O cubismo é um movimento de arte do início do século XX que trouxe a pintura e a escultura européias para a arte moderna do século XX. O cubismo, em suas várias formas, inspirou movimentos relacionados na literatura e na arquitetura. O cubismo foi considerado um dos movimentos artísticos mais influentes do século XX. O termo é amplamente usado em associação com uma grande variedade de arte produzida em Paris (Montmartre, Montparnasse e Puteaux) durante a década de 1910 e durante toda a década de 1920.

O cubismo derivou de uma referência feita a “esquemas geométricos e cubos” pelo crítico Louis Vauxcelles ao descrever pinturas exibidas em Paris por Georges Braque em novembro de 1908; é mais geralmente aplicado não apenas ao trabalho desse período de Braque e Pablo Picasso, mas também a uma série de obras de arte produzidas na França no final dos anos 1900, década de 1910 e início dos anos 20 e variantes desenvolvidas em outros países. Embora o termo não seja especificamente aplicado a um estilo de arquitetura, exceto na antiga Tchecoslováquia, os arquitetos compartilhavam as preocupações formais dos pintores em relação às convenções de representação e à dissolução da forma tridimensional. O cubismo não pode definitivamente ser chamado de estilo, a arte de um grupo específico ou mesmo um movimento. Abrange um trabalho muito desigual; aplica-se a artistas de diferentes meios; e não produziu nenhum manifesto acordado. No entanto, apesar das dificuldades de definição, tem sido chamado o primeiro e o mais influente de todos os movimentos na arte do século XX.

O movimento foi iniciado por Pablo Picasso e Georges Braque, acompanhados por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier e Fernand Léger. Uma das principais influências que levaram ao cubismo foi a representação da forma tridimensional nos últimos trabalhos de Paul Cézanne. Uma retrospectiva das pinturas de Cézanne foi realizada no Salon d’Automne de 1904, as obras atuais foram exibidas no Salon d’Automne de 1905 e 1906, seguido por duas retrospectivas comemorativas após sua morte em 1907. Na arte cubista, os objetos são analisados, fragmentado e remontado de forma abstraída – em vez de representar objetos de um único ponto de vista, o artista retrata o assunto a partir de uma infinidade de pontos de vista para representar o assunto em um contexto maior.

O impacto do cubismo foi amplo e abrangente. Em outros países, o Futurismo, o Suprematismo, o Dada, o Construtivismo, o De Stijl e o Art Deco se desenvolveram em resposta ao cubismo. As primeiras pinturas futuristas têm em comum com o cubismo a fusão do passado e do presente, a representação de diferentes visões do sujeito retratado ao mesmo tempo, também chamada de múltipla perspectiva, simultaneidade ou multiplicidade, enquanto o construtivismo foi influenciado pela técnica de construção de escultura de Picasso. de elementos separados. Outros tópicos comuns entre esses movimentos díspares incluem a lapidação ou simplificação das formas geométricas e a associação entre a mecanização e a vida moderna.

História
Os historiadores dividiram a história do cubismo em fases. Em um esquema, a primeira fase do cubismo, conhecida como Cubismo analítico, uma frase cunhada por Juan Gris a posteriori, foi radical e influente como um movimento artístico curto, mas altamente significativo, entre 1910 e 1912 na França. Uma segunda fase, o Cubismo Sintético, permaneceu vital até por volta de 1919, quando o movimento surrealista ganhou popularidade. O historiador de arte inglês Douglas Cooper propôs outro esquema, descrevendo três fases do cubismo em seu livro, The Cubist Epoch. Segundo Cooper, havia “Early Cubism”, (de 1906 a 1908) quando o movimento foi inicialmente desenvolvido nos estúdios de Picasso e Braque; a segunda fase sendo chamada de “Alto Cubismo”, (de 1909 a 1914), durante a qual Juan Gris emergiu como um expoente importante (depois de 1911); e finalmente Cooper referiu-se ao “final do cubismo” (de 1914 a 1921) como a última fase do cubismo como movimento radical de vanguarda. O uso restritivo desses termos por Douglas Cooper para distinguir o trabalho de Braque, Picasso, Gris (de 1911) e Léger (em menor grau) implicava um julgamento de valor intencional.

Proto-cubismo: 1907-1908
O cubismo floresceu entre 1907 e 1911. A pintura de 1907 de Les Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, tem sido considerada uma obra protocubista. As Casas de 1908 de Georges Braque em L’Estaque (e obras relacionadas) levaram o crítico Louis Vauxcelles, em Gil Blas, em 25 de março de 1909, a se referir a bizarreries cubiques (esquisitices cúbicas). Gertrude Stein referiu-se às paisagens feitas por Picasso em 1909, como o Reservatório da Horta de Ebro, como as primeiras pinturas cubistas. A primeira exposição coletiva organizada por cubistas ocorreu no Salon des Indépendants em Paris, durante a primavera de 1911, em uma sala chamada ‘Salle 41′; incluiu obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay e Henri Le Fauconnier, mas nenhuma obra de Picasso ou Braque foi exibida.

Em 1911, Picasso foi reconhecido como o inventor do cubismo, enquanto a importância e a precedência de Braque foram discutidas posteriormente, com respeito ao tratamento do espaço, volume e massa nas paisagens de L’Estaque. Mas “essa visão do cubismo está associada a uma definição nitidamente restritiva de quais artistas devem ser chamados de cubistas”, escreveu o historiador de arte Christopher Green: “Marginalizando a contribuição dos artistas que expuseram no Salon des Indépendants em 1911”

A afirmação de que a representação cubista de espaço, massa, tempo e volume apóia (e não contradiz) a planura da tela foi feita por Daniel-Henry Kahnweiler já em 1920, mas foi criticada nas décadas de 1950 e 1960, especialmente por Clement Greenberg.

As visões contemporâneas do cubismo são complexas, formadas em certa medida em resposta aos cubistas “Salle 41”, cujos métodos eram muito distintos daqueles de Picasso e Braque para serem considerados meramente secundários a eles. Interpretações alternativas do cubismo se desenvolveram. Visões mais amplas do cubismo incluem artistas que mais tarde foram associados aos artistas “Salle 41”, por exemplo, Francis Picabia; os irmãos Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon e Marcel Duchamp, que a partir do final de 1911 formaram o núcleo da Section d’Or (ou do Grupo Puteaux); os escultores Alexander Archipenko, Joseph Csaky e Ossip Zadkine, assim como Jacques Lipchitz e Henri Laurens; e pintores como Louis Marcoussis, Roger de La Fresnaye, František Kupka, Diego Rivera, Léopold Survage, Auguste Herbin, André Lhote, Gino Severini (depois de 1916), María Blanchard (depois de 1916) e Georges Valmier (depois de 1918). Mais fundamentalmente, Christopher Green argumenta que os termos de Douglas Cooper foram “mais tarde minados por interpretações do trabalho de Picasso, Braque, Gris e Léger, que enfatizam questões iconográficas e ideológicas, em vez de métodos de representação”.

John Berger identifica a essência do cubismo com o diagrama mecânico. “O modelo metafórico do cubismo é o diagrama: O diagrama é uma representação simbólica visível de processos invisíveis, forças, estruturas. Um diagrama não precisa evitar certos aspectos da aparência, mas estes também serão tratados como signos não como imitações ou recriações.”

Alto Cubismo: 1909-1914
Havia uma diferença distinta entre os cubistas de Kahnweiler e os cubistas do salão. Antes de 1914, Picasso, Braque, Gris e Léger (em menor proporção) obtiveram o apoio de um único comerciante de arte comprometido em Paris, Daniel-Henry Kahnweiler, que garantiu a eles uma renda anual pelo direito exclusivo de comprar suas obras. Kahnweiler vendeu apenas para um pequeno círculo de conhecedores. Seu apoio deu a seus artistas a liberdade de experimentar uma relativa privacidade. Picasso trabalhou em Montmartre até 1912, enquanto Braque e Gris permaneceram lá até depois da Primeira Guerra Mundial. Léger foi baseado em Montparnasse.

Em contraste, os cubistas do Salon construíram sua reputação principalmente exibindo-se regularmente no Salon d’Automne e no Salon des Indépendants, ambos grandes Salões não-acadêmicos em Paris. Eles estavam inevitavelmente mais conscientes da resposta do público e da necessidade de se comunicar. Já em 1910 começou a formar-se um grupo que incluía Metzinger, Gleizes, Delaunay e Léger. Eles se encontravam regularmente no estúdio de Henri le Fauconnier, perto do Boulevard de Montparnasse. Estas saraus incluíam frequentemente escritores como Guillaume Apollinaire e André Salmon. Juntamente com outros jovens artistas, o grupo queria enfatizar uma pesquisa em forma, em oposição à ênfase neo-impressionista na cor.

Louis Vauxcelles, em sua resenha do 26 ° Salon des Indépendants (1910), fez uma referência passageira e imprecisa a Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger e Le Fauconnier como “geômetras ignorantes, reduzindo o corpo humano, o local, a cubos pálidos. ” No Salon d’Automne de 1910, alguns meses depois, Metzinger exibiu seu Nu la Cheminée (Nude) altamente fraturado, que foi subsequentemente reproduzido em Du “Cubisme” (1912) e Les Peintres Cubistes (1913).

A primeira controvérsia pública gerada pelo cubismo resultou das exibições de Salon nos Indépendants durante a primavera de 1911. Esta exibição por Metzinger, Gleizes, Delaunay, Le Fauconnier e Léger trouxe o cubismo à atenção do público geral pela primeira vez. Entre as obras cubistas apresentadas, Robert Delaunay exibiu sua Torre Eiffel, Tour Eiffel (Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York).

No Salon d’Automne do mesmo ano, além do grupo Indépendants da Salle 41, foram exibidos trabalhos de André Lhote, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Roger de La Fresnaye, André Dunoyer de Segonzac e František Kupka. A exposição foi revisada na edição de 8 de outubro de 1911 do The New York Times. Este artigo foi publicado um ano depois de The Wild Men de Paris, de Gelett Burgess, e dois anos antes do Armory Show, que introduziu americanos espantados, acostumados à arte realista, aos estilos experimentais da vanguarda européia, incluindo o fauvismo, o cubismo, e Futurismo. O artigo do New York Times de 1911 retrata obras de Picasso, Matisse, Derain, Metzinger e outros, datadas de 1909; não exibido no Salão de 1911. O artigo intitulou-se “Os cubistas” dominam o Salão de Queda de Paris e subtitulam-se Escola Excêntrica de Pintura Aumenta o seu Vogue na Exposição de Arte Atual – O que os seus seguidores tentam fazer.

“Entre todas as pinturas expostas no Salão de Outono de Paris, nenhuma atrai tanta atenção quanto as extraordinárias produções da chamada escola” cubista “. De fato, despachos de Paris sugerem que essas obras são facilmente a principal característica da exposição. .
Apesar da natureza maluca das teorias “cubistas”, o número daqueles que as professam é bastante respeitável. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger – esses são alguns dos nomes assinados em telas antes dos quais Paris se levantou e agora está novamente perplexa.
O que eles querem dizer? Os responsáveis ​​por eles se afastaram de seus sentidos? É arte ou loucura? Quem sabe?”
O subsequente Salon des Indépendants, de 1912, foi marcado pela apresentação do livro Nude Descending a Staircase, de Marcel Duchamp, nº 2, que causou um escândalo, mesmo entre os cubistas. Foi de fato rejeitado pelo comitê suspenso, que incluía seus irmãos e outros cubistas. Embora o trabalho tenha sido exibido no Salão da Seção de Ouro em outubro de 1912 e no Armory Show de 1913 em Nova York, Duchamp nunca perdoou seus irmãos e ex-colegas por censurarem seu trabalho. Juan Gris, uma nova adição à cena do Salão, exibiu seu Retrato de Picasso (Instituto de Arte de Chicago), enquanto as duas apresentações de Metzinger incluíram La Femme au Cheval (Mulher com um cavalo) 1911-1912 (Galeria Nacional da Dinamarca). O monumental La Ville de Paris de Delaunay (Museu de Arte Moderna da Cidade de Paris) e La Noce de Léger, O Casamento (Musée National d’Art Moderne, Paris) também foram exibidos.

A contribuição cubista para o Salon d’Automne de 1912 criou um escândalo relacionado ao uso de edifícios de propriedade do governo, como o Grand Palais, para exibir tais obras de arte. A indignação do político Jean Pierre Philippe Lampué fez a primeira página do Le Journal, 5 de outubro de 1912. A controvérsia se espalhou para o Conselho Municipal de Paris, levando a um debate na Chambre des Députés sobre o uso de fundos públicos para fornecer o local para tal arte. Os cubistas foram defendidos pelo deputado socialista Marcel Sembat.

Foi neste contexto de indignação pública que Jean Metzinger e Albert Gleizes escreveram Du “Cubisme” (publicado por Eugène Figuière em 1912, traduzido para inglês e russo em 1913). Entre as obras expostas estava a vasta composição de Le Fauconnier Les Montagnards ataqués par des ours (Alpinistas Atacados por Ursos) agora na Escola de Design de Rhode Island, Deux Femme de Joseph Csaky, Duas Mulheres (uma escultura agora perdida), além da altamente abstrata pinturas de Kupka, Amorpha (A Galeria Nacional, Praga) e Picabia, La Source, A Primavera (Museu de Arte Moderna, Nova Iorque).

Abstração e o ready-made
As formas mais extremas do cubismo não foram as praticadas por Picasso e Braque, que resistiram à abstração total. Outros Cubistas, em contraste, especialmente František Kupka, e aqueles considerados Orfistas por Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia e Duchamp), aceitaram a abstração removendo inteiramente o assunto visível. As duas entradas de Kupka no Salon d’Automne de 1912, Amorpha-Fugue à deux couleurs e Amorpha chromatique chaude, eram altamente abstratas (ou não-representativas) e metafísicas na orientação. Tanto Duchamp em 1912 quanto Picabia de 1912 a 1914 desenvolveram uma abstração expressiva e alusiva dedicada a temas emocionais e sexuais complexos. A partir de 1912, Delaunay pintou uma série de pinturas intituladas Janelas Simultâneas, seguidas por uma série intitulada Formes Circulaires, na qual ele combinou estruturas planas com matizes prismáticos brilhantes; Com base nas características ópticas das cores justapostas, sua saída da realidade na representação da imagem era quase completa. Em 1913-14, Léger produziu uma série intitulada Contrastes das Formas, dando uma ênfase semelhante à cor, linha e forma. Seu cubismo, apesar de suas qualidades abstratas, estava associado a temas de mecanização e vida moderna. Apollinaire apoiou estes primeiros desenvolvimentos do cubismo abstrato em Les Peintres cubistes (1913), escrevendo de uma nova pintura “pura” na qual o assunto foi desocupado. Mas, apesar de seu uso do termo orfismo, essas obras eram tão diferentes que desafiam as tentativas de colocá-las em uma única categoria.

Também chamado de Orfist por Apollinaire, Marcel Duchamp foi responsável por outro desenvolvimento extremo inspirado pelo cubismo. O ready-made surgiu de uma consideração conjunta de que o trabalho em si é considerado um objeto (assim como uma pintura), e que ele usa os detritos materiais do mundo (como colagem e papier collé na construção cubista e Assemblage). O próximo passo lógico, para Duchamp, era apresentar um objeto comum como uma obra de arte auto-suficiente representando apenas a si mesmo. Em 1913, ele anexou uma roda de bicicleta a um banquinho de cozinha e, em 1914, escolheu uma prateleira de secagem de garrafas como uma escultura em si mesma.

Seção d’Or
A Section d’Or, também conhecida como Groupe de Puteaux, fundada por alguns dos mais notáveis ​​cubistas, foi um coletivo de pintores, escultores e críticos associados ao cubismo e ao orfismo, ativos de 1911 a cerca de 1914, que se destacaram na esteira de sua polêmica exibição no Salon des Indépendants de 1911. O Salão da Seção de Ouro, na Galerie La Boétie, em Paris, em outubro de 1912, foi sem dúvida a mais importante exposição cubista anterior à Primeira Guerra Mundial; expor o cubismo a um público amplo. Mais de 200 obras foram exibidas, e o fato de que muitos dos artistas mostraram obras representativas de seu desenvolvimento de 1909 a 1912 deu à exposição o fascínio de uma retrospectiva cubista.

O grupo parece ter adotado o nome de Section d’Or para se distinguir da definição mais estreita de cubismo desenvolvida em paralelo por Pablo Picasso e Georges Braque no bairro Montmartre de Paris, e para mostrar que o cubismo, em vez de ser uma arte isolada forma, representou a continuação de uma grande tradição (de fato, a proporção áurea havia fascinado intelectuais ocidentais de interesses diversos por pelo menos 2.400 anos).

A ideia da Section d’Or originou-se no decorrer das conversas entre Metzinger, Gleizes e Jacques Villon. O título do grupo foi sugerido por Villon, depois de ler uma tradução de 1910 do Trattato della Pittura de Leonardo da Vinci por Joséphin Péladan.

O fato de a exposição de 1912 ter sido curada para mostrar as etapas sucessivas pelas quais o cubismo se desenvolveu e que Du Cubisme foi publicado para a ocasião indica a intenção dos artistas de tornar seu trabalho compreensível para um público amplo (críticos de arte). , colecionadores de arte, comerciantes de arte e público em geral). Sem dúvida, devido ao grande sucesso da exposição, o cubismo tornou-se reconhecido como uma tendência, gênero ou estilo na arte com uma filosofia ou objetivo comum específico.

Cubismo tardio: 1914-1921

Cubismo de Cristal: 1914-1918
Uma modificação significativa do cubismo entre 1914 e 1916 foi assinalada por uma mudança em direção a uma forte ênfase em grandes planos geométricos sobrepostos e atividade de superfície plana. Esse agrupamento de estilos de pintura e escultura, especialmente significativos entre 1917 e 1920, foi praticado por diversos artistas; particularmente aqueles sob contrato com o negociante de arte e colecionador Léonce Rosenberg. O aperto das composições, a clareza e o senso de ordem refletidos nesses trabalhos levaram à sua referência pelo crítico Maurice Raynal como cubismo “cristal”. Considerações manifestadas pelos cubistas antes do início da Primeira Guerra Mundial – como a quarta dimensão, o dinamismo da vida moderna, o oculto e o conceito de duração de Henri Bergson – haviam sido desocupadas, substituídas por um quadro de referência puramente formal.

O Cubismo de Cristal, e seu rappel à l’ordre associativo, tem sido ligado a uma inclinação – por aqueles que serviram as forças armadas e por aqueles que permaneceram no setor civil – para escapar das realidades da Grande Guerra, tanto durante como diretamente seguindo o conflito. A purificação do cubismo de 1914 até meados da década de 1920, com sua unidade coesa e restrições voluntárias, tem sido associada a uma transformação ideológica muito mais ampla em direção ao conservadorismo tanto na sociedade francesa quanto na cultura francesa.

Cubismo depois de 1918
O período mais inovador do cubismo foi antes de 1914. Após a Primeira Guerra Mundial, com o apoio dado pelo comerciante Léonce Rosenberg, o cubismo retornou como uma questão central para os artistas, e continuou como tal até meados da década de 1920, quando seu status de vanguarda foi questionável pelo surgimento da abstração geométrica e do surrealismo em Paris. Muitos cubistas, incluindo Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes e Metzinger, enquanto desenvolviam outros estilos, retornaram periodicamente ao Cubismo, mesmo depois de 1925. O cubismo ressurgiu durante os anos 1920 e 1930 nos trabalhos do americano Stuart Davis e do O inglês Ben Nicholson. Na França, no entanto, o cubismo experimentou um declínio a partir de 1925. Léonce Rosenberg exibiu não apenas os artistas abandonados pelo exílio de Kahnweiler, mas também Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin e Severini. Em 1918, Rosenberg apresentou uma série de exposições cubistas em sua Galerie de l’Effort Moderne, em Paris. Tentativas foram feitas por Louis Vauxcelles para afirmar que o cubismo estava morto, mas essas exibições, juntamente com um show cubista bem organizado no Salão dos Indépendentes de 1920 e um renascimento do Salão da Seção de Ouro no mesmo ano, demonstraram isso. ainda estava vivo.

O ressurgimento do cubismo coincidiu com o surgimento, por volta de 1917-24, de um corpo coerente de escritos teóricos de Pierre Reverdy, Maurice Raynal e Daniel-Henry Kahnweiler e, entre os artistas, de Gris, Léger e Gleizes. O retorno ocasional ao classicismo – trabalho figurativo, seja exclusivamente ou ao lado do trabalho cubista – experimentado por muitos artistas durante este período (chamado Neoclassicismo) tem sido ligado à tendência de fugir das realidades da guerra e também ao domínio cultural de um clássico ou latim. imagem da França durante e imediatamente após a guerra. O cubismo depois de 1918 pode ser visto como parte de uma ampla mudança ideológica em direção ao conservadorismo tanto na sociedade quanto na cultura francesas. No entanto, o próprio cubismo permaneceu evolucionário tanto dentro da obra de artistas individuais, como Gris e Metzinger, quanto em todo o trabalho de artistas tão diferentes um do outro quanto Braque, Léger e Gleizes. O cubismo como movimento de debate público tornou-se relativamente unificado e aberto à definição. Sua pureza teórica tornou-se um indicador contra o qual se puderam comparar tendências tão diversas como Realismo ou Naturalismo, Dada, Surrealismo e abstração.

Interpretação

Escultura cubista
Assim como na pintura, a escultura cubista está enraizada na redução de objetos pintados de Paul Cézanne em planos de componentes e sólidos geométricos (cubos, esferas, cilindros e cones). E, assim como na pintura, tornou-se uma influência generalizada e contribuiu fundamentalmente para o construtivismo e o futurismo.

Escultura cubista desenvolvida em paralelo à pintura cubista. Durante o outono de 1909 Picasso esculpiu a Cabeça de uma Mulher (Fernande) com características positivas representadas pelo espaço negativo e vice-versa. De acordo com Douglas Cooper: “A primeira verdadeira escultura cubista foi a impressionante Cabeça de Mulher de Picasso, modelada em 1909-10, uma contrapartida em três dimensões a muitas cabeças analíticas e facetadas similares em suas pinturas na época”. Essas inversões positivas / negativas foram ambiciosamente exploradas por Alexander Archipenko em 1912-13, por exemplo, em Woman Walking. Joseph Csaky, depois de Archipenko, foi o primeiro escultor em Paris a juntar-se aos cubistas, com quem expôs a partir de 1911. Eles foram seguidos por Raymond Duchamp-Villon e depois em 1914 por Jacques Lipchitz, Henri Laurens e Ossip Zadkine.

De fato, a construção cubista foi tão influente quanto qualquer inovação cubista pictórica. Foi o estímulo por trás do trabalho proto-construtivista de Naum Gabo e Vladimir Tatlin e, portanto, o ponto de partida para toda a tendência construtiva na escultura modernista do século XX.

Arquitetura
O cubismo formou um elo importante entre a arte e a arquitetura do início do século XX. As relações históricas, teóricas e sócio-políticas entre as práticas de vanguarda na pintura, escultura e arquitetura tiveram ramificações iniciais na França, Alemanha, Holanda e Checoslováquia. Embora existam muitos pontos de intersecção entre o cubismo e a arquitetura, apenas alguns elos diretos entre eles podem ser traçados. Na maioria das vezes, as conexões são feitas por referência a características formais compartilhadas: lapidação de forma, ambiguidade espacial, transparência e multiplicidade.

Interesse arquitetônico no cubismo centrou-se na dissolução e reconstituição da forma tridimensional, usando formas geométricas simples, justapostas sem as ilusões da perspectiva clássica. Diversos elementos podem ser sobrepostos, tornados transparentes ou penetrar uns nos outros, mantendo suas relações espaciais. O cubismo tornou-se um fator influente no desenvolvimento da arquitetura moderna a partir de 1912 (La Maison Cubiste, de Raymond Duchamp-Villon e André Mare) em diante, desenvolvendo-se em paralelo com arquitetos como Peter Behrens e Walter Gropius, com a simplificação do projeto de construção, o uso de materiais apropriados à produção industrial e o aumento do uso de vidro.

O cubismo era relevante para uma arquitetura que buscava um estilo que não precisava se referir ao passado. Assim, o que se tornou uma revolução tanto na pintura quanto na escultura foi aplicado como parte de “uma profunda reorientação em direção a um mundo transformado”. As ideias cubo-futuristas de Filippo Tommaso Marinetti influenciaram as atitudes na arquitetura de vanguarda. O influente movimento De Stijl abraçou os princípios estéticos do neoplasticismo desenvolvidos por Piet Mondrian sob a influência do cubismo em Paris. De Stijl também foi ligado por Gino Severini à teoria cubista através dos escritos de Albert Gleizes. No entanto, a ligação de formas geométricas básicas com a beleza inerente e a facilidade de aplicação industrial – prefigurada por Marcel Duchamp em 1914 – foi deixada para os fundadores do purismo, Amédée Ozenfant e Charles-Édouard Jeanneret (mais conhecido como Le Corbusier). que exibiram pinturas em Paris e publicaram Après le cubisme em 1918. A ambição de Le Corbusier era traduzir as propriedades de seu próprio estilo de cubismo para a arquitetura. Entre 1918 e 1922, Le Corbusier concentrou seus esforços na teoria e na pintura puristas. Em 1922, Le Corbusier e sua prima Jeanneret abriram um estúdio em Paris, na rue de Sèvres, 35. Seus estudos teóricos logo avançaram em muitos projetos arquitetônicos diferentes.

La Maison Cubiste (Casa Cubista)
No Salon d’Automne de 1912, foi exibida uma instalação arquitetônica que rapidamente ficou conhecida como Maison Cubiste (Casa Cubista), assinada por Raymond Duchamp-Villon e André Mare, juntamente com um grupo de colaboradores. Metzinger e Gleizes in Du “Cubisme”, escrito durante a assembléia da “Maison Cubiste”, escreveu sobre a natureza autônoma da arte, enfatizando que considerações decorativas não deveriam governar o espírito da arte. O trabalho decorativo, para eles, era a “antítese do quadro”. “A verdadeira imagem”, escreveu Metzinger e Gleizes, “tem sua razão de ser dentro de si mesma. Ela pode ser transferida de uma igreja para uma sala de visitas, de um museu para um estudo. Essencialmente independente, necessariamente completa, não precisa imediatamente satisfazer a mente: pelo contrário, deve levá-la, pouco a pouco, às profundezas fictícias em que reside a luz coordenativa, não se harmoniza com este ou aquele conjunto, harmoniza-se com as coisas em geral, com o universo; é um organismo … “.

“Os conjuntos de Mare foram aceitos como molduras para obras cubistas porque permitiram a independência de pinturas e esculturas”, escreve Christopher Green, “criando um jogo de contrastes, daí o envolvimento não só de Gleizes e Metzinger, mas de Marie Laurencin, os irmãos Duchamp. (Raymond Duchamp-Villon projetou a fachada) e os velhos amigos de Mare, Léger e Roger La Fresnaye “. La Maison Cubiste era uma casa totalmente mobiliada, com uma escada, corrimão de ferro forjado, uma sala de estar – o Salon Bourgeois, onde estavam pendurados quadros de Marcel Duchamp, Metzinger (Mulher com Ventilador), Gleizes, Laurencin e Léger – e um quarto . Era um exemplo de decoração de L’art, um lar no qual a arte cubista poderia ser exibida no conforto e no estilo da vida moderna e burguesa. Os espectadores do Salon d’Automne passaram pelo modelo de gesso de 10 a 3 metros em escala real do térreo da fachada, projetado por Duchamp-Villon. Esta instalação arquitetônica foi posteriormente exibida no Armory Show de 1913, Nova York, Chicago e Boston, listado no catálogo da exposição de Nova York como Raymond Duchamp-Villon, número 609, e intitulado “Fachada arquitetônica, gesso” (Fachada arquitetônica).

Vários anos após a Primeira Guerra Mundial, em 1927, os cubistas Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, o escultor Gustave Miklos e outros colaboraram na decoração de uma casa de estúdios, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, projetado pelo arquiteto Paul Ruaud e de propriedade do estilista francês Jacques Doucet, também colecionador de pinturas pós-impressionistas e cubistas (incluindo Les Demoiselles d’Avignon, que comprou diretamente do estúdio de Picasso). Laurens projetou a fonte, Csaky projetou a escadaria de Doucet, Lipchitz fez a lareira, e Marcoussis fez um tapete cubista.

Arquitetura cubista tcheca
A arquitetura cubista original é muito rara. Há apenas um país no mundo onde o cubismo foi realmente aplicado à arquitetura – ou seja, Bohemia (hoje República Tcheca) e especialmente sua capital, Praga. Arquitetos tchecos foram os primeiros e únicos no mundo a projetar edifícios cubistas originais. A arquitetura cubista floresceu na maior parte entre 1910-1914, mas os edifícios cubistas ou influenciados pelo Cubismo também foram construídos após a Primeira Guerra Mundial. Após a guerra, o estilo arquitetônico chamado Rondo-Cubismo foi desenvolvido em Praga, fundindo a arquitetura cubista com a rodada. formas.

Em suas regras teóricas, os arquitetos cubistas expressaram a exigência de dinamismo, que superaria a matéria e a calma contidas nela, através de uma idéia criativa, de modo que o resultado evocaria sentimentos de dinamismo e plasticidade expressiva no espectador. Isto deve ser conseguido por formas derivadas de pirâmides, cubos e prismas, por arranjos e composições de superfícies oblíquas, fachadas principalmente triangulares, esculpidas em unidades de cristal salientes, que lembram o chamado corte de diamante, ou mesmo cavernoso que são reminiscentes de a arquitetura gótica tardia. Desta forma, todas as superfícies das fachadas, incluindo até as empenas e as águas-furtadas, são esculpidas. As grades, assim como outros ornamentos arquitetônicos, atingem uma forma tridimensional. Assim, novas formas de janelas e portas também foram criadas, por exemplo, janelas hexagonais. Os arquitetos cubistas tchecos também projetaram móveis cubistas.

Os principais arquitectos cubistas foram Pavel Janák, Josef Gočár, Vlastislav Hofman, Emil Králíček e Josef Chochol. Eles trabalhavam principalmente em Praga, mas também em outras cidades da Boêmia. O edifício cubista mais conhecido é a Casa da Madona Negra, na Cidade Velha de Praga, construída em 1912 por Josef Gočár, com o único café cubista do mundo, o Grand Café Orient. Vlastislav Hofman construiu os pavilhões de entrada do Cemitério de inblice em 1912-1914, Josef Chochol projetou várias casas residenciais sob Vyšehrad. Um poste cubista também foi preservado perto da Praça Venceslau, projetado por Emil Králíček em 1912, que também construiu a Casa Diamante na Cidade Nova de Praga por volta de 1913.

Cubismo em outros campos
A influência do cubismo estendeu-se a outros campos artísticos, fora da pintura e da escultura. Na literatura, os trabalhos escritos de Gertrude Stein empregam frases repetitivas e repetitivas como blocos de construção em ambas as passagens e capítulos inteiros. A maioria dos trabalhos importantes de Stein utiliza essa técnica, incluindo o romance The Making of Americans (1906–08). Não só eles foram os primeiros patronos importantes do cubismo, Gertrude Stein e seu irmão Leo também foram importantes influências no cubismo também. Picasso, por sua vez, foi uma influência importante na escrita de Stein.

No campo da ficção americana, o romance de 1930 de William Faulkner, As I Lay Dying, pode ser lido como uma interação com o modo cubista. O romance apresenta narrativas das diversas experiências de 15 caracteres que, quando tomadas em conjunto, produzem um único corpo coeso.

Os poetas geralmente associados ao cubismo são Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, André Salmon e Pierre Reverdy.Como o poeta americano Kenneth Rexroth explica, o cubismo na poesia “é a dissociação consciente e deliberada de elementos numa nova entidade artística tornada auto-suficiente por sua arquitetura rigorosa. Isso é bem diferente da associação livre dos surrealistas e da combinação de enunciado inconsciente e niilismo político de dadá “. Não obstante, a influência dos poetas cubistas no cubismo e nos movimentos posteriores do dadá e do surrealismo foi profunda; Louis Aragon, membro fundador do Surrealismo, disse que para Breton, Soupault, Éluard e ele próprio, Reverdy era “nosso ancião imediato, o poeta exemplar”. Embora não tão lembrados quanto os pintores cubistas, esses poetas continuam a influenciar e inspirar; Os poetas americanos John Ashbery e Ron Padgett produziram recentemente novas traduções do trabalho de Reverdy.”Thirteen Ways of Looking a Blackbird”, de Wallace Stevens, também é dito para demonstrar como as múltiplas perspectivas do cubismo podem ser traduzidas em poesia.

É quase impossível exagerar a importância do cubismo. A revolução nas artes visuais é tão grande quanto a anterior no Renascimento. Temas de arte posterior, sem cinema e arte já são numerosos que dificilmente os notamos. (John Berger)