public est devenu un axe central de ces nouvelles formes de pratique artistique.

L’un des premiers usages du terme apparaît dans le photographe Richard Ross (photographe) l ‘examen de l’ Institut de Los Angeles de la revue d’art contemporain de l’exposition « Downtown Los Angeles Artistes, » organisée par le Forum d’art contemporain Santa Barbara en 1980. La description œuvres in situ par Jon Peterson (artiste), Maura Sheehan et Judy Simonian anonyme placés autour de Santa Barbara, Ross a écrit: « Ces artistes ont la responsabilité de la communauté. Leur art est participative « .

Dans les années 1990 fin concepts participatifs ont été développés sur une nouvelle génération d’artistes identifiés sous la rubrique de l’art relationnel ou Esthétique relationnelle. Ceci est un terme inventé par le conservateur français Nicolas Bourriaud pour décrire une gamme de pratiques artistiques ouvertes, préoccupé par le réseau des relations humaines et le contexte social dans lequel ces relations se présentent. Relational Art insiste également sur la notion d’œuvres d’art comme des cadeaux, en prenant de multiples formes, comme les repas, réunions, fêtes, des affiches, des sessions de casting, des jeux, des plates-formes de discussion et d’autres types d’événements sociaux et coopérations. Dans ce contexte, l’accent est mis sur l’utilisation de l’œuvre. L’art est considéré comme informations échangées entre l’artiste et le spectateur qui repose sur les réponses des autres pour le rendre relationnel.

En réponse à l’accélération rapide des communications en temps réel au XXIe siècle, un nouveau terme, altermodern, également mis au point par Bourriaud, propose une alternative à la lignée conceptuelle du postmodernisme. Selon Bourriaud, l’ouverture de nouvelles économies de marché et la mobilité de l’artiste et le public a stimulé de nouveaux modèles pour les échanges politiques et culturels et la participation. Grâce à des systèmes mondiaux de distribution, les artistes peuvent couper à travers les frontières géographiques et politiques. Un nouveau cadre culturel composé de la diaspora, la migration et l’exode offre des modes alternatifs d’interprétation et de compréhension de l’œuvre. La décentralisation de la culture mondiale présente de nouveaux formats d’échange entre l’artiste et le public, qui sont toujours sensibles et adaptables aux technologies facilement disponibles. La technologie numérique et les réseaux sociaux mondiaux de l’Internet peut favoriser un sentiment de participation sans le rassemblement physique des personnes dans un endroit donné. Cela représente un changement fondamental dans les notions traditionnelles de la communauté et notre expérience des œuvres d’art.

Influence:
Le contrôle authorial présumé de l’artiste a été contestée notamment par des artistes conceptuels qui ont mis l’accent sur l’idée ou un concept plutôt qu’un objet d’art tangible. Ils ont créé des œuvres qui pourraient être réalisées par d’ autres sans l’intervention directe de l’artiste. Œuvres d’ art pourraient prendre la forme d’un ensemble d’instructions, où les participants ont été directement impliqués dans la co-création de l’œuvre. Des instructions ont été communiquées par divers médias, tels que la photographie, la vidéo, le dessin, le texte, la performance, le son, la sculpture et l’ installation.

De même, les artistes Fluxus ont rejeté les principes traditionnels de l’artisanat, de l’objet permanence de l’art et la notion de l’artiste en tant que spécialiste. artistes Fluxus vu l’art non pas comme un objet fini mais comme une expérience basée sur le temps, en utilisant la performance et des expériences théâtrales. artistes Fluxus étaient intéressés par le potentiel de transformation de l’art grâce à la collaboration. Les spectateurs ont été encouragés à interagir avec l’artiste, tandis que les événements mis en scène sans intrigue ont laissé des œuvres d’art ouvert au hasard et l’interprétation artistique. Œuvres d’art ont été réalisées dans divers médias, y compris les partitions musicales, des spectacles, des événements, des publications, des multiples et des environnements assemblés construits pour envelopper l’observateur. Ces initiatives ont souvent été conçues avec des caractéristiques de l’atelier, dans lequel l’artiste exploité en tant que facilitateur, en engageant le public dans les discussions philosophiques sur le sens de l’art. Œuvres d’art ont souvent pris la forme de réunions et des manifestations publiques, des événements ou la sculpture sociale, dans lequel le sens de l’œuvre provient de la participation collective des participants. Un objectif commun de Fluxus, les happenings et les événements situationnistes était de développer une nouvelle synthèse entre la politique et l’art, où l’activisme politique se traduisait dans la pratique des arts streetbased comme un moyen radical pour éliminer les distinctions entre l’art et la vie.

Il est important de souligner qu’il ya eu une obscurcissement nominale de l’art participatif, provoquant sa reconnaissance comme une forme distincte à contrecarrés. Il est fort probable que cela se produisait en même temps que le développement de l’expression « Esthétique relationnelle » par Bourriaud dans les années 1990 en retard. D’autres techniques de fabrication d’art, tels que « l’art communautaire », « l’art interactif », ou « l’art socialement engagé » ont été (mal) étiquetés comme art participatif, simplement parce que les subtilités de la distinction ne sont pas toujours bien compris ou pris en charge sur. art participatif exige de l’artiste qu’ils soit pas présent, ou qu’ils sont en quelque sorte en mesure de se retirer assez loin pour devenir égal avec les participants. Ceci est la seule façon que les participants pourraient se voir offrir l’agence de création; sans ce détail, les participants toujours répondre dans le domaine de l’autorité de l’artiste; ils seront subjugués de cette façon, et le travail ne sera être participative. Ce détail est au centre important pour faire la participation comme une forme en soi, et différencie efficacement la participation de interactive, l’art à base communautaire et de l’art socialement engagé. Chacune de ces techniques peuvent inclure la présence de l’artiste, car il ne sera pas empiéter sur les résultats des travaux de la même manière.

Folk et l’art tribal peuvent être considérés comme un prédécesseur ou d’un modèle de « l’art participatif » contemporain que beaucoup ou tous les membres de la société participent à la réalisation de « l’art ». Cependant, la question idéologique d’utilisation se pose à ce stade parce que l’art fait dans les institutions d’art est par défaut, déjà partie du monde de l’art, et l’utilisation donc il est perçu est tout à fait différente de toutes les pratiques rituelles ou traditionnelles exprimées par les gens ou les groupes tribaux . Comme l’ethnomusicologue Bruno Nettl a écrit, le groupe tribal « n’a pas de spécialisation ou de professionnalisation; sa division du travail dépend presque exclusivement sur le sexe et parfois de l’âge, et ne sont que rarement certains individus compétents dans une technique à un degré distinctif … sont connus les mêmes chansons tous les membres du groupe,

À l’automne / numéro d’hiver du magazine Oregon Sciences Humaines, écrivain Eric or décrit « une tradition artistique appelée « pratique sociale », qui fait référence à des œuvres d’art où l’artiste, le public, et leurs interactions entre eux sont le moyen. Alors qu’un peintre utilise pigment et toile, et un bois de sculpteur ou de métal, l’artiste pratique sociale crée souvent un scénario dans lequel le public est invité à participer. Bien que les résultats peuvent être documentés avec la photographie, la vidéo ou autre, l’œuvre d’art est vraiment les interactions qui se dégagent de l’engagement du public avec l’artiste et la situation « .

art participatif ou interactif crée une dynamique collaborati

Le développement de la pratique des arts participatifs a également été influencé par le développement de programmes d’art public, dont beaucoup ont évolué dans le contexte d’initiatives de rénovation urbaine et de régénération à grande échelle. Les programmes d’arts participatifs qui mettent l’accent sur l’engagement et la participation du public peuvent constituer un élément important dans le processus d’établissement d’un consensus et dans la critique de ces initiatives de régénération. Le ralentissement économique et la tourmente politique sociale des années 1980 combinés aux effets aliénants du capitalisme et à son impact sur les structures communautaires ont conduit à une prise de conscience croissante du potentiel des arts en tant que vecteur de problèmes sociaux, notamment d’inclusion sociale. Influencées par des formes antérieures d’art socialement engagé et activiste, de nombreuses organisations et initiatives d’arts communautaires ont vu le jour au cours de cette période. Les arts communautaires ont souligné le rôle de l’art dans la réalisation des aspects sociaux de l’initiative artistique étaient impératifs. L’Esthétique Dialogique est un terme utilisé pour décrire le rôle actif du dialogue dans un tel art socialement engagé. Pendant cette période, les organismes publics de financement des arts ont commencé à imposer des contingences à leurs organisations clientes, musées, galeries, théâtres et organisations artistiques, pour encourager la participation du public aux arts, en particulier dans les circonscriptions marginalisées ou socialement exclues. L’utilisation des arts pour aborder les agendas non artistiques a contribué à un débat continu sur le rôle de l’art et sa relation avec son public, ce qui continue d’inspirer la réflexion sur les arts participatifs aujourd’hui.

La culture est en droit d’attendre la gratification instantanée et une passe d’accès en affichant des commentaires et des opinions en ligne. Nous sommes tout à fait habitués à l’interactivité, et de l’art qui reflète cette réciprocité et la participation proactive profondément avec nous résonne. En tournant le visionnement d’art en une expérience inclusive, l’artiste renforce notre compréhension de la pièce, et inspire peut-être le visiteur de passer un peu plus sur chaque peinture ou la sculpture.

Les musées d’art d’aujourd’hui sont Wising jusqu’à les avantages de l’interactivité. De nombreuses institutions se sont adaptés aux besoins de plus en plus orientée vers le Web, les visiteurs numérique d’esprit qui attendent un accès instantané et la participation tant à l’intérieur et à l’extérieur des murs du musée. Ces institutions ont commencé à utiliser des applications iPhone et les réseaux sociaux pour la promotion d’événements, des galeries en ligne pour informer les personnes à la maison, et de la technologie à écran tactile pour guider les perceptions dans les expositions. Les musées maîtrisent également plus avertis comment définir et régler les problèmes de conservation, l’affichage et la possession d’œuvres conceptuelles qui assimilent l’art et le public.