La historia de la pintura occidental representa una tradición continua, aunque perturbada, desde la antigüedad hasta la actualidad. Hasta mediados del siglo XIX se ocupó principalmente de los modos de producción representativos y clásicos, y luego se popularizaron formas más modernas, abstractas y conceptuales.
Los desarrollos en la pintura occidental históricamente son paralelos a los de la pintura oriental, en general unos pocos siglos después. El arte africano, el arte islámico, el arte indio, el arte chino y el arte japonés tuvieron una influencia significativa en el arte occidental y, eventualmente, viceversa.
Inicialmente al servicio del mecenazgo imperial, privado, cívico y religioso, la pintura occidental más tarde encontró audiencias en la aristocracia y la clase media. Desde la Edad Media hasta el Renacimiento, los pintores trabajaron para la iglesia y una acaudalada aristocracia. A partir de la época del Barroco, los artistas recibieron encargos privados de una clase media más educada y próspera. La idea de «arte por el arte» comenzó a encontrar expresión en el trabajo de los pintores románticos como Francisco de Goya, John Constable y JMW Turner. Durante el siglo XIX, las galerías comerciales se establecieron y continuaron brindando mecenazgo en el siglo XX.
La pintura occidental alcanzó su apogeo en Europa durante el Renacimiento, junto con el refinamiento del dibujo, el uso de la perspectiva, la arquitectura ambiciosa, el tapiz, las vidrieras, la escultura y el período anterior y posterior al advenimiento de la imprenta. Siguiendo la profundidad del descubrimiento y la complejidad de las innovaciones del Renacimiento, la rica herencia de la pintura occidental (del Barroco al arte contemporáneo). La historia de la pintura continúa en el siglo XXI.
Prehistoria
La historia de la pintura se remonta en el tiempo a los artefactos de los humanos prehistóricos y abarca todas las culturas. Las pinturas más antiguas que se conocen se encuentran en el Grotte Chauvet en Francia, que según algunos historiadores tiene unos 32,000 años de antigüedad. Están grabados y pintados con ocre rojo y pigmento negro y muestran caballos, rinocerontes, leones, búfalos, mamuts o humanos cazando a menudo. Hay ejemplos de pinturas rupestres en todo el mundo, en Francia, India, España, Portugal, China, Australia, etc. Hay muchos temas comunes en los diferentes lugares donde se han encontrado las pinturas; implicando la universalidad del propósito y la similitud de los impulsos que podrían haber creado las imágenes. Se han hecho varias conjeturas sobre el significado de estas pinturas para las personas que las crearon. Los hombres prehistóricos pueden haber pintado animales para «atrapar» su alma o espíritu a fin de cazarlos más fácilmente, o las pinturas pueden representar una visión animista y un homenaje a la naturaleza circundante, o pueden ser el resultado de una necesidad básica de expresión que es innato a los seres humanos, o pueden ser grabaciones de las experiencias de vida de los artistas e historias relacionadas de los miembros de su círculo.
Pintura occidental
Egipto, Grecia y Roma
Antiguo Egipto, una civilización con fuertes tradiciones de arquitectura y escultura (ambas originalmente pintadas en colores brillantes), tenía muchas pinturas murales en templos y edificios, y pinturas pintadas en manuscritos de papiro. La pintura mural egipcia y la pintura decorativa a menudo son gráficas, a veces más simbólicas que realistas. La pintura egipcia representa figuras en líneas generales y silueta plana, en las que la simetría es una característica constante. La pintura egipcia tiene una estrecha conexión con su lenguaje escrito, llamados jeroglíficos egipcios. Los símbolos pintados se encuentran entre las primeras formas de lenguaje escrito. Los egipcios también pintaron sobre lino, restos de los cuales sobreviven hoy. Pinturas egipcias antiguas sobrevivieron debido al clima extremadamente seco. Los antiguos egipcios crearon pinturas para hacer de la vida futura del difunto un lugar agradable. Los temas incluyeron el viaje a través del otro mundo o sus deidades protectoras que presentan a los muertos a los dioses del inframundo. Algunos ejemplos de tales pinturas son pinturas de los dioses y diosas Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris e Isis. Algunas pinturas de tumbas muestran actividades en las que los difuntos estaban involucrados cuando estaban vivos y deseaban continuar haciéndolo por la eternidad. En el Reino Nuevo y más tarde, el Libro de los Muertos fue enterrado con la persona sepultada. Se consideró importante para una introducción al más allá.
Edades medias
El ascenso del cristianismo impartió un espíritu diferente y el objetivo de los estilos de pintura. El arte bizantino, una vez que su estilo se estableció en el siglo VI, puso gran énfasis en conservar la iconografía y el estilo tradicionales, y evolucionó gradualmente durante los mil años del Imperio bizantino y las tradiciones vivas de la pintura ícono ortodoxa griega y rusa. La pintura bizantina tiene un sentimiento hierático y los íconos fueron y aún se ven como una representación de la revelación divina. Hubo muchos frescos, pero han sobrevivido menos que los mosaicos. El arte bizantino se ha comparado con la abstracción contemporánea, en su llanura y representaciones muy estilizadas de figuras y paisajes. Algunos períodos de arte bizantino, especialmente el llamado arte macedonio de alrededor del siglo X, son más flexibles en su enfoque. Frescos del Renacimiento Paleólogo de principios del siglo XIV sobreviven en la Iglesia de Chora en Estambul.
Renacimiento y Manierismo
El Renacimiento («renacimiento» en francés), un movimiento cultural que abarcó aproximadamente el siglo XIV hasta mediados del XVII, anunció el estudio de las fuentes clásicas, así como los avances en la ciencia que influyeron profundamente en la vida intelectual y artística europea. En los Países Bajos, especialmente en Flandes modernos, se estableció una nueva forma de pintura a principios del siglo XV. Siguiendo los pasos de los desarrollos realizados en la iluminación de manuscritos, especialmente por los hermanos Limbourg, los artistas se fascinaron por lo tangible en el mundo visible y comenzaron a representar objetos de una manera extremadamente naturalista. La adopción de la pintura al óleo, cuya invención fue acreditada tradicionalmente, pero erróneamente, a Jan van Eyck, hizo posible una nueva verosimilitud en la representación de este naturalismo. El medio de la pintura al óleo ya estaba presente en el trabajo de Melchior Broederlam, pero pintores como Jan van Eyck y Robert Campin llevaron su uso a nuevas alturas y lo emplearon para representar el naturalismo que pretendían. Con este nuevo medio, los pintores de este período fueron capaces de crear colores más ricos con una tonalidad intensa y profunda.
La ilusión de luz brillante con un acabado similar a la porcelana caracterizó la pintura neerlandesa temprana y fue una gran diferencia con la superficie mate de la pintura al temple utilizada en Italia. A diferencia de los italianos, cuyo trabajo se basó en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y Roma, los norteños conservaron un residuo estilístico de la escultura y manuscritos iluminados de la Edad Media (especialmente su naturalismo). El artista más importante de esta época fue Jan van Eyck, cuyo trabajo se encuentra entre los mejores artistas conocidos hoy como los primeros pintores holandeses o los primitivos flamencos (ya que la mayoría de los artistas actuaban en ciudades de Flandes actuales). El primer pintor de este período fue el Maestro de Flémalle, hoy identificado como Robert Campin, cuyo trabajo sigue el arte del gótico internacional. Otro pintor importante de este período fue Rogier van der Weyden, cuyas composiciones acentuaron la emoción y el drama humano, demostrado por ejemplo en su Descent from the Cross, que se encuentra entre las obras más famosas del siglo 15 y fue la pintura holandesa más influyente de Cristo crucifixión. Otros artistas importantes de este período son Hugo van der Goes (cuyo trabajo fue muy influyente en Italia), Dieric Bouts (que fue uno de los primeros pintores del norte en demostrar el uso de un único punto de fuga), Petrus Christus, Hans Memling y Gerard David .
Barroco y rococó
La pintura barroca está asociada con el movimiento cultural barroco, un movimiento que a menudo se identifica con el absolutismo y la Contrarreforma o el Renacimiento católico; la existencia de una importante pintura barroca en estados no absolutistas y protestantes también subraya su popularidad, a medida que el estilo se extendió por toda Europa occidental.
La pintura barroca se caracteriza por un gran drama, un color intenso y profundo y sombras intensas de luz y oscuridad. El arte barroco pretendía evocar emoción y pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento. Durante el período que comienza alrededor de 1600 y continúa a lo largo del siglo XVII, la pintura se caracteriza como barroca. Entre los pintores más importantes del Barroco se encuentran Caravaggio, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Velázquez, Poussin y Johannes Vermeer. Caravaggio es un heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su acercamiento realista a la figura humana, pintado directamente de la vida y dramáticamente iluminado contra un fondo oscuro, conmocionó a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza escenas usando efectos de luz; esto se puede ver en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain, La Tour y Jusepe de Ribera.
Durante el siglo XVIII, el Rococó siguió como una extensión más ligera del Barroco, a menudo frívolo y erótico. Rococo se desarrolló primero en las artes decorativas y el diseño de interiores en Francia. La sucesión de Luis XV trajo un cambio en los artistas de la corte y la moda artística en general. La década de 1730 representó el apogeo del desarrollo rococó en Francia, ejemplificado por las obras de Antoine Watteau y François Boucher. El rococó aún conservaba el gusto barroco por las formas complejas y los patrones intrincados, pero a esta altura, había comenzado a integrar una variedad de características diversas, incluido el gusto por los diseños orientales y las composiciones asimétricas.
El estilo rococó se extendió con artistas franceses y publicaciones grabadas. Fue recibido fácilmente en las partes católicas de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusionó con las animadas tradiciones del Barroco alemán. El rococó alemán se aplicaba con entusiasmo a las iglesias y palacios, particularmente en el sur, mientras Frederician Rococo se desarrollaba en el Reino de Prusia.
Siglo 19:
Después del rococó surgió a fines del siglo XVIII, en la arquitectura, y luego en la pintura severa neoclasicismo, mejor representado por artistas como David y su heredero Ingres. El trabajo de Ingres ya contiene mucha de la sensualidad, pero ninguna de la espontaneidad que caracterizó al Romanticismo.
Una fuerza importante en el giro hacia el realismo a mediados de siglo fue Gustave Courbet, cuyas pinturas no idealizadas de gente común ofendieron a los espectadores acostumbrados al tema convencional y lamieron el acabado del arte académico, pero inspiraron a muchos artistas más jóvenes. El pintor principal de Barbizon School Jean-François Millet también pintó paisajes y escenas de la vida campesina. Asociado vagamente con la Escuela de Barbizon estaba Camille Corot, que pintó una veta romántica y realista; su obra prefigura el Impresionismo, al igual que las pinturas de Johan Jongkind y Eugène Boudin (que fue uno de los primeros pintores de paisajes franceses en pintar al aire libre). Boudin fue una influencia importante en el joven Claude Monet, quien en 1857 introdujo la pintura al aire libre.
En el último tercio del siglo impresionistas como Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt y Edgar Degas trabajaron en un enfoque más directo de lo que se había expuesto anteriormente públicamente. Evitaron la alegoría y la narración a favor de respuestas individualizadas al mundo moderno, a veces pintadas con poco o ningún estudio preparatorio, confiando en la destreza del dibujo y una paleta cromática. Monet, Pissarro y Sisley utilizaron el paisaje como motivo principal, la fugacidad de la luz y el clima juegan un papel importante en su trabajo. Siguiendo una práctica que se había hecho cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban juntos al campo para pintar al aire libre, pero no con el propósito tradicional de hacer bocetos para desarrollar en trabajos cuidadosamente terminados en el estudio. Al pintar a la luz del sol directamente de la naturaleza y hacer un uso audaz de los vívidos pigmentos sintéticos disponibles desde principios de siglo, desarrollaron una forma de pintura más ligera y brillante.
Los postimpresionistas como Paul Cézanne y los ligeramente más jóvenes Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Georges-Pierre Seurat llevaron el arte al borde del modernismo. Para Gauguin, el impresionismo dio paso a un simbolismo personal. Seurat transformó el color roto del Impresionismo en un estudio óptico científico, estructurado en composiciones tipo friso. La técnica de pintura que desarrolló, llamada Divisionismo, atrajo a muchos seguidores, como Paul Signac, y durante algunos años, a fines de la década de 1880, Pissarro adoptó algunos de sus métodos. El método turbulento de aplicación de pintura de Van Gogh, junto con un uso sonoro del color, predijo el expresionismo y el fauvismo, y Cézanne, que deseaba unir la composición clásica con una abstracción revolucionaria de formas naturales, llegaría a ser visto como un precursor del arte del siglo XX .
A finales del siglo XIX, también hubo varios grupos de pintores simbolistas, bastante diferentes, cuyas obras resonaron con artistas más jóvenes del siglo XX, especialmente con los fauvistas y los surrealistas. Entre ellos se encontraban Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler, Edvard Munch, Félicien Rops, Jan Toorop y Gustav Klimt, y los simbolistas rusos como Mikhail Vrubel.
Los pintores simbolistas extrajeron la mitología y las imágenes de los sueños para un lenguaje visual del alma, buscando pinturas evocadoras que traen a la mente un mundo estático de silencio. Los símbolos utilizados en el simbolismo no son los emblemas familiares de la iconografía convencional, sino referencias intensamente personales, privadas, oscuras y ambiguas. Más una filosofía que un estilo de arte real, los pintores simbolistas influyeron en el movimiento Art Nouveau contemporáneo y en Les Nabis. En su exploración de temas oníricos, los pintores simbolistas se encuentran a través de los siglos y las culturas, como lo son hoy en día; Bernard Delvaille ha descrito el surrealismo de René Magritte como «Simbolismo más Freud».
siglo 20
La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y otros artistas jóvenes como el precubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo del arte parisino con paisajes y pinturas de figuras «salvajes», multicolores y expresivos. que los críticos llamaron Fauvismo. La segunda versión de Henri Matisse de The Dance significa un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna. Refleja la incipiente fascinación de Matisse con el arte primitivo: los intensos colores cálidos contra el fondo verde azulado y la sucesión rítmica de desnudos danzan los sentimientos de liberación emocional y hedonismo. Pablo Picasso hizo sus primeras pinturas cubistas basadas en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso creó un cuadro nuevo y radical que representa una escena de burdel con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerdan las máscaras tribales africanas y sus propios inventos cubistas. El cubismo fue desarrollado conjuntamente desde aproximadamente 1908 hasta 1912 por Pablo Picasso y Georges Braque, cuyo violín y candelabro, París (1910) se muestra aquí. La primera manifestación clara del cubismo fue practicada por Braque, Picasso, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier y Robert Delaunay. Juan Gris, Marcel Duchamp, Alexander Archipenko, Joseph Csaky y otros pronto se unieron. El cubismo sintético, practicado por Braque y Picasso, se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temas fusionados.
Fauvismo, Der Blaue Reiter, Die Brücke
El fauvismo era una agrupación suelta de artistas de principios del siglo XX cuyas obras enfatizaban las cualidades pictóricas y el uso imaginativo del color profundo sobre los valores representativos. Los líderes del movimiento fueron Henri Matisse y André Derain, rivales amigos de algún tipo, cada uno con sus propios seguidores. En última instancia, Matisse se convirtió en el yang del yin de Picasso en el siglo XX. Entre los pintores fauvistas figuran Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, el pintor holandés Kees van Dongen y el socio de Picasso en el cubismo, Georges Braque, entre otros.
Expresionismo, Simbolismo, Modernismo Americano, Bauhaus
El expresionismo y el simbolismo son rúbricas generales que implican varios movimientos relacionados en la pintura del siglo XX que dominaron gran parte del arte de vanguardia que se realiza en Europa occidental, oriental y septentrional. Las obras expresionistas fueron pintadas principalmente entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, principalmente en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. Fauvism, Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos más conocidos de pintores expresionistas y simbolistas. La pintura de Marc Chagall I and the Village cuenta una historia autobiográfica que examina la relación entre el artista y sus orígenes, con un léxico del simbolismo artístico. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Georges Rouault, Amedeo Modigliani y algunos estadounidenses en el extranjero como Marsden Hartley y Stuart Davis fueron considerados pintores influyentes expresionistas. Aunque Alberto Giacometti es considerado principalmente como un escultor surrealista, también hizo pinturas expresionistas intensas.
Pioneros de la abstracción
Wassily Kandinsky es generalmente considerado uno de los primeros pintores importantes del arte abstracto moderno. Como un temprano modernista, teorizó, al igual que los ocultistas y teósofos contemporáneos, que la abstracción visual pura tenía vibraciones corolarias con el sonido y la música. Ellos postulaban que la abstracción pura podía expresar la espiritualidad pura. Sus primeras abstracciones fueron generalmente tituladas como el ejemplo en la Composición VII, haciendo conexión con el trabajo de los compositores de música. Kandinsky incluyó muchas de sus teorías sobre el arte abstracto en su libro Concerning the Spiritual in Art. Otros grandes pioneros de la abstracción temprana son la pintora sueca Hilma af Klint, el pintor ruso Kazimir Malevich y el pintor suizo Paul Klee. Robert Delaunay era un artista francés asociado con el orfismo (que recuerda un vínculo entre la abstracción pura y el cubismo). Sus contribuciones clave a la pintura abstracta se refieren a su audaz uso del color y su experimentación de profundidad y tono.
Dada y surrealismo
Marcel Duchamp saltó a la fama internacional a raíz de la New York City Armory Show en 1913, donde su Desnudo descendiendo una escalera se convirtió en una causa célebre. Posteriormente creó The Bride Stripped Bare por Her Bachelors, Even, Large Glass. The Large Glass empujó el arte de pintar a nuevos límites radicales siendo parte pintura, parte collage, parte construcción. Duchamp (quien pronto renunciaría a la creación artística de ajedrez) se asoció estrechamente con el movimiento Dada que comenzó en la neutral Zürich, Suiza, durante la Primera Guerra Mundial y alcanzó su punto máximo entre 1916 y 1920. El movimiento involucró principalmente artes visuales, literatura (poesía, manifiestos artísticos , teoría del arte), teatro y diseño gráfico para promover su política antibelicista y el rechazo de los estándares prevalecientes en el arte a través de obras culturales antiartísticas. Otros artistas asociados con el movimiento Dada incluyen a Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp y Sophie Taeuber-Arp. Duchamp y varios dadaístas también están asociados con el surrealismo, el movimiento que dominó la pintura europea en los años veinte y treinta.
Neue Sachlichkeit, realismo social, regionalismo, pintura de escena estadounidense, simbolismo
Durante los años veinte y treinta y la Gran Depresión, la escena artística europea se caracterizó por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit y el expresionismo; y fue ocupado por pintores de color modernistas magistrales como Henri Matisse y Pierre Bonnard.
Expresionismo abstracto
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento que combinó las lecciones aprendidas de los modernistas europeos a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John D. Graham. Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo André Breton, la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo, entre otros factores.
Realismo, Paisaje, Paisaje marino, Figuración, Naturaleza muerta, Paisaje urbano
Durante la década de 1930 hasta la década de 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como el expresionismo abstracto, la pintura Color Field, la abstracción post-pictórica, el arte Op, la pintura de borde duro, el arte minimalista, la pintura con forma de lienzo y la Abstracción lírica. Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia a la abstracción que permite que las imágenes continúen a través de varios contextos nuevos, como el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía en la década de 1950 y nuevas formas de expresionismo desde la década de 1940 hasta la década de 1960. A lo largo del siglo XX, muchos pintores practicaron el realismo y utilizaron imágenes expresivas en pintura paisajista y figurativa con temas contemporáneos. Incluyen artistas tan variados como Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, León Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., y Elaine de Kooning.
Arte pop
El arte pop en Estados Unidos estuvo en gran medida inspirado inicialmente por las obras de Jasper Johns, Larry Rivers y Robert Rauschenberg, aunque las pinturas de Gerald Murphy, Stuart Davis y Charles Demuth durante los años 1920 y 1930 prefiguran el estilo y el tema del Pop. art.
Art Brut, Nuevo Realismo, Movimiento Figurativo del Área de la Bahía, Neodada, Fotorrealismo
Durante las décadas de 1950 y 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como la pintura Color Field, la abstracción post-pictórica, el Op-art, la pintura de borde duro, el arte Minimal, la pintura con forma de lienzo, la Abstracción lírica y la continuación del expresionismo abstracto. Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia hacia la abstracción con Art brut, como lo muestran Court les rues, 1962, de Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, permitiendo que las imágenes resurjan a través de varios contextos nuevos como El arte pop, el movimiento figurativo del área de la bahía (un ejemplo principal es Diebenkorn’s Cityscape I, (Landscape No. 1) (1963), y más tarde en la década de 1970 Neoexpresionismo. The Bay Area Figurative Movement, de quien David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira y Richard Diebenkorn, cuya pintura Cityscape 1 (1963) es un ejemplo típico, fueron miembros influyentes que florecieron durante las décadas de 1950 y 1960 en California. Los pintores más jóvenes practicaron el uso de imágenes de maneras nuevas y radicales. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo , Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl y Vija Celmins fueron algunos de los que se destacaron entre los años 1960 y 1980. Fairfield Porter fue en gran medida autodidacta, y produjo un trabajo de representación en medio del movimiento Expresionista Abstracto. Sus temas fueron principalmente paisajes, interiores domésticos y retratos de familiares, amigos y compañeros artistas.
Abstracción geométrica, Op Art, Hard-Edge, Campo de color, Arte minimalista, Nuevo realismo
Durante las décadas de 1960 y 1970, la pintura abstracta continuó desarrollándose en Estados Unidos a través de estilos variados. La abstracción geométrica, el arte de Op. Sys., La pintura del borde duro, la pintura del campo de color y la pintura mínima, eran algunas direcciones interrelacionadas para la pintura abstracta avanzada así como algunos otros movimientos nuevos. Morris Louis fue un pionero importante en la pintura avanzada de Colorfield, su trabajo puede servir como un puente entre el expresionismo abstracto, la pintura de campo de color y el arte minimalista. Dos profesores influyentes, Josef Albers y Hans Hofmann, presentaron una nueva generación de artistas estadounidenses a sus teorías avanzadas del color y el espacio. Albers es mejor recordado por su trabajo como pintor y teórico abstraccionista geométrico. Los más famosos de todos son los cientos de pinturas y grabados que componen la serie Homenaje a la Plaza. En esta rigurosa serie, comenzada en 1949, Albers exploró las interacciones cromáticas con cuadrados de colores planos dispuestos concéntricamente sobre el lienzo. Las teorías de Albers sobre el arte y la educación fueron formativas para la próxima generación de artistas. Sus propias pinturas forman la base de la pintura de borde duro y el arte óptico.
Lona con forma, Washington Color School, Ilusionismo abstracto, Abstracción lírica
La pintura de Color Field apuntó hacia una nueva dirección en la pintura americana, lejos del expresionismo abstracto. Relacionado con la abstracción post-pictórica, el suprematismo, el expresionismo abstracto, la pintura de borde duro y la abstracción lírica, la pintura de campo de color buscaba eliminar el arte de la retórica superflua. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox y otros pintaron con un uso del color muy articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron las imágenes reconocibles. Ciertos artistas hicieron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campo de color presenta la abstracción como un fin en sí mismo. Al perseguir esta dirección del arte moderno, los artistas quisieron presentar cada pintura como una imagen cohesiva y monolítica. Gene Davis junto con Kenneth Noland, Morris Louis y muchos otros fue miembro de los pintores de Washington Color School que comenzaron a crear pinturas de Color Field en Washington, DC durante los años 1950 y 1960, Black, Gray, Beat es una gran pintura de rayas verticales y típico del trabajo de Gene Davis.
Ilusionismo abstracto, monocromo, minimalismo, postminimalismo
Uno de los primeros artistas asociados específicamente con el minimalismo fue Frank Stella, cuyas primeras pinturas de «rayas» se destacaron en el espectáculo de 1959, «16 estadounidenses», organizado por Dorothy Miller en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El ancho de las rayas en las pinturas a rayas de Stella no era del todo subjetivo, sino que estaban determinadas por las dimensiones de la madera utilizada para construir el chasis de soporte sobre el que se estiraba la lona. En el catálogo del espectáculo, Carl Andre señaló: «El arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha descubierto que es necesario pintar rayas. No hay nada más en su pintura». Estas obras reductivas contrastaban agudamente con las pinturas cargadas de energía y aparentemente emocionalmente cargadas de Willem de Kooning o Franz Kline y se inclinaban más hacia las pinturas de colorismo menos gestuales de Barnett Newman y Mark Rothko.
Neoexpresionismo
A finales de la década de 1960, el pintor expresionista abstracto Philip Guston ayudó a conducir una transición del expresionismo abstracto al neoexpresionismo en la pintura, abandonando la llamada «abstracción pura» del expresionismo abstracto en favor de representaciones más caricaturescas de varios símbolos y objetos personales. Estos trabajos fueron inspiradores para una nueva generación de pintores interesados en un renacimiento de las imágenes expresivas. Su pintura Painting, Smoking, Eating es un ejemplo del regreso de Guston a la representación.
A finales de los años setenta y principios de los ochenta, también hubo un regreso a la pintura que se produjo casi simultáneamente en Italia, Alemania, Francia y Gran Bretaña. Estos movimientos se llamaron Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre, Neo-expresionismo, la escuela de Londres, y a finales de los 80 los Stuckists respectivamente. Estas pinturas se caracterizaron por los grandes formatos, la marca libre expresiva, la figuración, el mito y la imaginación. Todo el trabajo en este género llegó a etiquetarse de neoexpresionismo.
La pintura contemporánea en el siglo XXI
A lo largo del siglo XX y en el siglo XXI, con el advenimiento de las formas artísticas modernas y posmodernas, las distinciones entre lo que generalmente se considera como las bellas artes y las artes bajas han comenzado a desvanecerse, mientras el arte contemporáneo contemporáneo desafía estos conceptos mezclando con la cultura popular.
La pintura convencional ha sido rechazada por artistas de la era posmoderna en favor del pluralismo artístico. Según el crítico de arte Arthur Danto, prevalece una actitud de todo va; un «todo lo que sucede» y, por consiguiente, el síndrome de «nada sucede»; esto crea un embotellamiento estético sin una dirección firme y clara y con cada carril en la superautopista llena de arte.