История западной живописи представляет собой непрерывную, хотя и разрушенную, традицию от античности до настоящего времени. До середины 19-го века он в первую очередь касался репрезентативных и классических способов производства, после чего в пользу пользовались более современные, абстрактные и концептуальные формы.
События в западной живописи исторически параллельны событиям в восточной живописи, в целом несколько столетий спустя. Африканское искусство, исламское искусство, индийское искусство, китайское искусство и японское искусство оказали значительное влияние на западное искусство и, в конце концов, наоборот.
Вначале он служил имперскому, частному, гражданскому и религиозному патронату, западная живопись позже находила зрителей в аристократии и среднем классе. С средневековья через ренессанс художники работали для церкви и богатой аристократии. Начиная с эпохи барокко, художники получали частные комиссии от более образованного и процветающего среднего класса. Идея «искусства ради искусства» начала находить выражение в творчестве романтичных живописцев, таких как Франсиско де Гойя, Джон Констебл и Дж. М. Тернер. В течение 19-го века появились коммерческие галереи и продолжали оказывать покровительство в XX веке.
Западная живопись достигла своего зенита в Европе в эпоху Возрождения в сочетании с изысканностью рисунка, использованием перспективной, амбициозной архитектуры, гобелена, витража, скульптуры и периода до и после появления печатного станка. Следуя глубине открытия и сложности инноваций эпохи Возрождения, богатое наследие западной живописи (от барокко до современного искусства). История живописи продолжается в 21 веке.
Предыстория
История живописи доходит до времени до артефактов от доисторических людей и охватывает все культуры. Самые старые известные картины находятся в Гроте-Шове во Франции, которые, как утверждают некоторые историки, составляют около 32 000 лет. Они выгравированы и нарисованы красной охрой и черным пигментом и показывают лошадей, носорогов, львов, буйволов, мамонтов или людей, часто охотящихся. Есть примеры пещерных картин во всем мире — во Франции, Индии, Испании, Португалии, Китае, Австралии и т. Д. В разных местах, где были найдены картины, существует множество общих тем; подразумевая универсальность цели и подобия импульсов, которые могли бы создать образы. Были высказаны различные предположения относительно значения, которое эти картины были для людей, которые их создали. Доисторические люди, возможно, нарисовали животных, чтобы «поймать» их душу или дух, чтобы легче охотиться на них, или картины могут представлять собой анимическое видение и уважение к окружающей природе, или они могут быть результатом основной потребности выражения, которое врожденные для людей, или они могут быть записи жизненного опыта художников и связанных с ними рассказов от членов их круга.
Западная живопись
Египет, Греция и Рим
Древний Египет, цивилизация с сильными традициями архитектуры и скульптуры (оба изначально были раскрашены в яркие цвета), имела много настенных росписей в храмах и зданиях и рисовала иллюстрации к папирусным манускриптам. Египетская настенная роспись и декоративная живопись часто являются графическими, иногда более символичными, чем реалистичными. Египетская живопись изображает фигуры жирным контуром и плоским силуэтом, в котором симметрия является постоянной характеристикой. Египетская живопись имеет тесную связь с ее письменным языком, называемым египетскими иероглифами. Окрашенные символы встречаются среди первых форм письменности. Египтяне также рисовали на белье, остатки которого сохранились сегодня. Древние египетские картины сохранились из-за чрезвычайно сухого климата. Древние египтяне создали картины, чтобы сделать загробную жизнь покойного приятным местом. Темы включали путешествие через загробный мир или их защитные божества, представляющие мертвых богам подземного мира. Некоторые примеры таких картин — картины богов и богинь Ра, Гора, Анубиса, Ореха, Осириса и Исиды. В некоторых картинах-гробницах показаны действия, в которых умершие были вовлечены, когда они были живы, и хотели продолжать вечно. В Новом Королевстве, а затем, Книга Мертвых была похоронена с погребенным человеком. Это считалось важным для введения в загробную жизнь.
Средний возраст
Возникновение христианства придавало другой дух и стремилось к стилям живописи. Византийское искусство, как только его стиль был установлен к 6 веку, придавал большое значение сохранению традиционной иконографии и стиля и постепенно развивался в течение тысячелетий Византийской империи и живых традиций греческой и русской православной иконописи. Византийская живопись имеет иератическое чувство, и иконы были и остаются видением божественного откровения. Было много фресок, но осталось меньше, чем мозаика. Византийское искусство сравнивалось с современной абстракцией, в ее плоскостности и высоко стилизованных изображениях фигур и пейзажа. Некоторые периоды византийского искусства, особенно так называемого македонского искусства примерно в X веке, более гибки в подходе. Фрески палеологового Возрождения начала XIV века сохранились в церкви Хора в Стамбуле.
Ренессанс и маньеризм
Возрождение (французский язык для «возрождения»), культурное движение, примерно охватывающее 14-й по середину 17-го века, ознаменовало изучение классических источников, а также успехи в науке, которые оказали глубокое влияние на европейскую интеллектуальную и художественную жизнь. В низких странах, особенно в современной Фландрии, в начале 15 века был создан новый способ живописи. По следам событий, связанных с освещением рукописей, особенно либербургскими братьями, художники были очарованы осязаемыми в видимом мире и начали представлять объекты чрезвычайно натуралистическим образом. Принятие масляной живописи, изобретение которой традиционно, но ошибочно, приписывалось Яну ван Эйку, сделало возможным новую правдоподобие в изображении этого натурализма. Средство масляной краски уже присутствовало в работе Мельхиора Бродерлама, но художники, такие как Ян ван Эйк и Роберт Кампин, использовали его для новых высот и использовали его для представления натурализма, к которому они стремились. С этой новой средой художники этого периода были способны создавать более насыщенные цвета с глубокой интенсивной тональностью.
Иллюзия светящегося света с фарфоровым покрытием характеризовалась ранней нидерландской живописью и была существенным отличием от матовой поверхности темперной краски, используемой в Италии. В отличие от итальянцев, чья работа в значительной степени зависела от искусства Древней Греции и Рима, северяне сохранили стилистический остаток скульптуры и освещенных рукописей средневековья (особенно его натурализм). Важнейшим художником этого времени был Ян ван Эйк, чья работа входит в число лучших мастеров, которые теперь известны как ранние нидерландские художники или фламандские примитивы (так как большинство художников активно работали в городах в современной Фландрии). Первым художником этого периода был мастер Флемалле, ныне известный как Роберт Кампин, чья работа следует за искусством Международной готики. Другим важным живописцем этого периода был Рогир ван дер Вейден, чьи композиции подчеркивали человеческие эмоции и драму, продемонстрированные, например, в его «Спуск с креста», который входит в число самых известных произведений 15-го века и был самой влиятельной нидерландской картиной Христа распятие. Другими важными художниками из этого периода являются Хьюго ван дер Гоес (чья работа была очень влиятельной в Италии), Dieric Bouts (который был одним из первых северных художников, демонстрирующих использование единственного исчезающего пункта), Петруса Кристуса, Ганса Мемлинга и Джерарда Дэвида ,
Барокко и рококо
Барочная живопись связана с культурным движением барокко, движением, часто отождествляемым с Абсолютизмом и Встречной Реформацией или Католическим Возрождением; Однако наличие важной барочной живописи в не-абсолютистских и протестантских государствах, однако, подчеркивает ее популярность, поскольку стиль распространяется по всей Западной Европе.
Барочная живопись характеризуется большой драмой, богатым, глубоким цветом и интенсивными светлыми и темными тенями. Искусство барокко должно было вызывать эмоции и страсть вместо спокойной рациональности, которая ценилась в эпоху Возрождения. В период, начинающийся около 1600 года и продолжающийся в течение 17-го века, живопись характеризуется как барокко. Среди величайших художников барокко — Караваджо, Рембрандт, Франс Галс, Рубенс, Веласкес, Пуссен и Йоханнес Вермеер. Караваджо является наследником гуманистической живописи Высокого Возрождения. Его реалистичный подход к человеческой фигуре, написанный непосредственно из жизни и резко освещенный на темном фоне, потряс его современников и открыл новую главу в истории живописи. Живопись в стиле барокко часто рисует сцены с использованием световых эффектов; это можно увидеть в работах Рембрандта, Вермеера, Ле Нэйн, Ла-Тур и Джузепа де Рибера.
В XVIII веке рококо следовал за более легким расширением барокко, часто фривольным и эротическим. Rococo разработала первую в области декоративно-прикладного искусства и дизайна интерьера во Франции. Преемственность Людовика XV привела к изменениям в придворных художниках и общей художественной моде. 1730-е годы представляли собой высоту развития рококо во Франции, примером чему послужили работы Антуана Ватто и Франсуа Буше. Рококо по-прежнему сохранил барочный вкус к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту он начал интегрировать самые разнообразные характеристики, в том числе вкус восточных дизайнов и асимметричных композиций.
Стиль Рококо распространялся с французскими художниками и выгравированными публикациями. Он был легко принят в католических частях Германии, Богемии и Австрии, где он был объединен с живыми традициями немецкого барокко. Немецкий рококо с энтузиазмом применялся к церквям и дворцам, особенно на юге, а Фредерик Рококо развился в Королевстве Пруссия.
19 век:
После рококо возникло в конце 18-го века, в архитектуре, а затем в росписи серьезного неоклассицизма, лучше всего представленного такими художниками, как Дэвид и его наследник Энгр. Работа Энгра уже содержит большую часть чувственности, но ни одна из спонтанности, которая должна характеризовать романтизм.
Главной силой в обращении к реализму в середине века был Гюстав Курбе, чьи неидеализированные картины простых людей оскорбили зрителей, привыкших к традиционному предмету и облизывающему финал академического искусства, но вдохновили многих молодых художников. Ведущий художник школы Барбизон Жан-Франсуа Милле также рисовал пейзажи и сцены крестьянской жизни. Непосредственно связанным со Школой Барбизона была Камиль Коро, которая написана как в романтическом, так и в реалистическом ключе; его работа предвосхищает импрессионизм, как и картины Йохана Джункинда и Эжена Будина (который был одним из первых французских пейзажистов, которые рисовали на открытом воздухе). Буден был важным влиянием на молодого Клода Моне, которого в 1857 году он представил для пленэрной живописи.
В последней трети века импрессионисты, такие как Эдуард Мане, Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Мэри Кассатт и Эдгар Дега работали более прямым образом, чем ранее публиковались. Они избегали аллегории и повествования в пользу индивидуализированных ответов на современный мир, иногда окрашенных небольшим или вообще не подготовительным исследованием, опираясь на ловкость рисунка и высокохроматическую палитру. Моне, Писсарро и Сислей использовали ландшафт в качестве своего основного мотива, переходность света и погоды играли важную роль в их работе. После практики, которая стала все более популярной к середине века, они часто отваживались в деревню вместе, чтобы рисовать на открытом воздухе, но не для традиционной цели создания эскизов в тщательно подготовленные работы в студии. Покраска в солнечном свете непосредственно из природы и смелое использование ярких синтетических пигментов, которые стали доступны с начала века, они разработали более светлую и яркую манеру живописи.
Постимпрессионисты, такие как Пол Сезанн и немного младший Винсент ван Гог, Пол Гоген и Жорж-Пьер Серат, привели искусство к краю модернизма. Для Гогена импрессионизм уступил место персональной символике. Сёрат превратил сломанный цвет импрессионизма в научное оптическое исследование, построенное на фризеподобных композициях. Техника живописи, которую он разработал под названием «Отдел», привлекла многих последователей, таких как Пол Сигнак, и в течение нескольких лет в конце 1880-х годов Писсарро принял некоторые из своих методов. Предсказанный экспрессионизм и фовизм Ван Гога в сочетании с звучным использованием цвета, предсказанным экспрессионизмом и фовизмом, и Сезанн, желая объединить классическую композицию с революционной абстракцией естественных форм, станет рассматриваться как предшественник искусства XX века ,
В конце 19-го века также были несколько, довольно разнородные группы художников-символистов, чьи работы откликались на молодых художников 20-го века, особенно с фовистами и сюрреалистами. Среди них были Гюстав Моро, Одилон Редон, Пьер Пувис де Шаванн, Анри Фантин-Латур, Арнольд Беклин, Фердинанд Ходлер, Эдвард Мунк, Фелиен Ропс, Ян Туроп и Густав Климт и российские символисты, такие как Михаил Врубель.
Символисты-художники миновали мифологию и мечты для визуального языка души, ищущие воспоминания о картинах, которые напоминают статический мир тишины. Символы, используемые в символизме, не являются знакомыми эмблемами господствующей иконографии, а интенсивно личными, частными, неясными и неоднозначными ссылками. Более философия, чем реальный стиль искусства, художники-символисты повлияли на современное движение в стиле модерн и «Лес Наби». В своих исследованиях сказочных предметов художники-символисты встречаются на протяжении столетий и культур, поскольку они все еще сегодня; Бернард Дельвайл описал сюрреализм Рене Магритта как «Символизм плюс Фрейд».
20 век
Наследие художников, таких как Ван Гог, Сезанн, Гоген и Серат, было необходимо для развития современного искусства. В начале 20-го века Анри Матисс и несколько других молодых художников, включая предкубиста Жоржа Брака, Андре Дерена, Рауля Дюфи и Мориса де Вламинка, произвели революцию в мире искусства Парижа с «дикими», разноцветными, выразительными пейзажами и картинами что критики называются фовизмом. Вторая версия «The Dance» Анри Матисса означает ключевой момент в его карьере и в развитии современной живописи. Это отражает зарождающееся увлечение Матисса примитивным искусством: сильные теплые цвета на фоне холодного сине-зеленого оттенка и ритмическая последовательность танцевальных нюков передают чувства эмоционального освобождения и гедонизма. Пабло Пикассо сделал свои первые кубистические картины, основанные на идее Сезанна о том, что все изображение природы можно свести к трем твердым телам: кубу, сфере и конусу. С картиной Les Demoiselles d’Avignon (1907) Пикассо создал новую и радикальную картину, изображающую сцену борделей с пятью проститутками, ярко окрашенными женщинами, напоминающими африканские племенные маски и его собственные кубистские изобретения. Кубизм был разработан совместно с 1908 по 1912 год Пабло Пикассо и Жоржем Браком, чья скрипка и подсвечник в Париже (1910) показаны здесь. Первое явное проявление кубизма практиковалось Брэком, Пикассо, Жаном Метцингером, Альбертом Глизесом, Фернандом Леже, Анри Ле Фоконьером и Робертом Делоне. Вскоре присоединились Хуан Грис, Марсель Дюшан, Александр Архипенко, Джозеф Цаки и другие. Синтетический кубизм, практикуемый Браком и Пикассо, характеризуется внедрением различных текстур, поверхностей, элементов коллажа, папье-колле и большого разнообразия объединенных предметов.
Фовизм, Der Blaue Reiter, Die Brücke
Фовизм был свободной группировкой художников начала 20-го века, чьи работы подчеркивали живописные качества, а также творческое использование глубокого цвета над репрезентативными ценностями. Руководителями движения были Анри Матисс и Андре Дерен — дружелюбные соперники, каждый со своими последователями. В конечном счете Матисс стал яном для инь Пикассо в XX веке. Фовистские художники включали Альберта Марке, Чарльза Камоина, Мориса де Вламинка, Рауля Дюфи, Оттона Фриза, голландского живописца Киса ван Донгена и партнера Пикассо в кубизме Жоржа Брака.
Экспрессионизм, Символизм, Американский модернизм, Баухаус
Экспрессионизм и символизм — это широкие рубрики, которые связаны с несколькими смежными движениями в живописи 20-го века, которые доминировали во многих искусствах авангарда в Западной, Восточной и Северной Европе. Работы экспрессионистов были написаны в основном между Первой мировой войной и Второй мировой войной, в основном во Франции, Германии, Норвегии, России, Бельгии и Австрии. Фовизм, Die Brücke и Der Blaue Reiter — три из самых известных групп художников-экспрессионистов и символистов. В картине Марка Шагала «Я и деревня» рассказывается автобиографическая история, в которой рассматриваются взаимоотношения между художником и его происхождением, с лексикой художественного символизма. Густав Климт, Эгон Шиле, Эдвард Мунк, Эмиль Нольде, Хаим Сутин, Джеймс Энсор, Оскар Кокошка, Эрнст Людвиг Киршнер, Макс Бекманн, Франц Марк, Жорж Руо, Амедео Модильяни и некоторые американцы за рубежом, такие как Марсден Хартли и Стюарт Дэвис, считаются влиятельными художниками-экспрессионистами. Хотя Альберто Джакометти в первую очередь считается скульптором Сюрреалиста, он также занимался живописью экспрессионистов.
Пионеры абстракции
Василий Кандинский обычно считается одним из первых важных художников современного абстрактного искусства. Как ранний модернист, он теоретизировал, как и современные оккультисты и теософы, что чистая визуальная абстракция имела следственные вибрации со звуком и музыкой. Они полагали, что чистая абстракция может выражать чистую духовность. Его самые ранние абстракции обычно назывались в качестве примера в композиции VII, что делало связь с работой композиторов музыки. Кандинский включил многие свои теории об абстрактном искусстве в свою книгу «О духовном в искусстве». Другие крупные пионеры ранней абстракции — шведский художник Хильма Ап Клинт, русский художник Казимир Малевич и швейцарский художник Пол Клее. Роберт Делоне был французским художником, который связан с орфизмом (напоминает связь между чистой абстракцией и кубизмом). Его ключевой вклад в абстрактную живопись относится к его смелому использованию цвета и его экспериментированию как глубины, так и тона.
Дада и сюрреализм
Марсель Дюшан приехал на международную известность вслед за Нью-Йоркской оружейной выставкой в 1913 году, когда его Нюд, спускающийся по лестнице, стал причиной célèbre. Впоследствии он создал The Bride Stripped Bare ее бакалаврами, даже большим стеклом. Большое стекло подтолкнуло искусство живописи к радикальным новым пределам, являясь частью живописи, частичного коллажа, частичной конструкции. Duchamp (который вскоре отказался от художественного творчества в шахматы) стал тесно связан с движением Дада, которое началось в нейтральной Цюрихе, Швейцария, во время Первой мировой войны и достигло максимума с 1916 по 1920 год. В основном движение включало визуальное искусство, литературу (поэзия, художественные манифесты , теория искусства), театр и графический дизайн для продвижения своей антивоенной политики и отказа от преобладающих стандартов в искусстве посредством анти-художественных культурных работ. К другим художникам, связанным с движением Дада, относятся Фрэнсис Пикабия, Ман Рэй, Курт Швиттерс, Ханна Хёч, Тристан Цара, Ганс Рихтер, Жан Арп и Софи Тэубер-Арп. Дюшан и несколько дадаистов также связаны с сюрреализмом, движением, которое доминировало в европейской живописи в 1920-х и 1930-х годах.
Neue Sachlichkeit, Соцреализм, регионализм, Американская живопись сцены, Символизм
В 1920-е и 1930-е годы и Великая депрессия европейская сцена была охарактеризована сюрреализмом, поздним кубизмом, баухаусом, де Стиджлом, Дада, Ной Сахлихейтом и экспрессионизмом; и был занят мастерами-модернистскими цветными художниками, такими как Анри Матисс и Пьер Боннард.
Абстрактный экспрессионизм
1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактного экспрессионизма, который объединил уроки, извлеченные из европейских модернистов с помощью великих учителей в Америке, таких как Ханс Хофманн и Джон Д. Грэм. Американские художники выиграли от присутствия Пит Мондриана, Фернанда Леже, Макса Эрнста и группы Андре Бретона, галереи Пьера Матисса и галереи Пегги Гуггенхайма «Искусство этого века», а также других факторов.
Реализм, Пейзаж, Морской пейзаж, Фигурация, Натюрморт, Городской пейзаж
В период с 1930-х по 1960-е годы абстрактная живопись в Америке и Европе развивалась в таких движениях, как абстрактный экспрессионизм, окраска цветного поля, пост-живописная абстракция, оп-арт, жесткая краска, минимальное искусство, форма холст-живопись и лирическая абстракция. Другие художники отреагировали как реакция на тенденцию к абстракции, позволяющую изображениям продолжать в различных новых контекстах, таких как Фигуративное движение залива в 1950-х годах и новые формы экспрессионизма с 1940-х по 60-е годы. На протяжении 20-го века многие художники практиковали реализм и использовали выразительные образы в пейзажной и фигуративной живописи с современными предметами. Среди них такие художники, как Милтон Эйвери, Джон Д. Грэм, Фэрфилд Портер, Эдвард Хоппер, Эндрю Уайет, Бальтус, Фрэнсис Бэкон, Фрэнк Ауэрбах, Люсьян Фрейд, Леон Коссофф, Филипп Перлштейн, Виллем де Кунинг, Аршиле Горки, Грейс Хартиган, Роберт Де Ниро, старший и Элейн де Кунинг.
Поп арт
Поп-арт в Америке в значительной степени первоначально вдохновлялся работами Джаспера Джонса, Ларри Риверса и Роберта Раушенберга, хотя картины Джеральда Мерфи, Стюарта Дэвиса и Чарльза Демута в 1920-х и 1930-х годах предвещали стиль и сюжет поп-музыки Изобразительное искусство.
Искусство Брут, Новый реализм, Фигуративное движение залива, Нео-Дада, Фотореализм
В течение 1950-х и 1960-х годов абстрактная живопись в Америке и Европе развивалась в таких движениях, как окраска цветного поля, живописная абстракция «Post», «Op art», «красная живопись», «Минимальное искусство», «фигурная холст», «Лирическая абстракция» и продолжение абстрактного экспрессионизма. Другие художники отреагировали как реакция на тенденцию к абстракции с Art brut, как видно из «Судебных разбирательств», 1962, Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, позволяя изображениям вновь появляться в различных новых контекстах, таких как Поп-арт, фигуративное движение в заливе (ярким примером является Городской пейзаж Diebenkorn’s I, (Пейзаж № 1) (1963), а затем Нео-экспрессионизм 1970-х годов. Фигуративное движение района залива, Дэвид Парк, Элмер Бишофф, Натан Оливейра и Ричард Дибенкорн, чья картина Cityscape 1 (1963) является типичным примером, были влиятельными членами, которые процветали в течение 1950-х и 1960-х годов в Калифорнии. Младшие художники практиковали использование изображений новыми и радикальными способами. Ив Клейн, Арман, Мартиан Райс, Кристо , Ники де Сен-Фалле, Дэвид Хокни, Алекс Кац, Малкольм Морли, Ральф Гойнс, Одри Флэк, Ричард Эстес, Чак Клоуз, Сьюзан Ротенберг, Эрик Фишл и Виджа Селминьш, которые стали известными в период с 1960-х по 1980-е годы. Портер был в основном самоучкой, и произвел репрезентативную работу в разгар абстрактного экспрессионистического движения. Его сюжеты были в основном пейзажами, внутренними интерьерами и портретами семьи, друзей и артистов.
Геометрическая абстракция, Op Art, Hard-Edge, Цветовое поле, Минимальное искусство, Новый реализм
В течение 1960-х и 1970-х годов абстрактная живопись продолжала развиваться в Америке с помощью разнообразных стилей. Геометрическая абстракция, Op art, жесткая краска, цветная живопись и минимальная живопись, были некоторыми взаимосвязанными направлениями для продвинутой абстрактной живописи, а также некоторых других новых движений. Моррис Луис был важным пионером в продвинутой картине «Колорфилд», его работа может служить мостом между абстрактным экспрессионизмом, живописью «Колорфилд» и «Минимальным искусством». Два влиятельных учителя, Йозеф Альберс и Ханс Хофманн, представили новое поколение американских художников своим передовым теориям цвета и пространства. Альберса лучше всего помнят за его работу в качестве геометрического художника-абстракциониста и теоретика. Самыми известными из них являются сотни картин и гравюр, которые составляют серию Homage на площадь. В этой строгой серии, начатой в 1949 году, Альберс исследовал хроматические взаимодействия с плоскими цветными квадратами, расположенными концентрично на холсте. Теории Альберса по искусству и образованию были сформированы для следующего поколения художников. Его собственные картины составляют основу как жесткой окраски, так и оп-арт.
Shaped canvas, Школа цвета в Вашингтоне, Абстрактный иллюзия, Лирическая абстракция
Цветная живопись окрашивалась в новое направление в американской живописи, вдали от абстрактного экспрессионизма. Связанный с пост-живописной абстракцией, супрематизмом, абстрактным экспрессионизмом, жесткой краской и лирической абстракцией, цветовое живопись стремилось избавить искусство от излишней риторики. Художники, такие как Клиффорд Все еще, Марк Ротко, Ханс Хофманн, Моррис Луис, Жюль Олицкий, Кеннет Ноланд, Хелен Франкенталер, Ларри Дзокс и другие, написанные с высоким артикулированным и психологическим использованием цвета. В целом эти художники устраняли узнаваемые образы. Некоторые художники ссылались на прошлое или настоящее искусство, но в целом картина окраски поля представляет абстракцию как самоцель. Преследуя это направление современного искусства, художники хотели представить каждую картину как единый, монолитный образ. Джин Дэвис вместе с Кеннетом Ноландом, Моррисом Луи и несколькими другими людьми был участником живописцев Шотландской школы цветов, которые начали создавать картины «Цвет поля» в Вашингтоне, округ Колумбия, в 1950-х и 1960-х годах, «Черный», «Серый», «Бит» — это крупная вертикальная полоса, типичный для работы Джин Дэвис.
Абстрактный иллюзия, монохромность, минимализм, постминимализм
Одним из первых художников, конкретно связанных с минимализмом, был Фрэнк Стелла, чьи ранние «полосатые» картины были освещены в шоу 1959 года «16 американцев», организованном Дороти Миллер в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Ширины полос в полосатых картинах Стеллы были не совсем субъективными, а определялись размерами пиломатериала, используемого для создания поддерживающего шасси, на котором растянулось полотно. В шоу-каталоге Карл Андре отметил: «Искусство исключает ненужное. Фрэнк Стелла счел нужным рисовать полоски. В его картине нет ничего другого». Эти редуктивные работы были резко контрастированы с наполненными энергией и, по-видимому, эмоционально заряженными картинами Виллема де Кунинга или Франца Клайн и больше склонялись к менее жестким колористическим картинам поля Барнетта Ньюмена и Марка Ротко.
Нео-экспрессионизм
В конце 1960-х годов абстрактный художник-экспрессионист Филипп Густон помог перейти от абстрактного экспрессионизма к неоремистизму в живописи, отказавшись от так называемой «чистой абстракции» абстрактного экспрессионизма в пользу более мультяшных визуализации различных персональных символов и объектов. Эти работы были вдохновляющими для нового поколения художников, заинтересованных в возрождении выразительных образов. Его картина «Живопись, курение, еда» — пример возвращения Густона к представлению.
В конце 1970-х и начале 1980-х годов было также возвращение к живописи, которое произошло почти одновременно в Италии, Германии, Франции и Великобритании. Эти движения назывались Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre, Neo-экспрессионизм, Лондонская школа, а в конце 80-х — Stuckists соответственно. Эти картины характеризовались большими форматами, свободной выразительной маркировкой, фигурацией, мифом и воображением. Все работы в этом жанре стали называть нео-экспрессионизмом.
Современная живопись в XXI веке
На протяжении XX века и в XXI веке, с появлением современных и постмодернистских форм искусства, различия между тем, что принято считать изобразительным искусством и низкими искусствами, начали исчезать, поскольку современное искусство продолжает оспаривать эти концепции, смешивая с популярной культурой.
Основная картина была отвергнута художниками эпохи постмодерна в пользу художественного плюрализма. По словам арт-критика Артура Данто, есть что-то вроде отношения, которое преобладает; «все происходит» и, следовательно, «ничего не происходит» синдрома; это создает эстетическую пробку без твердого и четкого направления и с каждой полосой на художественной супермагистрали, заполненной до мощности.