Partizipative Kunst ist ein Ansatz, um Kunst zu schaffen, in der das Publikum direkt in den kreativen Prozess eingebunden wird und es ihnen ermöglicht, Mitautoren, Herausgeber und Beobachter der Arbeit zu werden. Daher ist diese Art von Kunst unvollständig ohne die physische Interaktion des Betrachters. Seine Absicht ist es, die vorherrschende Form der Kunst im Westen in Frage zu stellen, in der eine kleine Klasse von professionellen Künstlern die Kunst herstellt, während die Öffentlichkeit die Rolle eines passiven Beobachters oder Konsumenten übernimmt, dh die Arbeit der Fachleute auf dem Markt kauft .

Einige Auftragsarbeiten, die partizipatorische Kunst bekannt gemacht haben, sind das Theater von Augusto Boals Unterdrückten und die Geschehnisse von Allan Kaprow. Eine künstlerische Arbeit, die interaktiv und teilnehmend ist, kann als partizipatorische Kunst definiert werden und kann auch mit Begriffen wie relationaler Kunst, sozialer Praxis und einer neuen Form öffentlicher Kunst kategorisiert werden. Zu den Arbeiten von Befürwortern popularisierter partizipatorischer Kunst zählt Augusto Boal in sein Theater der Unterdrückten, sowie Allan Kaprow in Geschehnissen.

Partizipative Kunst bezieht sich auf eine Reihe von Kunstpraktiken, einschließlich relationaler Ästhetik, wobei der Schwerpunkt auf der Rolle des Betrachters oder Betrachters bei der physischen oder konzeptuellen Realisierung und Rezeption des Kunstwerks liegt. Die zentrale Komponente der Partizipativen Kunst ist die aktive Beteiligung des Betrachters oder Zuschauers. Viele Formen der Participatory Arts Praxis stellen die Rolle der Kollaboration bei der Realisierung eines Kunstwerks in den Vordergrund, betonen die Rolle des professionellen Künstlers als alleiniger Schöpfer oder Autor des Kunstwerks und bauen soziale Bindungen durch kommunale Bedeutung und Aktivität auf. Der Begriff Participatory Arts umfasst eine Reihe von Kunstpraktiken, die von sozialen, politischen, geographischen, wirtschaftlichen und kulturellen Notwendigkeiten geprägt sind, wie zum Beispiel Gemeinschaftskunst, Aktivistenkunst, neue Kunst des öffentlichen Kunstgenres, sozial engagierte Kunst und dialogische Kunst.

Partizipative Künste können kunstformspezifisch sein, wie z. B. bildende Kunst, Musik oder Schauspiel, oder sie können interdisziplinär sein und die Zusammenarbeit in einer Reihe von Kunstformen umfassen. Sie können auch die Zusammenarbeit mit Nicht-Kunstagenturen, wie z. B. Organisationen für soziale Eingliederung, lokalen Behörden und Gemeinschaftsentwicklungsgruppen umfassen. Das produzierte Kunstwerk kann viele Formen annehmen, und aufgrund der kollaborativen Natur der partizipatorischen Künste kann dies eher ein Ereignis, eine Situation oder eine Performance als die Produktion eines Objekts umfassen. Die Interaktionen, die sich aus diesen Begegnungen ergeben, werden oft in dokumentarische Medien wie Fotografie, Video oder Text übersetzt.

Partizipative Kunst ist ein Begriff, der eine Kunstform beschreibt, die das Publikum direkt in den kreativen Prozess einbezieht, so dass sie Teilnehmer des Events werden

In dieser Hinsicht wird der Künstler als Kollaborateur und Co-Produzent der Situation (mit dem Publikum) gesehen, und diese Situationen können oft einen unklaren Anfang oder ein unklares Ende haben.

Subtypes partizipatorischer Kunst:
Photovoice
Comic – Projekt
erstellen Comic – Projekt

Geschichte
Partizipative Kunst hat ihren Ursprung in dem Futurist und dada Leistungen des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, die zu provozieren entworfen wurden, skandalisieren und die Öffentlichkeit zu bewegen. In den späten 1950er Jahren entwickelte der Künstler Allan Kaprow Performance Ereignisse genannt, in dem er das Publikum in der Teilnahme an der Erfahrung zwingen würde. Die Französisch Filmemacher und Schriftsteller Guy Debord, der Gründer des Situationismus, förderte auch eine Form der partizipatorischen Kunst, dass er wünschte, die Zuschauerposition durch Ausarbeitung Industrielacke zu beseitigen: en masse erstellt Gemälde. Der zeitgenössische Künstler Marvin-Gaye Chetwynd verlässt sich ganz auf bereit Teilnehmer ihre Leistungen zu schaffen, wie der Aktivist Künstler Tania Bruguera. In ihrer Arbeit den Mehrwert,

Die Entstehung von Participatory Arts wird von früheren Avantgarden informiert wie Dada, Konstruktivismus und Surrealismus, die Fragen in Bezug auf Vorstellungen von Originalität und Autorschaft und herausgefordert konventionelle Annahmen über die passive Rolle des Betrachters oder Zuschauer erhöht. Dabei nahmen sie eine anti-bürgerliche Position über die Rolle und Funktion der Kunst.

Die sozialen, politischen und kulturellen Umwälzungen der 1960er Jahre und die empfundene Elitismus, sozialer Rückzug und Kommerzialisierung der Kunst verbunden mit Moderne beigetragen zu neuen Formen der Politisierung, reaktionären und gesellschaftlich Praxis beschäftigt, wie Konzeptkunst, Fluxus und Situationismus. Die Entwicklung neuer Technologien und verbesserte Mechanismen der Kommunikation und Verteilung, mit der Pause kombiniert unten mittelspezifischen artforms, mehr Möglichkeiten für Künstler zur Verfügung gestellt, um physisch mit dem Betrachter interagieren. Neue Formen der Praxis wurden von Künstlern entwickelt, die proaktiv neue künstlerische Medien gesucht gegenseitigen Austausch durch offene und integrative Praktiken zu gestalten. Diese neuen Formen der Praxis angeeignet nicht-hierarchische Gesellschaftsformen und wurden durch eine Reihe von theoretischen und praktischen Disziplinen informiert, wie Feminismus, Postkoloniale Theorie, Psychoanalyse, die kritische Theorie und Literaturtheorie. Während Fragen der Urheber Bedenken über die in der Definition und Produktion von Kunst beteiligt ist, wurde die Beziehung des Kunstwerkes zu seinem Publikum eine zentrale Achse für diese neuen Formen der Praxis Kunst.

Eines der frühesten Verwendungen des Begriffs erscheint in Fotografen Richard Ross (Fotograf) ’s Beitrag für das Los Angeles Institute of Contemporary Art Zeitschrift der Ausstellung ‚Downtown Los Angeles Künstler‘, der im Jahr 1980 Contemporary Arts Forum Santa Barbara organisiert Beschreiben in-situ-Arbeiten von Jon Peterson (Künstler), Maura Sheehan und Judy Simonian der Nähe von Santa Barbara anonym platziert, Ross schrieb: „Diese Künstler, die Verantwortung für die Gemeinschaft tragen. Ihre Kunst ist partizipativ.“

In den späten 1990er Jahren wurden von einer neuen Generation von Künstlern unter der Überschrift relationaler Kunst oder Relational Aesthetics identifizierten partizipative Konzepte erweitert auf. Dies ist ein Begriff, der von dem Französisch Kurator Nicolas Bourriaud prägte eine Reihe von offenen Kunstpraktiken zu beschreiben, die sich mit dem Netz der menschlichen Beziehungen und dem sozialen Kontext, in dem solche Beziehungen entstehen. Relational Art betont auch die Vorstellung von Kunstwerken als Geschenke, mehrere Formen, wie Einnahme von Mahlzeiten, Treffen, Partys, Poster, Castings, Spiele, Diskussionsplattformen und andere Arten von gesellschaftlichen Veranstaltungen und Kooperationen. In diesem Zusammenhang wird der Schwerpunkt auf der Verwendung des Bildes platziert. Kunst wird als Information zwischen dem Künstler und dem Betrachter ausgetauscht, die auf den Antworten von anderen verlassen sich auf sie relationale zu machen.

Als Reaktion auf die schnelle Beschleunigung von Echtzeit-Kommunikation im einundzwanzigsten Jahrhundert ein neuer Begriff, Altermodern, auch durch Bourriauds erdacht schlägt eine Alternative zur konzeptionellen Linie der Postmodernismus. Nach Bourriaud, die Erschließung neuer Marktwirtschaft und die Mobilität der Künstler und Publikum haben neue Modelle für die politischen und kulturellen Austausch und die Teilnahme angeregt. Durch globale Vertriebssysteme können Künstler über geographische und politische Grenzen hinausgehen. Eine neue Kultur-Rahmen aus der Diaspora, Migration und Exodus bietet alternative Formen der Interpretation und das Verständnis des Kunstwerks. Die Dezentralisierung der globalen Kultur präsentiert neue Formate für den Austausch zwischen Künstler und Publikum, das immer wieder anfällig und anpassungsfähig an leicht verfügbare Technologien sind. Die digitale Technologie und die globale soziale Netzwerke des Internet kann ein Gefühl der Teilnahme ohne die physische Versammlung von Menschen in einem Ort fördern. Dies stellt einen grundlegenden Wandel in der traditionellen Vorstellungen von Gemeinschaft und unsere Erfahrung von Kunstwerken.

Einfluss:
Die vermutete authorial Kontrolle des Künstlers wurde insbesondere von Konzeptkünstlern in Frage gestellt , die einen Schwerpunkt auf der Idee oder ein Konzept eher als ein greifbares Kunstobjekt platziert. Sie schufen Kunstwerke , die von anderen , ohne das direkte Eingreifen des Künstlers realisiert werden konnte. Kunstwerke könnte die Form einer Reihe von Anweisungen nehmen, bei denen die Teilnehmer direkt in der Mitgestaltung des Kunstwerks beteiligt waren. Anweisungen wurden durch eine Vielzahl von Medien kommuniziert, wie Fotografie, Video, Zeichnung, Text, Performance, Sound, Skulptur und Installation.

Ebenso wies Fluxus Künstler hergebrachten Grundsätze des Handwerks, Permanenz des Kunstobjekts und die Vorstellung des Künstlers als Spezialist. Fluxus Künstler betrachteten Kunst nicht als endliches Objekt, sondern als zeitbasierte Erfahrung, unter Verwendung von Leistung und Theaterexperimente. Fluxus-Künstler interessierten sich für das transformierende Potenzial der Kunst durch die Zusammenarbeit. Die Zuschauer wurden aufgefordert, mit dem Darsteller zu interagieren, während handlungslosen Bühnenveranstaltungen Kunstwerke offen für künstlerische Chance und Interpretation. Kunstwerke wurden in einer Reihe von Medien, einschließlich Musikpartituren realisiert, Performance, Veranstaltungen, Publikationen, Multiples und montierte Umgebungen konstruiert, um den Betrachter zu umhüllen. Diese Initiativen wurden oft mit Workshop Eigenschaften konzipiert, wobei der Künstler als Vermittler betätigen, das Publikum in philosophischen Diskussionen über die Bedeutung der Kunst engagieren. Kunstwerke nahmen oft die Form von Versammlungen und Demonstrationen, Veranstaltungen oder sozialer Skulptur, wobei die Bedeutung der Arbeit aus dem kollektiven Engagement der Teilnehmer abgeleitet wurde. Ein gemeinsames Ziel von Fluxus, Happening und Situationistischen Ereignissen war eine neue Synthese zwischen Politik und Kunst zu entwickeln, in der politischen Aktivismus in streetbased Kunstpraxis als radikales Mittel spiegeln Unterschiede zwischen Kunst und Leben zu beseitigen.

Es ist wichtig, darauf hinzuweisen, dass es einige nominal Verschleierung von Participatory Art gewesen ist, seine Anerkennung als eigenständige Form verursacht stymied werden. Es ist sehr wahrscheinlich, dass dies gleichzeitig mit der Entwicklung des Begriffs „Relational Aesthetics“ von Bourriauds in den späten 1990er Jahren aufgetreten. Einige andere Kunst macht Techniken, wie ‚community-based Kunst‘, ‚Interaktive Kunst‘ oder ‚sozial engagierte Kunst‘ gewesen sein (mis) als Partizipative Kunst markiert, einfach weil die Feinheit der Unterscheidung nicht immer klar zu verstehen, oder gepflegt Über. Partizipative Kunst erfordert der Künstler, dass sie entweder nicht vorhanden sein, oder dass sie irgendwie in der Lage sind weit genug zurückgehen mit den Teilnehmern gleich zu werden. Dies ist die einzige Art und Weise, dass die Teilnehmer könnten die Agentur der Schöpfung angeboten werden; ohne dieses Detail, Teilnehmer werden immer innerhalb der Domäne der Autorität des Künstlers reagieren; sie werden auf diese Weise unterjocht werden, und die Arbeit wird nicht partizipativ sein. Dieses Detail ist von zentraler Bedeutung Teilnahme als Form an sich zu behaupten, und unterscheidet effektiv Teilnahme von interaktiven, Community-basierte Kunst und sozial engagierte Kunst. Jede dieser Techniken kann die Anwesenheit des Künstlers enthält, da es nicht auf das Ergebnis der Arbeit in der gleichen Art und Weise treffen wird.

Folk und Stammeskunst können einen Vorgänger oder Modell seine für zeitgenössische „partizipatorische Kunst“ in den viele oder alle von den Mitgliedern der Gesellschaft teilnehmen bei der Herstellung von „Kunst“ in Betracht gezogen werden. Allerdings stellt sich die ideologische Frage der Verwendung an dieser Stelle, weil Kunst in den Institutionen der Kunst standardmäßig hergestellt ist, bereits ein Teil der Kunstwelt, und deshalb ist es wahrgenommen Gebrauch ist völlig anders als jede rituelle oder traditionelle Praktiken von Folk oder Stammesgruppen ausgedrückt . Da der ethnomusicologist Bruno Nettl schrieb, hat die Stammes-Gruppe“keine Spezialisierung oder Professionalisierung; seine Arbeitsteilung aufgrund des Geschlechts fast ausschließlich abhängig und gelegentlich von Alter, und nur selten bestimmte Personen beherrschen jede Technik zu einem unverwechselbaren Grad … die gleichen Lieder von allen Mitgliedern der Gruppe bekannt sind,

Im Herbst / Winter Ausgabe von Oregon Humanities Magazin, Schriftsteller Eric Gold-beschreibt „eine künstlerische Tradition namens‚soziale Praxis‘, die auf Kunstwerke bezieht, in der die Künstler, Publikum, und ihre Wechselwirkungen miteinander sind das Medium. Während ein Maler Pigment und Leinwand verwendet und ein Bildhauer Holz oder Metall, schaffen die soziale Praxis Künstler oft ein Szenario, in dem das Publikum ist eingeladen, teilzunehmen. Obwohl die Ergebnisse mit Fotografie, Video oder auf anderer Weise dokumentiert werden können, ist das Kunstwerk wirklich die Interaktionen, die aus dem Publikum der Auseinandersetzung mit dem Künstler und die Situation „entstehen.

Partizipative oder interaktive Kunst schafft eine dynamische collaborati

Die Entwicklung der Participatory Arts-Praxis wurde auch durch die Entwicklung von öffentlichen Kunstprogrammen, von denen viele im Kontext großangelegter Stadterneuerungs- und Stadterneuerungsinitiativen entstanden sind, informiert und geprägt. Partizipative Kunstprogramme, deren Schwerpunkt auf öffentlichem Engagement und Partizipation liegt, können ein wichtiges Element sowohl für den Konsensfindungsprozess als auch für die Kritik an solchen Regenerationsinitiativen sein. Der wirtschaftliche Abschwung und die gesellschaftspolitischen Turbulenzen der 1980er Jahre in Verbindung mit den entfremdenden Auswirkungen des Kapitalismus und seiner Auswirkungen auf die Strukturen der Gemeinschaft führten zu einem wachsenden Bewusstsein für das Potenzial der Künste als Mittel zur Auseinandersetzung mit sozialen Fragen, insbesondere Fragen der sozialen Eingliederung. Beeinflusst von früheren Formen sozial engagierter und aktivistischer Kunst, entstanden in dieser Zeit viele Kunstorganisationen und -initiativen der Gemeinschaft. Community Arts betonte die Rolle der Kunst bei der Umsetzung von sozialen Aspekten der Kunstinitiative. Dialogische Ästhetik ist ein Begriff, der die aktive Rolle des Dialogs in einer solchen sozial engagierten Kunst beschreibt. Während dieser Zeit begannen staatliche Einrichtungen, die Kunst zu finanzieren begannen, ihren Kundenorganisationen, wie Museen, Galerien, Theatern und Kunstorganisationen, Eventualitäten in Bezug auf die Förderung der Beteiligung der Öffentlichkeit an den Künsten, insbesondere seitens marginalisierter oder sozial ausgegrenzter Wahlkreise, aufzuerlegen. Die Nutzung der Künste zur Auseinandersetzung mit nicht-künstlerischen Agenden trug zu einer anhaltenden Debatte über die Rolle der Kunst und ihre Beziehung zu ihrem Publikum bei, die weiterhin die Betrachtung der heutigen Participatory Arts beeinflusst.

Kultur hat durch die Veröffentlichung Feedback und Meinungen Online sofortige Befriedigung und einen All-Access-Pass erwarten gewachsen. Wir sind ganz auf Interaktivität gewöhnt und Kunst, die eine solche Erwiderung und proaktive Engagement spiegelt schwingt tief mit uns. Kunstbetrachtung in eine inklusiven Erfahrung, der Künstler stärkt unser Verständnis des Stückes durch Drehen und vielleicht inspiriert die Besucher ein wenig länger auf jedem Gemälde oder eine Skulptur zu verbringen.

Kunstmuseen der heute schlauer, um die Vorteile der Interaktivität auf. Viele Institutionen haben auf die Bedürfnisse der zunehmend weborientierte, digital gesinnte Besucher angepasst, die den sofortigen Zugriff und Engagement erwarten sowohl innerhalb als auch außerhalb der Museumsmauern. Solche Einrichtungen haben unter Verwendung von Apps iPhone begonnen und Social-Networking-Veranstaltungen, Online-Galerien zu fördern diejenigen zu Hause zu informieren und Touch-Screen-Technologie Wahrnehmungen in Ausstellungen zu führen. Die savvier Museen meistern auch, wie Fragen der Erhaltung, Anzeigen und besitzt konzeptuelle Arbeiten zu definieren und zu regeln, dass Kunst und Publikum verschmelzen.