Wir hätten keine bessere, vollständigere oder aktuellere Muse finden können, die uns alle inspiriert. Ihr charakteristischer und hybrider Tehuana-Stil mit außergewöhnlich aufwändigen Frisuren, bunten Bändern und Zöpfen hat die Aufmerksamkeit von Feministinnen, Fotografen, Stylisten, Künstlern und Modedesignern sowie der zeitgenössischen Kultur insgesamt erregt. Von Mexiko bis San Francisco, von Paris bis New York erregte Frida Kahlo mit ihren rätselhaften, koketten, dunkelbraunen Augen, die in der Lage waren, Blicke über längere Zeiträume hinweg zu halten, Aufsehen, selbst neugierig, aber zerbrechlich. Ihre charakteristische Monobrow und diese brillanten, gewagten Tehuana-Kleider bildeten die persönlichen Elemente einer zeitgenössischen Ikone.

Es war das Tehuana-Kleid, das ursprünglich aus der Landenge von Tehuantepec im Südosten Mexikos mitgebracht wurde und das Kahlo als ihr charakteristischstes Ensemble auswählte, das schließlich sowohl ihre Identität als auch ihr kulturelles Erbe definierte. Carlos Fuentes erinnert sich in seiner Einführung in das Tagebuch von Frida Kahlo daran, wie die Künstlerin mit ihrem Schmuck im Palast der Schönen Künste angekommen ist, wie es ihr gelungen ist, dieses architektonische Wunderwerk, seine Gemälde und sogar die dort gespielte Konzertmusik mit ihrer intensiven Präsenz zu übertreffen . Einige ihrer engsten Freunde beschreiben die besondere Sorgfalt, die Kahlo bei der Auswahl ihrer Kleidungsstücke und Accessoires verwendet hat. Sie fragte oft ihre engsten Freunde: „Funktioniert das?“

Und doch hat Frida viel Mühe darauf verwendet, ihren eigenen Stil von Kopf bis Fuß zu kreieren. Sie schmückt sich mit spektakulären Seiden, Tüchern, Krawatten und Röcken, die immer von vorspanischem Schmuck in Silber oder Gold begleitet werden. Wenn Kinder auf der Straße sie fragten: „Wo ist der Zirkus?“, Lächelte sie nur und setzte ihren Weg anmutig fort. Die Künstlerin, die uns durch ihre Arbeit so nachhaltig geprägt hat, hat auch Bilder hinterlassen, die dank ihrer Persönlichkeit und ihres Stils unauslöschlich auf unserer Netzhaut bleiben.

Das erste Mal war die Vogue im Oktober 1937, ein bedeutendes Datum für Fridas zukünftigen Einfluss auf die Mode. Edna Woolman, die visionäre Direktorin der Zeitschrift von 1914 bis 1952, stellte sie zum ersten Mal auf ihren Seiten vor. Toni Frissel hielt durch seine Linse das Bild einer Frau fest, die zu einer der bedeutendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts werden sollte. Von dieser visuellen Dimension ihrer selbst besessen, erregte Kahlo bereits vor ihrer ersten Einzelausstellung mit ihrer Persönlichkeit und Kunstfertigkeit die Aufmerksamkeit der Modemagazine und inspirierte in den letzten 75 Jahren zahlreiche Designer.

André Breton organisierte 1939 in Paris die erste Ausstellung von Kahlos Werken mit dem Titel Mexique, in der ihre Tehuana-Tracht bei den europäischen Eliten für großes Aufsehen sorgte. Es wird gesagt, dass Elsa Schiaparelli, eine Star-Designerin zu dieser Zeit, zu ihren Ehren ein Kleid namens Robe Madame Rivera (das Madame Rivera-Kleid) kreierte. In den letzten 20 Jahren hat sich Fridas Image wie ein Lauffeuer überall verbreitet.

1998 würdigten die internationalen Designer Jean-Paul Gaultier und Christian Lacroix Frida Kahlo auf ihren Start- und Landebahnen im Frühling und Sommer. Inspiriert von ihrem Gemälde The Broken Column porträtierte Gaultier sie in einem seiner bekanntesten Beispiele für Haute Couture. Gaultier hat seine eigenen Ansichten zur Bedeutung von Kahlos Image. Er ist das perfekte Beispiel für eine postmoderne Dekonstruktion, die eine Art burlesken Exotismus erzeugt und gleichzeitig eine der vielen Symboliken darstellt, die Kahlo heute darstellt.

Für seine Prêt-à-Porter-Kollektion im Herbst 2002 präsentierte Kris Van Assche eine subtilere Kollektion, die von Kahlo inspiriert wurde und leichte Baumwoll-, Piqué- und Seidenstoffe verwendet. Für Van Assche stellt Kahlo etwas Phantastischeres dar als die üblichen Bilder von Schmerz und Folter. Daher entschied er sich, einige der amüsanteren Facetten ihrer Persönlichkeit einzufangen. Trotz alledem lachte Frida viel, eine Quelle der Freude, die ihre leidenschaftliche Intensität ausgleichen konnte, wie die Verwendung der leuchtenden Farben Himmelblau, Gelb, Orange und Weiß zeigt.

Nach dem Start von Fridamania im Jahr 2005 zeigten die britischen Designer Clements Ribeiro und Temperly London eine surrealistischere Seite von Kahlo in ihrer Kollektion von Vintage-Kleidern, Plateaus mit Schmetterlingen, mexikanischen Stiefeln, großen Taschen, hohen Absätzen und Haarschmuck aus rotem Samt der überschwängliche Stil des Malers. Ribeiros Verwendung von Plateaus und kurzen Stiefeln erinnert uns an die Folgen von Kahlos Kampf mit Polio und daran, wie sie Stiefel mit einem speziellen Absatz trug, um ihre körperlichen Mängel zu verbergen.

Rei Kawakubos Schüler Tao Kurihara ist immer unberechenbar. In ihrer Prêt-à-Porter-Kollektion aus dem Jahr 2009 präsentierte sie skandinavische Puppen, die Frida mit ihren roten Monobrows referenzierten. Die Darstellung von Frida in dieser Sammlung ist vielseitig, rätselhaft und kühn. Rei Kawakubo selbst präsentierte White Drama, ihre Prêt-à-Porter-Kollektion für den Frühling-Sommer 2012 für Comme des Garçons, mit einem Hauch von Religiosität. Mit Farben und Materialien wie weißer Spitze und Satin führte Kawakubo den Betrachter auf eine Reise in Fridas Universum.

Kawakubo verwendet Mode aus den 1950er Jahren und Spitzenkäfige, gefolgt von Kleidungsstücken mit Blumen, die an Kahlos prächtige Haarschmuck erinnern – Gegenstände, die früher bei katholischen Taufen verwendet wurden – und spiegelt verschiedene Aspekte von Kahlos Leben sowie die Verbindung zwischen dem Körper wider , Form und Material, das alle ihre Arbeiten umfasste.

In der Couture-Arena war die beeindruckendste von Kahlo inspirierte Kollektion in der jüngeren Geschichte zweifellos die Herbst-Winter-Kollektion 2010 von Riccardo Tisci für Givenchy. Durch die Präsentation der exquisitesten Beispiele von Ornamenten gelang es Tisci, sich mit dieser tadellosen Sammlung unter den wichtigsten Namen in Häusern der Haute Couture zu positionieren. Wie Tisci selbst erklärte, wurde diese Sammlung von „Frida Kahlo und ihren drei großen Obsessionen inspiriert: Religion, Sinnlichkeit und menschliche Anatomie als Ergebnis ihres Kampfes um Leben und Tod mit Rückenschmerzen.“ Beispiele für die Meisterschaft dieser Sammlung sind Chantilly Petit-Pointe, Dégradé, Haarschmuck und Fransen, die in der Show „Der Schein kann täuschen: Die Kleider von Frida Kahlo“ ausgestellt sind.

Einfach ausgedrückt ist diese Ausstellung die erste, die die Garderobe des Künstlers präsentiert. Über Frida Kahlo gab es anscheinend wenig mehr zu sagen oder zu erfahren, als im April 2004 die Garderobe der berühmtesten Malerin Lateinamerikas im Blauen Haus, dem heutigen Frida Kahlo Museum, wiederentdeckt wurde. Auf Anordnung ihres Mannes Diego Rivera blieben die Kleider und persönlichen Gegenstände der Künstlerin 50 Jahre lang in ihrem Schlafzimmer eingesperrt, das sich im oberen Teil des Hauses neben einem weiß gefliesten Badezimmer befand, in dem sich fast 300 persönliche Gegenstände befanden guter Zustand: Accessoires, traditionelle und nicht-traditionelle Kleider, Schmuck, Schuhe, Medikamente und orthopädische Geräte. Eine Schatzkammer!

Jetzt, 75 Jahre nach ihrem ersten Auftritt in der Vogue, ist dies die erste Ausstellung, die Kahlos persönliche Gegenstände zeigt und darüber hinaus die Konstruktion ihrer Identität durch ihr Handicap sowie die Verwendung traditioneller Elemente, Mode und Kleider untersucht. Die Ausstellung ist in fünf thematische Salons unterteilt und konzentriert sich auf die Konstruktion des Kahlo-Stils durch Behinderung und ethnische Zugehörigkeit. Sie zeigt die ursprünglichen Ensembles und persönlichen Gegenstände des Künstlers, die Teil der Sammlung des Frida Kahlo-Museums sind. Die Entdeckung von Kahlos persönlichen Gegenständen eröffnete eine Reihe neuer Möglichkeiten für die Interpretation nicht nur ihres Schaffens, sondern auch ihrer facettenreichen Persönlichkeit durch die Wahl ihres Kleides und ihrer Beziehung zu ihrem eigenen Körper. Auf diese Weise entsteht eine komplexe Identität, die ein neues Licht auf Kahlos Kunst wirft,

Frida hat es nie an Motivation gefehlt. Es wurde viel über die Liebe als Hauptantrieb für ihre Entscheidung gesagt, das Tehuana-Kleid als charakteristisches Identitätsmerkmal zu tragen, und die meisten Experten schlugen vor, dass Frida Kahlo sich im Tehuana-Stil kleidet, um ihrem Ehemann Diego Rivera zu gefallen. Während die These der Ausstellung diese Tatsache nicht leugnet, untersucht sie andere intrinsische Gründe für die Verwendung dieser Kleidungsform. In diesem Sinne von entscheidender Bedeutung ist die Wiederentdeckung eines Bildes, das ihre mütterliche Familie darstellt, sobald der Kleiderschrank geöffnet wurde. Dieses Bild zeigt Fridas Mutter und ihre Familie, die im Tehuana-Stil gekleidet sind und auf diese Weise eine Beziehung aufzeigen, die Kahlo zu dieser Art von Kleidung unterhält, lange bevor sie Rivera kennenlernt. Die Suche nach Identität in Frida wird somit offensichtlicher; ebenso ihr Identitätsgefühl durch familiäre Gewohnheiten neu interpretiert,

Die Entdeckung dieses Fotos veranlasst uns daher, andere traumatische Ereignisse in Fridas Leben erneut zu untersuchen und ein weitaus stärkeres Argument in Bezug auf ihre Entscheidung vorzubringen, traditionelle mexikanische Kleidung zu tragen. Sie tat dies nicht, um Rivera zu gefallen, oder jedenfalls nicht nur deswegen. Kahlos Stil und Kleidungsform waren das Ergebnis ihres starken Identitätsgefühls, einer Identität, die sorgfältig aus körperlichen Schmerzen konstruiert wurde und die sich so offensichtlich in ihrer Arbeit widerspiegelte. In der Tat, warum sollte ihr Kleiderschrank anders sein als das, was sie gemalt hat?

Zwei Tragödien, die Frida bereits vor ihrem Erwachsenenalter erlebte, beeinflussten ihre Garderobe und bildeten danach den Eckpfeiler ihrer Existenz und ihrer Kunst. Im Alter von sechs Jahren erkrankte sie an Polio, einer Krankheit, die sie mit einem nutzlosen rechten Bein lebenslang lahm legen würde. Als ob ihr Kampf mit Kinderlähmung nicht genug wäre, erlitt sie am 17. September 1925 im Alter von 18 Jahren einen schrecklichen Unfall. Sie war in einem Bus unterwegs, als dieser mit einer elektrischen Straßenbahn kollidierte. Eine der Metallröhren verlief durch die linke Seite ihres Körpers und trat durch ihre Vagina aus. Ihr Schlüsselbein war gebrochen, ebenso wie ihr rechtes Bein und ihr rechter Fuß. Zwei Rippen und ihre Wirbelsäule waren gebrochen; Ihre linke Schulter war ausgerenkt.

Von dieser Zeit an wurde Fridas Leben ein Kampf gegen die unerbittliche Verschlechterung ihres Körpers. Ihr Handicap und ihre Zerbrechlichkeit ließen sie für längere Zeit im Rollstuhl sitzen oder ließen sie bettlägerig, gezwungen, Korsetts aus Leder und Gips zu tragen. Dies hatte einen Einfluss auf ihre Garderobe, so wie es Polio bereits getan hatte und ihre politischen Überzeugungen, Beziehungen und ihr böhmischer Geist danach.

Raum 1
Einsätze können täuschen: Frida Kahlos Garderobe

Frida Kahlo wurde 1907 in Mexiko-Stadt als Tochter der deutsch-ungarischen Fotografin Guillermo Kahlo und der in Oaxaca geborenen Matilde Calderón y González, einer spanischen Mutter und eines mexikanischen Vaters, geboren. Die Künstlerin, die durch ihre Bilder so viel über sich selbst erzählt hat, hat auch durch ihr Aussehen und ihren Stil bleibende Eindrücke in unseren Köpfen hinterlassen.

Über Frida Kahlo gab es anscheinend wenig mehr zu sagen oder zu erfahren, als im April 2004 ihre Garderobe hier im „La Casa Azul“ entdeckt wurde. Im oberen Teil des Hauses, in dem weiß gefliesten Badezimmer neben dem Künstlerzimmer, wurden ihre Garderobe und ihre persönlichen Gegenstände auf ausdrücklichen Wunsch ihres Mannes, des mexikanischen Wandmalers Diego Rivera, und später von ihrem Gönner und ihrem Freund mehr als 50 Jahre lang aufbewahrt Freund Dolores Olmedo. Es wurden rund 300 traditionelle und nicht traditionelle Kleidungsstücke, Schmuck, Medikamente und orthopädische Geräte entdeckt

Auftritte können täuschen: Frida Kahlos Garderobe zeigt diese Objekte zum ersten Mal und ist eine Studie über Kahlos Konstruktion ihrer eigenen Identität. In fünf Räumen thematisiert die Ausstellung die Konstruktion von Kahlos Stil durch Behinderung, Tradition, Mode und Kleidung und zeigt die originalen Ensembles und Objekte aus der Sammlung des Museums. Es zeigt auch, wie Kahlos persönlicher Stil für internationale Künstler und Designer wie Jean Paul Gaultier, Dai Rees, Comme des Garçons und Riccardo Tisci eine Quelle der Inspiration bleibt.

Raum 2
Tradition: Mein Kleid hängt dort

Für Frida Kahlo war das traditionelle Kleid von Tehuana nicht nur ein Objekt, das sie an ihren Körper anpasste, um ihre Unvollkommenheiten zu verbergen, sondern auch etwas, mit dem sie sich verschmolz und das sie wie eine zweite Haut trug. Das Tehuana-Kleid stammt aus dem Tehuantepec Isthmus im Südosten Mexikos in der Region Oaxaca. Diese matriarchalische Gesellschaft wird von Frauen verwaltet und beherrscht, und als solche ist ihre traditionelle Kleidung ein starkes Symbol für weibliche Macht und Unabhängigkeit. Es wurde gesagt, dass die Malerin dieses Bild übernahm, um ihrem Ehemann, dem Wandmaler Diego Rivera, zu gefallen, der die mächtigen Zapotec-Frauen aus dieser Region Mexikos mochte.

Diese Ausstellung zeigt jedoch, dass die Verwendung eines hybriden Kleides keine einfache Liebeshandlung ist, sondern eine kalkulierte Stilisierung, ihr Logo. Frida Kahlo konnte die semiotische Qualität der Kleidung wahrnehmen, die in ihrer Rolle als metaphorisches Vehikel liegt und auch vom Auge des Betrachters leicht verstanden wird. Fridas Gebrauch dieser traditionellen Kleidung zur Stärkung ihrer Identität, zur Bestätigung ihrer politischen Überzeugungen und zur Verschleierung ihrer Unvollkommenheiten, beruhte auch auf ihrem eigenen Sinn für Erbe und persönliche Geschichte. Unter den Objekten, die im Badezimmer dieses Hauses entdeckt wurden, erschien ein aufschlussreiches Foto: Das Foto zeigt Fridas Mutter im Alter von sieben Jahren, die bei Fridas Mutterfamilie sitzt und das traditionelle Tehuana-Kleid trägt, das Jahre vor Kahlos Begegnung mit Rivera angefertigt wurde

Ihre Entscheidung, dieses Frauenkleid mit seiner komplizierten Handstickerei und mit Zöpfen und Blumen im Haar zu umarmen, scheint eine ganz persönliche Entscheidung gewesen zu sein: Einerseits war es eine Suche nach Selbstbestätigung, möglicherweise verwurzelt in ihrer Mutter-Tochter-Beziehung; andererseits als intuitive Fähigkeit, sich in der Kunstwelt zu positionieren, zu einer Zeit, in der Künstlerinnen darum kämpften, Anerkennung für ihre Arbeit aus eigener Kraft zu gewinnen; in ihrem Fall als eigenständige Figur, die sich von ihrem berühmten Ehemann unterscheidet. Die Annahme dieses Kleides war ein weises Styling, ein Mittel, das sich aus der komplexen Kombination ihrer kommunistischen Ideologie, ihres Wunsches nach Zugehörigkeit, ihrer Traditionen und als Reaktion auf ihre Behinderungen ergab.

Frida, ihr Stil: Wo ist der Zirkus?

Heilige, Muse, Geliebte, Geliebte, Bisexuelle, Opfer und Überlebende. Frida Kahlo ist das Vorbild der Künstlerin: einzigartig, rebellisch und widersprüchlich, eine Kultfigur, die von Feministinnen, Künstlerinnen, Modedesignern und der Populärkultur angeeignet wird. Von Mexiko bis San Francisco, von Paris bis New York sorgt Kahlo mit ihrem rätselhaften koketten Blick und den tiefen, dunkelbraunen Augen, die den Betrachter einen Moment lang festhalten, weiterhin für Aufsehen. befehlend, aber zerbrechlich. Um sie herum das Markenzeichen Unibrow und ihr helles, kühnes Tehuana-Kleid; alle passenden Elemente einer Ikone, einer ultimativen modernen Ikone.

Die Schriftstellerin Carlos Fuentes beschrieb, wie Fridas Ankunft im Palacio de Bellas Artes durch den Klang ihres Schmucks angekündigt würde und wie die architektonische Größe des Palastes, seine Gemälde und die fesselnde Musik seiner Konzerte durch ihre beeindruckende Präsenz augenblicklich in den Schatten gestellt würden1. Einige ihrer engsten Freunde haben beschrieben, wie Kahlo jedes ihrer Kleidungsstücke mit besonderer Sorgfalt auswählt und sich von Kopf bis Fuß mit den schönsten Seiden, Spitzen, Tüchern und Röcken, von denen einige in dieser Galerie bewundert werden können, stylt. Auf der Straße fragten Kinder sie: „Wo ist der Zirkus?“ 2, und sie lächelte nur freundlich und ging weiter.

Der Oktober 1937 war ein wichtiger Schritt für Fridas zukünftigen Einfluss auf die Modewelt, als Vogue sie zum ersten Mal auf den Seiten des Magazins präsentierte. Später, im Jahr 1939, organisierte André Breton Kahlos erste Ausstellung in Paris. Es hieß Mexique und ihr Tehuana-Kleid wurde zu einer sofortigen Sensation unter den europäischen Eliten. Es heißt, die Star-Designerin des Tages Elsa Schiaparelli habe zu ihren Ehren ein Kleid mit dem Namen „La Robe Madame Rivera“ kreiert.

Es war das Tehuana-Kleid, das Kahlo als ihr charakteristisches Kleid auswählte. ihre Identität zu definieren und ihr kulturelles Erbe und ihre politischen Überzeugungen darzustellen. Ihre Garderobe besteht hauptsächlich aus traditionellen mexikanischen Stücken aus Oaxaca und anderen Teilen des Landes. Nichtsdestotrotz gibt es auch ethnische Kleidungsstücke aus Guatemala und China sowie eine interessante Sammlung europäischer und amerikanischer Blusen. Kahlo kombinierte diese Stücke, um sich selbst zu stylen, und ihre Lieblingsfarben waren Rot, Grün, Blau, Schwarz und Weiß. Die Entwicklung ihres unverwechselbaren Stils als Mischung aus traditioneller mexikanischer und europäischer Mode sowie die grundlegenden Auswirkungen ihrer Behinderungen werden durch diese Auswahl von Kahlos kultigsten Looks dargestellt. Kahlo als Künstlerin der Bohème, eine Tehuana,

Raum 3
Kabinett der Kuriositäten: Fragmentierung, Geometrie, Komposition

In diesem Raum geht es um visuelle Komposition. Von dem Tag an, an dem Frida Kinderlähmung hatte, bis zu dem Tag, an dem sie starb, wurde Kahlo 22 chirurgischen Eingriffen unterzogen, bei denen sich ihr Körper zersetzte. Diese physische Fragmentierung führte zu einem materiellen Ausdruck ihres Selbst und seiner einschränkenden Schichten durch eine einzigartige Konvergenz von Geometrie und Identität. Das Tehuana-Kleid ist die reine Repräsentation dieses Treffens – der geometrische Fokus auf dem stark geschmückten Oberkörper, den kurzen quadratischen Kettenstichblusen und den geschlechtspolitischen Aussagen, die das Kleid impliziert. Frida und das Tehuana vereinen sich zu einer perfekten Einheit aus Identität, Schönheit und Design.

Die Zusammensetzung des Kleides besteht aus drei Hauptteilen von Kopf bis Fuß: der Frisur, der Bluse – Huipil – und dem Rock oder Enagua.

Tehuana-Frisur: Bestehend aus Zöpfen und mit Blumen geschmückt, frisch oder aus Papier oder Seide.

Huipil: aus der Nahuatl-Sprache huipilli für „Hemd“, eine kurze, locker sitzende Tunika aus zwei oder drei rechteckigen Stoffstücken, die zusammengenäht und mit Bändern oder Stoffstreifen verziert sind, mit einer Öffnung für den Kopf und Öffnungen für die Arme.

Enagua: Ein langer Rock mit einem Taillenbund, an dem ein Rüschen angenäht ist.

Der Schmuck des Tehuana-Kleides ist um den oberen Teil des Körpers zentriert. Kettenstichblusen, Blumen, hochdekorierter Schmuck, Ohrringe, Halsketten und Ringe werden immer von oben konzentriert sein, was den Betrachter dazu zwingt, sich auf Fridas Oberkörper zu konzentrieren und ihm die Möglichkeit zu geben, sich selbst zu bearbeiten und zu fragmentieren, wodurch der Betrachter von ihr abgelenkt wird Beine und unterer Teil ihres Körpers.

Das Huipil würde ihr aufgrund seiner geometrischen, quadratischen Form helfen, größer auszusehen, und wenn sie saß, ließ sich der Stoff nicht um ihre Taille krausen, wodurch Unbehagen vermieden und die Aufmerksamkeit auf sich gezogen wurde.

Als bildende Künstlerin und als jemand, der eindeutig viel Zeit und Energie für das physische Bild aufgewendet hat, das sie der Welt präsentierte, muss Frida sich der schmeichelhaften Wirkung des Tehuana-Kostüms bewusst gewesen sein.

Raum 4
Das Korsett: Kunst und die Avantgarde

Kahlos Beziehung zum Korsett beruht auf Unterstützung und Not – ihr Körper ist auf medizinische Hilfe angewiesen – aber auch auf Rebellion. Kahlo erlaubte dem Korsett nicht, sie als ungültig zu definieren, und verzierte und schmückte ihre Korsetts, so dass sie als explizite Wahl auftauchten und in die Konstruktion ihres Aussehens als wesentliches Stück einbezogen wurden.

Viele Designer haben dies als Ausgangspunkt für die Interpretation von Kahlo genommen: das Korsett, ihr Korsett, als perfektes Symbol für ihre körperliche Gebrechlichkeit und als Verbündeter ihres belastbaren Charakters. In diesem Raum wird das Styling auf modische Kleidung übertragen, entlehnt Kahlos Verwendung des Korsetts als medizinisches Gerät und als Mühe, es zu stilisieren und zu integrieren. Rei Kawakubo, Dai Rees und Jean Paul Gaultier nutzen die Eigenheiten ihres eigenen Stils dazu auf die gleiche Weise sorgfältig detaillierte Stücke herstellen, wie Kahlo ihre Bilder gleichzeitig persönlich und akribisch hergestellt hat.

Diese Designer haben Parallelen zwischen Mode und Behinderung entworfen und diese Ideen durch das eindringliche Bild von Kahlos Korsett in der Avantgarde vereint.1 Die Designer nehmen ihre eigene Haltung zu dem ein, was für Kahlos Image, ein perfektes Beispiel postmoderner Dekonstruktion, von Wert ist Im Fall von Gaultier durch die Schaffung einer Art burlesken Exotik, während für Kawakubo die Bedeutung eine fast religiöse Konnotation hat. Für Rees geht es um die menschliche Anatomie.

Raum 5
Elemente der Tradition: Spitze, Blumen und Weiß

In Fortsetzung des zeitgenössischen Themas huldigt Riccardo Tisci in diesem Raum Frida Kahlo mit seiner Couture-Kollektion Herbst-Winter 2010 für Givenchy. Mit exquisiter Handwerkskunst, Schnitt und Verzierung zeigt Riccardo Tisci seine charakteristischen Arbeiten in Chantilly-Spitze, Dégradé und Fransen, die traditionelle Gesten durch die Verwendung von Spitze, Blumen und Weiß aufgreifen und eine neue Ästhetik hervorbringen, die Kahlo weiter entfernt, aber erkennbar als Hommage an ihn ist zu ihr.

Kahlos Stil wird als zeitgemäß und relevant gefeiert. Fridas Selbstbewusstsein, das durch ihre Familientradition und ihre Behinderung neu interpretiert wurde, ist in Tiscis Sammlung deutlich zu sehen. Ihre gequälten Erinnerungen spiegeln sich in seinen Materialien und Motiven wider. Blumen in Spitze spielen auf Tradition an, sowohl als Symbole des Lebens als auch des Todes; Die Erinnerung an eine Skelettsilhouette in feiner Stickerei mit freigelegtem Becken erinnert an den lebenslangen Kampf der Künstlerin mit Rückenschmerzen, aber auch an ihren Unfall – damals hatte Kahlo die Unmöglichkeit, ein Kind zu zeugen. Die Jacken sehen aus wie Flügel, die Flügel einer Taube, die in Kahlos Arbeit immer wieder auftauchten, vor allem, wenn sie sich in Schmerzen an der Hoffnung festhielt, ihrem eigenen Körper entkommen zu können.

Die Sammlung erinnert auch an die intime Zeichnung Appearances Can Be Deceiving, die den Ursprung dieser Ausstellung und einen der Schätze darstellt, die bei der Eröffnung des Badezimmers des Künstlers im Jahr 2004 entdeckt wurden. Die poetische Zeichnung zeigt, wie Kahlos intime Beziehung zwischen Körper, Korsett und Kleidung ist Fridas Leben und Werk waren eine Kombination aus Leidenschaft, persönlichem Erbe, politischer Überzeugung und praktischer Reaktion auf ihre Behinderung. Das Gespenst dieser Themen ist ein wesentlicher Bestandteil der zeitgenössischen Vision von Riccardo Tisci.

Frida Kahlo Museum
La Casa Azul (Das Blaue Haus) war der Ort, an dem Frida Kahlo, die berühmteste lateinamerikanische Künstlerin der Welt, auf diese Welt kam, lebte und ihren letzten Atemzug tat. Das Gebäude aus dem Jahr 1904 war keine Großkonstruktion.

Während man Frida Kahlos Arbeit genauer untersucht und das Privileg genießt, ihre Heimat kennenzulernen, beginnt man, die intensiven Wechselbeziehungen zwischen Frida, ihrer Arbeit und ihrem Haus zu entdecken. Ihr kreatives Universum befindet sich im Blauen Haus, dem Ort, an dem sie geboren wurde und an dem sie gestorben ist. Nach ihrer Heirat mit Diego Rivera lebte Frida an verschiedenen Orten in Mexiko-Stadt und im Ausland. Sie kehrte jedoch immer zu ihrer Familie nach Coyoacán zurück

Das Blue House befindet sich in einem der ältesten und schönsten Viertel von Mexiko-Stadt und wurde 1958, vier Jahre nach dem Tod des Malers, zu einem Museum umgebaut. Heute ist es eines der beliebtesten Museen in der mexikanischen Hauptstadt.

Heute hat es ein 800 m2 großes Gebäude, das von 1200 m2 großem Grundstück umgeben ist. Diego und Frida füllten es mit Farbe, Volkskunst und vorspanischen Stücken, um ihre Bewunderung für die Völker und Kulturen Mexikos zu zeigen. Die Konstruktion wurde zwei großen Modifikationen unterzogen. Als der russische Revolutionär Leo Trotzki 1937 mit Diego und Frida zusammenlebte, wurde das heutige Gartengrundstück gekauft. 1946 bat Diego Rivera Juan O’Gorman, Fridas Studio zu bauen. Das Innere des Hauses wurde praktisch intakt gehalten. Dies wurde von dem Dichter und dem Freund des Paares, Carlos Pellicer, respektiert, der die Museumsausstellung für den Raum nach Fridas Tod entwarf. Daher bewahren das Haus und sein Inhalt diese intime Atmosphäre.