No podríamos haber encontrado una musa mejor, más completa o más oportuna para inspirarnos a todos. Su característico e híbrido estilo Tehuana, con peinados extraordinariamente elaborados, cintas multicolores y trenzas, ha captado la atención de feministas, fotógrafos, estilistas, artistas y diseñadores de moda, sin mencionar la cultura contemporánea en general. Desde México hasta San Francisco, desde París hasta Nueva York, Frida Kahlo causó sensación con sus enigmáticos, coquetos ojos marrones oscuros, capaces de mantener miradas durante largos períodos de tiempo: controlando, incluso inquisitiva, pero frágil. Su monobrow característico y esos brillantes y atrevidos vestidos de Tehuana formaron los elementos personales de un ícono contemporáneo.

Fue el vestido de Tehuana, originalmente traído del Istmo de Tehuantepec ubicado en el sureste de México, lo que Kahlo eligió como su conjunto más característico, definiendo finalmente su identidad y su patrimonio cultural. Carlos Fuentes recuerda en su introducción al Diario de Frida Kahlo cómo la artista llegó al Palacio de Bellas Artes con sus joyas tintineantes, cómo logró superar esta maravilla arquitectónica, sus pinturas e incluso la música de concierto interpretada allí con su intensa presencia. . Algunos de sus amigos más cercanos describen el cuidado especial que Kahlo tomó al seleccionar cada una de sus prendas y accesorios. A menudo preguntaba a sus amigos más cercanos: «¿Funciona esto?»

Y, sin embargo, Frida hizo un gran esfuerzo para crear su propio estilo de pies a cabeza, engalanándose con sedas, chales, corbatas y faldas espectaculares siempre acompañadas de joyas prehispánicas en plata u oro. Cuando los niños en la calle le preguntaban: «¿Dónde está el circo?», Ella simplemente sonreía y seguía su camino con gracia. Esta artista, que nos ha dejado una impresión tan duradera a través de su trabajo, también ha legado imágenes que permanecerán indeleblemente marcadas en nuestra retina, gracias a su personalidad y estilo.

Primero llegó Vogue en octubre de 1937, una fecha importante en términos de la influencia futura de Frida en la moda. Edna Woolman, la visionaria directora de la revista de 1914 a 1952, la retrató por primera vez en sus páginas. A través de su lente, Toni Frissel capturó la imagen de una mujer que se convertiría en una de las artistas más emblemáticas del siglo XX. Obsesionada con esta dimensión visual de sí misma, incluso antes de su primera exposición individual, Kahlo captó la atención de las revistas de moda con su personalidad y su talento artístico, y ha seguido haciéndolo durante los últimos 75 años, proporcionando inspiración a una gran cantidad de diseñadores.

En 1939, André Breton organizó la primera exposición de la obra de Kahlo en París titulada Mexique, donde su vestimenta étnica tehuana causó una gran sensación entre las élites europeas. Se dice que Elsa Schiaparelli, una diseñadora estrella en ese momento, creó un vestido llamado Robe Madame Rivera (el vestido Madame Rivera) en su honor. En los últimos 20 años, la imagen de Frida se ha extendido por todas partes como un incendio forestal.

En 1998, los diseñadores internacionales Jean-Paul Gaultier y Christian Lacroix rendirían homenaje a Frida Kahlo en sus pasarelas Primavera-Verano. Inspirado por su pintura La columna rota, Gaultier la retrató en uno de sus ejemplos más icónicos de alta costura. Gaultier tiene sus propios puntos de vista con respecto a la importancia de la imagen de Kahlo. El suyo es el ejemplo perfecto de deconstrucción posmoderna, que crea una especie de exotismo burlesco y, al mismo tiempo, representa uno de los muchos simbolismos que Kahlo representa hoy.

Para su colección prêt-á-porter en otoño de 2002, Kris Van Assche presentó una colección más sutil inspirada en Kahlo, que utiliza algodones ligeros, piqués y sedas. Para Van Assche, Kahlo representa algo más fantasioso que las imágenes habituales de dolor y tortura; por lo tanto, eligió capturar algunas de las facetas más divertidas de su personalidad. Frida se rió mucho a pesar de todo, una fuente de alegría que contrarrestó su intensidad apasionada como lo demuestra su uso de colores brillantes: azul cielo, amarillo, naranja y blanco.

Después de que Fridamania despegara en 2005, los diseñadores británicos Clements Ribeiro y Temperly London mostraron un lado más surrealista de Kahlo en su colección de vestidos vintage, plataformas con mariposas, botas mexicanas, bolsos grandes, tacones altos y adornos para el cabello en terciopelo rojo, recreando el estilo exuberante del pintor. El uso de plataformas y botas cortas por parte de Ribeiro nos recuerda las secuelas de la pelea de Kahlo con la polio y cómo usaba botas con un tacón especial para ocultar sus imperfecciones físicas.

El discípulo de Rei Kawakubo, Tao Kurihara, siempre es impredecible. En su colección prêt-á-porter de 2009, presentó muñecas escandinavas que hacían referencia a Frida con sus monocejas rojas. La representación de Frida en esta colección es ecléctica, enigmática y audaz. La propia Rei Kawakubo presentó White Drama, su colección prêt-á-porter para Primavera-Verano 2012 para Comme des Garçons, con un toque de religiosidad. A través de colores y materiales como el encaje blanco y el satén, Kawakubo condujo al espectador en un viaje al universo de Frida.

Usando moda a medida de la década de 1950 y jaulas de encaje, seguidas de prendas cubiertas de flores que recuerdan los espléndidos adornos para el cabello de Kahlo, elementos que en el pasado se usaban en los bautismos católicos, Kawakubo refleja diferentes aspectos de la vida de Kahlo, así como el vínculo entre el cuerpo. , forma y material que abarcó todo su trabajo.

En el ámbito de la alta costura, la colección más impresionante inspirada en Kahlo en la historia reciente fue sin duda la colección Otoño-Invierno 2010 de Riccardo Tisci para Givenchy. Al presentar los ejemplos más exquisitos de ornamentación, como resultado de esta colección impecable, Tisci logró posicionarse entre los nombres más importantes en las casas de alta costura de hoy. Como declaró el propio Tisci, esta colección se inspiró en «Frida Kahlo y sus tres grandes obsesiones: religión, sensualidad y anatomía humana como resultado de su batalla de vida o muerte contra el dolor de espalda». Se pueden encontrar ejemplos del dominio de esta colección en el petit-pointe, el degradado, los adornos para el cabello y los flecos de Chantilly exhibidos en el espectáculo «Las apariencias engañan: los vestidos de Frida Kahlo».

En pocas palabras, esta exposición es la primera en presentar el vestuario del artista. Parecía que había poco más que decir o aprender sobre Frida Kahlo cuando en abril de 2004, el armario de la pintora más reconocida de América Latina fue redescubierto en la Casa Azul, hoy el Museo Frida Kahlo. Durante 50 años, por orden de su esposo, Diego Rivera, los vestidos y artículos personales de la artista permanecieron encerrados en su habitación, ubicada en la parte superior de la casa adyacente a un baño de azulejos blancos, donde se encontraron casi 300 objetos personales en relativamente buen estado: accesorios, vestidos tradicionales y no tradicionales, joyas, zapatos, medicinas y dispositivos ortopédicos. Un tesoro!

Ahora, 75 años después de su primera aparición en Vogue, esta es la primera exposición que muestra los artículos personales de Kahlo y, además, examina la construcción de su identidad a través de su discapacidad, así como el uso de elementos tradicionales, moda y vestidos. Dividida en cinco salones temáticos, la exposición se centra en la construcción del estilo de Kahlo a través de la discapacidad y el origen étnico, mostrando los conjuntos originales del artista y los artículos personales que forman parte de la colección del Museo Frida Kahlo. El descubrimiento de los artículos personales de Kahlo ha abierto una serie de nuevas posibilidades para la interpretación no solo de su obra, sino también de su personalidad multifacética a través de su elección de vestimenta y su relación con su propio cuerpo. De esta manera, se establece una identidad compleja que arroja una nueva luz sobre el arte de Kahlo,

Frida nunca careció de motivación. Mucho se ha dicho sobre el amor como el impulso principal detrás de su elección de usar el vestido de Tehuana como un rasgo de identidad característico, y la mayoría de los expertos han sugerido que Frida Kahlo se vistió al estilo de Tehuana para complacer a su esposo, Diego Rivera. Si bien la tesis de la exposición no niega este hecho, explora otras razones intrínsecas para el uso de esta forma de vestir. De vital importancia en este sentido es el redescubrimiento, una vez que se abrió el armario, de una imagen que representa a su familia materna. Esta imagen muestra a la madre de Frida y su familia vestidas al estilo Tehuana, revelando así una relación sostenida por Kahlo con esa forma de vestir mucho antes de conocer a Rivera. La búsqueda de identidad en Frida se vuelve así más evidente; asimismo, su sentido de identidad reinterpretado a través de hábitos familiares,

El descubrimiento de esta fotografía nos lleva, por lo tanto, a reexaminar otros eventos traumáticos en la vida de Frida, avanzando un argumento mucho más fuerte con respecto a su decisión de usar la vestimenta tradicional mexicana. Ella no hizo esto para complacer a Rivera, o en cualquier caso, no solo por eso. El estilo y la forma de vestir de Kahlo fueron el resultado de su fuerte sentido de identidad, una identidad cuidadosamente construida a partir del dolor físico, algo que obviamente se refleja en su trabajo. De hecho, ¿por qué su guardarropa debería ser diferente de lo que pintó?

Dos tragedias que experimentó Frida incluso antes de llegar a la edad adulta influirían en su vestuario, y luego formarían la piedra angular de su existencia y su arte. A los seis años, contrajo polio, una enfermedad que la dejaría coja de por vida con una pierna derecha inútil. Como si su lucha contra la polio no fuera suficiente, a la edad de 18 años, el 17 de septiembre de 1925, sufrió un terrible accidente. Ella viajaba en un autobús cuando chocó con un tranvía eléctrico. Uno de los tubos metálicos pasó por el lado izquierdo de su cuerpo, saliendo por su vagina. Su clavícula estaba fracturada, al igual que su pierna y pie derechos. Dos costillas y su columna vertebral estaban rotas; su hombro izquierdo estaba dislocado.

A partir de ese momento, la vida de Frida se convirtió en una lucha contra el incesante deterioro de su cuerpo. Su empeoramiento de la discapacidad y la fragilidad la confinaron por largos períodos de tiempo a una silla de ruedas o la dejaron en cama, obligada a usar corsés de cuero y yeso. Esto influyó en su vestuario, tal como ya lo había hecho la polio y sus creencias políticas, relaciones y espíritu bohemio lo harían después.

Habitación 1
Las apariencias pueden ser engañosas: el armario de Frida Kahlo

Frida Kahlo nació en 1907 en la Ciudad de México, hija del fotógrafo alemán-húngaro Guillermo Kahlo y Matilde Calderón y González, nacida en Oaxaca de madre española y padre mexicano. La artista, que nos ha contado mucho sobre ella a través de sus pinturas, también ha dejado impresiones duraderas en nuestras mentes a través de su aspecto y estilo.

Parecía que había poco más que decir o aprender sobre Frida Kahlo, cuando en abril de 2004 se descubrió su guardarropa aquí en ‘La Casa Azul’. En la parte superior de la casa, en el baño de azulejos blancos adyacente a la habitación de la artista, su guardarropa y sus pertenencias personales se habían guardado durante más de 50 años a pedido específico de su esposo, el muralista mexicano Diego Rivera, y más tarde por su patrón y amiga Dolores Olmedo. Se descubrieron alrededor de 300 prendas tradicionales y no tradicionales, joyas, medicamentos y dispositivos ortopédicos.

Las apariencias pueden ser engañosas: el armario de Frida Kahlo muestra estos objetos por primera vez y es un estudio de la construcción de Kahlo de su propia identidad. Con temática en cinco salas, la exposición se centra en la construcción del estilo de Kahlo a través de la discapacidad, la tradición, la moda y el vestido, mostrando los conjuntos y objetos originales extraídos de la colección del Museo. También muestra cómo el estilo personal de Kahlo sigue siendo una fuente de inspiración para artistas y diseñadores internacionales como Jean Paul Gaultier, Dai Rees, Comme des Garçons y Riccardo Tisci.

Sala 2
Tradición: mi vestido cuelga allí

Para Frida Kahlo, el vestido tradicional de Tehuana no solo fue un objeto que ella adaptó a su cuerpo para ocultar sus imperfecciones, sino algo con lo que se fusionó y se puso como una segunda piel. El vestido de Tehuana proviene del Istmo de Tehuantepec ubicado en la parte sureste de México en la región de Oaxaca. Esta sociedad matriarcal es administrada y dominada por mujeres y, como tal, su vestimenta tradicional es un fuerte símbolo del poder y la independencia femenina. Se dice que la pintora adoptó esta imagen para complacer a su esposo, el muralista Diego Rivera, quien era aficionado a las poderosas mujeres ‘zapotecas’ de esta región de México.

Sin embargo, esta exposición propone que, lejos de ser un simple acto de amor, su uso de un vestido híbrido fue una estilización calculada, su logotipo; Frida Kahlo fue capaz de percibir la calidad semiótica de la ropa, que se encuentra dentro de su papel como vehículo metafórico, y también es fácil de entender para el espectador. El uso de Frida de este vestido tradicional para fortalecer su identidad, reafirmar sus creencias políticas y ocultar sus imperfecciones, también se basó en su propio sentido de herencia e historia personal. Una fotografía reveladora apareció entre los objetos descubiertos en el baño de esta casa: la fotografía es de la madre de Frida a la edad de siete años, sentada con la familia materna de Frida, vestida con el vestido tradicional de Tehuana tomado años antes de que Kahlo conociera a Rivera

Su decisión de adoptar el vestido de estas mujeres, con sus intrincados bordados a mano, y con trenzas y flores en el pelo, parece haber sido una elección completamente personal: por un lado, fue una búsqueda de autoafirmación, posiblemente enraizada en su relación madre-hija; por otro, como una habilidad intuitiva para situarse en el mundo del arte, en un momento en que las mujeres artistas luchaban por ganar el reconocimiento de su trabajo por mérito propio; en su caso como una figura autónoma distinta de su famoso esposo. La adopción de este vestido fue un estilo inteligente, un remedio que se derivó de la compleja combinación de su ideología comunista, su deseo de pertenecer, sus tradiciones y como reacción a sus discapacidades.

Frida, su estilo: ¿dónde está el circo?

Santa, musa, amante, amante, bisexual, víctima y sobreviviente. Frida Kahlo es el modelo del artista bohemio: único, rebelde y contradictorio, una figura de culto apropiada por feministas, artistas, diseñadores de moda y cultura popular. Desde México hasta San Francisco, desde París hasta Nueva York, Kahlo continúa causando sensación con su enigmática mirada coqueta y sus profundos ojos marrones oscuros que sostienen al espectador por un momento demasiado largo; Al mando pero frágil. Rodeándola, la marca única y su vestido brillante y audaz de Tehuana; Todos los elementos apropiados de un ícono, un ícono moderno y moderno.

El escritor Carlos Fuentes describió cómo la llegada de Frida al Palacio de Bellas Artes sería anunciada por el sonido de sus joyas y cómo la grandeza arquitectónica del palacio, sus pinturas y la música cautivadora de sus conciertos se verían instantáneamente eclipsados ​​por su sorprendente presencia1. Algunos de sus amigos más cercanos han descrito cómo Kahlo tendría especial cuidado al elegir cada una de sus prendas, peinándose de pies a cabeza, con las más hermosas sedas, encajes, chales y faldas, algunas de las cuales se pueden admirar en esta galería. En la calle, los niños le preguntaban “¿Dónde está el circo?” 2 y ella simplemente sonreía graciosamente y continuaba caminando.

Octubre de 1937 marcó un paso importante para la futura influencia de Frida en el mundo de la moda, cuando Vogue la presentó por primera vez en las páginas de la revista. Más tarde, en 1939, André Breton organizó la primera exposición de Kahlo en París. Se llamaba Mexique y su vestido de Tehuana se convirtió en una sensación instantánea entre las élites europeas. Se dice que la diseñadora estrella del día Elsa Schiaparelli creó un vestido en su honor que se llamaba ‘La Robe Madame Rivera’.

Fue el vestido de Tehuana el que Kahlo eligió como su vestido característico; para definir su identidad y retratar su herencia cultural y sus creencias políticas. Su vestuario está compuesto principalmente por piezas tradicionales mexicanas de Oaxaca y otras partes del país. Sin embargo, también hay prendas étnicas de Guatemala y China, así como una interesante colección de blusas europeas y americanas. Kahlo solía combinar estas piezas para peinarse y sus colores favoritos eran rojo, verde, azul, blanco y negro. El desarrollo de su estilo distintivo como una mezcla de moda tradicional mexicana y europea, así como los efectos fundamentales de sus discapacidades, está representado a través de esta selección de los looks más emblemáticos de Kahlo. Kahlo como artista bohemio, una tehuana,

Sala 3
Gabinete de curiosidades: fragmentación, geometría, composición

Esta sala es sobre composición visual. Desde el día en que Frida tuvo polio hasta el día de su muerte, Kahlo fue sometida a 22 operaciones quirúrgicas que la dejaron con un cuerpo en desintegración. Esta fragmentación física condujo a una expresión material de sí misma y sus capas restrictivas a través de una convergencia única de geometría e identidad. El vestido de Tehuana es la representación pura de esa reunión: el enfoque geométrico en la parte superior del cuerpo fuertemente adornada, las blusas cortas de puntada de cadena cuadrada y las declaraciones políticas de género que implica el vestido. Frida y Tehuana se unen en una unión perfecta de identidad, belleza y diseño.

La composición del vestido consta de tres secciones principales de pies a cabeza: el peinado, la blusa, huipil, y la falda o enagua.

Peinado de tehuana: compuesto de trenzas y muy adornado con flores, frescas o hechas de papel o seda.

Huipil: del huipilli en idioma náhuatl para ‘camisa’, una túnica corta y holgada hecha de dos o tres piezas rectangulares de tela que se cosen y adornan con cintas o tiras de tela, con una abertura para la cabeza y aberturas para los brazos.

Enagua: una falda larga con una pretina que tiene una arruga cosida.

El adorno del vestido de Tehuana se centra alrededor de la parte superior del cuerpo. Blusas de punto de cadena, flores, joyas muy decoradas, aretes, collares y anillos siempre se concentrarán desde el torso hacia arriba, lo que obligará al espectador a centrarse en la parte superior del cuerpo de Frida y le brindará la oportunidad de editar y fragmentarse, distrayendo al espectador de ella. piernas y parte inferior de su cuerpo.

El huipil, debido a su construcción cuadrada corta geométrica, la ayudaría a verse más alta y, cuando estaba sentada, permitía que la tela no se amontonara alrededor de su cintura, evitando así molestias o llamando la atención sobre sí misma.

Como artista visual y como alguien que claramente dedicó mucho tiempo y energía a la imagen física que presentó al mundo, está claro que Frida debe haber sido consciente del efecto halagador que tenía el traje de Tehuana.

Sala 4
El corsé: el arte y la vanguardia

La relación de Kahlo con el corsé es de apoyo y necesidad, su cuerpo depende de la atención médica, pero también de rebelión. Lejos de permitir que el corsé la defina como inválida, Kahlo decoró y adornó sus corsés, haciéndolos aparecer como una opción explícita e incluyéndolos en la construcción de su aspecto como una pieza esencial.

Muchos diseñadores han tomado esto como su punto de partida para interpretar a Kahlo: el corsé, su corsé, como el símbolo perfecto de su fragilidad física y un aliado de su carácter resistente. En esta sala, el estilo se transfiere a la ropa de moda, tomando prestado del uso del corsé de Kahlo como artilugio médico y como un esfuerzo para estilizarlo e incorporarlo. Rei Kawakubo, Dai Rees y Jean Paul Gaultier usan las idiosincrasias de su propio estilo para produce piezas cuidadosamente detalladas de la misma manera que Kahlo creó sus pinturas a la vez personal y meticulosamente producida.

Estos diseñadores han elaborado paralelos entre la moda y la discapacidad, uniendo estas ideas a través de la inquietante imagen del corsé de Kahlo en la vanguardia.1 Los diseñadores adoptan su propia postura sobre lo que tiene valor en la imagen de Kahlo, un ejemplo perfecto de la deconstrucción y modernidad posmodernas. , en el caso de Gaultier al crear una especie de exotismo burlesco, mientras que para Kawakubo el significado tiene una connotación casi religiosa. Para Rees se trata de la anatomía humana.

Sala 5
Elementos de tradición: encaje, flores y blanco

Continuando con el tema contemporáneo, en esta sala Riccardo Tisci rinde homenaje a Frida Kahlo a través de su colección Couture Otoño-Invierno 2010, para Givenchy. Con exquisita artesanía, corte y ornamentación, mostrando su trabajo característico en encaje Chantilly, dégradé y flecos, Riccardo Tisci asimila los gestos tradicionales mediante el uso de encaje, flores y blanco, aportando una nueva estética que está más lejos de Kahlo pero que es un homenaje reconocible. a ella.

El estilo de Kahlo se celebra como contemporáneo y relevante. El sentido de sí misma de Frida, reinterpretado a través de sus tradiciones familiares y su discapacidad, se muestra claramente en la colección de Tisci, su memoria atormentada representada a través de sus materiales y motivos. Las flores en encaje hacen alusión a la tradición, tanto como símbolos de vida y muerte; El recuerdo de una silueta esquelética en bordado fino con la pelvis descubierta nos recuerda la batalla de toda la vida del artista con el dolor de columna, pero también su accidente: fue entonces cuando Kahlo se quedó con la imposibilidad de concebir un hijo. Las chaquetas parecen alas, las alas de una paloma que se repitió en el trabajo de Kahlo, especialmente cuando en medio del dolor se aferraba a la esperanza de poder escapar de su propio cuerpo.

La colección también nos recuerda el dibujo íntimo Appearances Can Be Deceiving, que es el origen de esta exposición y uno de los tesoros descubiertos cuando se abrió el baño del artista en 2004. El dibujo poético muestra cómo la relación íntima de Kahlo entre cuerpo, corsé y vestido. asimilados como uno solo, la vida y el trabajo de Frida fueron una combinación de pasión, herencia personal, convicción política y respuesta práctica a su discapacidad. El espectro de estos temas es parte integral de la visión contemporánea de Riccardo Tisci.

Museo Frida Kahlo
La Casa Azul fue el lugar donde Frida Kahlo, la artista latinoamericana más reconocida del mundo, vino a este mundo, vivió y respiró por última vez. El edificio, que data de 1904, no era una construcción a gran escala.

A medida que uno explora el trabajo de Frida Kahlo más profundamente y disfruta del privilegio de conocer su hogar, uno comienza a descubrir las intensas interrelaciones entre Frida, su trabajo y su casa. Su universo creativo se encuentra en la Casa Azul, el lugar donde nació y donde murió. Después de su matrimonio con Diego Rivera, Frida vivió en diferentes lugares de la Ciudad de México y en el extranjero, pero siempre regresó a la casa de su familia en Coyoacán.

Ubicada en uno de los barrios más antiguos y bellos de la Ciudad de México, la Casa Azul se convirtió en museo en 1958, cuatro años después de la muerte del pintor. Hoy es uno de los museos más populares de la capital mexicana.

Hoy tiene un edificio de 800 m2 rodeado de una propiedad de 1200 m2. Diego y Frida lo llenaron de color, arte popular y piezas prehispánicas para mostrar su admiración por los pueblos y las culturas de México. La construcción sufrió dos modificaciones importantes. Cuando el revolucionario ruso Leon Trotsky vivió con Diego y Frida en 1937, se compró la propiedad que hoy ocupa el jardín. En 1946, Diego Rivera le pidió a Juan O’Gorman que construyera el estudio de Frida. El interior de la casa se ha mantenido prácticamente intacto. Esto fue respetado por el poeta y el amigo de la pareja, Carlos Pellicer, quien diseñó la exhibición del museo para el espacio después de la muerte de Frida. Por lo tanto, la casa y sus contenidos conservan ese ambiente íntimo.