Il cubismo è un movimento artistico del primo Novecento che ha portato la pittura e la scultura europea in avanti verso l’arte moderna del XX secolo. Il cubismo nelle sue varie forme ha ispirato movimenti correlati in letteratura e architettura. Il cubismo è stato considerato tra i più influenti movimenti artistici del XX secolo. Il termine è ampiamente utilizzato in associazione con una vasta gamma di opere d’arte prodotte a Parigi (Montmartre, Montparnasse e Puteaux) negli anni ’10 e durante gli anni ’20.
Il cubismo deriva da un riferimento fatto a “schemi geometrici e cubi” dal critico Louis Vauxcelles nel descrivere i dipinti esposti a Parigi da Georges Braque nel novembre 1908; è più generalmente applicato non solo al lavoro di questo periodo di Braque e Pablo Picasso, ma anche a una serie di opere d’arte prodotte in Francia durante il 1900, gli anni 1910 e l’inizio del 1920 e alle varianti sviluppate in altri paesi. Sebbene il termine non sia specificamente applicato a uno stile architettonico, tranne che nell’ex Cecoslovacchia, gli architetti condividono le preoccupazioni formali dei pittori riguardo alle convenzioni della rappresentazione e la dissoluzione della forma tridimensionale. Il cubismo non può definirsi definitivamente uno stile, l’arte di un gruppo specifico o anche un movimento. Abbraccia lavoro molto disparato; si applica agli artisti in diversi ambienti; e non ha prodotto alcun manifesto concordato. Eppure, nonostante le difficoltà di definizione, è stato definito il primo e il più influente di tutti i movimenti dell’arte del XX secolo.
Il movimento fu pioniere di Pablo Picasso e Georges Braque, insieme a Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier e Fernand Léger. Un’influenza primaria che ha portato al cubismo è stata la rappresentazione della forma tridimensionale negli ultimi lavori di Paul Cézanne. Una retrospettiva dei dipinti di Cézanne era stata tenuta al Salon d’Automne del 1904, le opere attuali sono state esposte al Salon d’Automne del 1905 e del 1906, seguite da due retrospettive commemorative dopo la sua morte nel 1907. Nell’opera cubista vengono analizzati gli oggetti, scomposto e ricomposto in una forma astratta, invece di rappresentare oggetti da un unico punto di vista, l’artista descrive il soggetto da una moltitudine di punti di vista per rappresentare il soggetto in un contesto più ampio.
L’impatto del cubismo è stato di vasta portata e di ampia portata. In altri paesi il Futurismo, il Suprematismo, il Dada, il Costruttivismo, il De Stijl e l’Art Deco si sono sviluppati in risposta al Cubismo. I primi dipinti futuristi hanno in comune con il cubismo la fusione del passato e del presente, la rappresentazione di diverse visioni del soggetto raffigurato nello stesso tempo, chiamato anche prospettiva multipla, simultaneità o molteplicità, mentre il costruttivismo è stato influenzato dalla tecnica di Picasso di costruire scultura da elementi separati. Altri fili comuni tra questi disparati movimenti includono la sfaccettatura o la semplificazione delle forme geometriche e l’associazione tra meccanizzazione e vita moderna.
Storia
Gli storici hanno diviso la storia del cubismo in fasi. In uno schema, la prima fase del cubismo, noto come cubismo analitico, una frase coniata da Juan Gris a posteriori, fu radicale e influente come un movimento artistico breve ma molto significativo tra il 1910 e il 1912 in Francia. Una seconda fase, il Cubismo sintetico, rimase vitale fino al 1919 circa, quando il movimento surrealista guadagnò popolarità. Lo storico dell’arte inglese Douglas Cooper ha proposto un altro schema, descrivendo tre fasi del cubismo nel suo libro, The Cubist Epoch. Secondo Cooper esisteva “Early Cubism” (dal 1906 al 1908) quando il movimento fu inizialmente sviluppato negli studi di Picasso e Braque; la seconda fase fu chiamata “High Cubism” (dal 1909 al 1914) durante la quale Juan Gris emerse come un importante esponente (dopo il 1911); e infine Cooper si riferiva al “tardo cubismo” (dal 1914 al 1921) come l’ultima fase del cubismo come movimento di avanguardia radicale. L’uso restrittivo di questi termini da parte di Douglas Cooper per distinguere il lavoro di Braque, Picasso, Gris (dal 1911) e Léger (in misura minore) implicava un giudizio di valore intenzionale.
Proto-Cubismo: 1907-1908
Il cubismo fiorì tra il 1907 e il 1911. Il dipinto di Pablo Picasso del 1907 Les Demoiselles d’Avignon è stato spesso considerato un’opera proto-cubista. Le Case del 1908 di Georges Braque a L’Estaque (e opere connesse) hanno spinto il critico Louis Vauxcelles, a Gil Blas, il 25 marzo 1909, a fare riferimento alle bizzarrie cubiche (stranezze cubiche). Gertrude Stein si riferiva a paesaggi realizzati da Picasso nel 1909, come il serbatoio di Horta de Ebro, come i primi dipinti cubisti. La prima esposizione collettiva organizzata da parte dei cubisti si svolse al Salon des Indépendants di Parigi durante la primavera del 1911 in una sala chiamata “Salle 41”; comprendeva opere di Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay e Henri Le Fauconnier, ma non sono state esposte opere di Picasso o Braque.
Nel 1911 Picasso fu riconosciuto come l’inventore del cubismo, mentre l’importanza e la precedenza di Braque fu discussa in seguito, rispetto al suo trattamento dello spazio, del volume e della massa nei paesaggi di L’Estaque. Ma “questa visione del cubismo è associata a una definizione chiaramente restrittiva di quali artisti debbano essere correttamente chiamati cubisti”, scrisse lo storico dell’arte Christopher Green: “Marginalizzare il contributo degli artisti che esponevano al Salon des Indépendants nel 1911”
L’affermazione secondo cui la rappresentazione cubista di spazio, massa, tempo e volume supporta (piuttosto che contraddire) la piattezza della tela è stata fatta da Daniel-Henry Kahnweiler già nel 1920, ma è stata oggetto di critiche negli anni ’50 e ’60, soprattutto da Clement Greenberg.
Le vedute contemporanee del cubismo sono complesse, formate in una certa misura in risposta ai cubisti “Salle 41”, i cui metodi erano troppo distinti da quelli di Picasso e Braque per essere considerati semplicemente secondari a loro. Si sono quindi sviluppate interpretazioni alternative del cubismo. Le vedute più ampie del Cubismo includono artisti che in seguito furono associati con gli artisti “Salle 41”, ad esempio, Francis Picabia; i fratelli Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon e Marcel Duchamp, che a partire dalla fine del 1911 formarono il nucleo della Section d’Or (o del gruppo Puteaux); gli scultori Alexander Archipenko, Joseph Csaky e Ossip Zadkine, nonché Jacques Lipchitz e Henri Laurens; e pittori come Louis Marcoussis, Roger de La Fresnaye, František Kupka, Diego Rivera, Léopold Survage, Auguste Herbin, André Lhote, Gino Severini (dopo il 1916), María Blanchard (dopo il 1916) e Georges Valmier (dopo il 1918). Più fondamentalmente, Christopher Green sostiene che i termini di Douglas Cooper furono “successivamente indeboliti dalle interpretazioni del lavoro di Picasso, Braque, Gris e Léger che sottolineano questioni iconografiche e ideologiche piuttosto che metodi di rappresentazione”.
John Berger identifica l’essenza del cubismo con lo schema meccanico. “Il modello metaforico del cubismo è il diagramma: il diagramma è una rappresentazione simbolica visibile di processi invisibili, forze, strutture: un diagramma non deve astenersi da certi aspetti dell’apparenza, ma anche questi saranno trattati come segni non come imitazioni o ricreazioni”.
Alto cubismo: 1909-1914
C’era una netta differenza tra i cubisti di Kahnweiler e i cubisti del salone. Prima del 1914, Picasso, Braque, Gris e Léger (in misura minore) ottennero il sostegno di un singolo commerciante d’arte impegnato a Parigi, Daniel-Henry Kahnweiler, che garantiva loro un reddito annuale per il diritto esclusivo di acquistare le loro opere. Kahnweiler vendeva solo a una ristretta cerchia di intenditori. Il suo sostegno ha dato ai suoi artisti la libertà di sperimentare nella relativa privacy. Picasso lavorò a Montmartre fino al 1912, mentre Braque e Gris vi rimasero fino a dopo la prima guerra mondiale. Léger aveva sede a Montparnasse.
Al contrario, i Salon Cubists hanno costruito la loro reputazione principalmente esibendo regolarmente al Salon d’Automne e al Salon des Indépendants, entrambi importanti saloni non accademici a Parigi. Erano inevitabilmente più consapevoli della risposta del pubblico e della necessità di comunicare. Già nel 1910 iniziò a formarsi un gruppo che comprendeva Metzinger, Gleizes, Delaunay e Léger. Si incontrarono regolarmente nello studio di Henri le Fauconnier vicino al Boulevard de Montparnasse. Queste serate spesso comprendevano scrittori come Guillaume Apollinaire e André Salmon. Insieme ad altri giovani artisti, il gruppo ha voluto enfatizzare una ricerca sulla forma, in opposizione all’importanza neo impressionista del colore.
Louis Vauxcelles, nella sua recensione del 26 ° Salon des Indépendants (1910), fece un riferimento passeggero e impreciso a Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger e Le Fauconnier come “geometri ignoranti, riducendo il corpo umano, il sito, a cubi pallidi. ” Al Salon d’Automne del 1910, pochi mesi dopo, Metzinger esibì il suo Nu à la cheminée (Nudo) fortemente fratturato, che fu successivamente riprodotto sia in Du “Cubisme” (1912) che in Les Peintres Cubistes (1913).
La prima polemica pubblica generata dal cubismo derivò dalle esibizioni dei Salon agli Indépendants durante la primavera del 1911. Questa mostra di Metzinger, Gleizes, Delaunay, le Fauconnier e Léger portò il cubismo all’attenzione del grande pubblico per la prima volta. Tra le opere cubiste presentate, Robert Delaunay espose la sua Torre Eiffel, Tour Eiffel (Solomon R. Guggenheim Museum, New York).
Al Salon d’Automne dello stesso anno, oltre al gruppo Indépendants della Salle 41, sono state esposte opere di André Lhote, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Roger de La Fresnaye, André Dunoyer de Segonzac e František Kupka. La mostra è stata rivista nell’8 ottobre 1911 del New York Times. Questo articolo è stato pubblicato un anno dopo The Wild Men of Paris di Gelett Burgess e due anni prima dell’Armory Show, che ha introdotto americani stupiti, abituati all’arte realistica, agli stili sperimentali dell’avanguardia europea, tra cui Fauvismo, Cubismo, e Futurismo. L’articolo del New York Times del 1911 raffigurava opere di Picasso, Matisse, Derain, Metzinger e altre datate prima del 1909; non esposto al Salon del 1911. L’articolo era intitolato I “cubisti” Dominate Paris ‘Fall Salon e sottotitolato Scuola eccentrica di pittura aumenta la sua voga nella mostra d’arte attuale – Quello che i suoi seguaci tentano di fare.
“Tra tutti i dipinti in mostra al Salon Fall di Parigi nessuno attira così tanta attenzione come le produzioni straordinarie della cosiddetta scuola” cubista “, infatti, i dispacci da Parigi suggeriscono che queste opere sono facilmente la caratteristica principale della mostra .
Nonostante la natura folle delle teorie “cubiste”, il numero di coloro che le professano è piuttosto rispettabile. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger: questi sono alcuni dei nomi firmati sulle tele davanti ai quali Parigi si è levata in piedi e ora si trova di nuovo in bianco stupore.
Cosa vogliono dire? I responsabili sono stati lasciati ai loro sensi? È arte o follia? Chissà?”
Il successivo Salon des Indépendants del 1912 fu caratterizzato dalla presentazione del Nudo discendente a scala di Marcel Duchamp, n. 2, che di per sé causò uno scandalo, anche tra i cubisti. E ‘stato infatti respinto dal comitato sospeso, che comprendeva i suoi fratelli e altri cubisti. Sebbene l’opera sia stata esposta nel Salon de la Section d’Or nell’ottobre 1912 e nel 1913 Armory Show a New York, Duchamp non perdonò mai i suoi fratelli ed ex colleghi per aver censurato il suo lavoro. Juan Gris, una nuova aggiunta alla scena Salon, espose il suo Portrait of Picasso (Art Institute of Chicago), mentre le due proiezioni di Metzinger includevano La Femme au Cheval (Donna con un cavallo) 1911-1912 (National Gallery of Denmark). Sono state inoltre esposte la monumentale opera di Delaunay, La Ville de Paris (Musée d’art moderne de la Ville de Paris) e Léger’s La Noce, Le nozze (Musée National d’Art Moderne, Parigi).
Il contributo cubista al Salon d’Automne del 1912 creò uno scandalo riguardante l’uso di edifici di proprietà del governo, come il Grand Palais, per esporre tali opere d’arte. L’indignazione del politico Jean Pierre Philippe Lampué fece la prima pagina di Le Journal, il 5 ottobre 1912. La polemica si diffuse al Consiglio municipale di Parigi, portando a un dibattito nella Chambre des Députés sull’uso dei fondi pubblici per fornire la sede per tale arte. I cubisti furono difesi dal deputato socialista, Marcel Sembat.
Fu su questo sfondo di rabbia pubblica che Jean Metzinger e Albert Gleizes scrissero Du “Cubisme” (pubblicato da Eugène Figuière nel 1912, tradotto in inglese e russo nel 1913). Tra le opere esposte figurano la vasta composizione di Le Fauconnier Les Montagnards attaqués par des ours (Mountaineers Attacked by Bears) ora al Rhode Island School of Design Museum, Deux Femme di Joseph Csaky, Two Women (una scultura ormai perduta), oltre all’astratto dipinti di Kupka, Amorpha (The National Gallery, Praga) e Picabia, La Source, The Spring (Museum of Modern Art, New York).
Astrazione e il ready-made
Le forme più estreme del cubismo non erano quelle praticate da Picasso e Braque, che resistevano all’astrazione totale. Altri cubisti, al contrario, in particolare František Kupka, e quelli considerati orfisti di Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia e Duchamp), accettarono l’astrazione rimuovendo completamente gli oggetti visibili. Le due voci di Kupka al Salon d’Automne del 1912, Amorpha-Fugue à deux couleurs e Amorpha chromatique chaude, erano molto astratte (o non rappresentative) e di orientamento metafisico. Sia Duchamp nel 1912 che Picabia dal 1912 al 1914 svilupparono un’astrazione espressiva e allusiva dedicata a temi emotivi e sessuali complessi. A partire dal 1912 Delaunay dipinse una serie di quadri intitolati Finestre simultanee, seguiti da una serie intitolata Formes Circulaires, in cui combinava strutture planari con brillanti tonalità prismatiche; basato sulle caratteristiche ottiche dei colori giustapposti, la sua partenza dalla realtà nella rappresentazione delle immagini era quasi completa. Nel 1913-14 Léger produsse una serie dal titolo Contrasti di forme, dando uno stress simile a colore, linea e forma. Il suo cubismo, nonostante le sue qualità astratte, era associato ai temi della meccanizzazione e della vita moderna. Apollinaire sostenne questi primi sviluppi del cubismo astratto nei cubisti di Les Peintres (1913), scrivendo di una nuova pittura “pura” in cui il soggetto era stato lasciato libero. Ma nonostante il suo uso del termine Orphism, queste opere erano così diverse da sfidare i tentativi di collocarle in un’unica categoria.
Marcel Duchamp, etichettato anche come Orphist di Apollinaire, era responsabile di un altro sviluppo estremo ispirato al cubismo. Il ready-made nasce da una considerazione congiunta che l’opera stessa è considerata un oggetto (proprio come un dipinto) e che utilizza i detriti materiali del mondo (come collage e cartapesta nella costruzione e assemblaggio cubista). Il passo logico successivo, per Duchamp, era presentare un oggetto ordinario come opera d’arte autosufficiente che rappresentava solo se stesso. Nel 1913 attaccò una ruota di bicicletta a uno sgabello da cucina e nel 1914 scelse uno stendino per bottiglie come scultura a sé stante.
Sezione d’oro
La Section d’Or, conosciuta anche come Groupe de Puteaux, fondata da alcuni dei più influenti cubisti, era un collettivo di pittori, scultori e critici associati al cubismo e all’orfismo, attivi dal 1911 fino al 1914, che vennero alla ribalta nella scia della loro controversa proiezione al Salon des Indépendants del 1911. Il Salon de la Section d’Or alla Galerie La Boétie di Parigi, nell’ottobre del 1912, fu senza dubbio la più importante esibizione cubista prima della prima guerra mondiale; esporre il cubismo a un vasto pubblico. Sono stati esposti oltre 200 lavori e il fatto che molti artisti abbiano mostrato opere rappresentative del loro sviluppo dal 1909 al 1912 ha dato alla mostra il fascino di una retrospettiva cubista.
Il gruppo sembra aver adottato il nome di Section d’Or per distinguersi dalla definizione più ristretta di Cubismo sviluppata parallelamente da Pablo Picasso e Georges Braque nel quartiere di Montmartre a Parigi, e per dimostrare che il Cubismo, piuttosto che essere un’arte isolata, forma, rappresentava la continuazione di una grande tradizione (anzi, la golden ratio aveva affascinato intellettuali occidentali di interessi diversi per almeno 2.400 anni).
L’idea della Sezione d’Or è nata nel corso di conversazioni tra Metzinger, Gleizes e Jacques Villon. Il titolo del gruppo è stato suggerito da Villon, dopo aver letto una traduzione del 1910 del Trattato della Pittura di Leonardo da Vinci di Joséphin Péladan.
Il fatto che la mostra del 1912 fosse stata curata per mostrare le tappe successive attraverso le quali il Cubismo si era sviluppato, e che Du “Cubisme” fosse stato pubblicato per l’occasione, indica l’intenzione degli artisti di rendere il loro lavoro comprensibile a un vasto pubblico (critici d’arte , collezionisti d’arte, mercanti d’arte e il grande pubblico). Indubbiamente, a causa del grande successo della mostra, il cubismo è stato riconosciuto come una tendenza, un genere o uno stile nell’arte con una filosofia o un obiettivo comune specifico.
Cubismo recente: 1914-1921
Cubismo di cristallo: 1914-1918
Una significativa modifica del cubismo tra il 1914 e il 1916 fu segnalata da uno spostamento verso una forte enfasi sui grandi piani geometrici sovrapposti e sull’attività della superficie piana. Questo raggruppamento di stili di pittura e scultura, particolarmente significativi tra il 1917 e il 1920, fu praticato da diversi artisti; in particolare quelli sotto contratto con il mercante d’arte e collezionista Léonce Rosenberg. Il restringimento delle composizioni, la chiarezza e il senso dell’ordine riflessi in queste opere, ha portato il suo riferimento al critico Maurice Raynal come cubismo “cristallino”. Le considerazioni espresse dai cubisti prima dell’inizio della prima guerra mondiale – come la quarta dimensione, il dinamismo della vita moderna, l’occulto e il concetto di durata di Henri Bergson – erano state ora lasciate libere, sostituite da un quadro di riferimento puramente formale.
Il cubismo di cristallo, e il suo rappel à l’ordre associativo, è stato collegato con l’inclinazione – da parte di coloro che hanno servito le forze armate e da coloro che sono rimasti nel settore civile – a sfuggire alle realtà della Grande Guerra, sia durante che direttamente dopo il conflitto. La purificazione del cubismo dal 1914 fino alla metà degli anni ’20, con la sua unità coesiva e le sue costrizioni volontarie, è stata collegata a una trasformazione ideologica molto più ampia verso il conservatorismo sia nella società francese che nella cultura francese.
Cubismo dopo il 1918
Il periodo più innovativo del cubismo fu prima del 1914. Dopo la prima guerra mondiale, con il sostegno dato dal commerciante Léonce Rosenberg, il cubismo tornò come una questione centrale per gli artisti, e continuò come tale fino alla metà degli anni ’20, quando il suo status di avanguardia fu reso discutibile dall’emergere dell’astrazione geometrica e del Surrealismo a Parigi. Molti cubisti, tra cui Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes e Metzinger, mentre sviluppavano altri stili, tornarono periodicamente al cubismo, anche molto dopo il 1925. Il cubismo riemerse negli anni ’20 e ’30 nel lavoro dello statunitense Stuart Davis e L’inglese Ben Nicholson. In Francia, tuttavia, il cubismo subì un declino a partire dal 1925 circa. Léonce Rosenberg esibì non solo gli artisti bloccati dall’esilio di Kahnweiler, ma anche altri come Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin e Severini. Nel 1918 Rosenberg presentò una serie di mostre cubiste nella sua Galerie de l’Effort Moderne a Parigi. I tentativi di Louis Vauxcelles erano tesi a sostenere che il cubismo era morto, ma queste mostre, insieme a una mostra cubista ben organizzata al Salon des Indépendants del 1920 e ad un revival del Salon de la Section d’Or nello stesso anno, lo dimostrarono era ancora vivo.
La riemersione del cubismo coincise con l’apparizione, dal 1917 al 24 circa, di un corpo coerente di scritti teorici di Pierre Reverdy, Maurice Raynal e Daniel-Henry Kahnweiler e, tra gli artisti, di Gris, Léger e Gleizes. Il ritorno occasionale al lavoro di stampo classico-figurativo, esclusivamente o al fianco del lavoro cubista – vissuto da molti artisti durante questo periodo (chiamato neoclassicismo) è stato collegato alla tendenza a eludere le realtà della guerra e anche al dominio culturale di un classico o latino immagine della Francia durante e immediatamente dopo la guerra. Il cubismo dopo il 1918 può essere visto come parte di un ampio spostamento ideologico verso il conservatorismo nella società e nella cultura francesi. Tuttavia, il cubismo stesso è rimasto evolutivo sia all’interno dell’opera di singoli artisti, come Gris e Metzinger, sia attraverso il lavoro di artisti diversi l’uno dall’altro come Braque, Léger e Gleizes. Il cubismo come movimento pubblicamente dibattuto divenne relativamente unificato e aperto alla definizione. La sua purezza teoretica lo rendeva uno strumento contro cui si potevano paragonare tendenze così diverse come il realismo o il naturalismo, il dadaismo, il surrealismo e l’astrazione.
Interpretazione
Scultura cubista
Proprio come nella pittura, la scultura cubista è radicata nella riduzione di Paul Cézanne degli oggetti dipinti in piani componenti e solidi geometrici (cubi, sfere, cilindri e coni). E proprio come nella pittura, divenne un’influenza pervasiva e contribuì fondamentalmente al costruttivismo e al futurismo.
La scultura cubista si è sviluppata parallelamente alla pittura cubista. Nell’autunno del 1909 Picasso scolpì Testa di donna (Fernande) con tratti positivi rappresentati dallo spazio negativo e viceversa. Secondo Douglas Cooper: “La prima vera scultura cubista è stata l’impressionante Testa di donna di Picasso, modellata nel 1909-10, una controparte in tre dimensioni per molte teste analitiche e sfaccettate simili nei suoi dipinti all’epoca.” Queste inversioni positive / negative sono state ambiziosamente sfruttate da Alexander Archipenko nel 1912-13, ad esempio in Woman Walking. Joseph Csaky, dopo Archipenko, fu il primo scultore a Parigi ad unirsi ai cubisti, con i quali espose dal 1911 in poi. Furono seguiti da Raymond Duchamp-Villon e poi nel 1914 da Jacques Lipchitz, Henri Laurens e Ossip Zadkine.
In effetti, la costruzione cubista era influente come qualsiasi innovazione cubista pittorica. È stato lo stimolo alla base del lavoro proto-costruttivista di Naum Gabo e Vladimir Tatlin e quindi il punto di partenza per l’intera tendenza costruttiva della scultura modernista del XX secolo.
Architettura
Il cubismo costituì un importante collegamento tra arte e architettura del primo Novecento. Le relazioni storiche, teoriche e socio-politiche tra le pratiche d’avanguardia in pittura, scultura e architettura hanno avuto ramificazioni iniziali in Francia, Germania, Paesi Bassi e Cecoslovacchia. Sebbene ci siano molti punti di intersezione tra cubismo e architettura, è possibile tracciare solo pochi collegamenti diretti tra loro. Molto spesso le connessioni sono fatte in riferimento a caratteristiche formali condivise: sfaccettatura della forma, ambiguità spaziale, trasparenza e molteplicità.
L’interesse architettonico nel cubismo era incentrato sulla dissoluzione e sulla ricostituzione della forma tridimensionale, usando semplici forme geometriche, giustapposte senza le illusioni della prospettiva classica. Diversi elementi potrebbero essere sovrapposti, resi trasparenti o penetra l’un l’altro, pur mantenendo le loro relazioni spaziali. Il cubismo è diventato un fattore influente nello sviluppo dell’architettura moderna dal 1912 (La Maison Cubiste, da Raymond Duchamp-Villon e André Mare) in poi, sviluppandosi in parallelo con architetti come Peter Behrens e Walter Gropius, con la semplificazione del design degli edifici, l’uso di materiali appropriati per la produzione industriale e il maggiore uso del vetro.
Il cubismo era rilevante per un’architettura che cercava uno stile che non richiedeva riferimenti al passato. Così, quella che era diventata una rivoluzione sia nella pittura che nella scultura veniva applicata come parte di “un profondo riorientamento verso un mondo cambiato”. Le idee cubo-futuriste di Filippo Tommaso Marinetti influenzarono l’atteggiamento nell’architettura d’avanguardia. L’influente movimento De Stijl ha abbracciato i principi estetici del neoplasticismo sviluppato da Piet Mondrian sotto l’influenza del cubismo a Parigi. De Stijl fu anche legato da Gino Severini alla teoria cubista attraverso gli scritti di Albert Gleizes. Tuttavia, il collegamento di forme geometriche di base con bellezza intrinseca e facilità di applicazione industriale, che era stato prefigurato da Marcel Duchamp dal 1914, fu lasciato ai fondatori del Purismo, Amédée Ozenfant e Charles-Édouard Jeanneret (meglio noto come Le Corbusier). che espose dipinti a Parigi e pubblicò Après le cubisme nel 1918. L’ambizione di Le Corbusier era stata quella di tradurre le proprietà del proprio stile cubista in architettura. Tra il 1918 e il 1922, Le Corbusier concentra i suoi sforzi sulla teoria e la pittura purista. Nel 1922, Le Corbusier e suo cugino Jeanneret aprirono uno studio a Parigi, in rue de Sèvres 35. I suoi studi teorici sono presto avanzati in molti diversi progetti architettonici.
La Maison Cubiste (casa cubista)
Al Salon d’Automne del 1912 fu esposta un’installazione architettonica che divenne rapidamente nota come Maison Cubiste (Casa Cubista), firmata da Raymond Duchamp-Villon e André Mare insieme ad un gruppo di collaboratori. Metzinger e Gleizes in Du “Cubisme”, scritti durante l’assemblaggio della “Maison Cubiste”, hanno scritto sulla natura autonoma dell’arte, sottolineando il fatto che le considerazioni decorative non dovrebbero governare lo spirito dell’arte. Il lavoro decorativo, per loro, era “l’antitesi dell’immagine”. “La vera immagine”, ha scritto Metzinger e Gleizes, “porta la sua ragion d’essere in se stessa: può essere trasferita da una chiesa a un salotto, da un museo a uno studio. Essenzialmente indipendente, necessariamente completo, non è necessario soddisfare la mente: al contrario, dovrebbe condurla, a poco a poco, verso le profondità fittizie in cui risiede la luce coordinativa, che non armonizza con questo o quell’insieme, si armonizza con le cose in generale, con l’universo: è un organismo … “.
“Le formazioni di Mare sono state accettate come cornici per le opere cubiste perché hanno permesso alla pittura e alla scultura di essere indipendenti”, scrive Christopher Green, “creando un gioco di contrasti, quindi il coinvolgimento non solo di Gleizes e Metzinger, ma di Marie Laurencin, i fratelli Duchamp (Raymond Duchamp-Villon progettò la facciata) e i vecchi amici di Mare, Léger e Roger La Fresnaye “. La Maison Cubiste era una casa completamente arredata, con una scala, ringhiere in ferro battuto, un salotto – il Salon Bourgeois, dove erano appesi quadri di Marcel Duchamp, Metzinger (donna con un fan), Gleizes, Laurencin e Léger – e una camera da letto . Fu un esempio di L’art décoratif, una casa in cui l’arte cubista poteva essere esposta nel comfort e nello stile della vita moderna e borghese. Gli spettatori del Salon d’Automne hanno attraversato il modello in gesso a grandezza naturale di 10 x 3 metri del piano terra della facciata, progettato da Duchamp-Villon. Questa installazione architettonica è stata successivamente esposta al 1913 Armory Show, New York, Chicago e Boston, quotata nel catalogo della mostra di New York come Raymond Duchamp-Villon, numero 609, e intitolata “Facciata architettonica, intonaco” (Façade architecturale).
Diversi anni dopo la prima guerra mondiale, nel 1927, i cubisti Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, lo scultore Gustave Miklos e altri hanno collaborato alla decorazione di uno Studio House, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, progettato dall’architetto Paul Ruaud e di proprietà dello stilista francese Jacques Doucet, anche un collezionista di dipinti post-impressionisti e cubisti (tra cui Les Demoiselles d’Avignon, acquistati direttamente dallo studio di Picasso). Laurens disegnò la fontana, Csaky progettò la scala di Doucet, Lipchitz fece la mensola del caminetto e Marcoussis fece un tappeto cubista.
Architettura cubista ceca
L’architettura cubista originale è molto rara. C’è un solo paese al mondo in cui il cubismo è stato applicato all’architettura – in particolare la Boemia (oggi Repubblica Ceca) e in particolare la sua capitale, Praga. Gli architetti cechi furono i primi e unici al mondo a progettare sempre edifici cubisti originali. L’architettura cubista fiorì per la maggior parte tra il 1910 e il 1914, ma gli edifici influenzati dal cubismo o dal cubismo furono costruiti anche dopo la prima guerra mondiale. Dopo la guerra, lo stile architettonico chiamato Rondò-Cubismo fu sviluppato a Praga fondendo l’architettura cubista con quella rotonda forme.
Nelle loro regole teoriche, gli architetti cubisti hanno espresso l’esigenza del dinamismo, che supererebbe la materia e la calma contenute in essa, attraverso un’idea creativa, in modo che il risultato potesse suscitare sentimenti di dinamismo e plasticità espressiva nello spettatore. Questo dovrebbe essere ottenuto da forme derivate da piramidi, cubi e prismi, da arrangiamenti e composizioni di superfici oblique, principalmente facciate triangolari, scolpite in unità di cristallo sporgenti, che ricordano il cosiddetto taglio del diamante, o addirittura cavernoso che ricordano l’architettura tardogotica. In questo modo, sono scolpite le intere superfici delle facciate, compresi i frontoni e gli abbaini. Le griglie e altri ornamenti architettonici raggiungono una forma tridimensionale. Così sono state create anche nuove forme di finestre e porte, e. g. finestre esagonali. Gli architetti cubisti cechi hanno anche progettato mobili cubisti.
I principali architetti cubisti erano Pavel Janák, Josef Gočár, Vlastislav Hofman, Emil Králíček e Josef Chochol. Lavoravano principalmente a Praga ma anche in altre città della Boemia. Il più noto edificio cubista è la casa della Madonna Nera nella città vecchia di Praga costruita nel 1912 da Josef Gočár con l’unico caffè cubista al mondo, il Grand Café Orient. Vlastislav Hofman costruì i padiglioni d’ingresso del cimitero di ináblice nel 1912-1914, Josef Chochol progettò diverse case residenziali sotto Vyšehrad. Un lampione cubista è stato anche conservato vicino a Piazza Venceslao, progettata da Emil Králíček nel 1912, che costruì anche la Diamond House nella New Town of Prague intorno al 1913.
Cubismo in altri campi
L’influenza del cubismo si estese ad altri campi artistici, al di fuori della pittura e della scultura. In letteratura, le opere scritte di Gertrude Stein impiegano ripetizioni e frasi ripetitive come elementi costitutivi in entrambi i passaggi e interi capitoli. La maggior parte delle opere importanti di Stein utilizza questa tecnica, incluso il romanzo The Making of Americans (1906-08). Non solo furono i primi importanti mecenati del cubismo, anche Gertrude Stein e suo fratello Leo furono importanti influenze anche sul cubismo. A sua volta, Picasso ebbe un’importante influenza sulla scrittura di Stein.
Nel campo della narrativa americana, il romanzo di William Faulkner del 1930 As I Lay Dying può essere letto come un’interazione con la modalità cubista. Il romanzo presenta narrazioni delle diverse esperienze di 15 personaggi che, quando messi insieme, producono un singolo corpo coesivo.
I poeti generalmente associati al cubismo sono Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, André Salmon e Pierre Reverdy. As American poet Kenneth Rexroth explains, Cubism in poetry “is the conscious, deliberate dissociation and recombination of elements into a new artistic entity made self-sufficient by its rigorous architecture. This is quite different from the free association of the Surrealists and the combination of unconscious utterance and political nihilism of Dada.” Nonetheless, the Cubist poets’ influence on both Cubism and the later movements of Dada and Surrealism was profound; Louis Aragon, founding member of Surrealism, said that for Breton, Soupault, Éluard and himself, Reverdy was “our immediate elder, the exemplary poet.” Though not as well remembered as the Cubist painters, these poets continue to influence and inspire; American poets John Ashbery and Ron Padgett have recently produced new translations of Reverdy’s work. Wallace Stevens’ “Thirteen Ways of Looking at a Blackbird” is also said to demonstrate how cubism’s multiple perspectives can be translated into poetry.
It is almost impossible to exaggerate the importance of Cubism. It was a revolution in the visual arts as great as that which took place in the early Renaissance. Its effects on later art, on film, and on architecture are already so numerous that we hardly notice them. (John Berger)