Non avremmo potuto trovare una musa migliore, più completa o più tempestiva per ispirare tutti noi. Il suo caratteristico e ibrido stile Tehuana, caratterizzato da acconciature straordinariamente elaborate, nastri multicolori e trecce, ha catturato l’attenzione di femministe, fotografi, stilisti, artisti e stilisti, per non parlare della cultura contemporanea nel suo insieme. Dal Messico a San Francisco, da Parigi a New York, Frida Kahlo fece scalpore con i suoi enigmatici, civettuoli occhi castano scuro, capaci di trattenere gli sguardi per lunghi periodi di tempo: controllando, persino curioso, ma fragile. Il suo caratteristico sopracciglio e quei brillanti e audaci abiti in Tehuana costituivano gli elementi personali di un’icona contemporanea.

Fu l’abito di Tehuana, originariamente portato dall’istmo di Tehuantepec situato nel sud-est del Messico, che Kahlo scelse come il suo insieme più caratteristico, definendo infine sia la sua identità che il suo patrimonio culturale. Carlos Fuentes ricorda nella sua introduzione al Diario di Frida Kahlo come l’artista è arrivata al Palazzo delle Belle Arti con i suoi gioielli tintinnanti, come è riuscita a superare questa meraviglia architettonica, i suoi dipinti e persino la musica da concerto eseguita lì con la sua intensa presenza . Alcuni dei suoi amici più cari descrivono la particolare attenzione che Kahlo ha preso nella scelta di ciascuno dei suoi capi e accessori. Spesso chiedeva ai suoi amici più cari: “Funziona?”

Eppure Frida si è impegnata molto per creare il suo stile dalla testa ai piedi, crogiolandosi in sete, scialli, cravatte e gonne spettacolari sempre accompagnati da gioielli preispanici in argento o oro. Quando i bambini della strada le chiedevano “Dov’è il circo”, lei semplicemente sorrideva e continuava con grazia per la sua strada. L’artista, che ci ha lasciato un’impressione così duratura nel suo lavoro, ha anche lasciato in eredità immagini che rimarranno indelebilmente segnate sulla nostra retina, grazie alla sua personalità e al suo stile.

Vogue venne per la prima volta nell’ottobre del 1937, una data significativa in termini di influenza futura di Frida sulla moda. Edna Woolman, la visionaria direttrice della rivista dal 1914 al 1952, la ritrasse per la prima volta nelle sue pagine. Attraverso la sua lente, Toni Frissel ha catturato l’immagine di una donna che sarebbe diventata una delle artiste più emblematiche del 20 ° secolo. Ossessionata da questa dimensione visiva di se stessa, anche prima della sua prima mostra individuale Kahlo ha catturato l’attenzione delle riviste di moda con la sua personalità e abilità artistica, e ha continuato a farlo negli ultimi 75 anni, fornendo ispirazione a moltissimi designer.

Nel 1939, André Breton organizzò la prima mostra dell’opera di Kahlo a Parigi dal titolo Mexique, dove il suo abito etnico Tehuana suscitò una grande sensazione tra le élite europee. Si dice che Elsa Schiaparelli, una star designer all’epoca, abbia creato un abito chiamato Robe Madame Rivera (il Madame Rivera Dress) in suo onore. Negli ultimi 20 anni, l’immagine di Frida si è diffusa ovunque come un incendio.

Nel 1998, i designer internazionali Jean-Paul Gaultier e Christian Lacroix avrebbero reso omaggio a Frida Kahlo sulle passerelle Primavera-Estate. Ispirata al suo dipinto La colonna spezzata, Gaultier la ritrae in uno dei suoi esempi più iconici di alta moda. Gaultier ha i suoi punti di vista riguardo al significato dell’immagine di Kahlo. Il suo è il perfetto esempio di decostruzione postmoderna, creando una sorta di esotismo burlesque e allo stesso tempo, raffigurando uno dei tanti simbolismi che Kahlo rappresenta oggi.

Per la sua collezione prêt-a-porter nell’autunno 2002, Kris Van Assche ha presentato una collezione più raffinata ispirata a Kahlo, usando cotoni leggeri, piqué e sete. Per Van Assche, Kahlo rappresenta qualcosa di più fantasioso delle solite immagini di dolore e tortura; quindi ha scelto di catturare alcune delle sfaccettature più divertenti della sua personalità. Frida rise molto nonostante tutto, una fonte di gioia che controbilanciava la sua intensità appassionata, come dimostra il suo uso di colori vivaci: azzurro, giallo, arancione e bianco.

Dopo che Fridamania è decollato nel 2005, i designer britannici Clements Ribeiro e Temperly London hanno mostrato un lato più surrealista di Kahlo nella loro collezione di abiti vintage, piattaforme con farfalle, stivali messicani, borse grandi, tacchi alti e ornamenti per capelli in velluto rosso, ricreando il stile esuberante del pittore. L’uso di piattaforme e stivali corti di Ribeiro ci ricorda le conseguenze dell’incontro di Kahlo con la poliomielite e il modo in cui indossava stivali con un tacco speciale per nascondere le sue imperfezioni fisiche.

Il discepolo di Rei Kawakubo Tao Kurihara è sempre imprevedibile. Nella sua collezione prêt-a-porter del 2009, ha presentato bambole scandinave che facevano riferimento a Frida con le loro sopracciglia rosse. La rappresentazione di Frida in questa raccolta è eclettica, enigmatica e audace. La stessa Rei Kawakubo ha presentato White Drama, la sua collezione prêt-a-porter per la primavera-estate 2012 per Comme des Garçons, con un tocco di religiosità. Attraverso colori e materiali come pizzo bianco e raso, Kawakubo ha guidato lo spettatore in un viaggio nell’universo di Frida.

Usando la moda su misura degli anni ’50 e gabbie di pizzo, seguite da abiti ricoperti di fiori che ricordano gli splendidi ornamenti per capelli di Kahlo – elementi che in passato erano usati nei battesimi cattolici – Kawakubo riflette diversi aspetti della vita di Kahlo e il legame tra il corpo , forma e materiale che comprendeva tutto il suo lavoro.

Nell’arena dell’alta moda, la più impressionante collezione ispirata a Kahlo della storia recente è stata senza dubbio la collezione Autunno-Inverno 2010 di Riccardo Tisci per Givenchy. Presentando i più raffinati esempi di ornamenti, a seguito di questa impeccabile collezione Tisci è riuscito a posizionarsi tra i nomi più importanti nelle case dell’alta moda oggi. Come ha dichiarato lo stesso Tisci, questa collezione è stata ispirata da “Frida Kahlo e le sue tre grandi ossessioni: religione, sensualità e anatomia umana a seguito della sua battaglia di morte con dolore alla schiena”. Esempi di padronanza di questa collezione si possono trovare nella petit-pointe, declassata, ornamenti per capelli e frangia di Chantilly esposti nello spettacolo “Le apparenze possono essere ingannevoli: gli abiti di Frida Kahlo”.

In poche parole, questa mostra è la prima a presentare il guardaroba dell’artista. Sembrava che ci fosse poco altro da dire o da sapere su Frida Kahlo quando nell’aprile 2004, il guardaroba della più famosa pittrice dell’America Latina fu riscoperto nella Casa Blu, oggi Museo Frida Kahlo. Per 50 anni, per ordine di suo marito, Diego Rivera, gli abiti e gli oggetti personali dell’artista sono rimasti chiusi nella sua camera da letto, situata nella parte superiore della casa adiacente a un bagno piastrellato bianco, dove sono stati trovati quasi 300 accessori personali in relativamente buone condizioni: accessori, abiti tradizionali e non tradizionali, gioielli, scarpe, medicine e dispositivi ortopedici. Un tesoro!

Ora, 75 anni dopo la sua prima apparizione in Vogue, questa è la prima mostra che espone gli oggetti personali di Kahlo e, inoltre, esamina la costruzione della sua identità attraverso il suo handicap, nonché l’uso di elementi tradizionali, moda e abiti. Divisa in cinque saloni tematici, la mostra si concentra sulla costruzione dello stile di Kahlo attraverso handicap ed etnia, mostrando i complessi originali dell’artista e gli oggetti personali che fanno parte della collezione del Museo Frida Kahlo. La scoperta degli oggetti personali di Kahlo ha aperto una serie di nuove possibilità per l’interpretazione non solo della sua opera, ma anche della sua personalità dalle mille sfaccettature attraverso la scelta dell’abito e la sua relazione con il proprio corpo. In questo modo, viene stabilita un’identità complessa che getta una nuova luce sull’arte di Kahlo,

Frida non è mai mancata di motivazione. Molto è stato detto dell’amore come il principale impulso dietro la sua scelta di indossare l’abito di Tehuana come tratto distintivo dell’identità, e la maggior parte degli esperti ha suggerito che Frida Kahlo si vestisse nello stile di Tehuana per compiacere suo marito, Diego Rivera. Mentre la tesi della mostra non nega questo fatto, esplora altre ragioni intrinseche per l’uso di questa forma di abito. Di vitale importanza in questo senso è la riscoperta, una volta aperto l’armadio, di un’immagine raffigurante la sua famiglia materna. Questa immagine mostra la madre di Frida e la sua famiglia vestite in stile Tehuana, rivelando così una relazione sostenuta da Kahlo con quella forma di abito molto prima che incontrasse Rivera. La ricerca dell’identità in Frida diventa così più evidente; allo stesso modo, il suo senso di identità reinterpretato attraverso le abitudini familiari,

La scoperta di questa fotografia ci porta, quindi, a riesaminare altri eventi traumatici nella vita di Frida, avanzando una discussione molto più forte riguardo alla sua decisione di indossare abiti tradizionali messicani. Non lo fece per soddisfare Rivera, o comunque, non solo per quello. Lo stile e la forma dell’abito di Kahlo erano il risultato del suo forte senso di identità, un’identità costruita con cura dal dolore fisico, qualcosa che evidentemente si rifletteva nel suo lavoro. In effetti, perché il suo guardaroba dovrebbe essere diverso da quello che ha dipinto?

Due tragedie vissute da Frida ancor prima di raggiungere l’età adulta avrebbero influenzato il suo guardaroba, formando in seguito la pietra angolare della sua esistenza e della sua arte. All’età di sei anni, è venuta a contatto con la poliomielite, una malattia che avrebbe lasciato la sua zoppa a vita con una gamba destra inutile. Come se il suo attacco con la poliomielite non fosse abbastanza, all’età di 18 anni, il 17 settembre 1925, subì un terribile incidente. Stava viaggiando in un autobus quando si è scontrato con un tram elettrico. Uno dei tubi metallici attraversava la parte sinistra del suo corpo, uscendo dalla sua vagina. La sua clavicola era fratturata, così come la gamba e il piede destro. Due costole e la sua colonna vertebrale erano rotte; la sua spalla sinistra era slogata.

Da quel momento in poi, la vita di Frida divenne una lotta contro l’incessante deterioramento del suo corpo. Il suo peggioramento handicap e fragilità la costrinsero per lunghi periodi su una sedia a rotelle o la lasciarono costretta a indossare corsetti di cuoio e gesso. Ciò ha influenzato il suo guardaroba, proprio come aveva già fatto la poliomielite e le sue convinzioni politiche, le relazioni e lo spirito boemo in seguito.

Stanza 1
Le apparenze possono ingannare: il guardaroba di Frida Kahlo

Frida Kahlo è nata nel 1907 a Città del Messico, figlia del fotografo ungherese tedesco Guillermo Kahlo e Matilde Calderón y González, lei stessa nata a Oaxaca da madre spagnola e padre messicano. L’artista, che ci ha raccontato così tanto di se stessa attraverso i suoi dipinti, ha anche lasciato impressioni durature nelle nostre menti attraverso il suo aspetto e il suo stile.

Sembrava che ci fosse poco altro da dire o da sapere su Frida Kahlo, quando nell’aprile 2004 il suo guardaroba fu scoperto qui a “La Casa Azul”. Nella parte superiore della casa, nel bagno piastrellato bianco adiacente alla stanza dell’artista, il suo guardaroba e gli effetti personali erano stati conservati per più di 50 anni su specifica richiesta del marito, il muralista messicano Diego Rivera, e in seguito dal loro protettore e amico Dolores Olmedo. Sono stati scoperti circa 300 capi tradizionali e non tradizionali, gioielli, medicine e dispositivi ortopedici

Le apparenze possono ingannare: il guardaroba di Frida Kahlo mostra questi oggetti per la prima volta ed è uno studio sulla costruzione della sua identità da parte di Kahlo. Tematica in cinque sale, la mostra si concentra sulla costruzione dello stile di Kahlo attraverso la disabilità, la tradizione, la moda e l’abito, mostrando i complessi e gli oggetti originali tratti dalla collezione del Museo. Mostra anche come lo stile personale di Kahlo rimanga fonte di ispirazione per artisti e designer internazionali come Jean Paul Gaultier, Dai Rees, Comme des Garçons e Riccardo Tisci.

Stanza 2
Tradizione: il mio vestito è appeso lì

Per Frida Kahlo, l’abito tradizionale di Tehuana non era solo un oggetto che si adattava al suo corpo per nascondere le sue imperfezioni, ma qualcosa con cui si fondeva e indossava come una seconda pelle. L’abito di Tehuana proviene dall’Istmo di Tehuantepec situato nella parte sud-orientale del Messico nella regione di Oaxaca. Questa società matriarcale è amministrata e dominata dalle donne e, in quanto tale, il loro abbigliamento tradizionale è un forte simbolo del potere e dell’indipendenza femminile. È stato detto che il pittore ha adottato questa immagine per soddisfare suo marito, il muralista Diego Rivera, che era affezionato alle potenti donne “zapotecn” di questa regione del Messico.

Tuttavia, questa mostra propone che lungi dall’essere un semplice atto d’amore, il suo uso di un abito ibrido era una stilizzazione calcolata, il suo logo; Frida Kahlo è stata in grado di percepire la qualità semiotica dell’abbigliamento, che rientra nel suo ruolo di veicolo metaforico, ed è anche facilmente comprensibile dall’occhio dello spettatore. L’uso di Frida di questo abito tradizionale per rafforzare la sua identità, riaffermare le sue convinzioni politiche e nascondere le sue imperfezioni, costruito anche sul suo senso di eredità e storia personale. Una fotografia rivelatrice è apparsa tra gli oggetti scoperti nel bagno di questa casa: la fotografia è della madre di Frida all’età di sette anni, seduta con la famiglia materna di Frida, vestita con il tradizionale abito Tehuana scattato anni prima che Kahlo incontrasse Rivera

La sua decisione di abbracciare l’abito di queste donne, con il suo intricato ricamo a mano, e con trecce e fiori tra i capelli, sembra essere stata una scelta completamente personale: da un lato, era una ricerca di auto-a! Rmazione, forse radicata nella sua relazione di madre-figlia; dall’altro, come un’intuitiva capacità di situarsi nel mondo dell’arte, in un’epoca in cui le donne artisti stavano lottando per ottenere il riconoscimento per il loro lavoro per merito proprio; nel suo caso come una figura autonoma distinta dal suo famoso marito. L’adozione di questo vestito è stata uno stile saggio, un rimedio che derivava dalla complessa combinazione della sua ideologia comunista, il suo desiderio di appartenere, le sue tradizioni e come reazione alle sue disabilità.

Frida, Her Style: Where Is the Circus?

Santo, musa, amante, padrona, bisessuale, vittima e sopravvissuta. Frida Kahlo è il modello stesso dell’artista bohémien: unico, ribelle e contraddittorio, una figura di culto appropriata da femministe, artisti, stilisti e cultura popolare. Dal Messico a San Francisco, da Parigi a New York, Kahlo continua a suscitare sensazioni con il suo enigmatico sguardo civettuolo e profondi occhi marrone scuro che trattengono lo spettatore per un momento troppo a lungo; imponente ma fragile. Intorno a lei, il marchio unibrow e il suo abito Tehuana luminoso e audace; tutti gli elementi appropriati di un’icona, un’icona moderna dei giorni nostri.

Lo scrittore Carlos Fuentes ha descritto come l’arrivo di Frida al Palacio de Bellas Artes sarebbe stato annunciato dal suono dei suoi gioielli e come l’imponenza architettonica del palazzo, i suoi dipinti e la musica accattivante dei suoi concerti sarebbero stati immediatamente estromessi dalla sua sorprendente presenza1. Alcuni dei suoi amici più cari hanno descritto come Kahlo avrebbe prestato particolare attenzione a scegliere ciascuno dei suoi capi, disegnandosi dalla testa ai piedi, con le più belle sete, pizzi, scialli e gonne, alcuni dei quali possono essere ammirati in questa galleria. Per strada, i bambini le chiedevano “Dov’è il circo?” 2 e lei sorrideva semplicemente con grazia e continuava a camminare.

L’ottobre 1937 segnò un passo importante per la futura influenza di Frida nel mondo della moda, quando Vogue la presentò per la prima volta nelle pagine della rivista. Più tardi, nel 1939, André Breton organizzò la prima mostra di Kahlo a Parigi. Si chiamava Mexique e il suo vestito in Tehuana divenne immediatamente una sensazione tra le élite europee. Si dice che la star designer del giorno Elsa Schiaparelli abbia creato un abito in suo onore chiamato “La Robe Madame Rivera”.

Era l’abito di Tehuana che Kahlo scelse come abito distintivo; definire la sua identità e ritrarre il suo patrimonio culturale e le sue convinzioni politiche. Il suo guardaroba è composto principalmente da pezzi tradizionali messicani di Oaxaca e di altre parti del paese. Tuttavia, ci sono anche capi etnici provenienti da Guatemala e Cina, nonché un’interessante collezione di camicette europee e americane. Kahlo era solito combinare questi pezzi per modellare se stessa e i suoi colori preferiti erano rosso, verde, blu, bianco e nero. Lo sviluppo del suo stile distintivo come una miscela di moda tradizionale messicana ed europea, così come gli e “ecti fondamentali delle sue disabilità, è rappresentato attraverso questa selezione dei look più iconici di Kahlo. Kahlo come artista bohémien, una Tehuana,

Stanza 3
Gabinetto delle curiosità: frammentazione, geometria, composizione

Questa stanza riguarda la composizione visiva. Dal giorno in cui Frida ebbe la poliomielite fino al giorno della sua morte, Kahlo fu sottoposta a 22 interventi chirurgici che la lasciarono con un corpo in via di disintegrazione. Questa frammentazione fisica ha portato a un’espressione materiale di se stesso e dei suoi strati restrittivi attraverso una convergenza unica di geometria e identità. L’abito di Tehuana è la pura rappresentazione di quell’incontro: l’attenzione geometrica sulla parte superiore del corpo adornata pesantemente, le camicette a punto quadrato a catenella quadrata e le dichiarazioni politiche di genere che l’abito implica. Frida e Tehuana si uniscono in una perfetta unione di identità, bellezza e design.

La composizione del vestito è composta da tre sezioni principali dalla testa ai piedi: l’acconciatura, la camicetta – huipil – e la gonna o enagua.

Acconciatura Tehuana: composta da trecce e altamente ornata con fiori, fresca o fatta di carta o seta.

Huipil: dalla lingua nahuatl huipilli per “camicia”, una tunica corta dal taglio ampio composta da due o tre pezzi rettangolari di tessuto che sono cuciti insieme e ornati con nastri o strisce di tessuto, con un’apertura per la testa e aperture per le braccia.

Enagua: una gonna lunga con una cintura che ha un ru # e cucito ad esso.

L’ornamento del vestito Tehuana è centrato attorno alla parte superiore del corpo. Camicette, fiori, gioielli altamente decorati, orecchini, collane e anelli saranno sempre concentrati dal busto in su, obbligando lo spettatore a concentrarsi sulla parte superiore del corpo di Frida e offrendole l’opportunità di modificarsi e frammentarsi, distogliendo lo spettatore da lei gambe e parte inferiore del suo corpo.

L’uipillo, grazie alla sua geometrica costruzione quadrata corta, l’avrebbe aiutata a sembrare più alta e, quando era seduta, avrebbe permesso al tessuto di non ammucchiarsi intorno alla vita, evitando così disagio o attirando l’attenzione su di sé.

Come artista visuale e come qualcuno che ha chiaramente dedicato molto tempo ed energia all’immagine fisica che ha presentato al mondo, è chiaro che Frida deve essere stata a conoscenza dell’efficacia lusinghiera del costume Tehuana.

Stanza 4
Il corsetto: l’arte e l’avanguardia

La relazione di Kahlo con il corsetto è di supporto e necessità – il suo corpo dipende dalle cure mediche – ma anche di ribellione. Lungi dal consentire al corsetto di definirla un invalido, Kahlo ha decorato e ornato i suoi corsetti, facendoli apparire come una scelta esplicita e includendoli nella costruzione del suo aspetto come un pezzo essenziale.

Molti designer hanno preso questo come punto di partenza per l’interpretazione di Kahlo: il corsetto, il suo corsetto, come il simbolo perfetto della sua fragilità fisica e un alleato per il suo carattere resiliente. In questa stanza, lo stile viene trasferito a vestiti alla moda, prendendo in prestito l’uso del corsetto da parte di Kahlo come aggeggio medico e come e “ort per stilizzare e incorporarlo. Rei Kawakubo, Dai Rees e Jean Paul Gaultier usano le idiosincrasie del loro stile per produrre pezzi accuratamente dettagliati nello stesso modo in cui Kahlo ha creato i suoi dipinti allo stesso tempo personali e meticolosamente prodotti.

Questi designer hanno tracciato parallelismi tra moda e disabilità, sposando queste idee attraverso l’immagine inquietante del corsetto di Kahlo nelle avanguardie.1 I designer prendono la loro posizione su ciò che ha valore nell’immagine di Kahlo, un perfetto esempio di decostruzione post modernista e , nel caso di Gaultier creando una specie di esotismo burlesque, mentre per Kawakubo il significato ha una connotazione quasi religiosa. Per Rees si tratta dell’anatomia umana.

Stanza 5
Elementi della tradizione: pizzo, fiori e bianco

Continuando con il tema contemporaneo, in questa sala Riccardo Tisci rende omaggio a Frida Kahlo attraverso la sua collezione Couture Autunno-Inverno 2010, per Givenchy. Con squisita fattura, taglio e ornamenti, mostrando la sua opera distintiva in pizzo Chantilly, dégradé e frange, Riccardo Tisci assimila i gesti tradizionali attraverso l’uso di pizzo, fiori e bianco, portando una nuova estetica che è più lontana da Kahlo ma riconoscibilmente un omaggio a lei.

Lo stile di Kahlo è celebrato come contemporaneo e rilevante. Il senso di sé di Frida, reinterpretato attraverso le sue tradizioni familiari e la sua disabilità, è chiaramente mostrato nella collezione di Tisci, la sua memoria tormentata rappresentata attraverso i suoi materiali e motivi. I fiori in pizzo alludono alla tradizione, sia come simboli di vita che di morte; il ricordo di una silhouette scheletrica in raffinati ricami con il bacino scoperto ci ricorda la battaglia permanente dell’artista con il dolore alla colonna vertebrale, ma anche al suo incidente – fu allora che a Kahlo rimase l’impossibilità di concepire un bambino. Le giacche sembrano ali, le ali di una colomba che riapparve nel lavoro di Kahlo, specialmente quando si trovava in preda al dolore si aggrappava alla speranza di poter fuggire dal suo stesso corpo.

La collezione ci ricorda anche il disegno intimo Appearances Can Be Inging, che è l’origine di questa mostra e uno dei tesori scoperti quando il bagno dell’artista è stato aperto nel 2004. Il disegno poetico mostra come il rapporto intimo di Kahlo tra corpo, corsetto e abito sono assimilati come uno, la vita e il lavoro di Frida sono stati una combinazione di passione, patrimonio personale, convinzione politica e risposta pratica alla sua disabilità. Lo spettro di questi temi è parte integrante della visione contemporanea di Riccardo Tisci.

Museo Frida Kahlo
La Casa Azul (La casa blu) era il luogo in cui Frida Kahlo, la più famosa artista latinoamericana del mondo, venne in questo mondo, visse e prese il suo ultimo respiro. L’edificio, che risale al 1904, non era una costruzione su larga scala.

Mentre uno esplora il lavoro di Frida Kahlo più profondamente e gode del privilegio di conoscere la sua casa, si inizia a scoprire le intense interrelazioni tra Frida, il suo lavoro e la sua casa. Il suo universo creativo si trova nella Casa Blu, il luogo in cui è nata e dove è morta. Dopo il matrimonio con Diego Rivera, Frida ha vissuto in diversi luoghi a Città del Messico e all’estero, ma è sempre tornata nella sua casa di famiglia a Coyoacán

Situata in uno dei quartieri più antichi e belli di Città del Messico, la Blue House è stata trasformata in museo nel 1958, quattro anni dopo la morte del pittore. Oggi è uno dei musei più famosi della capitale messicana.

Oggi ha un edificio di 800 m2 circondato da proprietà di 1200 m2. Diego e Frida lo riempirono di colore, arte popolare e pezzi preispanici per mostrare la loro ammirazione per i popoli e le culture del Messico. La costruzione ha subito due importanti modifiche. Quando il rivoluzionario russo Leon Trotsky visse con Diego e Frida nel 1937, fu acquistata la proprietà oggi occupata dal giardino. Nel 1946 Diego Rivera chiese a Juan O’Gorman di costruire lo studio di Frida. L’interno della casa è stato mantenuto praticamente intatto. Ciò è stato rispettato dal poeta e dall’amico della coppia, Carlos Pellicer, che ha progettato la mostra museale per lo spazio dopo la morte di Frida. Pertanto, la casa e i suoi contenuti preservano quell’atmosfera intima.