Architecture française

L’architecture française figure parmi les nombreuses réalisations de la France. Les indications de l’importance particulière de l’architecture en France furent la fondation de l’Académie d’architecture en 1671, la première institution de ce genre en Europe, et la création en 1720 du Prix de Rome en architecture, un concours d’intérêt national financé par le état, et un honneur intensément poursuivi.

Histoire

Gallo-romain
L’architecture de la Rome antique a d’abord adopté l’architecture grecque extérieure et par la République tardive, le style architectural a développé son propre style très distinctif en introduisant les arcs, les voûtes et les dômes précédemment peu utilisés. Un facteur crucial dans ce développement, a inventé la révolution architecturale romaine, était l’invention du béton. Des éléments sociaux tels que la richesse et les fortes densités de population dans les villes ont forcé les anciens Romains à découvrir de nouvelles solutions (architecturales). L’utilisation de voûtes et d’arches ainsi qu’une bonne connaissance des matériaux de construction, par exemple, leur ont permis d’obtenir des succès sans précédent dans la construction de structures imposantes à usage public.

Alyscamps à Arles et Maison Carrée à Nîmes sont des exemples notables en France sur la période. L’Alyscamps est une grande nécropole romaine, à une courte distance des murs de la vieille ville d’Arles. C’était l’une des nécropoles les plus célèbres du monde antique. Le nom est une corruption du Latin Elisii Campi (Champs-Élysées ou Elysian Fields). Ils étaient célèbres au Moyen Age et sont mentionnés par Ariosto à Orlando Furioso et par Dante dans l’Inferno. Les Alyscamps ont continué à être utilisés bien dans l’époque médiévale, bien que l’enlèvement des reliques de Saint Trophimus à la cathédrale en 1152 ait réduit son prestige.

Pré-roman
L’unification du royaume franc sous Clovis Ier (465-511) et ses successeurs correspondait à la nécessité de construire des églises, et surtout des églises de monastère, car ce sont maintenant les maisons de pouvoir de l’église mérovingienne. Les plans ont souvent continué la tradition de la basilique romaine, mais ont également pris des influences d’aussi loin que la Syrie et l’Arménie. A l’est, la plupart des structures étaient en bois, mais la pierre était plus commune pour les bâtiments importants dans l’ouest et dans les régions du sud qui tombèrent plus tard sous la domination mérovingienne. La plupart des grandes églises ont été reconstruites, généralement plus d’une fois, mais de nombreux plans mérovingiens ont été reconstruits à partir de l’archéologie. La description dans l’évêque de Tours de l’Histoire des Francs de la basilique de Saint-Martin, construite à Tours par Saint Perpetuus (évêque 460-490) au début de la période et à l’époque sur le bord du territoire franc, donne On peut regretter la disparition de ce bâtiment, l’une des plus belles églises mérovingiennes, avec 120 colonnes de marbre, des tours à l’extrémité est et plusieurs mosaïques: «Saint-Martin montrait l’accent vertical et la combinaison de unités formant un espace interne complexe et la silhouette externe riche correspondante, qui devaient être les caractéristiques de l’art roman “. Une caractéristique de la basilique de Saint-Martin qui est devenue une caractéristique de l’architecture de l’église Frankish était le sarcophage ou reliquaire du saint élevé pour être visible et situé axialement derrière l’autel, parfois dans l’abside. Il n’y a pas de précédents romains pour cette innovation franque. Un certain nombre d’autres bâtiments, aujourd’hui perdus, y compris les fondations mérovingiennes de Saint-Denis, Saint-Géréon à Cologne, et l’abbaye de Saint-Germain-des-Prés à Paris, sont décrits comme également ornés.

roman
Architecture d’un style roman développé simultanément dans certaines parties de la France au 10ème siècle et avant l’influence ultérieure de l’abbaye de Cluny. Le style, parfois appelé “First Romanesque” ou “Roman Roman Lombard”, est caractérisé par des murs épais, le manque de sculpture et la présence d’arches rythmiques ornementales connues comme un groupe lombard. La cathédrale d’Angoulême est l’un des nombreux cas où les églises byzantines de Constantinople semblent avoir influencé la conception dans laquelle les espaces principaux sont couverts de dômes. Cette structure a nécessité l’utilisation de murs très épais et de piliers massifs d’où jaillissent les dômes. Il y a des chapelles rayonnantes autour de l’abside, qui est une caractéristique typiquement française et devait évoluer dans la chevette. Notre-Dame à Domfront, en Normandie, est une église cruciforme avec une courte extrémité est absidale. La nef a perdu son allée, et a probablement une partie de sa longueur. Le croisement a une tour qui s’élève en deux étapes différenciées et est surmontée d’une flèche pyramidale d’un type largement vu en France et en Allemagne et aussi sur les tours normandes en Angleterre. L’abbaye de Fongombault en France montre l’influence de l’abbaye de Cluny. Le plan cruciforme est clairement visible. Il y a une chevette de chapelles entourant l’abside. La traversée est surmontée d’une tour. Les transepts se terminent par des pignons.

Le Saint-Étienne situé à Caen présente l’une des façades romanes les plus connues du nord de la France, avec trois portails menant dans la nef et les bas-côtés, et un simple arrangement de fenêtres identiques entre les contreforts des hautes tours. Commencé dans les années 1060, c’était un prototype pour les façades gothiques. Les flèches et les pinacles, qui semblent remonter inévitablement des tours, datent du début du XIIIe siècle. L’église de la Trinité de Caen met davantage l’accent sur le portail central et l’agencement des fenêtres au-dessus. La décoration des tours commence à un niveau inférieur à celui de Saint-Étienne, leur conférant poids et distinction. Les balustrades supérieures sont des ajouts dans le style classique. La façade du Puy-en-Velay en Haute-Loire présente un agencement complexe d’ouvertures et d’arcatures qui deviendra une caractéristique des façades gothiques françaises. Il est rendu encore plus riche par la brique polychrome utilisée dans divers modèles, y compris le damier, également une caractéristique de la décoration en céramique des églises espagnoles de cette période. Le profil des allées est projeté par des arcs ouverts, peut-être pour les cloches. La cathédrale d’Angoulême est une autre façade richement décorée, mais ici elle est en pierre de taille avec la sculpture comme ornement principal. Le mode d’agencement des diverses arches n’est pas sans rappeler celui du Puy-en-Velay, mais formant cinq fortes divisions verticales qui suggèrent que la nef est encadrée de deux nefs de chaque côté. En fait, l’église n’a pas d’allées et est couverte par des dômes. La sculpture figurative, en commun avec beaucoup de sculpture romane, n’est pas étroitement intégrée aux espaces arqués dans lesquels elle a été placée.

À la cathédrale d’Autun, le plan des travées et des nefs de la nef s’étend au-delà du passage et dans le chœur, chaque aile se terminant par une abside. Chaque travée est séparée de la voûte par une nervure transversale. Chaque transept projette à la largeur de deux travées. L’entrée a un narthex qui masque le portail principal. Ce type d’entrée devait être élaboré à l’époque gothique sur les transepts de Chartres.

Médiéval
L’architecture gothique française est un style d’architecture répandu en France de 1140 jusqu’à environ 1500, qui se sont largement divisés en quatre styles, le gothique tôt, le haut gothique, le rayonnant, le gothique tardif ou le style flamboyant. Le style gothique précoce a commencé en 1140 et a été caractérisé par l’adoption de l’arche pointue et la transition de l’architecture romane tardive. Pour rehausser le mur, les constructeurs le divisaient en quatre niveaux: arcade (arches et piles), galerie, triforium et clerestorey. Pour soutenir les murailles supérieures, les constructeurs ont inventé les contreforts volants, qui n’ont atteint leur maturité qu’au haut gothique au XIIIe siècle. Les voûtes étaient six voûtes sexpartites nervurées. Les structures notables du style comprennent l’extrémité est de l’église abbatiale de St Denis, la cathédrale des Sens, Notre-Dame de Laon, la façade ouest de la cathédrale de Chartres, Notre Dame de Paris, la cathédrale de Lyon et la cathédrale de Toul.

Le style gothique élevé du 13ème siècle a canonisé des proportions et des formes du gothique tôt et les a développées plus loin pour réaliser les structures légères, pourtant grandes et majestueuses. La structure de mur a été modifiée de quatre à seulement trois niveaux: arcade, triforium, et clerestorey. Les couronnements des piles étaient plus petits pour éviter d’arrêter la poussée visuelle vers le haut. Les fenêtres clérestorey changeaient d’une fenêtre dans chaque segment, troué dans le mur, à deux fenêtres unies par une petite rosace. La voûte de côte a changé de six à quatre nervures. Les contreforts volants ont mûri, et après qu’ils ont été embrassés à Notre-Dame de Paris et à Notre-Dame de Chartres, ils sont devenus la manière canonique de soutenir de hauts murs, car ils ont servi des buts structuraux et ornementaux. Le corps principal de la cathédrale de Chartres (1194-1260), la cathédrale d’Amiens et la cathédrale de Bourges sont également des représentants du style.

En dehors de ces styles gothiques, il existe un autre style appelé “Gothique Méridional” (ou Gothique du Sud, opposé à Gothique Septentrional ou Gothique du Nord). Ce style est caractérisé par une grande nef et n’a pas de transept. Des exemples de cette architecture gothique seraient Notre-Dame-de-Lamouguier à Narbonne et Sainte-Marie à Saint-Bertrand-de-Comminges.

Renaissance
Pendant les premières années du 16ème siècle, les Français ont été impliqués dans des guerres dans le nord de l’Italie, ramenant en France non seulement les trésors de l’art de la Renaissance comme butin de guerre, mais aussi des idées stylistiques. Dans la vallée de la Loire, une vague de construction a été réalisée et de nombreux châteaux de la Renaissance sont apparus à cette époque, le premier exemple étant le château d’Amboise (vers 1495) dans lequel Léonard de Vinci a passé ses dernières années. Le style devint dominant sous François Ier (voir Châteaux de la Loire).

Le style s’est progressivement développé en un maniérisme français connu sous le nom de style Henri II par des architectes tels que Sebastiano Serlio, qui a été engagé après 1540 dans le travail au château de Fontainebleau. A Fontainebleau, des artistes italiens tels que Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio et Niccolo dell ‘Abbate ont formé la première école de Fontainebleau. Des architectes comme Philibert Delorme, Androuet du Cerceau, Giacomo Vignola et Pierre Lescot se sont inspirés des nouvelles idées. La façade intérieure sud-ouest de la Cour Carrée du Louvre à Paris a été conçue par Lescot et recouverte de sculptures extérieures par Jean Goujon. L’architecture a continué à prospérer sous les règnes de Henry II et Henry III.

Baroque
Le baroque français est une forme d’architecture baroque qui a évolué en France sous les règnes de Louis XIII (1610-1643), Louis XIV (1643-1714) et Louis XV (1714-1774). Le baroque français a profondément influencé l’architecture laïque du XVIIIe siècle dans toute l’Europe. Bien que la disposition ouverte des trois ailes du palais ait été établie en France comme la solution canonique dès le 16ème siècle, c’était le Palais du Luxembourg (1615-20) par Salomon de Brosse qui a déterminé la direction sobre et classicizing que l’architecture baroque française était de prendre. Pour la première fois, le corps de logis a été souligné comme la partie principale représentative du bâtiment, tandis que les ailes latérales étaient considérées comme hiérarchiquement inférieures et réduites de façon appropriée. La tour médiévale a été complètement remplacée par la projection centrale en forme de passerelle monumentale de trois étages.

Probablement le formulateur le plus accompli de la nouvelle manière était François Mansart, crédité d’introduire le plein Baroque à la France. Dans sa conception pour Château de Maisons (1642), Mansart réussit à réconcilier les approches académiques et baroques, tout en respectant les idiosyncrasies héritées du gothique de la tradition française. Maisons-Laffitte illustre la transition en cours entre les châteaux post-médiévaux du XVIe siècle et les maisons de campagne du dix-huitième. La structure est strictement symétrique, avec un ordre appliqué à chaque histoire, la plupart du temps sous forme de pilastre. Le frontispice, couronné d’un toit agrandi séparé, est imprégné d’une plasticité remarquable et l’ensemble se lit comme un ensemble tridimensionnel. Les structures de Mansart sont dépouillées des effets décoratifs exagérés, si typiques de la Rome contemporaine. L’influence baroque italienne est en sourdine et reléguée au domaine de l’ornementation décorative.

La prochaine étape dans le développement de l’architecture résidentielle européenne a impliqué l’intégration des jardins dans la composition du palais, comme en témoigne Vaux-le-Vicomte (1656-61), où l’architecte Louis Le Vau, le designer Charles Le Brun et le jardinier André Le Nôtre se complètent. De la corniche principale à une plinthe basse, le palais miniature est vêtu de ce qu’on appelle «l’ordre colossal», ce qui rend la structure plus impressionnante. La collaboration créative entre Le Vau et Le Nôtre marque l’arrivée du «Magnificent Manner» qui permit d’étendre l’architecture baroque à l’extérieur des murs du palais et de transformer le paysage environnant en une mosaïque immaculée de panoramas expansifs.

Rococo
Rococo développé d’abord dans les arts décoratifs et design d’intérieur. La succession de Louis XIV a apporté un changement dans les artistes de la cour et la mode artistique générale. À la fin du règne du vieux roi, les riches motifs baroques cédaient la place à des éléments plus légers avec plus de courbes et de motifs naturels. Ces éléments sont évidents dans les conceptions architecturales de Nicolas Pineau. Pendant la Régence, la vie de cour s’éloigne de Versailles et ce changement artistique est bien établi, d’abord dans le palais royal puis dans toute la haute société française. La délicatesse et l’enjouement des motifs rococo sont souvent perçus comme parfaitement en phase avec les excès du régime de Louis XV.

Les années 1730 représentent l’apogée du développement rococo en France. Le rococo conservait le goût baroque pour les formes complexes et les motifs complexes, mais à ce stade, il avait commencé à intégrer une variété de caractéristiques diverses, y compris un goût pour les motifs orientaux et les compositions asymétriques. Le style s’est étendu au-delà de l’architecture et du mobilier à la peinture et à la sculpture. Le style rococo se répand avec des artistes français et des publications gravées. Il a été facilement reçu dans les parties catholiques de l’Allemagne, de la Bohême et de l’Autriche, où il a été fusionné avec les traditions baroques allemandes animées.

Néoclassicisme
La première phase du néoclassicisme en France s’exprime dans le «style Louis XVI» des architectes comme Ange-Jacques Gabriel (Petit Trianon, 1762-1768); la seconde phase, dans les styles appelés Directoire et «Empire», pourrait être caractérisée par le sévère Astylar Arc de Triomphe de Jean Chalgrin (conçu en 1806). En Angleterre, les deux phases pourraient être caractérisées d’abord par les structures de Robert Adam, la seconde par celles de sir John Soane. Le style intérieur en France était d’abord un style parisien, le “Goût grec” (“style grec”) pas un style de cour. Ce n’est que lorsque le jeune roi accéda au trône en 1771 que Marie-Antoinette, sa reine amoureuse de la mode, introduisit le style «Louis XVI» devant les tribunaux.

A partir d’environ 1800, un nouvel afflux d’exemples architecturaux grecs, vus à travers des eaux-fortes et des gravures, donna un nouvel élan au néoclassicisme que l’on appelle le renouveau grec. Le néoclassicisme a continué d’être une force majeure dans l’art académique au XIXe siècle et au-delà – une antithèse constante du romantisme ou des réveils gothiques – bien que depuis la fin du XIXe siècle, il était souvent considéré comme anti-moderne, voire réactionnaire . Au milieu du XIXe siècle, plusieurs villes européennes – notamment Saint-Pétersbourg, Athènes, Berlin et Munich – se sont transformées en véritables musées d’architecture néoclassique. En comparaison, le renouveau grec en France n’a jamais été populaire auprès de l’État ou du public. Le peu qui a commencé avec la crypte de Charles de Wailly dans l’église de St Leu-St Gilles (1773-1780) et la Barrière des Bonshommes de Claude Nicolas Ledoux (1785-1785). La preuve directe de l’architecture grecque avait très peu d’importance pour les Français, en raison de l’influence des doctrines de Marc-Antoine Laugier qui cherchaient à discerner les principes des Grecs au lieu de leurs simples pratiques. Il faudra attendre le Néo-Grec de Laboustre du Second Empire pour que le renouveau grec fleurisse brièvement en France.

Second Empire
Au milieu du XIXe siècle, lorsque Napoléon III établit le Second Empire, Paris devient une ville glamour de grands bâtiments imposants. Beaucoup de maisons ont été embellies avec des détails tels que des colonnes jumelées et une crête en fer forgé élaborée est apparue le long des toits. Mais le trait le plus frappant emprunté à cette période est le toit mansardé et pentu. Vous pouvez reconnaître un toit mansardé par sa forme trapézoïdale. Contrairement à un pignon triangulaire, un toit mansardé est presque vertical jusqu’au sommet, lorsqu’il s’aplatit brusquement. Cette ligne de toit singulière crée un sentiment de majesté, et permet également plus d’espace de vie utilisable dans le grenier. Aux États-Unis, Second Empire est un style victorien. Cependant, vous pouvez également trouver le toit mansard pratique et résolument français sur de nombreuses maisons contemporaines.

beaux Arts
Un autre style parisien, les Beaux-Arts sont issus de la légendaire École des Beaux Arts. Florissante au XIXe et au début du XXe siècle, elle fut une élaboration grandiose du style néoclassique plus raffiné. Les façades symétriques étaient ornées de détails somptueux tels que des guirlandes, des médaillons, des fleurs et des boucliers. Ces maisons massives et imposantes étaient presque toujours construites en pierre et réservées aux seuls très riches. Cependant, une maison plus «humble» pourrait montrer des influences Beaux-Arts si elle a des balcons de pierre et des ornements de maçonnerie. De nombreux architectes américains ont étudié à l’École des beaux-arts, et le style a fortement influencé l’architecture des États-Unis de 1880 à 1920.

Art Nouveau et Art Déco

Art Nouveau
Après l’Exposition de 1900, la capitale de l’Art Nouveau était Paris. Les résidences les plus extravagantes du style ont été construites par Jules Lavirotte, qui a entièrement recouvert les façades d’une décoration sculpturale en céramique. L’exemple le plus flamboyant est le bâtiment Lavirotte, 29 avenue Rapp (1901). Les immeubles de bureaux et les grands magasins comportaient de hautes cours couvertes de coupoles en vitrail et de décorations en céramique. Le style était particulièrement populaire dans les restaurants et les cafés, dont Maxim’s au 3 rue Royale, et Le Train bleu à la gare de Lyon (1900).

La ville de Nancy en Lorraine est devenue l’autre capitale française du nouveau style. En 1901, l’Alliance provinciale des industries d’art, également connue sous le nom d’École de Nancy, a été fondée, dédiée à bouleverser la hiérarchie qui place la peinture et la sculpture au-dessus des arts décoratifs. Les principaux artistes qui y travaillent sont Emile Gallé, créateur de lampes en verre et de lampes, les frères Daum en design de verre, et le designer Louis Majorelle, créateur de meubles aux formes gracieuses et végétales. L’architecte Henri Sauvage apporta le nouveau style architectural à Nancy avec sa Villa Majorelle en 1898.

Le style français a été largement propagé par de nouveaux magazines, notamment Le Studio, Arts et Idées et Art et Décoration, dont les photographies et les lithographies en couleurs ont fait connaître le style aux designers et aux clients fortunés du monde entier.

En France, le style atteignit son sommet en 1900, puis disparut rapidement de la mode, disparaissant pratiquement de la France en 1905. L’Art Nouveau était un style de luxe, qui nécessitait des artisans experts et bien payés et ne pouvait être facilement ou à peu de frais. produit. L’un des rares produits Art nouveau pouvant être produits en série était la bouteille de parfum, qui continue à être fabriquée dans le style actuel. L’Art Nouveau a été remplacé par Art Déco (Art déco).

Art Déco
Le style architectural de l’art déco a fait ses débuts à Paris en 1903-04, avec la construction de deux immeubles à Paris, l’un par Auguste Perret rue Trétaigne et l’autre rue Benjamin Franklin par Henri Sauvage. Les deux jeunes architectes ont utilisé du béton armé pour la première fois dans des immeubles résidentiels parisiens; les nouveaux bâtiments avaient des lignes propres, des formes rectangulaires, et aucune décoration sur les façades; ils ont marqué une rupture nette avec le style art nouveau. Entre 1910 et 1913, Perret utilise son expérience dans les immeubles en béton pour construire le Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne. Entre 1925 et 1928, il construit la nouvelle façade art déco du grand magasin La Samaritaine à Paris.

Après la Première Guerre mondiale, des bâtiments art déco en acier et en béton armé ont commencé à apparaître dans de grandes villes d’Europe et des États-Unis. Aux États-Unis, le style était le plus souvent utilisé pour les immeubles de bureaux, les bâtiments gouvernementaux, les cinémas et les gares de chemin de fer. Il a parfois été combiné avec d’autres styles; L’hôtel de ville de Los Angeles combinait l’art déco avec un toit basé sur l’ancien mausolée grec à Halicarnasse, tandis que la gare de Los Angeles combinait le style déco avec l’architecture de la mission espagnole. Des éléments Art déco sont également apparus dans des projets d’ingénierie, y compris les tours du Golden Gate Bridge et les tours d’admission du barrage Hoover. Dans les années 1920 et 1930, il est devenu un style véritablement international, avec des exemples comme le Palacio de Bellas Artes à Mexico par Federico Mariscal (es), la station de métro Mayakovskaya à Moscou et le National Diet Building à Tokyo par Watanabe Fukuzo.

Le style Art déco ne se limitait pas aux bâtiments sur terre; le paquebot SS Normandie, dont le premier voyage remonte à 1935, présente un design Art déco, dont une salle à manger dont le plafond et la décoration ont été réalisés en verre par Lalique.

Moderniste et contemporain
En France, dans la première décennie du XX e siècle, alors qu’ailleurs développe le mouvement de l’Art Nouveau, la culture française ne connaît pas de baignoire. Auguste Perret et Tony Garnier font la dernière tentative pour éloigner les formules académiques en allant à la rencontre des exigences de la société moderne. Les œuvres de Perret et les grandes œuvres de Lyon par Garnier apparaissent comme une conclusion. Les innovateurs doivent attaquer les institutions existantes de l’extérieur et cette remise en question ne peut se faire que par une initiative individuelle. Le Corbusier a su faire face aux traditions de son pays d’adoption sans perdre de vue les liens avec le mouvement international. Il agit comme médiateur entre la culture internationale et la tradition française. Ses initiatives et son travail sont basés sur son tempérament et son écho toujours exceptionnel.

Certains designers et architectes français de renom modernistes et contemporains comprennent:
le Corbusier
Robert Mallet-Stevens
Frédéric Borel,
Dominique Perrault,
Christian de Portzamparc
Jean Nouvel
Liste des architectes français après la Seconde Guerre mondiale

Exemples de bâtiments modernistes et contemporains en France
Villa Savoye
Notre Dame du Haut – “Chapelle du Ronchamp”
Les bâtiments de Le Corbusier
Villa Noailles
Institut du Monde Arabe
Les bâtiments de Jean Nouvel

Architecture régionale
Le style français peut varier d’être très moderne à l’aspect rustique et antique.

Provincial
L’une des caractéristiques les plus distinctives de nombreux bâtiments français est la grande hauteur des fenêtres du deuxième étage, souvent arquées au sommet, qui percent la corniche et s’élèvent au-dessus des avant-toits. Cette conception de fenêtre inhabituelle est particulièrement visible sur les maisons provinciales françaises de l’Amérique. Inspirées des manoirs de campagne des provinces françaises, ces maisons en brique ou en stuc sont majestueuses et formelles. Ils ont des toits en croupe escarpés et une forme carrée, symétrique avec des fenêtres équilibrées de chaque côté de l’entrée. Les grandes fenêtres du second étage ajoutent au sens de la hauteur.

la Normandie
En Normandie et dans la vallée de la Loire en France, les silos de ferme étaient souvent attachés aux principaux quartiers d’habitation au lieu d’une grange séparée. Après la Première Guerre mondiale, les Américains ont romancé la ferme traditionnelle française, créant un style connu sous le nom de la Normandie française. Ces maisons peuvent être recouvertes de pierre, de stuc ou de brique et suggérer le style Tudor avec des colombages décoratifs (bandes de bois verticales, horizontales et diagonales en maçonnerie). Le style français de Normandie se distingue par une tour ronde en pierre surmontée d’un toit en forme de cône. La tour est généralement placée près du centre, servant d’entrée à la maison. La Normandie française et les détails provinciaux français sont souvent combinés pour créer un style simplement appelé le pays français ou rural français sculpté ou en relief sur des moulures, des appliques et des rampes.

Architecture d’outre-mer
French Colonial est un style d’architecture utilisé par les Français lors de la colonisation. Beaucoup d’anciennes colonies françaises, en particulier celles d’Asie du Sud-Est, étaient auparavant réticentes à promouvoir leur architecture coloniale comme un atout pour le tourisme; Cependant, ces derniers temps, la nouvelle génération d’autorités locales a quelque peu «embrassé» l’architecture et l’a annoncée.

Amérique
L’architecture créole française est un style colonial américain qui s’est développé au début du 18ème siècle dans la vallée du Mississippi, en particulier en Louisiane. Les bâtiments créoles français empruntent des traditions de la France, des Caraïbes et de nombreuses autres parties du monde telles que l’espagnol, l’africain, l’amérindien et d’autres héritages. Les maisons créoles françaises de la période coloniale ont été spécialement conçues pour le climat chaud et humide de cette région. Les maisons traditionnelles créoles françaises avaient certaines ou toutes ces caractéristiques:

Cadre en bois avec brique ou “Bousillage” (boue combinée à de la mousse et des poils d’animaux)
Le large toit en croupe s’étend sur les porches
Colonnes en bois minces
Logements vivants surélevés au-dessus du sol
De larges porches, appelées “galeries”
Pas de couloirs intérieurs
Porches utilisés comme passage entre les chambres
Portes françaises (portes avec beaucoup de petites vitres)