El cubismo es un movimiento de arte de principios del siglo XX que trajo la pintura y la escultura europeas hacia el arte moderno del siglo XX. El cubismo en sus diversas formas inspiró movimientos relacionados en la literatura y la arquitectura. El cubismo ha sido considerado uno de los movimientos artísticos más influyentes del siglo XX. El término se usa ampliamente en asociación con una amplia variedad de arte producido en París (Montmartre, Montparnasse y Puteaux) durante la década de 1910 y durante la década de 1920.
El cubismo derivó de una referencia hecha a «esquemas geométricos y cubos» por el crítico Louis Vauxcelles al describir pinturas exhibidas en París por Georges Braque en noviembre de 1908; se aplica más generalmente no solo al trabajo de este período por Braque y Pablo Picasso, sino también a una gama de arte producida en Francia durante los últimos años de la década de 1900, la década de 1910 y la de 1920 y variantes desarrolladas en otros países. Aunque el término no se aplica específicamente a un estilo de arquitectura, excepto en la antigua Checoslovaquia, los arquitectos compartieron las preocupaciones formales de los pintores con respecto a las convenciones de representación y la disolución de la forma tridimensional. El cubismo no puede definirse definitivamente como un estilo, el arte de un grupo específico o incluso un movimiento. Abarca trabajos ampliamente dispares; se aplica a artistas en diferentes medios; y no produjo un manifiesto acordado. Sin embargo, a pesar de las dificultades de definición, ha sido llamado el primero y el más influyente de todos los movimientos en el arte del siglo XX.
El movimiento fue iniciado por Pablo Picasso y Georges Braque, junto con Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier y Fernand Léger. Una influencia primaria que condujo al cubismo fue la representación de la forma tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne. Una retrospectiva de las pinturas de Cézanne se había celebrado en el Salon d’Automne de 1904, las obras actuales se exhibieron en 1905 y 1906 Salon d’Automne, seguido de dos retrospectivas conmemorativas después de su muerte en 1907. En la obra de arte cubista, se analizan los objetos, dividido y vuelto a ensamblar en una forma abstracta: en lugar de representar objetos desde un solo punto de vista, el artista representa el tema desde una multitud de puntos de vista para representar al sujeto en un contexto mayor.
El impacto del cubismo fue de gran alcance y amplio. En otros países, el futurismo, suprematismo, dadaísmo, constructivismo, De Stijl y Art Deco se desarrollaron en respuesta al cubismo. Las primeras pinturas futuristas tienen en común con el cubismo la fusión del pasado y el presente, la representación de diferentes puntos de vista del sujeto representado al mismo tiempo, también llamada perspectiva múltiple, simultaneidad o multiplicidad, mientras que el constructivismo fue influenciado por la técnica de Picasso de construir la escultura de elementos separados. Otros hilos comunes entre estos movimientos dispares incluyen la facetación o simplificación de formas geométricas, y la asociación de la mecanización y la vida moderna.
Historia
Los historiadores han dividido la historia del cubismo en fases. En un esquema, la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico, una frase acuñada por Juan Gris a posteriori, fue radical e influyente como un movimiento artístico corto pero altamente significativo entre 1910 y 1912 en Francia. Una segunda fase, el cubismo sintético, siguió siendo vital hasta alrededor de 1919, cuando el movimiento surrealista ganó popularidad. El historiador de arte inglés Douglas Cooper propuso otro esquema, que describe tres fases del cubismo en su libro, La época cubista. Según Cooper, hubo el «Cubismo temprano» (de 1906 a 1908) cuando el movimiento se desarrolló inicialmente en los estudios de Picasso y Braque; la segunda fase se llamó «cubismo alto» (de 1909 a 1914) durante el cual Juan Gris emergió como un exponente importante (después de 1911); y finalmente Cooper se refirió al «Cubismo tardío» (de 1914 a 1921) como la última fase del cubismo como un movimiento de vanguardia radical. El uso restrictivo de estos términos por parte de Douglas Cooper para distinguir la obra de Braque, Picasso, Gris (de 1911) y Léger (en menor medida) implicaba un juicio de valor intencional.
Proto-Cubismo: 1907-1908
El cubismo floreció entre 1907 y 1911. La obra de Pablo Picasso de 1907, Les Demoiselles d’Avignon, a menudo ha sido considerada una obra protocubista. Las Casas de 1908 de Georges Braque en L’Estaque (y obras relacionadas) llevaron al crítico Louis Vauxcelles, en Gil Blas, el 25 de marzo de 1909, a referirse a bizarreries cubiques (rarezas cúbicas). Gertrude Stein se refirió a los paisajes realizados por Picasso en 1909, como el Embalse de Horta de Ebro, como las primeras pinturas cubistas. La primera exposición colectiva organizada por cubistas tuvo lugar en el Salon des Indépendants de París durante la primavera de 1911 en una sala llamada ‘Salle 41’; incluyó obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay y Henri Le Fauconnier, pero no se exhibieron obras de Picasso o Braque.
En 1911, Picasso fue reconocido como el inventor del cubismo, mientras que la importancia y la precedencia de Braque se debatieron más tarde, con respecto a su tratamiento del espacio, el volumen y la masa en los paisajes de L’Estaque. Pero «esta visión del cubismo está asociada a una definición claramente restrictiva de los artistas que deben llamarse propiamente cubistas», escribió el historiador del arte Christopher Green: «Marginando la contribución de los artistas que exhibieron en el Salon des Indépendants en 1911».
La afirmación de que la representación cubista del espacio, la masa, el tiempo y el volumen apoya (más que contradice) la llanura del lienzo fue hecha por Daniel-Henry Kahnweiler ya en 1920, pero fue objeto de críticas en los años 50 y 60, especialmente por Clement Greenberg.
Las visiones contemporáneas del cubismo son complejas, formadas en cierta medida en respuesta a los cubistas de la «Salle 41», cuyos métodos eran demasiado distintos de los de Picasso y Braque para ser considerados meramente secundarios a ellos. Por lo tanto, se han desarrollado interpretaciones alternativas del cubismo. Las opiniones más amplias del cubismo incluyen artistas que más tarde se asociaron con los artistas de «Salle 41», por ejemplo, Francis Picabia; los hermanos Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon y Marcel Duchamp, que a finales de 1911 formaron el núcleo de la Section d’Or (o el Grupo Puteaux); los escultores Alexander Archipenko, Joseph Csaky y Ossip Zadkine, así como Jacques Lipchitz y Henri Laurens; y pintores como Louis Marcoussis, Roger de La Fresnaye, František Kupka, Diego Rivera, Léopold Survage, Auguste Herbin, André Lhote, Gino Severini (después de 1916), María Blanchard (después de 1916) y Georges Valmier (después de 1918). Más fundamentalmente, Christopher Green argumenta que los términos de Douglas Cooper fueron «más tarde minados por las interpretaciones de la obra de Picasso, Braque, Gris y Léger que enfatizan las cuestiones iconográficas e ideológicas más que los métodos de representación».
John Berger identifica la esencia del cubismo con el diagrama mecánico. «El modelo metafórico del cubismo es el diagrama: el diagrama es una representación simbólica visible de procesos, fuerzas, estructuras invisibles. Un diagrama no necesita evitar ciertos aspectos de la apariencia, pero estos también serán tratados como signos, no como imitaciones o recreaciones».
Cubismo alto: 1909-1914
Había una clara diferencia entre los cubistas de Kahnweiler y los cubistas de salón. Antes de 1914, Picasso, Braque, Gris y Léger (en menor medida) obtuvieron el apoyo de un único y comprometido marchante de arte en París, Daniel-Henry Kahnweiler, quien les garantizó un ingreso anual por el derecho exclusivo de comprar sus obras. Kahnweiler se vendió solo a un pequeño círculo de conocedores. Su apoyo le dio a sus artistas la libertad de experimentar en relativa privacidad. Picasso trabajó en Montmartre hasta 1912, mientras que Braque y Gris permanecieron allí hasta después de la Primera Guerra Mundial. Léger tenía su base en Montparnasse.
En contraste, los Cubistas de Salón construyeron su reputación principalmente al exhibir regularmente en el Salon d’Automne y el Salon des Indépendants, ambos salones principales no académicos en París. Inevitablemente estaban más conscientes de la respuesta del público y la necesidad de comunicarse. Ya en 1910 comenzó a formarse un grupo que incluía a Metzinger, Gleizes, Delaunay y Léger. Se reunían regularmente en el estudio de Henri le Fauconnier cerca del Boulevard de Montparnasse. Estas veladas a menudo incluían escritores como Guillaume Apollinaire y André Salmon. Junto con otros artistas jóvenes, el grupo quería enfatizar una investigación sobre la forma, en oposición al énfasis neo-impresionista en el color.
Louis Vauxcelles, en su reseña del 26º Salon des Indépendants (1910), hizo una referencia pasajera e imprecisa a Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger y Le Fauconnier como «geómetras ignorantes, reduciendo el cuerpo humano, el sitio, a cubos pálidos». » En el Salon d’Automne de 1910, unos meses más tarde, Metzinger exhibió su muy fracturado Nu à la cheminée (Desnudo), que posteriormente se reprodujo en Du «Cubisme» (1912) y Les Peintres Cubistes (1913).
La primera controversia pública generada por el cubismo fue el resultado de las exhibiciones de Salon en los Independientes durante la primavera de 1911. Esta presentación de Metzinger, Gleizes, Delaunay, Le Fauconnier y Léger atrajo la atención del público sobre el cubismo por primera vez. Entre los trabajos cubistas presentados, Robert Delaunay exhibió su Torre Eiffel, Tour Eiffel (Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York).
En el Salon d’Automne del mismo año, además del grupo Indépendants de la Salle 41, se exhibieron obras de André Lhote, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Roger de La Fresnaye, André Dunoyer de Segonzac y František Kupka. La exposición fue revisada en la edición del 8 de octubre de 1911 de The New York Times. Este artículo fue publicado un año después de The Wildmen of Paris, de Gelett Burgess, y dos años antes del Armory Show, que introdujo a los estadounidenses asombrados, acostumbrados al arte realista, a los estilos experimentales de la vanguardia europea, incluido el fauvismo, el cubismo, y futurismo El artículo de 1911 del New York Times retrató obras de Picasso, Matisse, Derain, Metzinger y otros fechados antes de 1909; no exhibido en el Salón de 1911. El artículo fue titulado Los «Cubistas» dominan el Salón de Otoño de París y la Escuela de Pintura Excéntrica subtitulada aumenta su moda en la Exposición de Arte Actual: lo que sus seguidores intentan hacer.
«Entre todas las pinturas expuestas en el Salón de otoño de París, ninguna atrae tanta atención como las extraordinarias producciones de la llamada escuela» cubista «. De hecho, los despachos de París sugieren que estos trabajos son fácilmente la característica principal de la exposición. .
A pesar de la naturaleza disparatada de las teorías «cubistas», el número de quienes las profesan es bastante respetable. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger: estos son algunos de los nombres firmados en lienzos antes de los cuales París se ha plantado y ahora vuelve a quedar en blanco asombro.
¿Qué quieren decir? ¿Han quitado los sentidos a los responsables de ellos? ¿Es arte o locura? ¿Quién sabe?»
El posterior Salon des Indépendants, de 1912, estuvo marcado por la presentación de Nude Descending a Staircase, de Marcel Duchamp, núm. 2, que causó un escándalo, incluso entre los cubistas. De hecho, fue rechazado por el comité colgante, que incluía a sus hermanos y otros cubistas. Aunque el trabajo fue exhibido en el Salon de la Section d’Or en octubre de 1912 y en la Armory Show de 1913 en Nueva York, Duchamp nunca perdonó a sus hermanos y ex colegas por censurar su obra. Juan Gris, una nueva incorporación a la escena del Salón, exhibió su Retrato de Picasso (Instituto de Arte de Chicago), mientras que las dos exposiciones de Metzinger incluyeron La Femme au Cheval (Mujer con un caballo) 1911-1912 (Galería Nacional de Dinamarca). También se exhibieron la monumental La Ville de Paris (Museo de arte moderno de la ciudad de París) de Launay y La Noce de Léger, La boda (Museo Nacional de Arte Moderno, París).
La contribución cubista al Salón de Automóviles de 1912 creó un escándalo con respecto al uso de edificios gubernamentales, como el Grand Palais, para exhibir tales obras de arte. La indignación del político Jean Pierre Philippe Lampué hizo la portada de Le Journal, el 5 de octubre de 1912. La controversia se extendió al Consejo Municipal de París, lo que llevó a un debate en la Cámara de Diputados sobre el uso de fondos públicos para proporcionar el lugar para tal arte. Los cubistas fueron defendidos por el diputado socialista, Marcel Sembat.
Fue en este contexto de ira pública que Jean Metzinger y Albert Gleizes escribieron Du «Cubisme» (publicado por Eugène Figuière en 1912, traducido al inglés y ruso en 1913). Entre las obras exhibidas se encuentran la gran composición de Le Fauconnier Les Montagnards attaqués par des ours (Mountaineers Attacked by Bears) ahora en el Rhode Island School of Design Museum, Joseph Desa Femme, Two Women (una escultura ahora perdida), además de lo altamente abstracto pinturas de Kupka, Amorpha (La Galería Nacional, Praga), y Picabia, La Source, The Spring (Museo de Arte Moderno, Nueva York).
Abstracción y el ready-made
Las formas más extremas del cubismo no fueron las practicadas por Picasso y Braque, que resistieron la abstracción total. Otros cubistas, por el contrario, especialmente František Kupka, y aquellos considerados Orphists por Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia y Duchamp), aceptaron la abstracción al eliminar por completo el tema visible. Las dos entradas de Kupka en el Salon d’Automne de 1912, Amorfa-Fugue à deux couleurs y Amorpha chromatique chaude, fueron altamente abstractas (o no representativas) y de orientación metafísica. Tanto Duchamp en 1912 como Picabia de 1912 a 1914 desarrollaron una abstracción expresiva y alusiva dedicada a complejos temas emocionales y sexuales. A partir de 1912, Delaunay pintó una serie de pinturas titulada Simultaneous Windows, seguida de una serie titulada Formes Circulaires, en la que combinaba estructuras planas con brillantes tonos prismáticos; basado en las características ópticas de los colores yuxtapuestos, su partida de la realidad en la representación de las imágenes era casi completa. En 1913-14, Léger produjo una serie titulada Contrastes of Forms, dando un énfasis similar al color, la línea y la forma. Su cubismo, a pesar de sus cualidades abstractas, se asoció con los temas de la mecanización y la vida moderna. Apollinaire apoyó estos primeros desarrollos del cubismo abstracto en Les Peintres cubistes (1913), escribiendo una nueva pintura «pura» en la que el tema fue desalojado. Pero a pesar de su uso del término Orphism, estas obras fueron tan diferentes que desafían los intentos de ubicarlas en una sola categoría.
También etiquetado como un Orphist por Apollinaire, Marcel Duchamp fue responsable de otro desarrollo extremo inspirado por el Cubismo. Los ready-made surgieron de una consideración conjunta de que la obra en sí es considerada un objeto (como una pintura), y que utiliza los detritus materiales del mundo (como collage y papier collé en la construcción cubista y Assemblage). El siguiente paso lógico, para Duchamp, era presentar un objeto ordinario como una obra de arte autosuficiente que se representa a sí misma. En 1913, colocó una rueda de bicicleta en un taburete de cocina y en 1914 seleccionó un estante para secado de botellas como una escultura en sí misma.
Section d’Or
La Section d’Or, también conocida como Groupe de Puteaux, fundada por algunos de los cubistas más conspicuos, fue un colectivo de pintores, escultores y críticos asociados con el cubismo y el orfismo, activo desde 1911 hasta alrededor de 1914, que adquirió importancia a raíz del estallido. de su controvertida muestra en el Salon des Indépendants de 1911. El Salón de la Sección d’Or en la Galerie La Boétie en París, en octubre de 1912, fue posiblemente la exposición cubista más importante antes de la Primera Guerra Mundial; exponiendo el cubismo a una amplia audiencia. Se exhibieron más de 200 obras, y el hecho de que muchos de los artistas mostraron obras de arte representativas de su desarrollo de 1909 a 1912 dio a la exposición el encanto de una retrospectiva cubista.
El grupo parece haber adoptado el nombre de Section d’Or para distinguirse de la definición más restringida de cubismo desarrollada en paralelo por Pablo Picasso y Georges Braque en el barrio de Montmartre de París, y para mostrar que el cubismo, en lugar de ser un arte aislado, forma, representaba la continuación de una gran tradición (de hecho, la proporción áurea había fascinado a los intelectuales occidentales de diversos intereses durante al menos 2.400 años).
La idea de la Section d’Or se originó en el curso de las conversaciones entre Metzinger, Gleizes y Jacques Villon. El título del grupo fue sugerido por Villon, después de leer una traducción de 1910 del Trattato della Pittura de Leonardo da Vinci, de Joséphin Péladan.
El hecho de que la exposición de 1912 haya sido comisariada para mostrar las etapas sucesivas a través de las cuales se desarrolló el cubismo, y que Du «Cubisme» se haya publicado para la ocasión, indica la intención de los artistas de hacer comprensible su trabajo para un público amplio (críticos de arte , coleccionistas de arte, marchantes de arte y público en general). Sin lugar a dudas, debido al gran éxito de la exposición, el cubismo fue reconocido como una tendencia, género o estilo en el arte con una filosofía u objetivo común específico.
Cubismo tardío: 1914-1921
Cubismo cristalino: 1914-1918
Una modificación significativa del cubismo entre 1914 y 1916 fue señalada por un cambio hacia un fuerte énfasis en grandes planos geométricos superpuestos y actividad de superficie plana. Esta agrupación de estilos de pintura y escultura, especialmente significativa entre 1917 y 1920, fue practicada por varios artistas; particularmente aquellos bajo contrato con el comerciante de arte y coleccionista Léonce Rosenberg. El endurecimiento de las composiciones, la claridad y el sentido del orden reflejados en estas obras, hicieron que el crítico Maurice Raynal se refiriera al cubismo «cristalino». Las consideraciones manifestadas por los cubistas antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial -como la cuarta dimensión, el dinamismo de la vida moderna, el ocultismo y el concepto de duración de Henri Bergson- ahora habían sido desocupadas, reemplazadas por un marco de referencia puramente formal.
El cubismo de cristal, y su rappel asociativo a la orden, se ha relacionado con la inclinación, por parte de quienes sirvieron a las fuerzas armadas y por quienes permanecieron en el sector civil, a escapar de las realidades de la Gran Guerra, tanto durante como directamente después el conflicto. La purificación del cubismo desde 1914 hasta mediados de la década de 1920, con su unidad cohesiva y restricciones voluntarias, se ha vinculado a una transformación ideológica mucho más amplia hacia el conservadurismo tanto en la sociedad francesa como en la francesa.
Cubismo después de 1918
El período más innovador del cubismo fue antes de 1914. Después de la Primera Guerra Mundial, con el apoyo del distribuidor Léonce Rosenberg, el cubismo volvió a ser un tema central para los artistas, y continuó como tal hasta mediados de la década de 1920 cuando su estado de vanguardia era hecho cuestionable por el surgimiento de la abstracción geométrica y el surrealismo en París. Muchos cubistas, incluyendo a Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes y Metzinger, mientras desarrollaban otros estilos, regresaron periódicamente al cubismo, incluso mucho después de 1925. El cubismo resurgió durante la década de 1920 y la década de 1930 en el trabajo del estadounidense Stuart Davis y el Inglés Ben Nicholson. En Francia, sin embargo, el cubismo experimentó un declive que comenzó hacia 1925. Léonce Rosenberg exhibió no solo a los artistas varados por el exilio de Kahnweiler, sino a otros como Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin y Severini. En 1918 Rosenberg presentó una serie de exposiciones cubistas en su Galerie de l’Effort Moderne en París. Louis Vauxcelles intentó hacer creer que el cubismo había muerto, pero estas exhibiciones, junto con un espectáculo cubista bien organizado en el 1920 Salon des Indépendants y un resurgimiento del Salon de la Section d’Or en el mismo año, lo demostraron. Aún estaba vivo.
El resurgimiento del cubismo coincidió con la aparición a partir de 1917-1924 de un conjunto coherente de escritos teóricos de Pierre Reverdy, Maurice Raynal y Daniel-Henry Kahnweiler y, entre los artistas, de Gris, Léger y Gleizes. El retorno ocasional al trabajo clasicista-figurativo, ya sea exclusivamente o junto a la obra cubista-experimentado por muchos artistas durante este período (llamado neoclasicismo) se ha relacionado con la tendencia a evadir las realidades de la guerra y también el dominio cultural de un clásico o latino imagen de Francia durante e inmediatamente después de la guerra. El cubismo después de 1918 puede verse como parte de un amplio cambio ideológico hacia el conservadurismo tanto en la sociedad como en la cultura francesa. Sin embargo, el cubismo se mantuvo evolutivo tanto dentro de la obra de artistas individuales, como Gris y Metzinger, como a través del trabajo de artistas tan diferentes entre sí como Braque, Léger y Gleizes. El cubismo como un movimiento públicamente discutido se volvió relativamente unificado y abierto a la definición. Su pureza teórica lo convirtió en un indicador contra el cual se podían comparar tendencias tan diversas como el realismo o el naturalismo, el dadaísmo, el surrealismo y la abstracción.
Interpretación
Escultura cubista
Al igual que en la pintura, la escultura cubista tiene sus raíces en la reducción de los objetos pintados de Paul Cézanne en planos componentes y sólidos geométricos (cubos, esferas, cilindros y conos). Y al igual que en la pintura, se convirtió en una influencia dominante y contribuyó fundamentalmente al Constructivismo y al Futurismo.
Escultura cubista desarrollada paralelamente a la pintura cubista. Durante el otoño de 1909, Picasso esculpió Cabeza de mujer (Fernande) con rasgos positivos representados por espacio negativo y viceversa. Según Douglas Cooper: «La primera verdadera escultura cubista fue la impresionante Cabeza de mujer de Picasso, modelada en 1909-1910, una contrapartida en tres dimensiones para muchas cabezas analíticas y facetadas similares en sus pinturas de la época». Estos cambios positivos / negativos fueron explotados ambiciosamente por Alexander Archipenko en 1912-13, por ejemplo en Woman Walking. Joseph Csaky, después de Archipenko, fue el primer escultor en París en unirse a los cubistas, con quienes exhibió desde 1911 en adelante. Fueron seguidos por Raymond Duchamp-Villon y luego en 1914 por Jacques Lipchitz, Henri Laurens y Ossip Zadkine.
De hecho, la construcción cubista fue tan influyente como cualquier innovación pictórica cubista. Fue el estímulo detrás del trabajo protoconstructivista de Naum Gabo y Vladimir Tatlin y por lo tanto, el punto de partida para toda la tendencia constructiva en la escultura modernista del siglo XX.
Arquitectura
El cubismo formó un vínculo importante entre el arte y la arquitectura de principios del siglo XX. Las relaciones históricas, teóricas y sociopolíticas entre las prácticas de vanguardia en pintura, escultura y arquitectura tuvieron ramificaciones tempranas en Francia, Alemania, los Países Bajos y Checoslovaquia. Aunque hay muchos puntos de intersección entre el cubismo y la arquitectura, solo se pueden trazar unos pocos enlaces directos entre ellos. Muy a menudo las conexiones se hacen por referencia a características formales compartidas: facetas de la forma, ambigüedad espacial, transparencia y multiplicidad.
El interés arquitectónico en el cubismo se centró en la disolución y reconstitución de la forma tridimensional, utilizando formas geométricas simples, yuxtapuestas sin las ilusiones de la perspectiva clásica. Diversos elementos podrían superponerse, hacerse transparentes o penetrar unos a otros, al tiempo que conservan sus relaciones espaciales. El cubismo se convirtió en un factor influyente en el desarrollo de la arquitectura moderna desde 1912 (La Maison Cubiste, por Raymond Duchamp-Villon y André Mare) en adelante, desarrollándose en paralelo con arquitectos como Peter Behrens y Walter Gropius, con la simplificación del diseño de edificios. el uso de materiales apropiados para la producción industrial y el mayor uso del vidrio.
El cubismo era relevante para una arquitectura que buscaba un estilo que no necesitaba referirse al pasado. Por lo tanto, lo que se había convertido en una revolución en la pintura y la escultura se aplicó como parte de «una profunda reorientación hacia un mundo cambiado». Las ideas cubo-futuristas de Filippo Tommaso Marinetti influyeron en las actitudes de la arquitectura de vanguardia. El influyente movimiento De Stijl adoptó los principios estéticos del neoplasticismo desarrollado por Piet Mondrian bajo la influencia del cubismo en París. De Stijl también fue vinculado por Gino Severini a la teoría cubista a través de los escritos de Albert Gleizes. Sin embargo, la vinculación de las formas geométricas básicas con la belleza inherente y la facilidad de aplicación industrial, que había sido prefigurada por Marcel Duchamp desde 1914, se dejó a los fundadores del purismo, Amédée Ozenfant y Charles-Édouard Jeanneret (mejor conocido como Le Corbusier). quien exhibió pinturas juntas en París y publicó Après le cubisme en 1918. La ambición de Le Corbusier había sido traducir las propiedades de su propio estilo de cubismo a la arquitectura. Entre 1918 y 1922, Le Corbusier concentró sus esfuerzos en la teoría y la pintura puristas. En 1922, Le Corbusier y su prima Jeanneret abrieron un estudio en París en el 35 rue de Sèvres. Sus estudios teóricos pronto avanzaron en muchos proyectos arquitectónicos diferentes.
La Maison Cubiste (Casa Cubista)
En el Salon d’Automne de 1912 se exhibió una instalación arquitectónica que rápidamente se conoció como Maison Cubiste (Casa Cubista), firmada por Raymond Duchamp-Villon y André Mare junto con un grupo de colaboradores. Metzinger y Gleizes en Du «Cubisme», escritos durante el ensamblaje de la «Maison Cubiste», escribieron sobre la naturaleza autónoma del arte, enfatizando el punto de que las consideraciones decorativas no deberían gobernar el espíritu del arte. El trabajo decorativo, para ellos, era la «antítesis de la imagen». «La verdadera imagen», escribieron Metzinger y Gleizes, «tiene su razón de ser en sí misma. Puede trasladarse de una iglesia a un salón, de un museo a un estudio. Esencialmente independiente, necesariamente completa, no necesita inmediatamente satisfacer la mente: por el contrario, debe conducirla, poco a poco, hacia las profundidades ficticias en las que reside la luz coordinadora. No armoniza con este o aquel conjunto, armoniza con las cosas en general, con el universo: es un organismo … «.
«Los conjuntos de Mare fueron aceptados como marcos para las obras cubistas porque permitieron que las pinturas y esculturas tuvieran independencia», escribe Christopher Green, «creando un juego de contrastes, de ahí la participación no solo de los mismos Gleizes y Metzinger, sino de Marie Laurencin, los hermanos Duchamp (Raymond Duchamp-Villon diseñó la fachada) y los viejos amigos de Mare Léger y Roger La Fresnaye «. La Maison Cubiste era una casa completamente amueblada, con una escalera, barandillas de hierro forjado, una sala de estar-el Salon Bourgeois, donde se colgaron las pinturas de Marcel Duchamp, Metzinger (Mujer con un ventilador), Gleizes, Laurencin y Léger-y un dormitorio . Era un ejemplo de L’art décoratif, un hogar dentro del cual el arte cubista podía exhibirse en la comodidad y el estilo de la vida moderna y burguesa. Los espectadores del Salon d’Automne pasaron por el modelo de yeso a escala real de 10 por 3 metros de la planta baja de la fachada, diseñado por Duchamp-Villon. Esta instalación arquitectónica fue exhibida posteriormente en la Armory Show de 1913, Nueva York, Chicago y Boston, incluida en el catálogo de la exposición de Nueva York como Raymond Duchamp-Villon, número 609, y titulada «Fachada arquitectónica, yeso» (Fachada arquitectónica).
Varios años después de la Primera Guerra Mundial, en 1927, los cubistas Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, el escultor Gustave Miklos y otros colaboraron en la decoración de una casa estudio, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, diseñado por el arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet, también un coleccionista de pinturas posimpresionistas y cubistas (incluyendo Les Demoiselles d’Avignon, que compró directamente del estudio de Picasso). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñó la escalera de Doucet, Lipchitz hizo la repisa de la chimenea y Marcoussis hizo una alfombra cubista.
Arquitectura cubista checa
La arquitectura cubista original es muy rara. Solo hay un país en el mundo donde el cubismo realmente se aplicó a la arquitectura, a saber, Bohemia (hoy República Checa) y especialmente su capital, Praga. Los arquitectos checos fueron los primeros y únicos en el mundo en diseñar edificios cubistas originales. La arquitectura cubista floreció en su mayor parte entre 1910-1914, pero los edificios cubistas o influenciados por el cubismo también se construyeron después de la Primera Guerra Mundial. Después de la guerra, el estilo arquitectónico llamado rondo-cubismo se desarrolló en Praga fusionando la arquitectura cubista con formas.
En sus reglas teóricas, los arquitectos cubistas expresaban el requisito del dinamismo, que superaría la materia y la calma contenida en él, a través de una idea creativa, de modo que el resultado evocaría sentimientos de dinamismo y plasticidad expresiva en el espectador. Esto debería lograrse mediante formas derivadas de pirámides, cubos y prismas, mediante arreglos y composiciones de superficies oblicuas, principalmente fachadas triangulares esculpidas en unidades protuberantes tipo cristal, que recuerdan al llamado corte de diamante, o incluso cavernoso que recuerdan a la arquitectura gótica tardía. De esta forma, se esculpen todas las superficies de las fachadas, incluidos los techos y buhardillas. Las rejas y otros ornamentos arquitectónicos alcanzan una forma tridimensional. Por lo tanto, también se crearon nuevas formas de ventanas y puertas, por ejemplo, ventanas hexagonales. Los arquitectos cubistas checos también diseñaron muebles cubistas.
Los principales arquitectos cubistas fueron Pavel Janák, Josef Gočár, Vlastislav Hofman, Emil Králíček y Josef Chochol. Trabajaron principalmente en Praga, pero también en otras ciudades de Bohemia. El edificio cubista más conocido es la Casa de la Virgen Negra en el Casco Antiguo de Praga, construida en 1912 por Josef Gočár con el único café cubista en el mundo, Grand Café Orient. Vlastislav Hofman construyó los pabellones de entrada del cementerio de Ďáblice en 1912-1914, Josef Chochol diseñó varias casas residenciales bajo Vyšehrad. También se ha conservado una farola cubista cerca de la Plaza Wenceslao, diseñada por Emil Králíček en 1912, que también construyó la Casa Diamante en la Ciudad Nueva de Praga alrededor de 1913.
Cubismo en otros campos
La influencia del cubismo se extendió a otros campos artísticos, fuera de la pintura y la escultura. En literatura, los trabajos escritos de Gertrude Stein emplean la repetición y las frases repetitivas como bloques de construcción en ambos pasajes y capítulos enteros. La mayoría de los trabajos importantes de Stein utilizan esta técnica, incluida la novela The Making of Americans (1906-08). No solo fueron los primeros patrones importantes del cubismo, Gertrude Stein y su hermano Leo también fueron influencias importantes en el cubismo. Picasso a su vez fue una influencia importante en la escritura de Stein.
En el campo de la ficción estadounidense, la novela de 1930 de William Faulkner As I Lay Dying se puede leer como una interacción con el modo cubista. La novela presenta narrativas de las diversas experiencias de 15 personajes que, cuando se toman en conjunto, producen un único cuerpo cohesivo.
Los poetas generalmente asociados con el cubismo son Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, André Salmon y Pierre Reverdy.Como explica el poeta estadounidense Kenneth Rexroth, el cubismo en la poesía «es la disociación consciente y deliberada y la recombinación de elementos en una nueva entidad artística hecha autosuficiente por su arquitectura rigurosa. Esto es bastante diferente de la asociación libre de los surrealistas y la combinación de la expresión inconsciente y el nihilismo político de Dada «. No obstante, la influencia de los poetas cubistas tanto en el cubismo como en los movimientos posteriores del dadaísmo y el surrealismo fue profunda; Louis Aragon, miembro fundador del surrealismo, dijo que para Breton, Soupault, Éluard y él mismo, Reverdy era «nuestro élder inmediato, el poeta ejemplar». Aunque no son tan bien recordados como los pintores cubistas, estos poetas continúan influenciando e inspirando; Los poetas estadounidenses John Ashbery y Ron Padgett han producido recientemente nuevas traducciones del trabajo de Reverdy.También se dice que las «Trece formas de mirar a un mirlo» de Wallace Stevens demuestran cómo las múltiples perspectivas del cubismo se pueden traducir a la poesía.
Es casi imposible exagerar la importancia del cubismo. Fue una revolución en las artes visuales tan grande como la que tuvo lugar a principios del Renacimiento. Sus efectos en el arte posterior, en el cine y en la arquitectura son ya tan numerosos que apenas los notamos. (John Berger)