우리 모두에게 영감을 줄 수있는 더 좋고, 완전하고,시기 적절한 뮤즈를 찾을 수 없었습니다. 그녀의 특징과 하이브리드 테 후아나 스타일은 매우 정교한 헤어 스타일, 여러 가지 빛깔의 리본 및 브레이드를 특징으로하며, 현대 문화 전체를 언급하지 않고 페미니스트, 사진가, 스타일리스트, 아티스트 및 패션 디자이너의 관심을 끌었습니다. 멕시코에서 샌프란시스코, 파리에서 뉴욕에 이르기까지 Frida Kahlo는 수수께끼의 시선을 사로 잡는 어두운 갈색 눈으로 센세이션을 일으켜 오랫동안 통제 할 수 있고 호기심이 많지만 깨지기 쉽습니다. 그녀의 독특한 모노 브로우와 화려하고 대담한 Tehuana 드레스는 현대적인 아이콘의 개인적인 요소를 형성했습니다.

멕시코 남동부에 위치한 테후 안테 펙 (Tehuantepec) 지협에서 가져온 테 후아나 복장은 칼로가 그녀의 가장 특징적인 앙상블로 선택하여 결국 그녀의 정체성과 문화적 유산을 정의했습니다. 카를로스 푸엔테스 (Carlos Fuentes)는 프리다 칼로 (Frida Kahlo) 일기에 대한 소개에서 예술가가 타오르는 보석으로 미술 궁전에 어떻게 도착했는지, 그녀가이 건축 적 경이를 뛰어 넘는 방법, 그림, 콘서트 음악까지 강렬한 존재감으로 연주 한 것을 회상합니다 . 가장 친한 친구 중 일부는 Kahlo가 각 의복과 액세서리를 선택하는 데 특별한주의를 기울였습니다. 그녀는 종종 가장 친한 친구에게 “이것이 작동합니까?”

그러나 Frida는 머리부터 발끝까지 자신의 스타일을 만들기 위해 많은 노력을 기울였으며 항상 은색 또는 금색의 히스패닉 이전 보석이 수반되는 멋진 실크, 목도리, 넥타이 및 치마로 자신을 괴롭 혔습니다. 길거리에있는 아이들이 “서커스는 어디에 있습니까?” 그녀의 작품을 통해 우리에게 지속적인 인상을 남긴이 예술가는 또한 그녀의 개성과 스타일 덕분에 망막에 필연적으로 표시 될 이미지를 남겼습니다.

패션에 대한 프리다의 미래 영향 측면에서 중요한 날짜 인 1937 년 10 월 보그가 처음 등장했습니다. 1914 년부터 1952 년까지이 잡지의 비전 담당 이사 인 에드나 울만 (Edna Woolman)은 그녀의 첫 페이지에 그녀를 묘사했다. 토니 프리셀은 그의 렌즈를 통해 20 세기의 가장 상징적 인 예술가 중 한 사람이 될 여성의 이미지를 포착했습니다. Klolo는 첫 개인 전시회 이전에도 자신의 시각적 시각에 사로 잡혔으 며 Kahlo는 자신의 개성과 예술성을 통해 패션 잡지의 관심을 사로 잡았으며 지난 75 년 동안 계속해서 많은 디자이너들에게 영감을주었습니다.

1939 년 André Breton은 Mexique라는 제목의 파리에서 Kahlo의 첫 번째 전시회를 개최했는데, 그녀의 Tehuana 민족 복장은 유럽 엘리트들 사이에서 큰 센세이션을 일으켰습니다. 당시 스타 디자이너 인 Elsa Schiaparelli는 Robe Madame Rivera (Madame Rivera Dress)라는 드레스를 자신의 명예에 따라 만들었다 고합니다. 지난 20 년 동안 Frida의 이미지는 산불처럼 퍼졌습니다.

1998 년 국제 디자이너 Jean-Paul Gaultier와 Christian Lacroix는 봄-여름 활주로에서 Frida Kahlo에게 경의를 표했습니다. 그녀의 그림 인 부서진 기둥에서 영감을 얻은 Gaultier는 가장 상징적 인 오뜨 꾸뛰르 예 중 하나에서 그녀를 묘사했습니다. Gaultier는 Kahlo의 이미지의 중요성에 대한 자신의 견해를 가지고 있습니다. 그는 현대의 해체에 대한 완벽한 예이며, 칼레로가 오늘날 나타내는 많은 상징 중 하나를 묘사하면서 동시에 소박한 이국주의를 창조합니다.

2002 년 가을 그의 프렛 타 포터 컬렉션을 위해 Kris Van Assche는 Kahlo에서 영감을 얻은 미묘한 컬렉션을 가벼운면, 피케 및 실크로 선보였습니다. Van Assche에게 Kahlo는 일반적인 고통과 고문 이미지보다 더 환상적인 것을 나타냅니다. 따라서 그는 그녀의 성격에서 더 재미있는 측면을 포착하기로 결정했습니다. Frida는 하늘색, 노랑색, 주황색, 흰색 등 밝은 색상을 사용하여 열정적 인 강도를 균형 잡힌 기쁨의 샘에도 불구하고 많이 웃었습니다.

Fridamania가 2005 년에 출발 한 후 영국 디자이너 Clements Ribeiro와 Temperly London은 빈티지 드레스, 나비 플랫폼, 멕시코 부츠, 큰 가방, 하이힐 및 빨간 벨벳의 머리 장식 컬렉션에서 Kahlo의 초현실적 인 측면을 보여주었습니다. 화가의 풍성한 스타일. 리베이로의 플랫폼과 짧은 부츠 사용은 소아마비에 대한 Kahlo의 시합의 여파와 그녀의 신체적 결함을 감추기 위해 특별한 발 뒤꿈치로 부츠를 착용 한 방법을 상기시킵니다.

Rei Kawakubo의 제자 Tao Kurihara는 항상 예측할 수 없습니다. 2009 년 그녀의 프렛 타 포르 트 컬렉션에서 그녀는 프리다를 빨간 모노 브로우로 언급 한 스칸디나비아 인형을 선물했습니다. 이 컬렉션에서 Frida의 표현은 절충주의, 수수께끼 및 대담합니다. Rei Kawakubo 자신은 Comme des Garçons의 2012 년 봄-여름 개인 컬렉션 포터 컬렉션 인 White Drama를 종교적 감각으로 선보였습니다. 카와 쿠보 (Kawakubo)는 흰색 레이스와 새틴과 같은 색상과 재료를 통해 프리다의 우주로 여행을 이끌었습니다.

1950 년대와 레이스의 새장에 맞춘 패션을 사용하고 Kahlo의 화려한 머리 장식을 회상하는 꽃으로 덮인 옷을 사용합니다. 과거에는 가톨릭 침례에 사용되었던 항목 인 Kawakubo는 Kahlo의 삶의 여러 측면과 신체의 유대를 반영합니다. 그녀의 모든 작품을 포괄하는

양재 분야에서 최근 역사상 가장 인상적인 Kahlo에서 영감을 얻은 컬렉션은 의심 할 여지없이 Riccardo Tisci의 2010 가을-겨울 컬렉션입니다. 이 완벽한 컬렉션의 결과로 Tisci는 가장 정교한 장식의 예를 제시함으로써 오늘날 오뜨 꾸뛰르 하우스에서 가장 중요한 이름으로 자리 잡았습니다. Tisci 자신이 선언 한대로,이 컬렉션은 “Frida Kahlo와 그녀의 세 가지 큰 강박 관념 : 그녀의 허리 통증과의 삶과 죽음의 싸움으로 인한 종교, 관능 및 인체 해부학”에서 영감을 받았습니다. 이 컬렉션의 숙달의 예는 샹 티이의 쁘띠 포인트, 데 그라 데, 헤어 장식 및 프린지 “쇼가 나타날 수있는 외관 : Frida Kahlo의 드레스”쇼에 전시되어 있습니다.

간단히 말해이 전시회는 작가의 옷장을 최초로 선보입니다. 2004 년 4 월, 남미에서 가장 유명한 여성 화가의 옷장이 오늘날 청와대에서 오늘날 프리다 칼로 박물관으로 재발견되었을 때, 프리다 칼로에 관해 말하거나 배우는 것이 조금 더있는 것 같았습니다. 50 년 동안 남편 디에고 리베라 (Diego Rivera)의 명령에 따라 예술가의 드레스와 개인 용품은 그녀의 침실에 고정되어 흰색 타일 욕실과 인접한 집 위쪽에 있으며, 거의 300 개의 개인 경품이 상대적으로 발견되었습니다. 양호한 상태 : 액세서리, 전통 및 비전통 복장, 보석류, 신발, 의약품 및 정형 외과 용 장치. 보물 창고!

Vogue에 처음 등장한 지 75 년이 지난 지금은 Kahlo의 개인 아이템을 전시하고 핸디캡을 통해 자신의 정체성을 구성하고 전통적인 요소, 패션 및 드레스를 사용하는 첫 번째 전시회입니다. 5 개의 테마 살롱으로 나누어 진이 전시회는 핸디캡과 민족성을 통한 Kahlo 스타일의 건축에 ​​중점을 두어 Frida Kahlo Museum 컬렉션의 일부를 구성하는 아티스트의 독창적 인 앙상블과 개인 용품을 보여줍니다. Kahlo의 개인 물품 발견은 그녀의 외식뿐만 아니라 그녀의 복장 선택과 자신의 신체와의 관계를 통해 다방면의 성격을 해석 할 수있는 일련의 새로운 가능성을 열어주었습니다. 이런 식으로 Kahlo의 예술에 새로운 빛을 비추는 복잡한 정체성이 확립됩니다.

Frida는 동기 부여가 부족하지 않았습니다. Tehuana 드레스를 특징적인 정체성 특성으로 선택하는 주된 충동으로 사랑에 대해 많은 이야기를 들었으며, 대부분의 전문가들은 Frida Kahlo가 남편 인 Diego Diegoa를 기쁘게하기 위해 Tehuana 스타일로 옷을 입을 것을 제안했습니다. 전시회의 논문은 이러한 사실을 부정하지는 않지만, 이런 형태의 복장을 사용하는 다른 본질적인 이유를 탐구합니다. 이런 의미에서 옷장이 열리면 어머니 가족을 묘사 한 이미지를 재발견하는 것이 매우 중요합니다. 이 이미지는 프리다의 어머니와 그녀의 가족이 테 후아나 스타일로 옷을 입 었음을 보여줍니다. 따라서 카를로가 리베라를 만나기 오래 전에 그 드레스와의 관계를 보여줍니다. Frida에서 정체성을 찾는 것이 더 분명 해졌다. 마찬가지로, 그녀의 정체성 감각은 가족 습관을 통해 재 해석되었습니다.

이 사진의 발견으로 우리는 프리다의 삶에서 다른 외상성 사건을 재검토하여 전통적인 멕시코 복장을 입기로 한 그녀의 결정과 관련하여 훨씬 더 강력한 논쟁을 진전시킵니다. 그녀는 그로 인해뿐만 아니라 Rivera를 기쁘게하기 위해 또는 어떤 식 으로든 이것을하지 않았습니다. Kahlo의 스타일과 복장의 형태는 그녀의 강한 정체성 감각, 육체적 고통으로 신중하게 구성된 정체성, 그녀의 작품에 분명히 반영 된 것의 결과였습니다. 실제로, 그녀의 옷장은 왜 그녀가 칠한 것과 달라야합니까?

Frida가 성인이되기 전에 경험 한 두 가지 비극은 옷장에 영향을 미쳐서 그녀의 존재와 예술의 초석을 형성했습니다. 6 살 때, 그녀는 쓸모없는 오른쪽 다리로 평생 동안 그녀의 절름발이를 남길 질병 인 소아마비로 내려 왔습니다. 1925 년 9 월 17 일, 18 세에 소아마비 발병이 충분하지 않은 것처럼 그녀는 끔찍한 사고를당했습니다. 그녀는 전기 전차와 충돌했을 때 버스를 타고 여행했습니다. 금속성 튜브 중 하나가 몸의 왼쪽을 통과하여 질을 빠져 나옵니다. 그녀의 쇄골은 오른쪽 다리와 발처럼 골절되었습니다. 두 갈비뼈와 척추가 부러졌습니다. 그녀의 왼쪽 어깨가 탈골되었다.

그때부터 프리다의 삶은 그녀의 몸이 끊임없이 악화되는 것을 막기위한 투쟁이되었습니다. 그녀의 핸디캡과 허약성 악화로 휠체어에 오랫동안 갇히거나 침상을 떠나 가죽과 회 반죽을 착용해야했습니다. 소아마비가 이미 가지고 있고 정치적 신념, 관계 및 보헤미안 정신이 그랬던 것처럼, 이것은 그녀의 옷장에 영향을 미쳤습니다.

방 1
외관은 결정적 일 수 있습니다 : Frida Kahlo의 옷장

Frida Kahlo는 1907 년 멕시코-헝가리 사진 작가 Guillermo Kahlo와 Matilde Calderón y González의 딸인 멕시코 시티에서 태어 났으며, 스페인 어머니와 멕시코 아버지의 Oaxaca에서 태어났습니다. 그녀의 그림을 통해 자신에 대해 많은 이야기를 한 작가는 그녀의 외모와 스타일을 통해 우리의 마음에 지속적인 인상을 남겼습니다.

Frida Kahlo에 대해 말하거나 배우는 것이 더 이상없는 것 같았습니다 .2004 년 4 월 그녀의 옷장이 ‘La Casa Azul’에서 발견되었습니다. 집의 윗부분, 예술가의 방에 인접한 흰색 타일 욕실에서 그녀의 옷장과 개인 소지품은 남편, 멕시코 벽화 예술가 인 디에고 리베라 (Diego Rivera)의 요청에 따라 50 년 이상 보관되어 왔습니다. 친구 돌로레스 올 메도. 약 300 개의 전통 및 비 전통 복장, 보석류, 의약품 및 정형 외과 기기가 발견되었습니다.

외모는 속임수 일 수 있습니다 : Frida Kahlo의 옷장은 이러한 물건들을 처음으로 전시하며 Kahlo의 자신의 정체성 구성에 대한 연구입니다. 전시실은 5 개의 방을 주제로하여 장애, 전통, 패션 및 복장을 통한 Kahlo 스타일의 건축에 ​​중점을 두어 박물관 컬렉션에서 가져온 원래 앙상블과 물건을 보여줍니다. 또한 Kahlo의 개인 스타일이 Jean Paul Gaultier, Dai Rees, Comme des Garçons 및 Riccardo Tisci와 같은 국제 예술가와 디자이너에게 어떻게 영감의 원천이되는지 보여줍니다.

방 2
전통 : 내 드레스가 멈춤

프리다 칼로에게있어 테 후아나 전통 의상은 그녀의 몸에 결점을 숨기려고 적응 한 대상 일뿐만 아니라 그녀가 융합하여 두 번째 피부처럼 입었던 것입니다. 테 후아나 복장은 멕시코 남부의 오악 사카 지역에 위치한 테후 안테 펙 지협에서 비롯됩니다. 이 모계 사회는 여성에 의해 관리되고 지배되며, 따라서 그들의 전통적인 복장은 여성의 힘과 독립의 강력한 상징입니다. 화가는이 이미지를 채택하여 멕시코 의이 지역의 강력한 ‘자 포텍 (Zapotec)’여성을 좋아하는 남편 벽화 예술가 디에고 리베라 (Diego Rivera)를 기쁘게합니다.

그럼에도 불구하고,이 전시회는 단순한 사랑의 행위와는 거리가 멀지 만, 그녀가 하이브리드 드레스를 사용하는 것은 계산 된 스타일과 로고 였다고 제안합니다. Frida Kahlo는 은유 적 비히클로서의 역할에 속하며 구경꾼의 눈으로 쉽게 이해할 수있는 의복의 semiotic 품질을 인식 할 수있었습니다. Frida는이 전통 복장을 사용하여 정체성을 강화하고 정치적 신념을 존중하며 불완전 함을 감추고 자신의 문화 유산과 개인 역사에 기반을 두었습니다. 공개 된 사진이이 집의 욕실에서 발견 된 물건들 사이에서 나타났습니다. 사진은 프리아의 모친 가족과 함께 앉아 칼라가 리베라를 만나기 몇 년 전에 찍은 테 후아나 드레스를 입은 프리다의 어머니의 사진입니다.

그녀의 복잡한 손 자수와 머리에 머리띠와 꽃을 가진이 여성의 드레스를 포용하기로 한 그녀의 결정은 완전히 개인적인 선택 인 것처럼 보입니다. 한편으로는 자아를 찾고 있었을 것입니다. 그녀의 모녀 관계에서; 다른 한편으로, 예술가들이 자신의 공로에 대한 그들의 작업에 대한 인정을 얻기 위해 싸우고있을 때, 예술계에 자신을 위치시키는 직관적 인 능력으로서; 그녀의 경우 유명한 남편과는 다른 자율적 인 인물로. 이 복장의 채택은 그녀의 공산주의 이념, 그녀의 욕구, 전통 및 장애에 대한 반응의 복잡한 조합에서 파생 된 현명한 스타일링이었습니다.

프리다, 그녀의 스타일 : 서커스는 어디에 있습니까?

성자, 뮤즈, 연인, 여주인, 양성애자, 피해자 및 생존자. Frida Kahlo는 보헤미안 예술가의 고유 모델입니다. 독특하고 반항적이며 모순적이며 페미니스트, 예술가, 패션 디자이너 및 대중 문화에 적합한 컬트 인물입니다. 멕시코에서 샌프란시스코, 파리, 뉴욕에 이르기까지 칼로는 수수께끼의 시끄러운 시선과 깊고 어두운 갈색 눈을 가진 사람들에게 너무 오랫동안 관객을 놀라게합니다. 명령하지만 깨지기 쉬운. 그녀를 둘러싼 상표 유니 브로우와 밝고 대담한 테 후아나 드레스; 아이콘의 모든 적절한 요소, 궁극적 인 현대의 아이콘.

카를로스 푸엔테스 (Carlos Fuentes) 작가는 프리다가 팔라시오 드 벨라 스 아르 테스에 도착한 후 그녀의 주얼리의 소리로 궁전의 건축 적 위엄, 그림 및 콘서트의 매력적인 음악이 그녀의 눈에 띄는 존재로 순간적으로 어떻게 드러날 것인지를 발표했습니다 1. 그녀의 가장 친한 친구 중 일부는 Kahlo가 머리부터 발끝까지 자신을 스타일링하고 가장 아름다운 실크, 레이스, 숄 및 스커트로 자신의 의상 중 하나를 선택하는 데 특별한주의를 기울이는 방법에 대해 설명했습니다. 일부 갤러리는이 갤러리에서 존경받을 수 있습니다. 길거리에서 아이들은 그녀에게“서커스는 어디에 있습니까?”2라고 물을 것이고, 그녀는 은혜롭게 웃으며 걷기를 계속할 것이다.

1937 년 10 월은 유행의 세계에서 프리다의 미래 영향력에 대한 중요한 발걸음을 내딛었습니다. 1939 년 André Breton은 파리에서 Kahlo의 첫 전시회를 조직했습니다. 그것은 Mexique라고 불렸고 그녀의 Tehuana 드레스는 유럽 엘리트들 사이에서 즉각적인 센세이션이되었습니다. Elsa Schiaparelli의 스타 디자이너는 그녀의 명예에 따라 ‘La Robe Madame Rivera’라는 드레스를 만들었다 고합니다.

Kahlo가 시그니처 드레스로 선택한 것은 Tehuana 드레스였습니다. 그녀의 정체성을 정의하고 문화 유산과 정치적 신념을 묘사합니다. 그녀의 옷장은 주로 오악 사카와 다른 지역의 멕시코 전통 조각으로 구성됩니다. 그럼에도 불구하고 과테말라와 중국의 민족 의상과 흥미로운 유럽 및 미국 블라우스 컬렉션이 있습니다. Kahlo는이 조각들을 결합하여 자신을 스타일링했으며 그녀가 가장 좋아하는 색은 빨강, 초록, 파랑, 검정 및 흰색이었습니다. 전통적인 멕시코와 유럽 패션의 조화와 그녀의 장애의 기본 요소 인 그녀의 독특한 스타일의 발전은 Kahlo의 가장 상징적 인 모습을 통해 표현됩니다 .Kahlo는 보헤미안 예술가, Tehuana,

방 3
호기심의 캐비닛 : 조각화, 형상, 구성

이 방은 시각적 구성에 관한 것입니다. 프리다가 소아마비를 앓은 날부터 그녀가 죽을 때까지 칼로는 22 번의 외과 수술을 받아 몸이 쇠약 해졌습니다. 이 물리적 조각화는 기하학과 정체성의 고유 한 수렴을 통해 자신과 자신의 제한적인 층을 물질적으로 표현했습니다. Tehuana 드레스는 그 회의의 순수한 표현입니다. 심하게 장식 된 상체, 짧은 사각형 체인 스티치 블라우스 및 드레스가 암시하는 성별 정치적 진술에 대한 기하학적 초점입니다. Frida와 Tehuana는 정체성, 아름다움 및 디자인이 완벽하게 결합되어 있습니다.

드레스의 구성은 머리부터 발끝까지 세 가지 주요 섹션으로 구성됩니다. 헤어 스타일, 블라우스 – huipil – 및 치마 또는 에나과.

Tehuana 헤어 스타일 : 머리띠로 구성되어 있고 꽃으로 장식하거나 신선하거나 종이 또는 실크로 만들었습니다.

후이 필 (Huipil) : Nahuatl language huipilli에서 ‘셔츠’용으로, 2 개 또는 3 개의 직사각형 직물 조각으로 만들어진 짧은 느슨한 피팅 튜닉이 함께 꿰매어지고 리본 또는 패브릭 스트립으로 장식되어 있으며 머리를위한 개구부와 팔을위한 개구부가 있습니다.

에나과 : 허리띠가 달린 긴 치마.

Tehuana 드레스 장식은 몸의 윗부분을 중심으로 이루어집니다. 체인 스티치 블라우스, 꽃, 장식이 풍부한 주얼리, 귀걸이, 목걸이 및 반지는 항상 몸통에서 집중되어 시청자가 Frida의 상체에 집중하고 자신을 편집하고 조각화 할 수있는 기회를 제공하여 시청자를 산만하게합니다. 다리와 몸의 아랫 부분.

huipil은 기하학적 인 짧은 정사각형 구조로 인해 키가 더 커 보이고, 앉았을 때 직물이 허리 주위에 뭉치지 않도록하여 불편 함이나주의를 끌지 않도록했습니다.

시각적 예술가로서 그리고 그녀가 세상에 제시 한 물리적 이미지에 많은 시간과 에너지를 분명히 바친 사람으로서 Frida는 Tehuana 의상이 가지고있는 아첨하는 효과를 알고 있었음이 분명합니다.

방 4
코르셋 : 예술과 아방가르드

Kahlo와 코르셋의 관계는 의학적 관심에 따라 몸을지지하고 필요로하는 것 중 하나 일뿐 아니라 반란이기도합니다. 코르셋이 그녀를 잘못된 것으로 정의하는 것 외에도 Kahlo는 코르셋을 장식하고 장식하여 명백한 선택으로 보이게하고 필수 작품으로 외모를 구성하는 데 포함시킵니다.

많은 디자이너들이 이것을 Kahlo 해석의 출발점으로 삼았습니다. 코르셋, 코르셋은 신체적 연약함의 완벽한 상징이자 회복력있는 캐릭터의 동맹입니다. 이 객실에서 스타일링은 유행 의류로 옮겨져 Kahlo가 코르셋을 의료용 장치로 사용하고 전자적으로 꾸미고 통합하는 데 사용합니다. Rei Kawakubo, Dai Rees 및 Jean Paul Gaultier는 자신 만의 스타일의 특유성을 사용하여 Kahlo가 한 번에 자신의 그림을 직접 제작하고 세 심하게 제작 한 것과 같은 방식으로 세심한 조각을 제작합니다.

이 디자이너들은 아방가르드에있는 Kahlo 코르셋의 잊혀지지 않은 이미지를 통해 이러한 아이디어와 결혼하여 패션과 장애 사이의 유사점을 작성했습니다 .1 디자이너는 Kahlo의 이미지에서 가치가 무엇인지에 대한 자신의 입장을 취합니다. , Gaultier의 경우, 소박한 이색주의를 만들어 가와 쿠보의 의미는 거의 종교적인 의미를 지닙니다. Rees에게는 인체 해부학에 관한 것입니다.

5 호실
전통의 요소 : 레이스, 꽃과 흰색

리카르도 티시 (Riccarda Tisci)는 현대적인 테마를 계속 이어 가며 지방시를 위해 2010 년 가을-겨울 컬렉션 컬렉션을 통해 프리다 칼로에게 경의를 표합니다. 리카르도 티시 (Ricardo Tisci)는 정교한 장인 정신, 컷 및 장식, 샹 티이 레이스, 데 그라 데 및 프린지 작업에서의 시그니처 작품을 보여 주면서 레이스, 꽃 및 흰색을 사용하여 전통적 제스처를 동화시켜 Kahlo의 새로운 미학을 이끌어냅니다. 그녀에게.

Kahlo의 스타일은 현대적이고 관련성이 높은 것으로 유명합니다. 그녀의 가족 전통과 장애로 재 해석 된 프리다의 자아는 티시의 컬렉션, 그의 재료와 주제를 통해 표현 된 그녀의 고통스러운 기억에서 분명하게 드러납니다. 레이스의 꽃은 삶과 죽음의 상징으로 전통을 암시합니다. 골반이 드러난 미세한 자수의 골격 실루엣에 대한 기억은 척추 통증으로 인한 아티스트의 평생의 전투를 상기시켜줍니다. 그러나 그녀의 사고도 Kahlo가 아이를 임신 할 수없는 상태로 남겨졌습니다. 재킷은 날개처럼 보입니다. 특히 Kahlo의 작업에서 되풀이되는 비둘기의 날개는 특히 고통 스러울 때 자신의 몸에서 벗어날 수 있다는 희망에 집착합니다.

이 컬렉션은 또한이 전시회의 기원이자 2004 년 예술가 화장실이 개장했을 때 발견 된 보물 중 하나 인 친밀한 그림 모양이 될 수 있음을 상기시켜줍니다. 프리다의 삶과 작품은 열정, 개인 유산, 정치적 신념과 그녀의 장애에 대한 실질적인 반응의 조합이었습니다. 이 테마의 스펙터는 Riccardo Tisci의 현대 비전에 없어서는 안될 요소입니다.

프리다 칼로 박물관
라 카사 아줄 (The Blue House)은 세계에서 가장 유명한 라틴 아메리카 예술가 인 프리다 칼로 (Frida Kahlo)가이 세상에 들어 와서 마지막 숨을 쉬었던 곳이었습니다. 1904 년에 지어진이 건물은 대규모 건축물이 아니 었습니다.

Frida Kahlo의 작품을 더 깊이 탐구하고 그녀의 집을 알게되는 특권을 누리면서 Frida, 그녀의 작품, 그리고 그녀의 집 사이의 격렬한 상관 관계를 발견하기 시작합니다. 그녀의 창조적 우주는 그녀가 태어난 곳과 그녀가 죽은 곳인 청와대에서 발견됩니다. 프리에다는 리에 고 리베라와 결혼 한 후 멕시코 시티와 해외의 여러 곳에서 살았지만 항상 코요 아칸에있는 가족의 집으로 돌아 왔습니다.

멕시코 시티에서 가장 오래되고 아름다운 지역 중 하나에 위치한 청와대는 화가 사망 후 4 년이 지난 1958 년 박물관으로 만들어졌습니다. 오늘날 멕시코 수도에서 가장 인기있는 박물관 중 하나입니다.

현재이 건물에는 800m2 규모의 건물이 있으며, 면적은 1200m2입니다. Diego와 Frida는 멕시코의 사람들과 문화에 대한 그들의 감탄을 보여주기 위해 색, 민속 예술 및 스페인 이전의 조각들로 그것을 채웠습니다. 이 구조는 크게 두 가지 수정되었습니다. 1937 년 러시아의 혁명적 인 레온 트로츠키가 디에고와 프리다와 함께 살았을 때, 오늘날 정원이 차지하고있는 재산을 구입했습니다. 1946 년 Diego Rivera는 Juan O’Gorman에게 Frida의 스튜디오를 만들도록 요청했습니다. 집안은 거의 그대로 유지되었습니다. 이것은 프리다의 죽음 이후의 공간을 위해 박물관 전시를 디자인 한 시인과 부부의 친구 카를로스 펠리 서 (Carlos Pellicer)에 의해 존중되었습니다. 따라서 집과 그 내용물은 친밀한 분위기를 유지합니다.