L’arte partecipativa è un approccio al fare arte in cui il pubblico è coinvolto direttamente nel processo creativo, consentendo loro di diventare co-autori, editori e osservatori del lavoro. Pertanto, questo tipo di arte è incompleta senza l’interazione fisica degli spettatori. Il suo intento è quello di sfidare la forma dominante di fare arte in Occidente, in cui una piccola classe di artisti professionisti realizzano l’arte mentre il pubblico assume il ruolo di osservatore passivo o consumatore, cioè, acquista il lavoro dei professionisti sul mercato .

Alcuni lavori su commissione, che hanno reso famosa l’arte partecipativa, sono il teatro degli oppressi di Augusto Boal e gli avvenimenti di Allan Kaprow. Un’opera artistica, che è interattiva e partecipata, può essere definita come arte partecipativa e può anche essere categorizzata con termini come arte relazionale, pratica sociale e una nuova forma di arte pubblica. Lavori consigliati dai sostenitori che l’arte partecipativa divulgata include Augusto Boal in il suo teatro degli oppressi, così come Allan Kaprow negli avvenimenti.

Le arti partecipative si riferiscono a una vasta gamma di pratiche artistiche, inclusa l’estetica relazionale, in cui l’accento viene posto sul ruolo dello spettatore o dello spettatore nella realizzazione fisica e concettuale e nella ricezione dell’opera d’arte. La componente centrale delle arti partecipative è la partecipazione attiva dello spettatore o dello spettatore. Molte forme di pratica partecipativa mettono in primo piano il ruolo della collaborazione nella realizzazione di un’opera d’arte, sottolineando il ruolo dell’artista professionista come unico creatore o autore dell’opera d’arte, mentre costruiscono legami sociali attraverso il significato e l’attività della comunità. Il termine “arti partecipative” comprende una serie di pratiche artistiche informate da imperativi sociali, politici, geografici, economici e culturali, come le arti comunitarie, l’arte attivista, l’arte pubblica di nuovo genere, l’arte socialmente impegnata e l’arte dialogica.

Le arti partecipative possono essere specifiche dell’arte, come le arti visive, la musica o il teatro, oppure possono essere interdisciplinari e coinvolgere la collaborazione in una vasta gamma di forme d’arte. Possono anche coinvolgere la collaborazione con agenzie non artistiche, come organizzazioni di inclusione sociale, autorità locali e gruppi di sviluppo della comunità. L’opera prodotta può assumere molte forme e, a causa della natura collaborativa delle arti partecipative, può comprendere un evento, una situazione o una performance, piuttosto che la produzione di un oggetto. Le interazioni che emergono da questi incontri sono spesso tradotte in mezzi documentari, come la fotografia, il video o il testo.

L’arte partecipativa è un termine che descrive una forma d’arte che coinvolge direttamente il pubblico nel processo creativo in modo che diventino partecipanti all’evento

In questo senso, l’artista è visto come un collaboratore e un coproduttore della situazione (con il pubblico), e queste situazioni possono spesso avere un inizio o una fine poco chiari.

Sottotipi di arte partecipativa:
Photovoice
Progetto di fumetti
Crea un progetto comico

Storia
L’arte partecipativa ha le sue origini nelle rappresentazioni futuriste e dada del primo Novecento, che sono state progettate per provocare, scandalizzare e agitare il pubblico. Alla fine degli anni ’50 l’artista Allan Kaprow inventò spettacoli chiamati happening, in cui avrebbe costretto il pubblico a partecipare all’esperienza. Il regista e sceneggiatore francese Guy Debord, fondatore del situazionismo, promosse anche una forma di arte partecipativa in quanto desiderava eliminare la posizione dello spettatore inventando dipinti industriali: dipinti creati in massa. L’artista contemporaneo Marvin-Gaye Chetwynd si affida interamente ai partecipanti disposti a creare le sue esibizioni, così come l’artista attivista Tania Bruguera. Nel suo lavoro Surplus Value, ai partecipanti è stato chiesto di aspettare in fila e poi a caso selezionati in coloro che potevano entrare nel lavoro e altri che sono stati sottoposti a test di bugie, al fine di evidenziare i problemi dell’immigrazione.

L’emergere delle arti partecipative è influenzato da precedenti movimenti d’avanguardia come dada, il costruttivismo e il surrealismo, che sollevano questioni riguardo alle nozioni di originalità e autorialità e sfidano le convinzioni convenzionali sul ruolo passivo dello spettatore o dello spettatore. In tal modo hanno adottato una posizione anti-borghese sul ruolo e la funzione dell’arte.

Gli sconvolgimenti sociali, politici e culturali degli anni ’60 e l’elitismo, il disimpegno sociale e la mercificazione dell’arte associati al modernismo hanno contribuito a nuove forme di pratica politicizzata, reazionaria e socialmente impegnata, come l’arte concettuale, il flusso e il situazionismo. Lo sviluppo di nuove tecnologie e il miglioramento dei meccanismi di comunicazione e distribuzione, combinati con la suddivisione di forme d’arte medio-specifiche, hanno offerto maggiori possibilità agli artisti di interagire fisicamente con lo spettatore. Nuove forme di pratica furono sviluppate dagli artisti, che cercarono proattivamente nuovi mezzi artistici per plasmare lo scambio reciproco attraverso pratiche aperte e inclusive. Queste nuove forme di pratica si appropriano di forme sociali non gerarchiche e sono state informate da una serie di discipline teoriche e pratiche, come il femminismo, la teoria postcoloniale, la psicoanalisi, la teoria critica e la teoria letteraria. Mentre le domande di paternità suscitano preoccupazioni su chi partecipa alla definizione e alla produzione di arte, il rapporto tra l’opera d’arte e il pubblico diventa un asse centrale per queste forme emergenti di pratica artistica.

Uno dei primi usi del termine appare nella recensione del fotografo Richard Ross (fotografo) per la rivista del Los Angeles Institute of Contemporary Art della mostra “Downtown Los Angeles Artists”, organizzata dal Santa Barbara Contemporary Arts Forum nel 1980. Descrivendo Opere in situ di Jon Peterson (artista), Maura Sheehan e Judy Simonian collocate anonimamente intorno a Santa Barbara, Ross ha scritto: “Questi artisti hanno la responsabilità della comunità, la loro arte è partecipativa”.

Alla fine degli anni ’90 i concetti partecipativi sono stati ampliati da una nuova generazione di artisti identificati sotto il titolo di arte relazionale o estetica relazionale. Questo è un termine coniato dal curatore francese Nicolas Bourriaud per descrivere una serie di pratiche artistiche aperte, che riguardano la rete di relazioni umane e il contesto sociale in cui tali relazioni si presentano. L’arte relazionale sottolinea anche la nozione di opere d’arte come regali, assumendo molteplici forme, come pasti, riunioni, feste, poster, sessioni di casting, giochi, piattaforme di discussione e altri tipi di eventi e cooperazioni sociali. In questo contesto, l’accento è posto sull’uso dell’opera d’arte. L’arte è considerata come scambio di informazioni tra l’artista e lo spettatore che si basa sulle risposte degli altri per renderlo relazionale.

In risposta alla rapida accelerazione delle comunicazioni in tempo reale nel ventunesimo secolo, un nuovo termine, altermoderno, ideato anche da Bourriaud, propone un’alternativa al lignaggio concettuale del postmodernismo. Secondo Bourriaud, l’apertura di nuove economie di mercato e la mobilità di artisti e spettatori hanno stimolato nuovi modelli di scambio e partecipazione politica e culturale. Attraverso i sistemi di distribuzione globale, gli artisti possono attraversare confini geografici e politici. Un nuovo quadro culturale costituito da diaspora, migrazione ed esodo offre modalità alternative di interpretazione e comprensione dell’opera d’arte. La decentralizzazione della cultura globale presenta nuovi formati di scambio tra artista e pubblico, che sono continuamente suscettibili e adattabili a tecnologie prontamente disponibili. La tecnologia digitale e i social network globali di Internet possono promuovere un senso di partecipazione senza la raccolta fisica di persone in qualsiasi luogo. Ciò rappresenta un cambiamento fondamentale nelle nozioni tradizionali di comunità e nella nostra esperienza delle opere d’arte.

Influenza:
Il presunto controllo dell’autore dell’artista è stato contestato in particolare da artisti concettuali che hanno posto l’accento sull’idea o sul concetto piuttosto che su un oggetto d’arte tangibile. Hanno creato opere che potrebbero essere realizzate da altri senza l’intervento diretto dell’artista. Le opere d’arte potevano assumere la forma di una serie di istruzioni, in cui i partecipanti erano direttamente coinvolti nella co-creazione dell’opera d’arte. Le istruzioni sono state comunicate attraverso una varietà di media, come fotografia, video, disegno, testo, performance, suono, scultura e installazione.

Allo stesso modo, gli artisti di Fluxus hanno rifiutato i tradizionali principi di artigianalità, permanenza dell’oggetto d’arte e la nozione dell’artista come specialista. Gli artisti di Fluxus non vedevano l’arte come un oggetto finito ma come un’esperienza basata sul tempo, impiegando performance e esperimenti teatrali. Gli artisti di Fluxus erano interessati al potenziale trasformativo dell’arte attraverso la collaborazione. Gli spettatori sono stati incoraggiati ad interagire con il performer, mentre gli eventi in scena senza trama lasciano le opere aperte alla possibilità artistica e all’interpretazione. Le opere d’arte sono state realizzate in una vasta gamma di media, tra cui spartiti musicali, spettacoli, eventi, pubblicazioni, multipli e ambienti assemblati costruiti per avvolgere l’osservatore. Queste iniziative sono state spesso concepite con caratteristiche di laboratorio, in cui l’artista ha operato come facilitatore, coinvolgendo il pubblico in discussioni filosofiche sul significato dell’arte. Le opere d’arte spesso prendevano la forma di incontri e dimostrazioni pubbliche, happening o sculture sociali, per cui il significato del lavoro derivava dall’impegno collettivo dei partecipanti. Un obiettivo comune degli eventi Fluxus, Happenings e Situationist era quello di sviluppare una nuova sintesi tra politica e arte, in cui l’attivismo politico si rispecchiava nella pratica delle arti basate sulla strada come mezzo radicale per eliminare le distinzioni tra arte e vita.

È importante sottolineare che c’è stata qualche offuscamento nominale dell’arte partecipativa, che ha reso il suo apprezzamento come una forma distinta da essere ostacolato. È molto probabile che ciò avvenga contemporaneamente allo sviluppo del termine “Estetica relazionale” di Bourriaud alla fine degli anni ’90. Alcune altre tecniche artistiche, come “arte basata sulla comunità”, “arte interattiva” o “arte socialmente impegnata” sono state (mis) etichettate come arte partecipativa, semplicemente perché le sottigliezze della distinzione non sono sempre chiaramente comprese o curate di. L’arte partecipativa richiede all’artista di non essere presenti o di essere in qualche modo in grado di allontanarsi abbastanza da essere all’altezza dei partecipanti. Questo è l’unico modo in cui ai partecipanti potrebbe essere offerta l’agenzia della creazione; senza questo dettaglio, i partecipanti risponderanno sempre all’interno del dominio dell’autorità dell’artista; saranno soggiogati in questo modo e il lavoro non sarà partecipativo. Questo dettaglio è centrale nell’affermare la partecipazione come una forma in sé e differenzia efficacemente la partecipazione da arte interattiva, basata sulla comunità e arte socialmente impegnata. Ognuna di queste tecniche può includere la presenza dell’artista, in quanto non interferisce con il risultato del lavoro nello stesso modo.

L’arte popolare e tribale può essere considerata come un predecessore o un modello per la contemporanea “arte partecipativa” in quanto molti o tutti i membri della società partecipano alla creazione di “arte”. Tuttavia, la questione ideologica dell’uso sorge a questo punto perché l’arte fatta nelle istituzioni dell’arte è di default, già parte del mondo dell’arte, e quindi è percepito come l’uso sia completamente diverso da qualsiasi pratica ritualistica o tradizionale espressa da gruppi folk o tribali . Come scrisse l’etnomusicologo Bruno Nettl, il gruppo tribale “non ha specializzazione o professionalizzazione, la sua divisione del lavoro dipende quasi esclusivamente dal sesso e, occasionalmente, dall’età, e solo raramente alcuni individui esperti in qualsiasi tecnica hanno un grado distintivo … lo stesso le canzoni sono conosciute da tutti i membri del gruppo e c’è poca specializzazione nella composizione, nelle prestazioni o nella realizzazione di strumenti. ”

Nel numero Autunno / Inverno della rivista Oregon Humanities, lo scrittore Eric Gold descrive “una tradizione artistica chiamata ‘pratica sociale’, che si riferisce a opere d’arte in cui l’artista, il pubblico e le loro interazioni tra loro sono il mezzo. il pittore usa il pigmento e la tela, e uno scultore in legno o metallo, l’artista della pratica sociale spesso crea uno scenario in cui il pubblico è invitato a partecipare, anche se i risultati possono essere documentati con fotografie, video o altro, le opere d’arte sono davvero le interazioni che emergono dall’impegno del pubblico con l’artista e la situazione “.

L’arte partecipativa o interattiva crea una collaborazione dinamica

Lo sviluppo della pratica delle arti partecipative è stato anche informato e modellato dallo sviluppo di programmi di arte pubblica, molti dei quali si sono evoluti nel contesto di iniziative di rinnovamento urbano e di rigenerazione su larga scala. I programmi di arti partecipative con enfasi sull’impegno pubblico e sulla partecipazione possono essere un elemento importante sia nel processo di costruzione del consenso che nella critica di tali iniziative di rigenerazione. La recessione economica e le turbolenze politiche sociali degli anni ’80, combinate con gli effetti alienanti del capitalismo e il suo impatto sulle strutture comunitarie, hanno portato a una crescente consapevolezza del potenziale delle arti come veicolo per affrontare le questioni sociali, in particolare le questioni dell’inclusione sociale. Influenzati da precedenti forme di arte socialmente impegnata e attivista, in questo periodo sono emerse molte organizzazioni e iniziative di arte comunitaria. Le arti comunitarie hanno sottolineato il ruolo dell’arte nella realizzazione degli aspetti sociali dell’iniziativa artistica. Dialogical Aesthetics è un termine usato per descrivere il ruolo attivo del dialogo in un’arte socialmente impegnata. Durante questo periodo, gli enti statali che finanziavano le arti iniziarono a imporre contingenze alle loro organizzazioni clienti, come musei, gallerie, teatri e organizzazioni artistiche, per incoraggiare la partecipazione pubblica nelle arti, specialmente da parte di gruppi emarginati o socialmente esclusi. L’utilizzo delle arti per affrontare le agende non artistiche ha contribuito a un dibattito in corso sul ruolo dell’arte e sul suo rapporto con il pubblico, che continua a informare oggi sulle arti partecipative.

La cultura è cresciuta aspettandosi una gratificazione immediata e un pass illimitato inviando commenti e opinioni online. Siamo totalmente abituati all’interattività e l’arte che riflette tale reciprocità e il coinvolgimento proattivo risuona profondamente con noi. Trasformando la visione dell’arte in un’esperienza inclusiva, l’artista rafforza la nostra comprensione del pezzo, e forse ispira il visitatore a spendere un po ‘più a lungo su ogni dipinto o scultura.

I musei d’arte di oggi sono consapevoli dei vantaggi dell’interattività. Molte istituzioni si sono adattate alle esigenze di visitatori sempre più orientati al web e di orientamento digitale che si aspettano un accesso e un coinvolgimento immediati all’interno e all’esterno delle mura dei musei. Tali istituzioni hanno iniziato a utilizzare app per iPhone e social network per promuovere eventi, gallerie online per informare chi è a casa e tecnologia touch-screen per guidare le percezioni all’interno delle mostre. I musei più savvy stanno anche padroneggiando come definire e regolare i problemi di conservazione, visualizzazione e possesso di opere concettuali che confondono arte e pubblico.