입체파는 20 세기 초반의 예술 운동으로, 유럽의 회화와 조각을 역사적으로 20 세기의 현대 미술을 향해 전진 시켰습니다. 다양한 형태의 큐비즘은 문학과 건축에서의 관련 운동에 영감을주었습니다. 큐비즘은 20 세기의 가장 영향력있는 예술 운동 중 하나로 여겨져왔다. 기간은 1910 년대 및 1920 년대 내내 파리 (Montmartre, Montparnasse 및 Puteaux)에서 생성 된 다양한 예술과 관련하여 넓게 사용됩니다.

큐비즘은 1908 년 11 월에 조르주 브라케 (Georges Braque)가 파리에서 전시 한 그림을 묘사하면서 비평가 루이 보츠 셀 (Louis Vauxcelles)이 ‘기하학적 인 도식과 큐브 (geometric schemas and cubes) 그것은 Braque와 Pablo Picasso에 의해서뿐만 아니라 1900 년대 후반, 1910 년대와 1920 년대 초에 프랑스에서 생산 된 예술 작품의 범위와 다른 나라에서 개발 된 변종들에도 적용되었다. 이 용어가 이전의 체코 슬로바키아를 제외한 건축 양식에 특별히 적용되지는 않았지만, 건축가는 표현의 관습과 입체적 형태의 해체에 관한 화가의 공식적인 우려를 공유했다. 입체주의는 확실히 스타일이라고 불릴 수는 없다. 특정 그룹 또는 심지어 운동. 그것은 널리 다른 업무를 포용한다. 그것은 다른 Milieux의 아티스트에게 적용됩니다. 그것은 합의 된 선언을 만들지 못했다. 정의의 어려움에도 불구하고, 그것은 20 세기 예술의 모든 운동에서 가장 먼저 영향을 미쳤다.

이 운동은 Pablo Picasso와 Georges Braque가 Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier 및 Fernand Léger와 합류하여 개척되었습니다. 큐비즘에 이르게 한 주된 영향은 Paul Cézanne의 후기 작품에서 입체적 형태의 표현이었다. Cézanne의 그림 회고전은 1904 년 Salon d’ Automne에서 열렸으며 현재의 작품은 1905 년과 1906 년 Salon d’ Automne에 전시되었고 1907 년 사망 한 후 두 차례의 기념 회고전이있었습니다. 입체파 작품에서 물건을 분석하고, 추상화 된 형태로 분해되어 재구성 됨 – 단일 시점에서 객체를 묘사하는 대신 아티스트는 여러 관점에서 객체를 묘사하여보다 큰 맥락에서 대상을 표현합니다.

입체파의 영향은 광범위하고 광범위했습니다. 다른 나라에서는 미래주의, 최면술, 다다, 구성주의, 데스티 우스 (De Stijl) 및 아르 데코 (Art Deco)가 입체파에 대응하여 발전했습니다. 초기 미래파 회화는 큐비즘과 과거와 현재의 융합, 피라미드의 동시 다발성 또는 동시 다차성이라고도 불리는 동시에 피사체의 다른 견해 표현, 조각주의의 피카소 기술로 영향을 받았다. 별도의 요소에서. 이러한 이질적인 동작들 사이의 다른 일반적인 실에는 기하학적 형태의 패 시팅 또는 단순화, 그리고 기계화와 현대 생활의 연합이 포함됩니다.

역사
역사 학자들은 입체파의 역사를 단계별로 나누었다. 한 체계에서, 분석 큐비즘으로 알려진 입체파의 첫 번째 단계는 후안 그리스 (Juan Gris)가 후위 (posteriori)로 만든 구로 프랑스에서 1910 년과 1912 년 사이의 짧지 만 매우 중요한 예술 운동으로 급진적이며 영향력이 있었다. 두 번째 단계 인 Synthetic Cubism은 초현실주의 운동이 인기를 얻은 1919 년경까지 계속 중요했습니다. 영국 미술 사학자 더글라스 쿠퍼 (Douglas Cooper)는 또 다른 계획안을 제안했다. 그의 책 “입체파 신기원 (The Cubist Epoch)”에서 입체파의 3 단계를 기술했다. 쿠퍼 (Cooper)에 따르면 1906 년부터 1908 년까지 피카소와 브라크 (Braque)의 스튜디오에서 운동이 처음 개발되었을 때 “초기 큐비즘”이있었습니다. 두 번째 단계는 “High Cubism”(1909 년부터 1914 년까지)이었는데, Juan Gris가 중요한 지수 (1911 년 이후)로 등장했다. 마지막으로 쿠퍼 (Cooper)는 급진적 아방가르드 운동으로서 입체파의 마지막 단계로서 “후기 입체주의”(1914-1921)를 언급했다. Braque, Picasso, Gris (1911 년부터)와 Léger (그보다는 적지 만)의 작업을 구분하기 위해 Douglas Cooper가이 용어를 제한적으로 사용하는 것은 의도적 인 가치 판단을 암시합니다.

원시 입체주의 : 1907-1908
큐비즘은 1907 년에서 1911 년 사이에 급성장했다. 파블로 피카소의 1907 년작 ‘데모이 셀레스 디 아비뇽 (Demoiselles d’ Avignon)’은 흔히 프로토 큐브스트 작품으로 여겨져왔다. Georges Braque의 1908 년 L’ Estaque에있는 집 (및 관련 작품)은 1909 년 3 월 25 일 길 블라스 (Gil Blas)의 Louis Vauxcelles 비평가에게 기발한 입방체 (cubic oddiques)를 가리키며 비평했습니다. Gertrude Stein은 1909 년 Horta de Ebro의 Reservoir와 같은 피카소의 풍경을 최초의 입체파 그림으로 묘사했습니다. 입체파에 의한 최초의 조직화 된 단체전은 1911 년 봄 파리의 살롱 데 Indépendants에서 ‘Salle 41’이라는 방에서 열렸습니다. Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay 및 Henri Le Fauconnier의 작품이 포함되었지만 Picasso 또는 Braque의 작품은 전시되지 않았습니다.

1911 년 피카소는 입체파의 발명가로 인정 받았다. 반면에 라크의 중요성과 우선 순위는 L’ Estaque 풍경의 공간, 볼륨 및 질량에 대한 그의 대우와 관련하여 나중에 논의되었다. 그러나 “큐비즘에 대한이 견해는 예술가가 입체파라고 부를 수 있다는 명백하고 제한적인 정의와 관련이있다”고 예술 사학자 Christopher Green은 다음과 같이 썼다 : “1911 년 Salon des Indépendants에서 전시 한 예술가들의 공헌을 극소화한다”

캔버스의 공간, 질량, 시간 및 부피에 대한 입체파 묘사가 1920 년 초 Daniel-Henry Kahnweiler에 의해 만들어졌지만 1950 년대와 1960 년대에는 비판의 대상 이었지만, 특히 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)

입체파에 대한 현대적인 견해는 복잡하다. “Salle 41″입체파에 대한 반응으로 어느 정도 형성되었는데, 그 방법은 피카소와 브라크의 방식과 너무 뚜렷한 것이었다. 그러므로 입체파에 대한 대안적인 해석이 개발되었다. 입체파에 대한 더 넓은 견해에는 나중에 “Salle 41″아티스트 (예 : Francis Picabia)와 관련이있는 아티스트, Jacques Villon 형제, Raymond Duchamp-Villon 형제와 Marcel Duchamp 형제, 1911 년 후반에 시작하여 그는 교단 d’ or (또는 Puteaux Group)의 핵심을 이뤘습니다. 조각가 Alexander Archipenko, Joseph Csaky, Ossip Zadkine, Jacques Lipchitz, Henri Laurens 등이있다. (1916 년 이후), María Blanchard (1916 년 이후), Georges Valmier (1918 년 이후)와 같은 화가들과 함께 작업하는 등 다양한 활동을하고있다. 보다 근본적으로 크리스토퍼 그린 (Christopher Green)은 더글라스 쿠퍼 (Douglas Cooper)의 용어는 “피카소, 브라크, 그리스 앤 레져가 표현의 방법보다는 아이콘과 이데올로기 적 질문을 강조한다는 해석에 의해 나중에 훼손되었다”고 주장했다.

존 버거 (John Berger)는 입체파의 본질을 기계적 다이어그램으로 확인합니다. “입체파의 은유 적 모델은 보이지 않는 과정, 힘, 구조를 상징적으로 상징하는 다이어그램이다. 다이어그램은 외관의 특정 측면을 피할 필요가 없지만 모방이나 휴양과 같은 징후로 취급되지는 않는다”고 말했다.

높은 입체파 : 1909-1914
Kahnweiler의 입체파와 Salon 입체파 사이에는 뚜렷한 차이가있었습니다. 1914 년 이전에 Picasso, Braque, Gris 및 Léger (그보다는 적지 만)는 독점적 인 권리로 작품을 구입할 수있는 연간 수입을 보장 한 파리의 단골 공예가 Daniel-Henry Kahnweiler의 지원을 받았다. Kahnweiler는 작은 감정가들에게만 팔렸습니다. 그의지지는 예술가들에게 상대적 프라이버시를 실험 할 수있는 자유를주었습니다. 피카소는 1912 년까지 몽마르뜨에서 일했다. 제 1 차 세계 대전이 끝날 때까지 브라크와 그리스는 그대로 남아 있었다. Léger는 Montparnasse에 거주했습니다.

대조적으로, 살롱 입체 주의자들은 주로 파리의 주요 비 학술 살롱 인 Salon d’ Automne과 Salon des Indépendants에서 정기적으로 전시함으로써 평판을 얻었다. 그들은 필연적으로 대중의 반응과 의사 소통의 필요성을 더 잘 알고있었습니다. 이미 1910 년에 Metzinger, Gleizes, Delaunay 및 Léger가 포함 된 그룹이 형성되기 시작했습니다. 그들은 몽 파르 나스 거리 (Boulevard de Montparnasse) 인근의 앙리 르 포 코니에 (Henri le Fauconnier)의 스튜디오에서 정기적으로 만났습니다. 이 소라는 종종 기ume 아폴리네 (Guillaume Apollinaire)와 안드레 연어 (André Salmon)와 같은 작가를 포함합니다. 다른 젊은 예술가들과 함께이 그룹은 네오 – 인상파 주의자들이 색채에 중점을 두는 것에 반대하여 형태에 대한 연구를 강조하고 싶었다.

Louis Vauxcelles는 제 26 회 Salon des Indépendants (1910)에 대한 그의 저서에서 Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger 및 Le Fauconnier에 대해 “무지한 기하학 자”로서 지나치게 부정확 한 언급을하면서 인체와 장소를 해로운 큐브로 축소시켰다. ” 몇 달 후, 1910 년 Salon d’ Automne에서, Metzinger는 뒤틀린 “Cubisme”(1912)와 Les Peintres Cubistes (1913)에서 모두 재현 된 Nu à la Cheminée (누드)를 전시했다.

입체파에 의해 창안 된 최초의 공개 논쟁은 1911 년 봄에 Indépendants에서 Salon 상영에서 나왔습니다. Metzinger, Gleizes, Delaunay, le Fauconnier 및 Léger가 보여주는이 입체파는 일반 대중의주의를 끌었습니다. 제시된 입체파 작품 중에 Robert Delaunay는 그의 에펠 탑, Tour Eiffel (Solomon R. Guggenheim Museum, New York)을 전시했습니다.

같은 해 Salon d’ Automne에서 Salle 41의 Indépendants 그룹 외에도 André Lhote, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Roger de La Fresnaye, André Dunoyer de Segonzac 및 František Kupka의 작품이 전시되었습니다. 전시회는 1911 년 10 월 8 일 뉴욕 타임즈 지에 게재되었습니다. 이 기사는 Gelet Burgess, 파리의 와일드 맨, 그리고 현실주의 예술에 익숙한 놀라운 미국인을 Fauvism, Cubism을 포함한 유럽 전위 예술가의 실험 스타일에 소개 한 Armory Show 2 년 전에 발표되었습니다. 미래주의. 1911 년 뉴욕 ​​타임즈의 기사는 1909 년 이전의 피카소, 마티스, 드라 인, 메츠 진거 등의 작품을 묘사했다. 1911 살롱에서 전시되지 않았습니다. 이 기사는 “Cubists”가 Paris ‘Fall Salon을 지배하고 제목이 작은 편심 학교가 현재 미술 전시회에서 보그를 더합니다 – 추종자들이 시도한 것.

“파리 Fall Salon에서 전시 된 모든 회화 중 이른바”큐비 스트 “학교의 특별한 제작물만큼이나 관심을 끌고있는 것은 없다. 사실 파리에서 파견 된 작품은이 작품이 전시의 주요 특징이라는 것을 시사한다 .
“입체파”이론의 미친 성격에도 불구하고 공언하는 사람들의 수는 상당히 존경 할 만합니다. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger 등이 있습니다. 이들은 캔버스에 서명 한 몇 안되는 이름으로, 파리는 이제 서서 다시 공포에 휩싸였습니다.
그게 무슨 뜻이야? 책임자가 감각을 잃어 버렸습니까? 예술인가 광기인가? 누가 알아?”
이후 1912 년의 살롱 데 Indépendants는 Marcel Duchamp의 Nude Descending a Staircase (제 2 호)의 프레젠테이션으로 표시되었는데, 그 자체로 입체파 사이에서도 스캔들이 발생했습니다. 그것은 그의 형제와 다른 입체파를 포함하는 매달린위원회에 의해 실제로 거부되었습니다. 1912 년 10 월 Salon de la Section d’ Or과 뉴욕의 1913 Armory Show에 출품되었지만 Duchamp는 형제와 전직 동료를 용서해서 결코 그의 일을 검열하지 않았습니다. 후안 그리스는 살롱 현장에 새롭게 추가 된 초상화로 피카소 초상화 (시카고 아트 인스티튜트)를, Metzinger의 두 작품에는 La Femme au Cheval (말과 함께하는 여성) 1911-1912 (국립 미술관 덴마크)가 전시되었습니다. Delaunay의 기념비적 인 La Ville de Paris (파리의 현대 미술관)와 Léger의 La Noce, The Wedding (파리의 국립 현대 미술관)도 전시되었습니다.

1912 년 Salon d’ Automne에 대한 입체파 공헌은 Grand Palais와 같은 정부 소유 건물의 사용과 관련된 스캔들을 만들어 냈습니다. Jean Pierre Philippe Lampué 정치인의 분노는 1912 년 10 월 5 일 Le Journal의 1면에 실렸다. 논란은 파리 시의회에 확산되어 Chambre des Députés에서 공공 기금 사용에 관한 토론으로 이어진다. 그런 예술을 위해. 입체 주의자들은 마르셀 셈바 (Marcel Sembat) 사회당 대리인에 의해 옹호되었다.

장 메츠 징거 (Jean Metzinger)와 알버트 글라이즈 (Albert Gleizes)는 1912 년 유진 피구 이어 (Eugène Figuière)가 1913 년 영어와 러시아어로 번역 한 뒤 “큐비즘”을 썼다. 전시 된 작품 중에는 현재 Rhode Island School of Design Museum의 Joseph Csaky의 Deux Femme, Two Women (지금은 잃어버린 조각품), 매우 추상적 인 것 외에도 Le Fauconnier의 광대 한 작곡 인 Les Montagnards attaqués par des ours (곰이 공격하는 Mountaineers)가있었습니다. Kupka, Amorpha (내셔널 갤러리, 프라하), Picabia, La Source, The Spring (현대 미술관, 뉴욕)의 그림.

추상화 및 기성품
입체파의 가장 극단적 인 형태는 총 추상에 저항 한 피카소와 브라크가 실행 한 것이 아닙니다. 반대로 다른 입체 주의자, 특히 František Kupka와 Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia 및 Duchamp)의 Orphists로 간주되는 사람들은 눈에 보이는 주제를 완전히 제거하여 추상화를 수용했습니다. 쿠프 카 (Kupka)의 1912 년 Salon d’ Automne, Amorpha-Fugue à deux couleurs 및 Amorpha chromatique chaude의 두 작품은 고도로 추상화 된 (또는 비현실적인) 오리엔테이션에서 형이상학 적이었다. 1912 년의 Duchamp와 1912 년부터 1914 년까지의 Picabia는 복잡한 정서적 및 성적인 주제에 헌신적이고 표현력이 풍부한 추상화를 개발했습니다. 1912 년 Delaunay는 동시 창 (Simultaneous Windows)이라는 제목의 일련의 그림을 그렸고 Formes Circulaires라는 제목의 시리즈를 선보였습니다.이 시리즈에서는 평면 구조와 밝은 프리즘 색상을 결합했습니다. 나란히 놓인 색상의 광학적 특성에 기반하여 이미지 묘사에서 현실과 벗어난 그의 모습은 준 완성되었다. 1913 ~ 14 년 레에 (Léger)는 색채, 선 및 형식에 유사한 스트레스를주는 양식 대조 (Contrasts of Forms) 시리즈를 제작했습니다. 그의 입체파는 추상적 인 특성에도 불구하고 기계화와 현대 생활의 주제와 관련되어있었습니다. Apollinaire는 Les Peintres cubistes (1913)에서 추상 입체파의 이러한 초기 발전을 지원하여 주제가 비워진 새로운 “순수한”그림을 썼다. 그러나 오르피즘이라는 용어를 사용 했음에도 불구하고이 작품들은 너무나 다르기 때문에 하나의 범주에 넣으려는 시도를 무시한다.

또한 Apollinaire의 Orphist라는 레이블이 붙은 Marcel Duchamp는 큐비즘에서 영감을 얻은 또 다른 극단적 발전을 담당했습니다. 기성품은 작품 자체가 (회화와 마찬가지로) 대상으로 간주되며, 세계의 물질적 인 쓰레기 (입체파 건설 및 조립에있어서의 콜라주 및 종이 콜레로서)를 사용한다는 공동의 의견으로부터 생겨났다. 뒤샹 (Duchamp)의 다음 논리적 인 단계는 평범한 사물을 자신을 나타내는 예술의 자급 자족적인 작품으로 제시하는 것이었다. 1913 년에는 부엌 의자에 자전거 바퀴를 달고 1914 년 병 건조 선반을 조각품으로 선택했습니다.

섹션 도르 또는
가장 눈에 잘 띄는 입체파에 의해 설립 된 Groupe de Puteaux라고도 불리는 Section d’ Or는 1911 년에서 1914 년 사이에 일어난 입체파와 오르비스즘과 관련된 화가, 조각가 및 비평가의 모임으로, 1911 살롱 데 Indépendants에서 그들의 논란의 보여주는. 1912 년 10 월 파리의 Galerie La Boétie에있는 Salon de la Section d’ Or는 제 1 차 세계 대전 전 입체파 전시회에서 가장 중요한 전시회였습니다. 큐비즘을 폭 넓은 청중에게 노출시킨다. 200 점이 넘는 작품이 전시되었고, 많은 예술가들이 1909 년부터 1912 년까지의 작품을 대표하는 작품을 선보였다는 사실로이 전시는 입체파 회고의 매력을 전했다.

이 그룹은 파리의 몽마르트르 지역에서 파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 조르쥬 브라케 (Georges Braque)가 공동으로 개발 한 입체파의 좁은 정의와 구별하기 위해 Section d’ Or라는 이름을 채택한 것으로 보이고, 큐비즘은 고립 된 예술 작품이 아닌, 양식은 웅대 한 전통의 연속을 나타냈다. (사실, 황금 비율은 적어도 2,400 년 동안 다양한 이해 관계를 지닌 서구 지식인들을 매료시켰다).

The d’ Or의 아이디어는 Metzinger, Gleizes와 Jacques Villon 사이의 대화 과정에서 시작되었습니다. 이 단체의 제목은 1910 년 레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)의 호세 핀 페라 단 (Joséphin Péladan)이 번역 한 트라 탓토 델라 피투 라 (Trattato della Pittura)를 읽은 뒤 Villon이 제안했다.

큐비즘이 발달 한 연속적인 단계를 보여주기 위해 큐레이터가되어 있었고 그 당시 Du Cubisme가 출판되었다는 사실은 예술가가 광범위한 관객에게 작품을 이해시키기 쉽게 할 의도가 있음을 나타냅니다 (예술 평론가 예술 수집가, 예술 상인 및 일반 대중). 의심의 여지없이, 전시의 위대한 성공으로 큐비즘은 특정 공통된 철학이나 목표를 가진 예술의 경향, 장르 또는 스타일로 인식되었습니다.

후기 입후보 : 1914-1921

Crystal Cubism : 1914-1918
1914 년과 1916 년 사이 큐비즘의 중대한 수정은 거대한 중첩 기하학 평면과 평평한 표면 활동을 강조하는 방향으로 바뀌었다. 그림과 조각 스타일의 그룹화는 특히 1917 ~ 1920 년 사이에 여러 예술가들에 의해 시행되었습니다. 특히 아트 딜러 및 수집가 인 Léonce Rosenberg와 계약을 맺은 사람들. 작곡의 엄격함,이 작품들에 반영된 순서의 선명함과 감각은 비평가 Maurice Raynal이 ‘크리스탈’입체주의라고 부르는 결과를 낳았다. 제 4 차 세계 대전의 역 동성, 오컬트, 그리고 헨리 버그슨의 존속 기간 개념과 같은 제 1 차 세계 대전의 시작 이전에 입체파에 의해 제기 된 고려 사항은 이제 완전히 비공식적 인 기준 틀로 대체되었다.

Crystal Cubism과 그 연합 rappel à ordre는 군대에 복무 한 사람들과 민간 부문에 남아있는 사람들에 의해 중대한 전쟁의 현실을 벗어나기 위해 그리고 그 직후에 모두 피할 수있는 성향과 관련이있다 갈등. 응집력있는 단결과 자발적인 제약으로 1914 년부터 1920 년대 중반까지 입체파를 정화하는 것은 프랑스 사회와 프랑스 문화에서 보수주의에 대한 훨씬 광범위한 이데올로기 적 변화로 이어지고있다.

1918 년 이후 입체주의
입체파의 가장 혁신적인시기는 1914 년 이전이었습니다. 제 1 차 세계 대전 후, 상인 Léonce Rosenberg의 지원을 받아 입체파는 예술가들의 중심 주제로 돌아 왔고 전위적인 지위가 1920 년대 중반까지 계속되었습니다 파리에있는 기하학적 인 추상화와 초현실주의의 출현으로 인해 의심 스럽다. 1920 년대와 1930 년대에 미국의 스튜어트 데이비스 (Stuart Davis)와 미국의 스튜어트 데이비스 (Stuart Davis)의 작품에서 피큐어, 브라크, 그레, 레제, 글레이즈, 메츠 징어를 비롯한 많은 입체파가 다른 스타일을 개발하면서 입체파로 주기적으로 돌아왔다. 영국인 벤 니콜슨. 그러나 프랑스에서는 큐비즘이 약 1925 년경부터 감소세를 보였다. Léonce Rosenberg는 Kahnweiler의 추방자들뿐 아니라 Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin 및 Severini 등의 예술가들도 전시했다. 1918 년 Rosenberg는 파리의 Galerie de l’ Effort Moderne에서 일련의 입체파 전시회를 개최했습니다. 입체파가 죽었다고 주장한 루이 보슐 셀츠 (Louis Vauxcelles)의 시도가 있었지만, 1920 년 살롱 데 Indépendants에서 잘 조직 된 입체파 쇼와 함께, 그리고 같은 해 Salon de la Section d’ Or의 부활로이 전시는 시연했다. 아직 살아 있었어.

입체파의 재현은 Pierre Reverdy, Maurice Raynal과 Daniel-Henry Kahnweiler 그리고 Gris, Léger 및 Gleizes의 예술가 중 이론적 저작의 일관된 몸체 인 1917-24 년경의 모습과 일치했다. 이 기간 동안 많은 예술가들에 의해 독점적으로 또는 입체파 작업과 함께 고전주의 – 비 유적 작품으로 때때로 복귀 (네오 클라스주의 라 불림)는 전쟁의 현실을 회피하려는 경향과 고전 또는 라틴의 문화적 지배력과 연결되어왔다 전쟁 중 및 직후 프랑스의 이미지. 1918 년 이후 입체주의는 프랑스 사회와 문화 모두에서 보수주의로의 광범위한 이념적 변화의 일부로 볼 수 있습니다. 그러나 큐비즘 자체는 Gris와 Metzinger와 같은 개별 아티스트의 작품과 Braque, Léger 및 Gleizes와는 다른 예술가 작품 전반에 걸쳐 진화를 거듭했다. 공개적으로 토론 된 입체파는 상대적으로 통일되어 정의에 열렸습니다. 그것의 이론적 순수성은 현실주의 또는 자연주의, 다다, 초현실주의 및 추상화와 같은 다양한 경향을 비교할 수있는 기준이되었습니다.

해석

입체파 조각
페인팅과 마찬가지로 입체파 조각은 폴 Cézanne의 페인트 대상을 구성 요소 평면 및 기하학적 인 입체 (큐브, 구, 원통 및 원뿔)로 축소하는 데 기반을두고 있습니다. 그리고 회화 에서처럼, 그것은 보편적 영향력이되었고 구성주의와 미래주의에 근본적으로 기여했습니다.

입체파 조각은 입체파 그림과 병행하여 개발되었습니다. 1909 년 가을 피카소 (Picasso)는 부정적인 공간으로 묘사 된 긍정적 인 특징을 가진 여성 (페르난데)의 머리를 조각했으며 반대의 경우도 마찬가지입니다. 더글러스 쿠퍼 (Douglas Cooper)에 따르면 : “최초의 진정한 입체파 조각은 1909-10 년에 모델화 된 피카소 (Picasso)의 인상적인 여성의 머리카락이었다. 그 당시에는 그림과 비슷한 여러 가지 분석 및 면모를 입체적으로 표현했다.” 이러한 긍정 / 부정적인 반전은 1912-13 년 Alexander Archipenko에 의해 야심 차게 착취당했습니다. 예를 들면 Woman Walking. Archipenko 이후 Joseph Csaky는 1911 년 이후에 전시 된 입체파 입문자 중 파리 최초의 조각가였습니다. 그들은 Raymond Duchamp-Villon에 이어 1914 년 Jacques Lipchitz, Henri Laurens 및 Ossip Zadkine에 의해 뒤 따랐다.

사실, 입체파 건설은 그림 입체파 혁신만큼이나 영향력이있었습니다. 그것은 Naum Gabo와 Vladimir Tatlin의 프로토 건설 주의자 작업의 자극이었고, 따라서 20 세기 근대주의 조각의 건설적인 경향 전체의 출발점이었습니다.

건축물
큐비즘은 20 세기 초의 예술과 건축 사이의 중요한 연결 고리를 형성했습니다. 회화, 조각 및 건축에서의 전위 적 관행 간의 역사적, 이론적, 사회 – 정치적 관계는 프랑스, ​​독일, 네덜란드, 체코 슬로바키아에서 일찌감치 파급되었다. 큐비즘과 건축물 사이에는 많은 교차점이 있지만 그것들 사이에는 몇 가지 직접 연결 만이 그려 질 수 있습니다. 대부분의 경우 연결은 형태의 패싯, 공간 모호성, 투명성 및 다중성과 같은 공유 형식 특성을 참조하여 작성됩니다.

큐비즘에 대한 건축 적 관심은 고전적인 시각의 환영없이 병치 된 단순한 기하학적 모양을 사용하여 3 차원 형태의 해체와 재구성에 집중했다. 다양한 요소는 공간적 관계를 유지하면서 겹쳐 지거나 투명하게되거나 서로 관통 할 수 있습니다. 큐비즘은 건축 디자인의 단순화와 함께 피터 베렌스 (Peter Behrens)와 월터 그로피우스 (Walter Gropius)와 같은 건축가와 병행하여 개발 한 1912 년부터 현대 건축의 발전에 영향을 끼쳤습니다 (Raymond Duchamp-Villon과 André Mare의 La Maison Cubiste) 산업 생산에 적합한 재료의 사용, 그리고 유리 사용 증가.

큐비즘은 과거를 언급 할 필요가없는 스타일을 추구하는 아키텍처와 관련이 있습니다. 따라서 회화와 조각 모두에서 혁명이 된 것은 “변화된 세계를 향한 심오한 재교육”의 일환으로 적용되었습니다. Filippo Tommaso Marinetti의 Cubo-Futurist 아이디어는 아방가르드 건축의 태도에 영향을주었습니다. 영향력있는 De Stijl 운동은 Piet Mondrian이 개발 한 신 플라스틱주의의 미적 원리를 파리의 입체주의의 영향 아래 받아 들였습니다. De Stijl은 Albert Gleizes의 글을 통해 Gino Severini와 입체파 이론에 연결되었습니다. 그러나 1914 년 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp)이 1900 년부터 미리 형상화 한 고유의 아름다움과 산업 적용의 용이성과 기본 기하학적 형태를 연결하는 것은 Purism, Amédée Ozenfant 및 Charles-Édouard Jeanneret (Le Corbusier로 더 잘 알려져 있음)의 창립자에게 맡겨졌습니다. 그는 파리에서 회화를 전시하고 1918 년에 세레 르 큐비즘을 발표했다. 르 코르뷔지에의 야망은 자신의 큐비즘 스타일을 건축으로 바꾸려는 것이었다. 르 코르뷔지에는 1918 년과 1922 년 사이에 순수주의 이론과 그림에 자신의 노력을 집중 시켰습니다. 1922 년 Le Corbusier와 그의 사촌 Jeanneret는 35 rue de Sèvres에 파리에서 스튜디오를 열었습니다. 그의 이론적 연구는 곧 많은 다른 건축 프로젝트로 발전했습니다.

라 메이슨 큐 비스트 (큐비 스트 하우스)
1912 년 Salon d’ Automne에서 Maison Cubiste (Cubist House)로 알려진 건축물이 전시되었으며, Raymond Duchamp-Villon과 André Mare와 협력자 그룹이 서명했습니다. “Maison Cubiste”의 모임에서 쓰여진 Du “Cubisme”의 Metzinger와 Gleizes는 예술의 자율적 성격에 대해 썼다. 장식적 고려 사항이 예술 정신을 지배해서는 안된다는 점을 강조했다. 그들에게 장식적인 작품은 “그림의 대조”였다. “진정한 그림”은 Metzinger와 Gleizes가 썼다. “박물관에서 연구실로 옮길 수있는 교회에서 연구실로 옮길 수있다. 본질적으로 독립적이며 필연적으로 완전하다. 즉각적으로 필요하지는 않다. 마음을 만족 시켜라. 반대로, 조화로운 빛이 존재하는 허구의 깊이로 그것을 조금씩 이끌어 가야한다. 그것은이 앙상블과 조화되지 않으며, 일반적으로 우주와 조화를 이룬다. 유기체입니다 … “.

크리스토퍼 그린 (Christopher Green)은 “마레의 앙상블은 그림과 조각의 독립성을 허용했기 때문에 입체파 작품의 프레임으로 받아 들여졌다”고 크리스토퍼 그린 (Christopher Green)은 말합니다. “그리즐리와 메츠 징어뿐만 아니라 마리 로렌 시인의 뒤샹 형제 (Raymond Duchamp-Villon은 정면을 디자인했다.) 그리고 Mare의 오랜 친구 Léger와 Roger La Fresnaye. ” La Maison Cubiste는 가구가 완비 된 집으로 계단, 단철 난간, 거실, Marcel Duchamp, Metzinger (팬이있는 여성), Gleizes, Laurencin 및 Léger의 그림이 걸려있는 살롱 부르주아를 매달아 놓은 침실과 침실이 있습니다. . 입체파 예술이 현대의 부르주아 생활의 위안과 스타일로 표현 될 수있는 곳인 L’ art décoratif의 사례였습니다. Salon d’ Automne의 관람객은 Duchamp-Villon이 디자인 한 외관의 1 층 10m × 3m 크기의 회 반죽 모델을 통과했습니다. 이 건축물 설치는 1913 년 Armory Show, 뉴욕, 시카고 및 보스톤에서 전시되었으며, Raymond Duchamp-Villon 번호 609로 “Facade architectural, plaster”(Façade architecturale)이라는 뉴욕 전시회 카탈로그에 실 렸습니다.

1927 년 제 1 차 세계 대전이 있은 지 수년 후에 큐비스트 인 Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, 조각가 Gustave Miklos 등이 Studio House, Saint-James rue, Neuilly-sur-Seine, 건축가 Paul Ruaud가 디자인했으며 프랑스 패션 디자이너 Jacques Doucet이 소유하고 있습니다. Jacques Doucet는 포스트 인상주의와 입체파 (Les Demoiselles d’ Avignon을 포함하여 피카소의 스튜디오에서 직접 구입 한 것)의 수집가이기도합니다. Laurens는 분수를 디자인했고 Csaky는 Doucet의 계단을 설계했으며 Lipchitz는 벽난로 벽을 만들고 Marcoussis는 입방체 깔개를 만들었습니다.

체코 입체파 건축
원래 큐 비스트 아키텍처는 매우 드뭅니다. 큐비즘이 실제로 보헤미아 (오늘날의 체코)와 특히 수도 인 프라하에 실제로 적용된 국가는 단 한 곳뿐입니다. 체코 건축가는 최초의 입체파 건물을 디자인 한 세계 최초의 유일한 건축가였습니다. 입체파 건축은 1910-1914 년 사이에 대부분 번영했지만 입체파 또는 입체파에 영향을받은 건물은 1 차 세계 대전 이후에도 건축되었습니다. 전쟁이 끝난 후 Rondo-Cubism이라는 건축 양식이 입체파 건축을 원형으로 융합 한 프라하에서 개발되었습니다 모양.

그들의 이론적 인 규칙에서 입체파 건축가들은 창조적 인 아이디어를 통해 그 안에 담긴 물질과 평온을 극복 할 수있는 역동성에 대한 요구를 표현 했으므로 그 결과는 관객의 역 동성과 표현력의 소동을 불러 일으킬 것입니다. 이것은 피라미드, 큐브 및 프리즘에서 파생 된 모양에 의해 경사 표면, 주로 삼각형, 돌출 된 결정과 같은 단위의 조각 된 외벽, 소위 다이아몬드 컷을 연상시키는 석회암 또는 심지어 동굴 같은 것들을 연상케하는 구성에 의해 달성되어야합니다 늦은 고딕 양식의 건축물. 이런 식으로 게이블러와 지붕 기둥을 포함한 정면의 전체 표면을 조각합니다. 그릴뿐만 아니라 다른 건축 장식품도 입체적 형태를 얻습니다. 따라서 새로운 형태의 창문과 문이 만들어졌습니다. 지. 육각형 창. 체코의 입체파 건축가도 입체파 가구를 디자인했습니다.

최고의 입체파 건축가는 Pavel Janák, Josef Gočár, Vlastislav Hofman, Emil Králíček 및 Josef Chochol이었습니다. 그들은 프라하 에서뿐만 아니라 다른 보헤미안 도시에서도 주로 일했습니다. 가장 잘 알려진 입체파 건물은 1912 년 Josef Gočár가 세계의 유일한 입체파 카페 인 Grand Café Orient와 함께 프라하의 구시가에 건설 한 Black Madonna의 집입니다. 블라 스티 슬라 프 호프만 (Vlastislav Hofman)은 1912-1914 년에 Ďáblice Cemetery의 입구 파빌리온을 지었고 Josef Chochol은 Vyšehrad 아래 몇 개의 주거용 주택을 설계했습니다. 입체파 가로등은 1912 년 Emil Králíček이 디자인 한 바츨라프 광장 근처에 보존되어 있으며, 1912 년에는 프라하의 신도시에 다이아몬드 하우스를지었습니다.

다른 분야의 입체파
입체파의 영향력은 회화와 조각 밖의 다른 예술적 영역으로 확장되었습니다. 문헌에서 Gertrude Stein의 저서는 반복문과 반복문을 양쪽 구절과 전체 장의 구성 요소로 사용합니다. Stein의 중요한 작품의 대부분은 The Making of Americans (1906-08) 소설을 포함하여이 기법을 사용합니다. 그들이 입체파의 첫 번째 중요한 후원자 였을뿐만 아니라 거트루드 스타 인 (Gertrude Stein)과 동생 인 레오 (Leo)도 입체파에 중요한 영향을 미쳤습니다. Picasso는 Stein의 글에 중요한 영향을 미쳤습니다.

미국 소설 분야에서 윌리엄 포크너 (William Faulkner)의 1930 년 소설 “나는 내가 낳은 것”이 입체파와의 상호 작용으로 읽혀질 수있다. 이 소설에는 15 자의 다양한 경험을 담은 서사가 포함되어 있으며, 함께 촬영하면 단일 응집체가 생성됩니다.

일반적으로 입체파와 관련된 시인은 기 Ap 아폴리네, 블레이즈 켄들, 진 코토, 맥스 제이콥, 안드레 연어, 피에르 리버디입니다. As American poet Kenneth Rexroth explains, Cubism in poetry “is the conscious, deliberate dissociation and recombination of elements into a new artistic entity made self-sufficient by its rigorous architecture. This is quite different from the free association of the Surrealists and the combination of unconscious utterance and political nihilism of Dada.” Nonetheless, the Cubist poets’ influence on both Cubism and the later movements of Dada and Surrealism was profound; Louis Aragon, founding member of Surrealism, said that for Breton, Soupault, Éluard and himself, Reverdy was “our immediate elder, the exemplary poet.” Though not as well remembered as the Cubist painters, these poets continue to influence and inspire; American poets John Ashbery and Ron Padgett have recently produced new translations of Reverdy’s work. Wallace Stevens’ “Thirteen Ways of Looking at a Blackbird” is also said to demonstrate how cubism’s multiple perspectives can be translated into poetry.

It is almost impossible to exaggerate the importance of Cubism. It was a revolution in the visual arts as great as that which took place in the early Renaissance. Its effects on later art, on film, and on architecture are already so numerous that we hardly notice them. (John Berger)