西洋絵画の歴史は、古代から現代まで、崩壊した連続的な伝統を表しています。 19世紀半ばまでは、表現主義的な古典的な生産形態に主に関わっていました。その後、より現代的で抽象的で概念的な形態が好意的になりました。
西洋絵画の発展は、歴史的に東洋絵画のものとほぼ平行していた。 アフリカの芸術、イスラム美術、インドの芸術、中国の芸術、日本の芸術はそれぞれ西洋美術に大きな影響を与え、その逆もありました。
当初は皇室、民間、市民、宗教の後援を受け、西洋画は後に貴族や中産階級の観客を見つけました。 中世からルネッサンスの画家まで、教会や裕福な貴族たちのために働いていました。 バロック時代の初めから、芸術家はより教育を受け、繁栄した中産階級から民間委託を受けました。 「芸術のための芸術」の考え方は、Francisco de Goya、John Constable、JMW Turnerのようなロマンチックな画家の作品の中で表現を見つけるようになりました。 19世紀には、商業ギャラリーが設立され、20世紀には後援を続けました。
西洋絵画は、ルネサンス時にヨーロッパの天頂に達しました。絵画の洗練、野心的な建築、タペストリー、ステンドグラス、彫刻、印刷機の出現前後の時期に関連しています。 発見の深さと、ルネサンスの革新の複雑さに追随して、バロックから現代美術までの西洋絵画の豊かな伝承。 絵画の歴史は21世紀にも続いています。
前歴
絵画の歴史は、時代遅れの人間からの人工物にまで及んでおり、すべての文化にまたがります。 最も古い知られている絵画は、フランスのグロッテ・ショーヴェにあり、いくつかの歴史家によって約32,000歳と主張されています。 彼らは彫刻され、赤い黄色と黒色の顔料を使用して描かれ、馬、サイ、ライオン、水牛、マンモス、または人間が頻繁に狩りをしています。 フランス、インド、スペイン、ポルトガル、中国、オーストラリアなど、世界各地の洞窟の絵画の例があります。絵画が見つかった多くの場所に共通のテーマがたくさんあります。 画像を作り出した可能性のあるインパルスの目的と類似性の普遍性を暗示しています。 これらの絵画が作った人々の意味については、さまざまな推測がなされています。 先史時代の男性は、動物を描いて魂や精神を「捕まえて」より簡単に狩ることができます。絵画はアニミズムのビジョンを表し、周囲の自然に敬意を表したり、表現の基本的な必要性の結果かもしれません。彼らのサークルのメンバーからのアーティストや関連物語の人生経験を記録したものであってもよい。
西洋画
エジプト、ギリシャ、ローマ
建築と彫刻の強い伝統を持つ文明である古代エジプトは、寺院や建物に多くの壁画を持ち、パピルス写本のイラストを描きました。 エジプトの壁画や装飾画は、しばしばグラフィックであり、時には現実的なものよりも象徴的です。 エジプトの絵画は、対称性が一定の特性である大胆な輪郭と平らなシルエットで描かれています。 エジプトの絵画は、エジプトの象形文字と呼ばれる文章と密接に関連しています。 ペイントされたシンボルは、書かれた言語の最初の形式の中にあります。 エジプト人はまたリネンを塗りました。その残骸は今日生き残りました。 古代エジプトの絵画は非常に乾燥した気候のために生き延びた。 古代エジプト人は故人の死後の生活を楽しい場所にするために絵を描きました。 テーマには、アフターワールドを通る旅や死神を地底の神々に紹介する保護的な神々が含まれていました。 そのような絵画のいくつかの例は、神々とRa、Horus、Anubis、Nut、OsirisとIsisの絵です。 いくつかの墓絵は、死者が生きていて、永遠に行うことを続けたいと思ったときの活動を示しています。 新王国以降、死者の本は埋葬された人に葬られました。 それは死後生活の導入にとって重要と考えられていました。
中世
キリスト教の台頭は、スタイルを描くのとは異なる精神と目標を与えました。 ビザンチン芸術は、そのスタイルが6世紀に確立されれば、伝統的な絵画とスタイルを保持することに重点を置いており、千年のビザンチン帝国時代やギリシアとロシア正教会の絵画の生きた伝統のなかで徐々に進化しました。 ビザンティンの絵画は神秘的な感覚を持ち、アイコンはまだ神の啓示を表しています。 フレスコ画はたくさんありましたが、モザイクよりも少ないフレスコ画が残りました。 ビザンチンの芸術は、現代の抽象化と、その平面性と高度な様式化された人物像の描写と比較されてきた。 ビザンチン芸術のいくつかの期間、特に10世紀頃のいわゆるマケドニア美術は、アプローチにおいてより柔軟性があります。 14世紀初頭の古代ローマのルネッサンス時代のフレスコ画は、イスタンブールのコーラ教会で生き残っています。
ルネッサンスとマンネリズム
14世紀から17世紀にかけての文化運動であるルネサンス（「再生」のためのフランス語）は、ヨーロッパの知的・芸術的生活に大きな影響を与えた古典的な情報源の研究と科学の進歩を告げた。 低国、特に現代フランダースでは、15世紀初めに新しい絵画が確立されました。 写本の照明、特にLimbourg Brothersの照明の進展の足跡で、芸術家は目に見える世界で具体的なものに魅了され、非常に自然主義的な方法で物体を表現し始めました。 伝統的に発明された油絵の採用は間違いなく、ヤン・ファン・アイクに信用され、この自然主義を描写する上で新しい妥当性が可能になりました。 オイルペイントの媒体はすでにMelchior Broederlamの作品に存在していましたが、Jan van EyckやRobert Campinのような画家たちは、その使用を新たな高さに持ち込み、彼らが目指していた自然主義を表現するために使用しました。 この新しいメディアで、この時期の画家たちは深みのある濃い色調で豊かな色を作り出すことができました。
初期のオランダの絵を特徴づけた磁器のような仕上げの輝く光の幻想は、イタリアで使用されている温度塗料のマット面と大きな違いでした。 古代ギリシャとローマの芸術から大きく派生したイタリア人とは違って、北部の人々は彫刻の文言的な残差を残し、中世の写本（特にその自然主義）を残しました。 この時期の最も重要なアーティストは、初期のネザーランドの画家やフランダースのプリミティヴとして知られているアーティストの作品の中で、最も画期的なアーティストであるJan van Eyck（現代のフランダースの都市では多くのアーティストが活動していたので）です。 この時代の最初の画家はフレマールのマスターであり、現在はロバート・キャンピン（Robert Campin）と呼ばれており、国際ゴシックの芸術に従っています。 この時期のもう一つの重要な画家は、15世紀の最も有名な作品の中で最も重要な作品の一つであり、最も影響力のあるイエス・キリストの絵画である、「十字架からの降下」で示された、人の感情とドラマを強調する作曲家ロジェ・ファン・デル・ヴァイデンです。磔刑。 この期間の他の重要なアーティストは、Hugo van der Goes（その作品はイタリアで非常に影響力があった）、Dieric Bouts（Petry Christus、Hans Memling、Gerard Davidの1人の消失点の使用を示す最初の北部の画家でした） 。
バロックとロココ
バロック絵画は、バロック様式の文化運動、アブソルート主義や反改革やカトリックの復活によって頻繁に特定される運動と関連している。 しかし、非絶対主義国家とプロテスタント国家における重要なバロック絵画の存在は、西ヨーロッパ全体に広がったスタイルとして、その人気を強調している。
バロック絵は素晴らしいドラマ、豊かで深い色、強烈な明暗の影が特徴です。 バロック様式のアートは、ルネッサンス時代に賞賛されていた穏やかな合理性の代わりに、感情と情熱を呼び起こすことを意図していました。 1600年頃から17世紀にかけての絵画は、バロック様式の絵画です。 バロックの最も画家の中には、Caravaggio、Rembrandt、Frans Hals、Rubens、Velázquez、Poussin、Johannes Vermeerがあります。 Caravaggioは、ルネッサンス時代のヒューマニストの絵画の継承者です。 人生への彼の現実的なアプローチは、人生から直接描かれ、暗い背景に劇的にスポットを当て、彼の時代に衝撃を与え、絵画の歴史の中で新たな章を開いた。 バロック絵は、光の効果を使ってシーンを劇的に描くことがよくあります。 これはRembrandt、Vermeer、Le Nain、La Tour、Jusepe de Riberaの作品で見ることができます。
18世紀の間に、ロココはバロックの軽い延長として、しばしば軽薄でエロティックなものとなった。 ロココはフランスの装飾芸術とインテリアデザインで最初に開発されました。 ルイ15世の継承は、裁判所のアーティストと一般的な芸術的なファッションに変化をもたらしました。 1730年代は、アントワーヌ・ワトーとフランソワ・ブーシェの作品に代表される、フランスにおけるロココの発展の高さを表していました。 ロココは複雑な形や複雑なパターンのためにバロック様式の味を維持しましたが、この時点では、オリエンタルデザインの味や非対称なコンポジションなど、様々な多様な特徴を取り入れ始めました。
ロココ様式はフランスの芸術家や刻まれた出版物に広がっています。 それはドイツ、ボヘミア、オーストリアのカトリック教徒の部分で容易に受け入れられました。そこでは活気のあるドイツのバロック様式の伝統と併合されました。 ドイツのロココは、特に南部の教会や宮殿に熱狂的に適用され、Frederician Rococoはプロイセン王国で発展しました。
19世紀：
ロココの後、18世紀後半に建築が始まり、ひどい新古典主義が描かれました。デイヴィッドと彼の後継者、アングレのような芸術家によって最もよく表現されています。 イングレスの作品にはすでに官能性の多くが含まれていますが、ロマン主義を特徴付ける自発性はありません。
21世紀半ばにリアリズムに向かう主な力は、ギュスターヴ・クールベット（Gustave Courbet）でした。ギュスターヴ・クールベットは、普通の人々の絵画が、従来の主題に慣れていて、学術の芸術を舐めていたが、多くの若いアーティストにインスピレーションを与えました。 Barbizon Schoolの画家Jean-FrançoisMilletも農家の風景や風景を描きました。 バルビゾンの学校には、ロマンチックで現実的な静脈の両方で描かれたカミーユ・コロットがあります。 Johan JongkindとEugèneBoudin（野外で絵を描く最初のフランスの風景画家の一人）の絵と同様に、彼の作品は印象派を予感させる。 ブーダンは若いクロード・モネ（Claude Monet）に重要な影響を与えました。クロード・モネは1857年に空中ペインティングを導入しました。
Édouard Manet、Claude Monet、Pierre-Auguste Renoir、Camille Pissarro、Alfred Sisley、Berthe Morisot、Mary Cassatt、Edgar Degasなどの印象派は以前に公に展示されていたよりも直接的なアプローチを取っていました。 彼らは現代世界に対する個別化された反応を支持して、寓話と物語を避けた。時には、予備研究がほとんどまたは全くなく、描画の巧みさと非常に色彩の強いパレットに頼った。 モネ、ピサロ、シスレーは、景色を主要なモチーフとして使用し、光と天気の過渡期が仕事に大きな役割を果たしました。 20世紀半ばまでに人気が高まった習慣に続いて、彼らは屋外で絵を描くために一緒に田舎に集まりましたが、スタジオで慎重に完成された作品にスケッチを展開する伝統的な目的のためではありませんでした。 自然から直接日光に当てて、世紀の初めから利用可能になった鮮やかな合成顔料を大胆に使用することによって、彼らはより明るく明るい絵を描きました。
PaulCézanneや若干若いVincent van Gogh、Paul Gauguin、Georges-Pierre Seuratのようなポスト印象派は、アートをモダニズムの端に導いた。 ゴーギャンのために印象派は個人的な象徴に道を譲った。 Seuratは、印象派の壊れた色を、フリーズのような構成で構造化された科学的な光学的な研究に変えました。 彼が開発した分割技術と呼ばれる塗装技術は、ポール・シニャック（Paul Signac）のような多くの信者を引き付け、1880年代後半にピサロはその手法のいくつかを採用しました。 ヴァン・ゴッホの絵の具を使った乱暴な方法は、色彩の巧みな使用と相まって、表現主義とフォービズム、そして自然の形の革命的な抽象化を伴って古典的な構図を統一しようとしているセザンヌは、20世紀の芸術の先駆けと見なされるだろう。
19世紀後半には、いくつかの、まったく異なる、象徴主義画家のグループもあったが、その作品は20世紀の若い芸術家、特にファウィストとシュルレアリスムと共鳴した。 その中には、ギュスターヴ・モロー、オディロン・レドン、シャンバネス・ピエール、アンリ・ファンティン・ラトゥール、アーノルド・ベックリン、フェルディナンド・ホドラー、エドヴァルド・ムンク、フェリエリエン・ロプス、ジャン・トーロップ、グスタフ・クリムト、ロシアの象徴者ミハイル・ヴュルベルなどがあった。
シンボリストの画家たちは、神話と夢のイメージを掘り起こして魂の視覚的言語を求め、静寂な静寂の世界を思い起こさせる絵画を探し求めました。 象徴主義で使われているシンボルは、主流の象徴の慣れ親しんだ象徴ではなく、個人的、個人的、曖昧かつあいまいである。 現代のアールヌーヴォー運動とレナビスに影響を与えたのは、実際の芸術スタイルよりも象徴的な画家たちでした。 夢のような主題の探究では、象徴画家は何世紀にもわたって文化があります。 Bernard DelvailleはRenéMagritteのシュルレアリスムを「記号学とフロイト」と表現しています。
20世紀
ヴァンゴッホ、セザンヌ、ゴーギャン、シーラートなどの画家の遺産は、現代美術の発展にとって不可欠でした。 20世紀初めに、アンリ・マティスと他の若手アーティスト、ジョルジュ・ブラーケ、アンドレ・デラン、ラウル・デュフィ、モーリス・デ・フラマックなどの若手アーティストたちは、「野生の」多色の表情豊かな風景やフィギュアの絵画を使ってパリのアート界に革命を起こしました批評家がフォービズムと呼んでいた。 アンリ・マティスのダンスの第2版は、彼のキャリアと現代絵画の発展における重要なポイントである。 これはマティスの初期の芸術に対する初期の魅力を反映しています。涼しい青緑色の背景に対する激しい暖色とダンスのヌードのリズミカルな連続は感情的な解放と快楽主義の感情を伝えます。 パブロ・ピカソはセザンヌの思想に基づいて、キューブ、球、円錐の3つの立体にすべての描写を還元することができる最初の立方体の絵を作った。 絵画Les Demoiselles d’Avignon（1907）で、ピカソは5人の売春婦、女性を激しく描写したアフリカの部族のマスクと彼自身のキュビズムの発明を連想させる売春婦のシーンを描写した新しく画期的な絵を描きました。 キュービズムは、パブロ・ピカソとジョルジュ・ブレーク（1910年パリ）のバイオリンと蝋燭が展示されています。 キュービズムの最初の明確な表現は、Braque、Picasso、Jean Metzinger、Albert Gleizes、FernandLéger、Henri Le Fauconnier、Robert Delaunayによって実践されました。 Juan Gris、Marcel Duchamp、Alexander Archipenko、Joseph Csakyなどがすぐに加わりました。 BraqueとPicassoで実践されている合成キュービズムは、異なるテクスチャ、サーフェス、コラージュ要素、パープル・コレー、およびさまざまなマージされた主題の導入によって特徴付けられます。
Fauvism、Der Blaue Reiter、DieBrücke
フォービズムは、絵画的な質を重視した作品を描いた20世紀初頭の芸術家たちのゆるやかな集団であり、表象的な価値観に対する深い色彩の想像力豊かな使用でした。 この動きの指導者はアンリ・マティスとアンドレ・デランの友好的なライバルだった。 結局、マティスは20世紀にピカソの陰の陽となった。 Fauvistの画家には、アルバート・マーケ、チャールズ・カモワン、モーリス・デ・ビラミンク、ラウル・デュフィ、オットン・フリッツ、オランダの画家Kees van Dongen、ピカソのキュービズムのパートナー、Georges Braqueなどがいます。
表現主義、象徴主義、アメリカのモダニズム、バウハウス
表現主義と象徴主義は、西ヨーロッパ、東ヨーロッパ、北欧で造られたアヴァンギャルドな芸術の大部分を支配していた20世紀の絵画におけるいくつかの関連する動きを含む広範な儀式である。 表現主義の作品は、主にフランス、ドイツ、ノルウェー、ロシア、ベルギー、オーストリアの第一次世界大戦と第二次世界大戦の間に描かれました。 Fauvism、DieBrücke、Der Blaue Reiterは、表現主義者と象徴主義者の最もよく知られたグループの3つです。 Marc Chagallの絵IとThe Villageは、アーティストと彼の起源との関係を、芸術的象徴論の辞書で調べる自伝的な物語を語っている。 Gustav Klimt、Egon Schiele、Edvard Munch、Emil Nolde、Chaim Soutine、James Ensor、Oskar Kokoschka、Ernst Ludwig Kirchner、Max Beckmann、Franz Marc、Georges Rouault、Amedeo Modigliani、海外のMarsden HartleyやStuart Davisなど影響力のある表現主義画家と考えられている。 アルベルト・ジャコメッティは主にシュルレアリスムの彫刻家と考えられていましたが、表現主義の強い絵画も作っていました。
抽象化のパイオニア
ワシリー・カンディンスキーは、近代抽象美術の最初の重要な画家の一人とみなされています。 初期の近代主義者として、彼は現代のオカルト主義者や神秘主義者のように純粋な視覚的抽象化が音と音楽との相反する振動を持っていたと理論化した。 彼らは、純粋な抽象化が純粋な精神性を表現できると主張した。 彼の最も初期の抽象は、作曲家の作品に関連して作曲VIIの例として一般的にタイトルが付けられていた。 カンディンスキーは、抽象芸術に関する彼の多くの理論を、芸術における霊性についての本で取り上げた。 初期の抽象化の他の主要な先駆者には、スウェーデンの画家、ヒルマ・アフ・クリント、ロシアの画家、カジミール・マーレヴィッチ、スイスの画家、ポール・クレーが含まれる。 ロバート・ドローネーは、純粋抽象とキュービズムの関係を連想させるオーフィズムに関連したフランスのアーティストでした。 抽象画への彼の主な貢献は、彼の大胆な色の使用と、深みと色調の両方の実験を参照しています。
ダダとシュールレアリスム
マルセル・デュシャン（Marcel Duchamp）は、1913年にニューヨーク市の兵器ショーを機にヌード降順の階段が原因となった国際的な注目を集めました。 彼はその後、彼女の学士号、偶数、大型ガラスによってBride Stripped Bareを作りました。 大きなガラスは、絵画の芸術を、部分絵画、部分コラージュ、部分制作という根本的な新しい限界に押しやった。 デュシャン（すぐにチェスの芸術を放棄した者）は、第一次世界大戦中にスイスのチューリッヒで始まったダダ運動と密接に関連し、1916年から1920年にかけてピークに達した。この動きは、視覚芸術、文学（詩、芸術理論）、劇場、グラフィックデザインを駆使して、反戦的な政治を進め、反美術文化を通じた芸術における支配的基準を拒絶する。 ダダ運動に関連する他のアーティストには、フランシス・ピカビア、マン・レイ、クルト・シュビター、ハンナ・ホック、トリスタン・ツザラ、ハンス・リヒター、ジャン・アルプ、ソフィー・テューバー・アルプが含まれる。 DuchampといくつかのDadaistsはまた、1920年代と1930年代にヨーロッパの絵画を支配したシュルレアリスムと関連しています。
Neue Sachlichkeit、社会的リアリズム、地域主義、アメリカンシーンの絵画、象徴主義
1920年代、1930年代、大恐慌時代には、シュルレアリスム、キュービズム、バウハウス、デ・スティール、ダダ、ノイエ・サクリッチキット、表現主義が特徴となったヨーロッパの美術シーンが特徴的でした。 Henri MatisseやPierre Bonnardのような傑出したモダニズムの色彩画家が占めていました。
抽象表現主義
ニューヨーク市の1940年代は、Hans HofmannやJohn D. Grahamのようなアメリカの偉大な教師を通じて、ヨーロッパ近代主義者たちから学んだ教訓を組み合わせた運動であるアメリカ抽象表現主義の勝利を告げました。 アメリカのアーティストはPiet Mondrian、FernandLéger、Max Ernst、AndréBretonグループ、Pierre Matisseのギャラリー、Peggy GuggenheimのギャラリーThe Century of The Centuryなどの存在によって恩恵を受けました。
リアリズム、風景、海景、人物、静物、都市景観
1930年代から1960年代にかけて、アメリカとヨーロッパの抽象絵画は、抽象表現主義、カラーフィールド絵画、ポスト絵画抽象画、Opアート、ハードエッジ絵画、ミニマルアート、キャンバス絵画、Lyrical Abstractionなどの動きに進化しました。 他の芸術家たちは、1950年代のベイエリア造形運動や1940年代から1960年代にかけての表現主義のような様々な新しい文脈を通して、イメージが引き続き抽象化する傾向に反応して反応しました。 20世紀を通じて、多くの画家が現実主義を実践し、現代的な主題を用いた風景や比喩的な絵画で表現力豊かなイメージを使用しました。 ミルトン・エイヴリー、ジョン・グラハム、フェアフィールド・ポーター、エドワード・ホッパー、アンドリュー・ワイエス、バルスタース、フランシス・ベーコン、フランク・アウエルバッハ、ルシアン・フロイト、レオン・コソフ、フィリップ・パールスタイン、ウィレム・ド・クーニング、アルシール・ゴーキー、グレース・ハーティガン、ロバート・デ・ニーロ、シニア、エレイン・デ・クーニング。
ポップアート
1920年代と1930年代のジェラルド・マーフィー、スチュアート・デイヴィス、チャールズ・デムスの絵がポップのスタイルと主題を象徴しているが、アメリカのポップ・アートは、当初、ジャスパー・ジョンズ、ラリー・リバーズ、ロバート・ラッセンベルグの作品に大きな影響を受けたアート。
アート・ブリュット、ニュー・リアリズム、ベイエリア造形運動、ネオ・ダダ、フォトリアリズム
1950年代と1960年代にかけて、アメリカとヨーロッパの抽象画として、カラーフィールド絵画、ポスト絵画抽象画、Opアート、ハードエッジ絵画、ミニマルアート、キャンバスペインティング、Lyrical Abstraction、抽象表現主義の継続などの進化を遂げました。 Jean Dubuffet、Fluxus、Neo-Dada、New Realism、PhotorealismによるCourt les rues、1962年に見られるように、アート・ブリュットによる抽象化への反応として反応した他のアーティストは、イメージを次のような様々な新しいコンテキストで再現できるようにしましたポップアート、ベイエリア造形運動（一番の例は、Diebenkorn’s Cityscape I（景観No.1）（1963）、そして1970年代の新表現主義の後半）David Park、Elmer Bischoff、NathanのBay Area Figurative Movement OliveiraとRichard Diebenkornの絵画「Cityscape 1」（1963）は典型的な例であり、カリフォルニアの1950年代と1960年代の間に影響力のあるメンバーが栄えた。若い画家たちは新しく根本的な方法でイメージの使用を実践した。 、ニキ・デ・サン・ファール、デヴィッド・ホックニー、アレックス・カッツ、マルコム・モルレー、ラルフ・ゴーイング、オードリー・フラック、リチャード・エステス、チャック・クローズ、スーザン・ローゼンバーグ、エリック・フィッシュル、ヴィジャ・セルマンズなどが1960年代から1980年代にかけて著名人となった。 ポーターは主に独学で表現され、抽象表現主義運動の真っ只中に表現主義的作品を生み出した。 彼の主題は、主に風景、家庭内装、家族、友人、仲間の肖像画でした。
幾何学的抽象化、Opアート、ハードエッジ、カラーフィールド、最小限のアート、新しいリアリズム
1960年代から1970年代にかけて、さまざまなスタイルでアメリカで抽象絵画が発展し続けました。 幾何学的抽象化、Opアート、ハードエッジペインティング、カラーフィールドペインティング、最小絵画は、高度な抽象画のためのいくつかの相互に関連した方向性と他の新しい動きでした。 モリス・ルイスは、高度なカラーフィールド・ペインティングの重要なパイオニアであり、彼の作品は抽象表現主義、カラーフィールド・ペインティング、ミニマル・アートの橋渡し役を果たします。 2人の影響力のある教師、Josef AlbersとHans Hofmannは、色と空間の高度な理論に新しい世代のアメリカ人アーティストを紹介しました。 Albersは、幾何学的抽象画家の画家と理論家としての彼の作品のために最もよく記憶されています。 最も有名なのは、Square to Homageを構成する数百点の絵画と版画です。 1949年に始まったこの厳密なシリーズでは、Albersはキャンバスに同心円状に配置された平らな色の四角形との色彩的な相互作用を探求しました。 アートと教育に関するアルバースの理論は、次世代のアーティストのために形成されました。 彼自身の絵は、ハードエッジ絵画とOpアートの両方の基礎を形成する。
シェイプされたキャンバス、ワシントンカラースクール、抽象幻想、叙情的な抽象化
カラー・フィールド・ペインティングは抽象表現主義から離れたアメリカの絵画の新しい方向を指していました。 絵画的な抽象化、超主義、抽象表現主義、ハードエッジ絵画、叙情的な抽象化に関連して、カラーフィールド絵画は余分な修辞学の芸術を取り除こうとした。 クリフォード・スティル、マーク・ロスコ、ハンス・ホフマン、モリス・ルイス、ジュール・オリツキー、ケネス・ノランド、ヘレン・フランケンタラー、ラリー・ゾックスなどのアーティストは、色彩をよく表現し心理的に使いこなしています。 一般に、これらのアーティストは認識可能な画像を排除しました。 特定のアーティストは過去または現在のアートを参照していましたが、一般的にカラーフィールドペインティングでは抽象化自体が終わりとなりました。 この近代芸術の方向性を追求するにあたり、各絵画は一つの凝集したモノリシックなイメージとして提示することを望んでいました。 ジーン・デイヴィス、ケネス・ノランド、モリス・ルイスなど数人は、ワシントン・カラー・スクールの画家の一人で、1950年代から1960年代にかけてワシントンDCでカラー・フィールドの絵画を制作し始めた。黒、灰色、ビートは大きな縦縞Gene Davisの仕事の典型です。
抽象幻想、モノクロ、ミニマリズム、ポストミニマリズム
Minimalismに関連した最初のアーティストの1人はフランク・ステラでした。フランク・ステラはニューヨークの近代美術館でドロシー・ミラーが企画した1959年のショー “16人のアメリカ人”の初期の “ストライプ”絵画です。 ステラのストライプ絵画のストライプの幅は完全に主観的ではありませんでしたが、キャンバスが引き伸ばされた支持シャーシを構築するために使用された木材の寸法によって決定されました。 ショーのカタログでは、Carl Andreは「アートは不要なものを除外しています。フランク・ステラはストライプを描く必要があることを発見しました。 これらの還元的な作品は、エネルギーが満たされたウィレム・デ・クーニングやフランツ・クラインの絵画とは対照的であり、バーネット・ニューマンとマーク・ロスコの芸術的ではない芸術的な色彩の絵画に向かっています。
新表現主義
1960年代後半、抽象表現主義者のフィリップ・ガストンは抽象表現主義から絵画の新表現主義への移行を助け、抽象的な表現主義のいわゆる「純粋抽象」を放棄し、さまざまな個人的なシンボルや物のより漫画的な表現を支持した。 これらの作品は、表情豊かなイメージを復活させることに関心を持った新世代の画家にインスピレーションを与えました。 絵画、喫煙、食べる彼の絵画は、表現へのグーストンの復帰の例です。
1970年代後半から1980年代初めにかけて、イタリア、ドイツ、フランス、英国でほぼ同時に発生した絵画への復帰もありました。 これらの動きはTransavantguardia、Neue Wilde、Figuration Libre、Neo-expressionism、ロンドンの学校、80年代後半のStuckistsと呼ばれていました。 これらの絵画は、大きな書式、自由な表現的な表記、形象、神話と想像力によって特徴づけられました。 このジャンルのすべての作品は、新表現主義と名付けられました。
21世紀への現代絵画
20世紀から21世紀にかけて、モダン・ポストモダンの芸術形態の出現とともに、現代のハイ・アートがミキシングによってこれらのコンセプトに引き続き取り組むにつれて、一般にファイン・アーツと低芸術と見なされるものの区別が消え始めました人気のある文化を持つ。
主流の絵画は、芸術的多元主義に有利なポストモダン時代の芸術家によって拒否されました。 美術評論家のArthur Dantoによると、何かが勝つ姿勢がある。 「すべてが進行している」、そして結果として「何も起こっていない」シンドローム。 確かな方向性がなく、芸術的なスーパーハイウェーのすべての車線が容量に満ちた美しい渋滞を作り出します。