Les apparences peuvent être trompeuses, Musée Frida Kahlo

Nous n’aurions pas pu trouver une muse meilleure, plus complète ou plus opportune pour nous inspirer tous. Son style Tehuana hybride caractéristique, avec des coiffures extraordinairement élaborées, des rubans multicolores et des tresses, a capté l’attention des féministes, photographes, stylistes, artistes et créateurs de mode, sans parler de la culture contemporaine dans son ensemble. Du Mexique à San Francisco, de Paris à New York, Frida Kahlo a fait sensation avec ses yeux énigmatiques, charmeurs, brun foncé, capables de tenir des regards pendant de longues périodes: contrôlants, même curieux, mais fragiles. Son monobrow caractéristique et ses robes Tehuana brillantes et audacieuses formaient les éléments personnels d’une icône contemporaine.

C’est la robe Tehuana, originaire de l’isthme de Tehuantepec situé dans le sud-est du Mexique, que Kahlo a choisie comme son ensemble le plus caractéristique, définissant finalement à la fois son identité et son héritage culturel. Carlos Fuentes rappelle dans son introduction au Journal de Frida Kahlo comment l’artiste est arrivée au Palais des Beaux-Arts dans ses bijoux tintants, comment elle a réussi à surpasser cette merveille architecturale, ses peintures, et même la musique de concert qui s’y joue avec sa présence intense . Certains de ses amis les plus proches décrivent le soin particulier que Kahlo a apporté à la sélection de chacun de ses vêtements et accessoires. Elle demandait souvent à ses amis les plus proches: “Est-ce que ça marche?”

Et pourtant, Frida a déployé beaucoup d’efforts pour créer son propre style de la tête aux pieds, se parant de soies, châles, cravates et jupes spectaculaires toujours accompagnés de bijoux préhispaniques en argent ou en or. Lorsque les enfants de la rue lui demandaient “Où est le cirque”, elle souriait simplement et continuait gracieusement son chemin. Cette artiste, qui nous a laissé une impression si durable à travers son travail, a également légué des images qui resteront indélébiles sur notre rétine, grâce à sa personnalité et à son style.

Vogue est apparu pour la première fois en octobre 1937, une date importante en termes d’influence future de Frida sur la mode. Edna Woolman, la directrice visionnaire du magazine de 1914 à 1952, l’a représentée pour la première fois dans ses pages. À travers son objectif, Toni Frissel a capturé l’image d’une femme qui allait devenir l’une des artistes les plus emblématiques du XXe siècle. Obsédée par cette dimension visuelle d’elle-même, avant même sa première exposition individuelle, Kahlo a capté l’attention des magazines de mode avec sa personnalité et son talent artistique, et elle a continué à le faire au cours des 75 dernières années, inspirant de nombreux designers.

En 1939, André Breton organise la première exposition de l’œuvre de Kahlo à Paris intitulée Mexique, où sa robe ethnique Tehuana fait sensation auprès des élites européennes. On dit qu’Elsa Schiaparelli, une star du design à l’époque, a créé une robe appelée la Robe Madame Rivera (la Robe Madame Rivera) en son honneur. Au cours des 20 dernières années, l’image de Frida s’est propagée partout comme une traînée de poudre.

En 1998, les designers internationaux Jean-Paul Gaultier et Christian Lacroix rendraient hommage à Frida Kahlo sur leurs défilés printemps-été. Inspiré par sa peinture The Broken Column, Gaultier l’a représentée dans l’un de ses exemples les plus emblématiques de la haute couture. Gaultier a ses propres opinions quant à la signification de l’image de Kahlo. Le sien est l’exemple parfait de la déconstruction post-moderne, créant une sorte d’exotisme burlesque tout en représentant un des nombreux symbolismes que Kahlo représente aujourd’hui.

Pour sa collection de prêt-à-porter à l’automne 2002, Kris Van Assche a présenté une collection plus subtile inspirée de Kahlo, utilisant des cotons légers, des piqués et des soieries. Pour Van Assche, Kahlo représente quelque chose de plus fantaisiste que l’imagerie habituelle de la douleur et de la torture; il a donc choisi de capturer certaines des facettes les plus amusantes de sa personnalité. Frida a beaucoup ri malgré tout, une fontaine de joie qui a contrebalancé son intensité passionnée comme le montre son utilisation de couleurs vives: bleu ciel, jaune, orange et blanc.

Après le décollage de Fridamania en 2005, les designers britanniques Clements Ribeiro et Temperly London ont montré un côté plus surréaliste de Kahlo dans leur collection de robes vintage, plates-formes avec papillons, bottes mexicaines, big bags, talons hauts et ornements de cheveux en velours rouge, recréant le style exubérant du peintre. L’utilisation de plates-formes et de bottes courtes par Ribeiro nous rappelle les conséquences du combat de Kahlo avec la polio et la façon dont elle portait des bottes à talon spécial afin de masquer ses imperfections physiques.

Le disciple de Rei Kawakubo, Tao Kurihara, est toujours imprévisible. Dans sa collection de prêt-à-porter de 2009, elle a présenté des poupées scandinaves qui faisaient référence à Frida avec leurs monobrows rouges. La représentation de Frida dans cette collection est éclectique, énigmatique et audacieuse. Rei Kawakubo a elle-même présenté White Drama, sa collection de prêt-à-porter pour le printemps-été 2012 pour Comme des Garçons, avec une touche de religiosité. À travers des couleurs et des matières telles que la dentelle blanche et le satin, Kawakubo a conduit le spectateur dans un voyage dans l’univers de Frida.

En utilisant une mode adaptée des années 1950 et des cages de dentelle, suivie de vêtements recouverts de fleurs qui rappellent les magnifiques ornements de cheveux de Kahlo – des éléments qui, dans le passé, étaient utilisés dans les baptêmes catholiques – Kawakubo reflète différents aspects de la vie de Kahlo ainsi que le lien entre le corps , la forme et le matériel qui englobaient tout son travail.

Dans le domaine de la couture, la collection la plus impressionnante d’inspiration Kahlo de l’histoire récente était sans aucun doute la collection Automne-Hiver 2010 de Riccardo Tisci pour Givenchy. En présentant les exemples les plus exquis de l’ornementation, grâce à cette collection impeccable, Tisci a réussi à se positionner parmi les noms les plus importants dans les maisons de haute couture aujourd’hui. Comme l’a déclaré Tisci lui-même, cette collection a été inspirée par “Frida Kahlo et ses trois grandes obsessions: la religion, la sensualité et l’anatomie humaine à la suite de sa bataille de la vie et de la mort contre les maux de dos”. Des exemples de la maîtrise de cette collection peuvent être trouvés dans la petite pointe de Chantilly, les dégradés, les ornements de cheveux et les franges exposés dans le spectacle “Les apparences peuvent être trompeuses: les robes de Frida Kahlo”.

En termes simples, cette exposition est la première à présenter la garde-robe de l’artiste. Il semblait qu’il y avait peu de choses à dire ou à apprendre sur Frida Kahlo lorsqu’en avril 2004, la garde-robe de la femme peintre la plus renommée d’Amérique latine a été redécouverte à la Maison Bleue, aujourd’hui le Musée Frida Kahlo. Pendant 50 ans, sur ordre de son mari, Diego Rivera, les robes et les objets personnels de l’artiste sont restés enfermés dans sa chambre, située dans la partie supérieure de la maison adjacente à une salle de bain carrelée de blanc, où près de 300 accessoires personnels ont été trouvés dans relativement bon état: accessoires, robes traditionnelles et non traditionnelles, bijoux, chaussures, médicaments et appareils orthopédiques. Un trésor!

Aujourd’hui, 75 ans après sa première apparition dans Vogue, il s’agit de la première exposition à présenter les objets personnels de Kahlo et de plus, à examiner la construction de son identité à travers son handicap ainsi que l’utilisation d’éléments traditionnels, de la mode et des robes. Divisée en cinq salons thématiques, l’exposition se concentre sur la construction du style de Kahlo à travers le handicap et l’ethnicité, montrant les ensembles originaux et les objets personnels de l’artiste qui font partie de la collection du musée Frida Kahlo. La découverte des objets personnels de Kahlo a ouvert une série de nouvelles possibilités pour l’interprétation non seulement de son œuvre, mais aussi de sa personnalité aux multiples facettes à travers son choix de robe et sa relation avec son propre corps. De cette façon, une identité complexe est établie qui jette une nouvelle lumière sur l’art de Kahlo,

Frida n’a jamais manqué de motivation. On a beaucoup parlé de l’amour comme principale impulsion derrière son choix de porter la robe Tehuana comme trait d’identité caractéristique, et la plupart des experts ont suggéré que Frida Kahlo s’habille dans le style Tehuana afin de plaire à son mari, Diego Rivera. Si la thèse de l’exposition ne nie pas ce fait, elle explore d’autres raisons intrinsèques à l’utilisation de cette forme vestimentaire. Dans ce sens, la redécouverte, une fois la garde-robe ouverte, d’une image de sa famille maternelle est d’une importance vitale. Cette image montre la mère de Frida et sa famille vêtues du style Tehuana, révélant ainsi une relation entretenue par Kahlo avec cette forme de robe bien avant sa rencontre avec Rivera. La recherche d’identité chez Frida devient ainsi plus évidente; de même, son sens de l’identité réinterprété à travers les habitudes familiales,

La découverte de cette photographie nous amène donc à réexaminer d’autres événements traumatisants de la vie de Frida, avançant un argument beaucoup plus fort concernant sa décision de porter une robe mexicaine traditionnelle. Elle n’a pas fait cela pour plaire à Rivera, ou en tout cas, pas seulement à cause de cela. Le style et la forme vestimentaire de Kahlo étaient le résultat de son fort sentiment d’identité, une identité soigneusement construite à partir de la douleur physique, quelque chose qui se reflétait si clairement dans son travail. En effet, pourquoi sa garde-robe devrait-elle être différente de ce qu’elle a peint?

Deux tragédies vécues par Frida avant même d’avoir atteint l’âge adulte auront une influence sur sa garde-robe, formant ensuite la pierre angulaire de son existence et de son art. À l’âge de six ans, elle a contracté la polio, une maladie qui la laisserait boiteuse à vie avec une jambe droite inutile. Comme si son combat contre la polio ne suffisait pas, à l’âge de 18 ans, le 17 septembre 1925, elle subit un terrible accident. Elle voyageait dans un bus lorsqu’il est entré en collision avec un tramway électrique. Un des tubes métalliques a traversé le côté gauche de son corps, sortant par son vagin. Sa clavicule était fracturée, tout comme sa jambe et son pied droit. Deux côtes et sa colonne vertébrale étaient cassées; son épaule gauche était luxée.

À partir de ce moment, la vie de Frida est devenue une lutte contre la détérioration incessante de son corps. Son handicap et sa fragilité aggravés l’ont confinée pendant de longues périodes à un fauteuil roulant ou l’ont laissée alitée, forcée de porter des corsets de cuir et de plâtre. Cela a eu une influence sur sa garde-robe, tout comme la polio l’avait déjà fait et ses convictions politiques, ses relations et son esprit bohème après.

Salle 1
Les apparences peuvent être trompeuses: la garde-robe de Frida Kahlo

Frida Kahlo est née en 1907 à Mexico, fille des photographes germano-hongrois Guillermo Kahlo et Matilde Calderón y González, elle-même née à Oaxaca d’une mère espagnole et d’un père mexicain. L’artiste, qui nous a tant raconté sur elle-même à travers ses peintures, a également laissé des impressions durables dans nos esprits à travers son look et son style.

Il semblait qu’il n’y avait pas grand-chose à dire ou à apprendre sur Frida Kahlo, quand en avril 2004 sa garde-robe a été découverte ici à «La Casa Azul». Dans la partie supérieure de la maison, dans la salle de bain carrelée de blanc adjacente à la chambre de l’artiste, sa garde-robe et ses effets personnels avaient été conservés pendant plus de 50 ans à la demande expresse de son mari, le muraliste mexicain Diego Rivera, puis de leur patron et amie Dolores Olmedo. Environ 300 vêtements, bijoux, médicaments et appareils orthopédiques traditionnels et non traditionnels ont été découverts

Les apparences peuvent être trompeuses: la garde-robe de Frida Kahlo expose ces objets pour la toute première fois et est une étude de la construction par Kahlo de sa propre identité. Thématisée en cinq salles, l’exposition se concentre sur la construction du style de Kahlo à travers le handicap, la tradition, la mode et la robe, montrant les ensembles et objets originaux tirés de la collection du Musée. Il montre également comment le style personnel de Kahlo reste une source d’inspiration pour des artistes et designers internationaux tels que Jean Paul Gaultier, Dai Rees, Comme des Garçons et Riccardo Tisci.

Chambre 2
Tradition: Ma robe est suspendue

Pour Frida Kahlo, la robe traditionnelle de Tehuana n’était pas seulement un objet qu’elle adaptait à son corps pour cacher ses imperfections, mais quelque chose avec laquelle elle fusionnait et portait comme une seconde peau. La robe Tehuana provient de l’isthme de Tehuantepec situé dans la partie sud-est du Mexique dans la région d’Oaxaca. Cette société matriarcale est administrée et dominée par des femmes et, à ce titre, leur tenue traditionnelle est un symbole fort du pouvoir et de l’indépendance des femmes. Il a été dit que le peintre a adopté cette image pour plaire à son mari, le muraliste Diego Rivera, qui aimait les puissantes femmes «zapotèques» de cette région du Mexique.

Néanmoins, cette exposition propose que loin d’être un simple acte d’amour, son utilisation d’une robe hybride était une stylisation calculée, son logo; Frida Kahlo a pu percevoir la qualité sémiotique des vêtements, qui fait partie de son rôle de véhicule métaphorique, et est également facilement comprise par l’œil du spectateur. L’utilisation par Frida de cette robe traditionnelle pour renforcer son identité, réaffirmer ses convictions politiques et cacher ses imperfections, s’est également appuyée sur son propre sens du patrimoine et de son histoire personnelle. Une photographie révélatrice est apparue parmi les objets découverts dans la salle de bain de cette maison: la photographie représente la mère de Frida à l’âge de sept ans, assise avec la famille maternelle de Frida, vêtue de la robe traditionnelle Tehuana prise des années avant que Kahlo ne rencontre Rivera

Sa décision d’embrasser cette robe pour femme, avec sa broderie à la main complexe et avec des tresses et des fleurs dans les cheveux, semble avoir été un choix tout à fait personnel: d’une part, c’était une recherche d’auto-a! Rmation, peut-être enracinée dans sa relation mère-fille; d’autre part, comme une capacité intuitive à se situer dans le monde de l’art, à une époque où les femmes artistes se battaient pour se faire reconnaître pour leur travail sur son propre mérite; dans son cas comme une figure autonome distincte de son célèbre mari. L’adoption de cette robe était un style sage, un remède qui dérivait de la combinaison complexe de son idéologie communiste, de son désir d’appartenir, de ses traditions et en réaction à ses handicaps.

Frida, son style: où est le cirque?

Saint, muse, amant, maîtresse, bisexuelle, victime et survivante. Frida Kahlo est le modèle même de l’artiste bohème: unique, rebelle et contradictoire, une figure culte appropriée par les féministes, les artistes, les créateurs de mode et la culture populaire. Du Mexique à San Francisco, de Paris à New York, Kahlo continue de faire sensation avec son regard coquin énigmatique et ses yeux bruns foncés qui retiennent le spectateur un instant trop longtemps; imposant mais fragile. Autour d’elle, la marque unibrow et sa robe Tehuana lumineuse et audacieuse; tous les éléments appropriés d’une icône, une icône ultime des temps modernes.

L’écrivain Carlos Fuentes a décrit comment l’arrivée de Frida au Palacio de Bellas Artes serait annoncée par le son de ses bijoux et comment la grandeur architecturale du palais, ses peintures et la musique captivante de ses concerts seraient instantanément éclipsées par sa présence frappante1. Certains de ses amis les plus proches ont décrit comment Kahlo prendrait un soin particulier dans le choix de chacun de ses vêtements, se coiffant de la tête aux pieds, avec les plus belles soies, dentelles, châles et jupes, dont certains peuvent être admirés dans cette galerie. Dans la rue, les enfants lui demandaient «Où est le cirque?» 2 et elle souriait gracieusement et continuait de marcher.

Octobre 1937 a marqué une étape majeure pour l’influence future de Frida dans le monde de la mode, lorsque Vogue l’a présentée pour la première fois dans les pages du magazine. Plus tard, en 1939, André Breton organise la première exposition de Kahlo à Paris. Elle s’appelait Mexique et sa robe Tehuana est devenue une sensation instantanée parmi les élites européennes. On dit que la créatrice vedette du jour Elsa Schiaparelli a créé une robe en son honneur qui s’appelait «La Robe Madame Rivera».

C’est la robe Tehuana que Kahlo a choisie comme robe signature; définir son identité et décrire son héritage culturel et ses convictions politiques. Sa garde-robe est principalement composée de pièces traditionnelles mexicaines d’Oaxaca et d’autres parties du pays. Néanmoins, il existe également des vêtements ethniques du Guatemala et de la Chine, ainsi qu’une intéressante collection de chemisiers européens et américains. Kahlo avait l’habitude de combiner ces pièces pour se coiffer et ses couleurs préférées étaient le rouge, le vert, le bleu, le noir et le blanc. Le développement de son style distinctif en tant que mélange de mode traditionnelle mexicaine et européenne, ainsi que les effets fondamentaux de ses handicaps, sont représentés à travers cette sélection des looks les plus emblématiques de Kahlo. Kahlo en tant qu’artiste bohème, Tehuana,

Salle 3
Cabinet des curiosités: fragmentation, géométrie, composition

Cette salle est consacrée à la composition visuelle. Du jour où Frida a eu la polio jusqu’au jour de sa mort, Kahlo a été soumise à 22 opérations chirurgicales qui lui ont laissé un corps en désintégration. Cette fragmentation physique a conduit à une expression matérielle d’elle-même et de ses couches restrictives à travers une convergence unique de la géométrie et de l’identité. La robe Tehuana est la pure représentation de cette réunion – l’accent géométrique sur le haut du corps fortement orné, les chemisiers à mailles carrées courtes et les déclarations politiques de genre que la robe implique. Frida et Tehuana se réunissent dans une parfaite union d’identité, de beauté et de design.

La composition de la robe se compose de trois sections principales de la tête aux pieds: la coiffure, le chemisier – huipil – et la jupe ou enagua.

Coiffure Tehuana: composée de tresses et très ornée de fleurs, fraîche ou en papier ou en soie.

Huipil: de la langue Nahuatl huipilli pour “ chemise ”, une tunique courte et ample faite de deux ou trois pièces rectangulaires de tissu qui sont cousues ensemble et ornées de rubans ou de bandes de tissu, avec une ouverture pour la tête et des ouvertures pour les bras.

Enagua: une jupe longue avec une ceinture sur laquelle est cousue une ru # e.

La parure de la robe Tehuana est centrée autour de la partie supérieure du corps. Les chemisiers au point de chaînette, les fleurs, les bijoux très décorés, les boucles d’oreilles, les colliers et les bagues seront toujours concentrés du torse vers le haut, obligeant le spectateur à se concentrer sur le haut du corps de Frida et lui offrant la possibilité de se modifier et de se fragmenter, distrayant le spectateur d’elle. les jambes et la partie inférieure de son corps.

Le huipil, en raison de sa construction géométrique carrée courte, l’aiderait à paraître plus grande et, lorsqu’elle serait assise, permettrait au tissu de ne pas se regrouper autour de sa taille, évitant ainsi l’inconfort ou attirant l’attention sur lui-même.

En tant qu’artiste visuelle et en tant que personne qui a clairement consacré beaucoup de temps et d’énergie à l’image physique qu’elle a présentée au monde, il est clair que Frida devait être consciente de l’effet flatteur du costume de Tehuana.

Salle 4
Le corset: art et avant-garde

La relation de Kahlo avec le corset est une relation de soutien et de besoin – son corps dépendant de soins médicaux – mais aussi de rébellion. Loin de laisser le corset la définir comme une invalide, Kahlo a décoré et orné ses corsets, les faisant apparaître comme un choix explicite et les incluant dans la construction de son look comme une pièce essentielle.

De nombreux designers ont pris cela comme point de départ pour interpréter Kahlo: le corset, son corset, comme le symbole parfait de sa fragilité physique et un allié de son caractère résilient. Dans cette pièce, le style est transféré à des vêtements à la mode, empruntant à l’utilisation du corset par Kahlo comme engin médical et comme outil pour le styliser et l’incorporer. Rei Kawakubo, Dai Rees et Jean Paul Gaultier utilisent les particularités de leur propre style pour produire des pièces soigneusement détaillées de la même manière que Kahlo a créé ses peintures à la fois personnelles et méticuleusement produites.

Ces créateurs ont établi des parallèles entre la mode et le handicap, mariant ces idées à travers l’image obsédante du corset de Kahlo à l’avant-garde.1 Les concepteurs prennent leur propre position sur ce qui a de la valeur à l’image de Kahlo, un parfait exemple de déconstruction post-moderniste et , dans le cas de Gaultier en créant une sorte d’exotisme burlesque, alors que pour Kawakubo le sens a une connotation presque religieuse. Pour Rees, il s’agit de l’anatomie humaine.

Salle 5
Éléments de tradition: dentelle, fleurs et blanc

Poursuivant avec le thème contemporain, dans cette salle Riccardo Tisci rend hommage à Frida Kahlo à travers sa collection Couture Automne-Hiver 2010, pour Givenchy. Avec un savoir-faire, une coupe et une ornementation exquis, montrant son travail de signature en dentelle de Chantilly, dégradé et franges, Riccardo Tisci assimile les gestes traditionnels à travers l’utilisation de la dentelle, des fleurs et du blanc, apportant une nouvelle esthétique qui est plus éloignée de Kahlo mais reconnaissable comme un hommage à elle.

Le style de Kahlo est célébré comme contemporain et pertinent. Le sens de soi de Frida, réinterprété à travers ses traditions familiales et son handicap, est clairement illustré dans la collection de Tisci, sa mémoire tourmentée représentée à travers ses matériaux et ses motifs. Les fleurs en dentelle font allusion à la tradition, à la fois comme symboles de vie et de mort; le souvenir d’une silhouette squelettique en fine broderie avec le bassin découvert nous rappelle la bataille de l’artiste contre la douleur vertébrale, mais aussi son accident – c’est alors que Kahlo s’est retrouvée avec l’impossibilité de concevoir un enfant. Les vestes ressemblent à des ailes, les ailes d’une colombe qui ont récidivé dans le travail de Kahlo, surtout lorsqu’elle était en proie à la douleur, elle s’accrocherait à l’espoir de pouvoir s’échapper de son propre corps.

La collection rappelle également le dessin intime Appearances Can Be Deceiving, qui est à l’origine de cette exposition et l’un des trésors découverts lors de l’ouverture de la salle de bain de l’artiste en 2004. Le dessin poétique montre comment la relation intime de Kahlo entre le corps, le corset et la robe sont assimilés comme un seul, la vie et le travail de Frida étaient une combinaison de passion, d’héritage personnel, de conviction politique et de réponse pratique à son handicap. Le spectre de ces thèmes fait partie intégrante de la vision contemporaine de Riccardo Tisci.

Musée Frida Kahlo
La Casa Azul (La Maison Bleue) était le lieu où Frida Kahlo, l’artiste latino-américaine la plus renommée du monde, est venue au monde, a vécu et a pris son dernier souffle. Le bâtiment, qui date de 1904, n’était pas une construction à grande échelle.

En explorant le travail de Frida Kahlo plus en profondeur et en appréciant le privilège de connaître sa maison, on commence à découvrir les interrelations intenses entre Frida, son travail et sa maison. Son univers créatif se trouve à la Maison Bleue, le lieu où elle est née et où elle est décédée. Après son mariage avec Diego Rivera, Frida a vécu dans différents endroits à Mexico et à l’étranger, mais elle est toujours retournée chez elle à Coyoacán.

Située dans l’un des quartiers les plus anciens et les plus beaux de Mexico, la Maison Bleue a été transformée en musée en 1958, quatre ans après la mort du peintre. Aujourd’hui, c’est l’un des musées les plus populaires de la capitale mexicaine.

Aujourd’hui, il dispose d’un bâtiment de 800 m2 entouré d’une propriété de 1200 m2. Diego et Frida l’ont rempli de couleurs, d’art populaire et de pièces préhispaniques pour montrer leur admiration pour les peuples et les cultures du Mexique. La construction a subi deux modifications majeures. Lorsque le révolutionnaire russe Léon Trotsky vivait avec Diego et Frida en 1937, la propriété aujourd’hui occupée par le jardin a été achetée. En 1946, Diego Rivera a demandé à Juan O’Gorman de construire le studio de Frida. L’intérieur de la maison a été maintenu pratiquement intact. Cela a été respecté par le poète et ami du couple, Carlos Pellicer, qui a conçu l’exposition du musée pour l’espace après la mort de Frida. Par conséquent, la maison et son contenu préservent cette atmosphère intime.