Le cubisme est un mouvement artistique du début du XXe siècle qui a fait avancer la peinture et la sculpture européennes vers l’art moderne du XXe siècle. Le cubisme sous ses diverses formes a inspiré des mouvements connexes dans la littérature et l’architecture. Le cubisme a été considéré comme l’un des mouvements artistiques les plus influents du XXe siècle. Le terme est largement utilisé en association avec une grande variété d’art produit à Paris (Montmartre, Montparnasse et Puteaux) au cours des années 1910 et tout au long des années 1920.
Le cubisme découle d’une référence faite aux «schémas et cubes géométriques» par le critique Louis Vauxcelles dans la description des peintures exposées à Paris par Georges Braque en novembre 1908; il est plus généralement appliqué non seulement au travail de cette période par Braque et Pablo Picasso, mais aussi à une gamme d’art produite en France à la fin des années 1900, les années 1910 et au début des années 1920 et à des variantes développées dans d’autres pays. Bien que le terme ne soit pas spécifiquement appliqué à un style d’architecture sauf en Tchécoslovaquie, les architectes partageaient les préoccupations formelles des peintres concernant les conventions de représentation et la dissolution de la forme tridimensionnelle. Le cubisme ne peut être appelé ni style, ni art. groupe spécifique ou même un mouvement. Il englobe un travail très disparate; il s’applique aux artistes de différents milieux; et il n’a produit aucun manifeste convenu. Pourtant, malgré les difficultés de définition, il a été appelé le premier et le plus influent de tous les mouvements dans l’art du 20ème siècle.
Pablo Picasso et Georges Braque ont été les pionniers du mouvement, avec Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier et Fernand Léger. Une influence primaire qui a conduit au cubisme était la représentation de la forme tridimensionnelle dans les dernières œuvres de Paul Cézanne. Une rétrospective des peintures de Cézanne avait eu lieu au Salon d’Automne de 1904, les œuvres actuelles ont été exposées au Salon d’Automne de 1905 et 1906, suivi de deux rétrospectives commémoratives après sa mort en 1907. Dans l’art cubiste, les objets sont analysés, brisé et reconstitué sous une forme abstraite – au lieu de représenter des objets à partir d’un seul point de vue, l’artiste dépeint le sujet à partir d’une multitude de points de vue pour représenter le sujet dans un contexte plus large.
L’impact du cubisme était vaste et étendu. Dans d’autres pays, le futurisme, le suprématisme, le dada, le constructivisme, le De Stijl et l’Art déco se sont développés en réponse au cubisme. Les premières peintures futuristes ont en commun avec le cubisme la fusion du passé et du présent, la représentation de différentes vues du sujet en même temps, aussi appelée perspective multiple, simultanéité ou multiplicité, tandis que le constructivisme a été influencé par la technique de Picasso. à partir d’éléments séparés. Les autres points communs entre ces mouvements disparates comprennent la facette ou la simplification des formes géométriques, et l’association de la mécanisation et de la vie moderne.
Histoire
Les historiens ont divisé l’histoire du cubisme en phases. Dans un schéma, la première phase du cubisme, connu sous le nom de cubisme analytique, une expression inventée par Juan Gris a posteriori, était à la fois radicale et influente comme mouvement artistique court mais très significatif entre 1910 et 1912 en France. Une deuxième phase, le cubisme synthétique, est restée vitale jusque vers 1919, lorsque le mouvement surréaliste a gagné en popularité. L’historien de l’art anglais Douglas Cooper a proposé un autre schéma, décrivant trois phases du cubisme dans son livre, The Cubist Epoch. Selon Cooper il y avait « Early Cubism », (de 1906 à 1908) lorsque le mouvement a été initialement développé dans les studios de Picasso et Braque; la deuxième phase s’appelait « High Cubism », (de 1909 à 1914) durant laquelle Juan Gris apparut comme un exposant important (après 1911); Enfin, Cooper se réfère au «cubisme tardif» (de 1914 à 1921) comme la dernière phase du cubisme en tant que mouvement d’avant-garde radical. L’utilisation restrictive de ces termes par Douglas Cooper pour distinguer le travail de Braque, Picasso, Gris (de 1911) et Léger (dans une moindre mesure) impliquait un jugement de valeur intentionnel.
Proto-cubisme: 1907-1908
Le cubisme a fleuri entre 1907 et 1911. Les Demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso en 1907 ont souvent été considérées comme une œuvre proto-cubiste. Les Maisons de 1908 de Georges Braque à L’Estaque (et les œuvres qui s’y rattachent) incitent le critique Louis Vauxcelles, dans Gil Blas, le 25 mars 1909, à se référer aux bizarreries cubiques (bizarreries cubiques). Gertrude Stein fait référence aux paysages réalisés par Picasso en 1909, tels que le réservoir de Horta de Ebro, comme les premières peintures cubistes. La première exposition collective organisée par les cubistes eut lieu au Salon des Indépendants à Paris, au printemps 1911, dans une salle appelée «Salle 41»; il comprend des œuvres de Jean Metzinger, d’Albert Gleizes, de Fernand Léger, de Robert Delaunay et d’Henri Le Fauconnier, mais aucune œuvre de Picasso ou de Braque n’est exposée.
En 1911, Picasso a été reconnu comme l’inventeur du cubisme, tandis que l’importance et la préséance de Braque ont été discutées plus tard, en ce qui concerne son traitement de l’espace, du volume et de la masse dans les paysages de L’Estaque. Mais «cette vision du cubisme est associée à une définition nettement restrictive de ce que les artistes appellent à juste titre les cubistes», écrit l’historien de l’art Christopher Green: «Marginalisation de la contribution des artistes qui exposèrent au Salon des Indépendants en 1911»
L’affirmation que la représentation cubiste de l’espace, de la masse, du temps et du volume soutient (plutôt que contredit) la planéité de la toile a été faite par Daniel-Henry Kahnweiler dès 1920, mais elle a été critiquée dans les années 1950 et 1960, spécialement par Clement Greenberg.
Les conceptions contemporaines du cubisme sont complexes, formées dans une certaine mesure par les cubistes de la « Salle 41″, dont les méthodes étaient trop distinctes de celles de Picasso et de Braque pour être considérées comme secondaires par rapport à elles. Des interprétations alternatives du cubisme se sont donc développées. Des vues plus larges du cubisme incluent des artistes qui ont été plus tard associés aux artistes de «Salle 41», par exemple, Francis Picabia; les frères Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon et Marcel Duchamp, qui à partir de la fin de 1911 formèrent le noyau de la Section d’Or (ou Groupe de Puteaux); les sculpteurs Alexander Archipenko, Joseph Csaky et Ossip Zadkine ainsi que Jacques Lipchitz et Henri Laurens; et des peintres tels que Louis Marcoussis, Roger de La Fresnaye, František Kupka, Diego Rivera, Léopold Survage, Auguste Herbin, André Lhote, Gino Severini (après 1916), María Blanchard (après 1916) et Georges Valmier (après 1918). Plus fondamentalement, Christopher Green soutient que les termes de Douglas Cooper ont été «plus tard minés par les interprétations des travaux de Picasso, Braque, Gris et Léger qui mettent l’accent sur les questions iconographiques et idéologiques plutôt que sur les méthodes de représentation».
John Berger identifie l’essence du cubisme avec le diagramme mécanique. «Le schéma métaphorique du cubisme est le diagramme: le diagramme étant une représentation symbolique visible de processus, forces, structures invisibles, un diagramme n’a pas besoin d’éviter certains aspects de l’apparence, mais ceux-ci seront traités comme des signes ou des récréations.
Haut cubisme: 1909-1914
Il y avait une nette différence entre les cubistes de Kahnweiler et les cubistes du salon. Avant 1914, Picasso, Braque, Gris et Léger (dans une moindre mesure) ont obtenu le soutien d’un seul marchand d’art parisien, Daniel-Henry Kahnweiler, qui leur garantissait un revenu annuel pour le droit exclusif d’acheter leurs œuvres. Kahnweiler ne vendait qu’à un petit cercle de connaisseurs. Son soutien a donné à ses artistes la liberté d’expérimenter dans une intimité relative. Picasso travailla à Montmartre jusqu’en 1912, tandis que Braque et Gris restèrent là jusqu’à la fin de la Première Guerre mondiale. Léger était basé à Montparnasse.
En revanche, les salons cubistes ont construit leur réputation principalement en exposant régulièrement au Salon d’Automne et au Salon des Indépendants, les deux grands salons non académiques de Paris. Ils étaient inévitablement plus conscients de la réponse du public et de la nécessité de communiquer. Déjà en 1910 un groupe a commencé à former qui comprenait Metzinger, Gleizes, Delaunay et Léger. Ils se rencontraient régulièrement dans l’atelier d’Henri le Fauconnier près du boulevard de Montparnasse. Ces soirées comprenaient souvent des écrivains tels que Guillaume Apollinaire et André Salmon. Avec d’autres jeunes artistes, le groupe a voulu mettre l’accent sur une recherche sur la forme, en opposition à l’accent néo-impressionniste sur la couleur.
Louis Vauxcelles, dans sa revue du 26e Salon des Indépendants (1910), fait allusion à Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger et Le Fauconnier comme des «géomètres ignorants, réduisant le corps humain, le site, à des cubes blafards. » Au Salon d’Automne de 1910, quelques mois plus tard, Metzinger expose son Nu à la cheminée (Nu), très fracturé, qui sera reproduit par la suite dans Du Cubisme (1912) et Les Peintres Cubistes (1913).
La première controverse publique générée par le cubisme a résulté des expositions de Salon aux Indépendants au printemps de 1911. Cette présentation par Metzinger, Gleizes, Delaunay, le Fauconnier et Léger a attiré pour la première fois l’attention du grand public sur le cubisme. Parmi les œuvres cubistes présentées, Robert Delaunay expose sa Tour Eiffel, Tour Eiffel (Musée Solomon R. Guggenheim, New York).
Au Salon d’Automne de la même année, en plus du groupe des Indépendants de la Salle 41, étaient exposés des œuvres d’André Lhote, de Marcel Duchamp, de Jacques Villon, de Roger de La Fresnaye, d’André Dunoyer de Segonzac et de František Kupka. L’exposition a été examinée dans le numéro du 8 octobre 1911 du New York Times. Cet article a été publié un an après The Wild Men de Paris de Gelett Burgess, et deux ans avant l’Armory Show, qui a présenté aux Américains étonnés, habitués à l’art réaliste, les styles expérimentaux de l’avant-garde européenne, y compris le fauvisme, le cubisme, et le futurisme. L’article du New York Times de 1911 dépeint des œuvres de Picasso, Matisse, Derain, Metzinger et d’autres datant d’avant 1909; non exposé au Salon de 1911. L’article s’intitulait Les Cubistes dominent le Salon d’automne de Paris et l’École excentrique de peinture sous-titrée accroît sa vogue dans l’exposition d’art actuel – ce que ses adeptes tentent de faire.
« Parmi toutes les toiles exposées au Salon d’automne de Paris, aucune n’attire autant l’attention que les productions extraordinaires de l’école dite » cubiste « : en effet, les dépêches de Paris suggèrent que ces œuvres sont facilement le trait principal de l’exposition .
Malgré la nature folle des théories «cubistes», le nombre de ceux qui les professent est assez respectable. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger, tels sont quelques-uns des noms signés sur des toiles devant lesquelles Paris s’est tenu et se trouve à nouveau dans l’étonnement.
Que signifient-ils? Les responsables d’eux ont-ils pris congé de leurs sens? Est-ce l’art ou la folie? Qui sait? »
Le Salon des Indépendants de 1912 fut marqué par la présentation de Nude Descending a Staircase, n ° 2 de Marcel Duchamp, qui provoqua elle-même un scandale, même parmi les cubistes. Il a été rejeté par le comité de pendaison, qui comprenait ses frères et autres cubistes. Bien que l’œuvre ait été montrée au Salon de la Section d’Or en octobre 1912 et à l’Armory Show de 1913 à New York, Duchamp n’a jamais pardonné à ses frères et anciens collègues de censurer son travail. Juan Gris, nouveau venu dans la scène du Salon, exposa son Portrait of Picasso (Institut d’art de Chicago), tandis que les deux spectacles de Metzinger comprenaient La Femme au cheval 1911-1912 (National Gallery of Denmark). La ville de Delaunay, La Ville de Paris, et La Noce de Léger, Le Mariage (Musée National d’Art Moderne, Paris) ont également été exposées.
La contribution cubiste au Salon d’Automne de 1912 a créé un scandale concernant l’utilisation de bâtiments appartenant au gouvernement, tels que le Grand Palais, pour exposer de telles œuvres d’art. L’indignation de l’homme politique Jean Pierre Philippe Lampué fait la une du journal Le 5 octobre 1912. La controverse s’étend au conseil municipal de Paris, débouchant sur un débat à la Chambre des Députés sur l’utilisation des fonds publics pour fournir le lieu. pour un tel art. Les cubistes ont été défendus par le député socialiste, Marcel Sembat.
C’est dans ce contexte de colère publique que Jean Metzinger et Albert Gleizes ont écrit Du «cubisme» (publié par Eugène Figuière en 1912, traduit en anglais et en russe en 1913). Parmi les œuvres exposées figuraient la vaste composition de Le Fauconnier Les Montagnards attaqués par les ours, maintenant au Musée du Design de Rhode Island, Deux Femmes, Deux Femmes de Joseph Csaky (une sculpture maintenant perdue), en plus de la très abstraite peintures de Kupka, Amorpha (La Galerie Nationale, Prague), et Picabia, La Source, Le Printemps (Musée d’Art Moderne, New York).
Abstraction et le ready-made
Les formes les plus extrêmes du cubisme n’étaient pas celles pratiquées par Picasso et Braque, qui résistaient à l’abstraction totale. En revanche, d’autres cubistes, en particulier František Kupka, et ceux considérés comme des orphistes par Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia et Duchamp), ont accepté l’abstraction en supprimant entièrement le sujet visible. Les deux entrées de Kupka au Salon d’Automne de 1912, Amorpha-Fugue à deux couleurs et Amorpha chromatique chaude, étaient très abstraites (ou non représentatives) et d’orientation métaphysique. Les deux Duchamp en 1912 et Picabia de 1912 à 1914 ont développé une abstraction expressive et allusive dédiée à des thèmes émotionnels et sexuels complexes. À partir de 1912, Delaunay peint une série de peintures intitulée Simultaneous Windows, suivie d’une série intitulée Formes Circulaires, dans laquelle il combine des structures planaires avec de brillantes couleurs prismatiques; basé sur les caractéristiques optiques des couleurs juxtaposées, son départ de la réalité dans la représentation de l’imagerie était quasi-complet. En 1913-14, Léger produisit une série intitulée Contrastes de formes, qui donnait le même accent sur la couleur, la ligne et la forme. Son cubisme, malgré ses qualités abstraites, était associé aux thèmes de la mécanisation et de la vie moderne. Apollinaire a soutenu ces premiers développements du cubisme abstrait dans Les Peintres cubistes (1913), l’écriture d’une nouvelle peinture «pure» dans laquelle le sujet a été libéré. Mais en dépit de son utilisation du terme orphisme, ces travaux étaient si différents qu’ils défient les tentatives de les placer dans une seule catégorie.
Également étiqueté Orphiste par Apollinaire, Marcel Duchamp était responsable d’un autre développement extrême inspiré par le cubisme. Le ready-made est né d’une considération commune que l’œuvre elle-même est considérée comme un objet (comme une peinture), et qu’elle utilise les détritus matériels du monde (comme le collage et le papier collé dans la construction cubiste et Assemblage). La prochaine étape logique, pour Duchamp, était de présenter un objet ordinaire comme une œuvre d’art autosuffisante ne représentant que lui-même. En 1913, il attacha une roue de bicyclette à un tabouret de cuisine et, en 1914, choisit un séchoir à bouteilles comme sculpture à part entière.
Section d’Or
La Section d’Or, aussi connue sous le nom de Groupe de Puteaux, fondée par certains des cubistes les plus remarquables, était un collectif de peintres, de sculpteurs et de critiques associés au cubisme et à l’orphisme, actifs de 1911 à 1914 environ. de leur spectacle controversé au Salon des Indépendants de 1911. Le Salon de la Section d’Or à la Galerie La Boétie à Paris, en octobre 1912, était sans doute la plus importante exposition cubiste d’avant la Première Guerre mondiale; exposer le cubisme à un large public. Plus de 200 œuvres ont été exposées, et le fait que de nombreux artistes ont montré des œuvres représentatives de leur développement de 1909 à 1912 a donné à l’exposition l’allure d’une rétrospective cubiste.
Le groupe semble avoir adopté le nom de Section d’Or pour se distinguer de la définition plus étroite du cubisme développé en parallèle par Pablo Picasso et Georges Braque dans le quartier de Montmartre à Paris, et montrer que le cubisme, plutôt que d’être un art isolé forme, représentait la continuation d’une grande tradition (en effet, le nombre d’or avait fasciné les intellectuels occidentaux d’intérêts divers pendant au moins 2 400 ans).
L’idée de la Section d’Or trouve son origine dans les conversations entre Metzinger, Gleizes et Jacques Villon. Le titre du groupe a été suggéré par Villon, après avoir lu une traduction de 1910 du Trattato della Pittura de Leonardo da Vinci par Joséphin Péladan.
Le fait que l’exposition de 1912 ait été organisée pour montrer les étapes successives du développement du cubisme, et que Du « Cubisme » ait été publié pour l’occasion, indique l’intention des artistes de rendre leur travail compréhensible pour un large public (critiques d’art , collectionneurs d’art, marchands d’art et grand public). Sans doute, en raison du grand succès de l’exposition, le cubisme est devenu reconnu comme une tendance, un genre ou un style dans l’art avec une philosophie commune ou un but commun.
Cubisme tardif: 1914-1921
Cubisme de cristal: 1914-1918
Une modification significative du cubisme entre 1914 et 1916 a été signalée par un glissement vers un fort accent sur les grands plans géométriques qui se chevauchent et l’activité de la surface plane. Ce regroupement de styles de peinture et de sculpture, particulièrement important entre 1917 et 1920, était pratiqué par plusieurs artistes; en particulier ceux sous contrat avec le marchand d’art et collectionneur Léonce Rosenberg. Le resserrement des compositions, la clarté et le sens de l’ordre reflétés dans ces œuvres ont conduit le critique Maurice Raynal à le qualifier de cubisme «cristal». Les considérations manifestées par les cubistes avant le début de la Première Guerre mondiale, telles que la quatrième dimension, le dynamisme de la vie moderne, l’occultisme et le concept de durée d’Henri Bergson, étaient désormais remplacées par un cadre de référence purement formel.
Le cristal cubisme, et son rappel associatif à l’ordre, a été associé à une tendance – de ceux qui ont servi les forces armées et ceux qui sont restés dans le secteur civil – à échapper aux réalités de la Grande Guerre, pendant et après le conflit. La purification du cubisme de 1914 au milieu des années 1920, avec son unité cohésive et ses contraintes volontaires, a été liée à une transformation idéologique beaucoup plus large vers le conservatisme dans la société française et la culture française.
Le cubisme après 1918
La période la plus novatrice du cubisme date d’avant 1914. Après la Première Guerre mondiale, avec le soutien du marchand Léonce Rosenberg, le cubisme est redevenu un enjeu central pour les artistes et se poursuit jusqu’au milieu des années 1920 où son statut d’avant-garde rendu discutable par l’émergence de l’abstraction géométrique et du surréalisme à Paris. Beaucoup de cubistes, dont Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes et Metzinger, tout en développant d’autres styles, reviennent périodiquement au cubisme, même bien après 1925. Le cubisme réapparaît dans les années 1920 et 1930 dans l’œuvre de l’Américain Stuart Davis et Anglais Ben Nicholson. En France, cependant, le cubisme connaît un déclin à partir de 1925 environ. Léonce Rosenberg expose non seulement les artistes échoués par l’exil de Kahnweiler, mais aussi Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin et Severini. En 1918, Rosenberg présente une série d’expositions cubistes à sa galerie de l’Effort Moderne à Paris. Louis Vauxcelles tenta de prétendre que le cubisme était mort, mais ces expositions, avec un spectacle cubiste bien organisé au Salon des Indépendants de 1920 et une reprise du Salon de la Section d’Or la même année, le démontrèrent était encore en vie.
La réapparition du cubisme coïncide avec l’apparition, vers 1917-1924, d’un ensemble cohérent d’écrits théoriques de Pierre Reverdy, Maurice Raynal et Daniel-Henry Kahnweiler et, parmi les artistes, de Gris, Léger et Gleizes. Le retour occasionnel au classicisme-travail figuratif, exclusivement ou parallèlement au travail cubiste vécu par de nombreux artistes à cette époque (appelé néoclassicisme) a été lié à la tendance à échapper aux réalités de la guerre et à la domination culturelle d’un style classique ou latin. image de la France pendant et immédiatement après la guerre. Le cubisme après 1918 peut être considéré comme faisant partie d’un vaste mouvement idéologique vers le conservatisme dans la société et la culture françaises. Pourtant, le cubisme lui-même est resté évolutif à la fois dans l’œuvre d’artistes individuels, tels que Gris et Metzinger, et à travers le travail d’artistes aussi différents les uns des autres que Braque, Léger et Gleizes. Le cubisme en tant que mouvement débattu publiquement est devenu relativement unifié et ouvert à la définition. Sa pureté théorique en faisait une mesure contre laquelle on pouvait comparer des tendances aussi diverses que le réalisme ou le naturalisme, le dada, le surréalisme et l’abstraction.
Interprétation
Sculpture cubiste
Tout comme en peinture, la sculpture cubiste trouve son origine dans la réduction par Paul Cézanne des objets peints en plans de composants et en solides géométriques (cubes, sphères, cylindres et cônes). Et tout comme dans la peinture, il est devenu une influence omniprésente et a contribué fondamentalement au constructivisme et au futurisme.
La sculpture cubiste s’est développée parallèlement à la peinture cubiste. Pendant l’automne de 1909, Picasso a sculpté la tête d’une femme (Fernande) avec des traits positifs représentés par l’espace négatif et vice versa. Selon Douglas Cooper: «La première véritable sculpture cubiste fut l’impressionnante tête de femme de Picasso, modélisée en 1909-1900, une réplique en trois dimensions de nombreuses têtes analytiques et à facettes similaires dans ses toiles de l’époque. Ces retournements positifs / négatifs ont été exploités de manière ambitieuse par Alexander Archipenko en 1912-13, par exemple dans Woman Walking. Joseph Csaky, d’après Archipenko, fut le premier sculpteur à Paris à rejoindre les cubistes, avec qui il expose à partir de 1911. Ils furent suivis par Raymond Duchamp-Villon puis en 1914 par Jacques Lipchitz, Henri Laurens et Ossip Zadkine.
En effet, la construction cubiste a été aussi influente que toute innovation cubiste picturale. Ce fut le stimulant derrière le travail proto-constructiviste de Naum Gabo et de Vladimir Tatlin et ainsi le point de départ de toute la tendance constructive de la sculpture moderniste du XXe siècle.
Architecture
Le cubisme constituait un lien important entre l’art et l’architecture du début du XXe siècle. Les relations historiques, théoriques et sociopolitiques entre les pratiques d’avant-garde de la peinture, de la sculpture et de l’architecture ont eu des ramifications précoces en France, en Allemagne, aux Pays-Bas et en Tchécoslovaquie. Bien qu’il existe de nombreux points d’intersection entre le cubisme et l’architecture, seuls quelques liens directs peuvent être établis entre eux. Le plus souvent, les connexions sont faites par référence à des caractéristiques formelles partagées: facettage de forme, ambiguïté spatiale, transparence et multiplicité.
L’intérêt architectural du cubisme est centré sur la dissolution et la reconstitution de la forme tridimensionnelle, en utilisant des formes géométriques simples, juxtaposées sans les illusions de la perspective classique. Des éléments divers peuvent être superposés, rendus transparents ou se pénètrent les uns les autres, tout en conservant leurs relations spatiales. Le cubisme est devenu un facteur influent dans le développement de l’architecture moderne à partir de 1912 (La Maison Cubiste de Raymond Duchamp-Villon et André Mare), en parallèle avec des architectes comme Peter Behrens et Walter Gropius, avec la simplification de la conception des bâtiments, l’utilisation de matériaux appropriés à la production industrielle et l’utilisation accrue du verre.
Le cubisme était pertinent pour une architecture cherchant un style qui n’avait pas besoin de se référer au passé. Ainsi, ce qui était devenu une révolution à la fois dans la peinture et la sculpture a été appliqué dans le cadre d’une « profonde réorientation vers un monde transformé ». Les idées cubo-futuristes de Filippo Tommaso Marinetti ont influencé les attitudes dans l’architecture d’avant-garde. L’influent mouvement De Stijl embrasse les principes esthétiques du néoplasticisme développé par Piet Mondrian sous l’influence du cubisme à Paris. De Stijl était également lié par Gino Severini à la théorie cubiste à travers les écrits d’Albert Gleizes. Cependant, la mise en relation de formes géométriques de base avec la beauté inhérente et la facilité d’application industrielle préfigurée par Marcel Duchamp en 1914 fut laissée aux fondateurs du purisme, Amédée Ozenfant et Charles-Édouard Jeanneret (plus connu sous le nom de Le Corbusier). qui expose des peintures ensemble à Paris et publie Après le cubisme en 1918. L’ambition de Le Corbusier a été de traduire les propriétés de son propre style de cubisme à l’architecture. Entre 1918 et 1922, Le Corbusier concentre ses efforts sur la théorie et la peinture puristes. En 1922, Le Corbusier et son cousin Jeanneret ouvrent un atelier à Paris au 35 rue de Sèvres. Ses études théoriques ont rapidement évolué vers de nombreux projets architecturaux différents.
La Maison Cubiste (Maison cubiste)
Au Salon d’Automne de 1912, une installation architecturale fut rapidement exposée à la Maison Cubiste, signée Raymond Duchamp-Villon et André Mare avec un groupe de collaborateurs. Metzinger et Gleizes dans Du « Cubisme », écrit lors de l’assemblage de la « Maison Cubiste », ont écrit sur la nature autonome de l’art, insistant sur le fait que les considérations décoratives ne devraient pas régir l’esprit de l’art. Le travail décoratif, pour eux, était « l’antithèse de l’image ». « La véritable image », écrivait Metzinger et Gleizes, « porte en elle sa raison d’être: elle peut être déplacée d’une église à un salon, d’un musée à une étude. Essentiellement indépendante, nécessairement complète, elle n’a pas besoin d’être immédiatement satisfaire l’esprit: au contraire, il doit le conduire, petit à petit, vers les profondeurs fictives où réside la lumière coordonnée, il ne s’harmonise pas avec tel ou tel ensemble, il s’harmonise avec les choses en général, avec l’univers: il est un organisme … « .
« Les ensembles de Mare ont été acceptés comme cadres pour les œuvres cubistes car ils ont permis aux peintures et aux sculptures d’être indépendantes », écrit Christopher Green, « créant un jeu de contrastes, d’où l’implication non seulement de Gleizes et Metzinger mais de Marie Laurencin, les frères Duchamp (Raymond Duchamp-Villon a conçu la façade) et les vieux amis de Mare Léger et Roger La Fresnaye « . La Maison Cubiste était une maison entièrement meublée, avec un escalier, des rampes en fer forgé, un salon – le Salon Bourgeois, où étaient accrochées des peintures de Marcel Duchamp, Metzinger, Gleizes, Laurencin et Léger – et une chambre . C’était un exemple de L’art décoratif, une maison au sein de laquelle l’art cubiste pouvait être exposé dans le confort et le style de la vie moderne et bourgeoise. Les spectateurs du Salon d’Automne ont croisé le modèle en plâtre grandeur nature de 10 mètres sur 3 du rez-de-chaussée de la façade, conçu par Duchamp-Villon. Cette installation architecturale a ensuite été exposée au 1913 Armory Show, New York, Chicago et Boston, répertorié dans le catalogue de l’exposition de New York comme Raymond Duchamp-Villon, numéro 609, et intitulé «Facade architectural, plâtre» (Façade architecturale).
Plusieurs années après la Première Guerre mondiale, en 1927, les cubistes Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, le sculpteur Gustave Miklos et d’autres collaborent à la décoration d’un Studio, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, conçu par l’architecte Paul Ruaud et appartenant au couturier français Jacques Doucet, également collectionneur de peintures post-impressionnistes et cubistes (dont Les Demoiselles d’Avignon, qu’il a achetées directement à l’atelier de Picasso). Laurens a conçu la fontaine, Csaky a conçu l’escalier de Doucet, Lipchitz a fait le manteau de cheminée et Marcoussis a fait un tapis cubiste.
Architecture cubiste tchèque
L’architecture cubiste originale est très rare. Il n’y a qu’un seul pays au monde où le cubisme était vraiment appliqué à l’architecture – à savoir la Bohême (aujourd’hui la République tchèque) et surtout sa capitale, Prague. Les architectes tchèques ont été les premiers et les seuls au monde à concevoir des bâtiments cubistes originaux. L’architecture cubiste a prospéré pour la plupart entre 1910 et 1914, mais les bâtiments cubistes ou cubistes ont également été construits après la Première Guerre mondiale. Après la guerre, le style architectural appelé Rondo-cubisme a été développé à Prague fusionnant l’architecture cubiste avec formes.
Dans leurs règles théoriques, les architectes cubistes exprimaient l’exigence du dynamisme, qui surmontait la matière et le calme qu’il contenait, à travers une idée créative, afin que le résultat suscite chez le spectateur des sensations de dynamisme et de plasticité expressive. Ceci devrait être réalisé par des formes dérivées de pyramides, de cubes et de prismes, par des arrangements et des compositions de surfaces obliques, principalement des façades triangulaires sculptées dans des unités en forme de cristal, qui rappellent la coupe diamant, ou même caverneuse qui rappellent l’architecture gothique tardif. De cette manière, les surfaces entières des façades, y compris les pignons et les lucarnes, sont sculptées. Les grilles ainsi que d’autres ornements architecturaux atteignent une forme tridimensionnelle. Ainsi, de nouvelles formes de fenêtres et de portes ont également été créées, par exemple des fenêtres hexagonales. Les architectes cubistes tchèques ont également conçu des meubles cubistes.
Les principaux architectes cubistes étaient Pavel Janák, Josef Gočár, Vlastislav Hofman, Emil Králíček et Josef Chochol. Ils travaillaient surtout à Prague mais aussi dans d’autres villes de Bohême. Le bâtiment cubiste le plus connu est la Maison de la Vierge noire dans la vieille ville de Prague, construite en 1912 par Josef Gočár avec le seul café cubiste du monde, le Grand Café Orient. Vlastislav Hofman a construit les pavillons d’entrée du cimetière de Ďáblice en 1912-1914, Josef Chochol a conçu plusieurs maisons résidentielles sous Vyšehrad. Un lampadaire cubiste a également été conservé près de la place Venceslas, conçu par Emil Králíček en 1912, qui a également construit la Maison des Diamants dans la Nouvelle Ville de Prague vers 1913.
Le cubisme dans d’autres domaines
L’influence du cubisme s’est étendue à d’autres domaines artistiques, en dehors de la peinture et de la sculpture. Dans la littérature, les œuvres écrites de Gertrude Stein utilisent la répétition et les phrases répétitives comme blocs de construction dans les deux passages et chapitres entiers. La plupart des travaux importants de Stein utilisent cette technique, y compris le roman The Making of Americans (1906-08). Non seulement ils étaient les premiers mécènes importants du cubisme, mais Gertrude Stein et son frère Leo ont également influencé le cubisme. Picasso à son tour était une influence importante sur l’écriture de Stein.
Dans le domaine de la fiction américaine, le roman de William Faulkner intitulé As I Lay Dying peut être lu comme une interaction avec le mode cubiste. Le roman présente des récits des diverses expériences de 15 caractères qui, pris ensemble, produisent un seul corps cohésif.
Les poètes généralement associés au cubisme sont Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, André Salmon et Pierre Reverdy.Comme l’explique le poète américain Kenneth Rexroth, le cubisme en poésie «est la dissociation consciente, délibérée et la recombinaison des éléments en une nouvelle entité artistique rendue autosuffisante par son architecture rigoureuse, ce qui est très différent de l’association libre des surréalistes et de la combinaison des énoncé inconscient et nihilisme politique de Dada. » Néanmoins, l’influence des poètes cubistes sur le cubisme et les mouvements ultérieurs de Dada et du surréalisme fut profonde; Louis Aragon, membre fondateur du surréalisme, disait que pour Breton, Soupault, Éluard et lui-même, Reverdy était «notre aîné immédiat, le poète exemplaire». Bien qu’ils ne se souviennent pas aussi bien que les peintres cubistes, ces poètes continuent d’influencer et d’inspirer; Les poètes américains John Ashbery et Ron Padgett ont récemment produit de nouvelles traductions du travail de Reverdy.Les «Treize façons de regarder un merle» de Wallace Stevens démontrent également comment les multiples perspectives du cubisme peuvent être traduites en poésie.
Il est presque impossible d’exagérer l’importance du cubisme. Ce fut une révolution dans les arts visuels aussi grande que celle qui eut lieu au début de la Renaissance. Ses effets sur l’art postérieur, sur le film et sur l’architecture sont déjà si nombreux que nous les remarquons à peine. (John Berger)