西方绘画（Western painting）的历史代表了一种从古代到现在的连续但破坏的传统。 直到19世纪中叶，它主要关注代表性和经典的生产方式，在此之后，更多的现代，抽象和概念形式受到青睐。
西方绘画的发展历史上与东方绘画的发展相似，在最近几个世纪，非洲艺术，伊斯兰艺术，印度艺术，中国艺术和日本艺术都对西方艺术产生了重大影响，反之亦然。
西方绘画最初服务于帝国，私人，公民和宗教的赞助，后来在贵族和中产阶级中找到了观众。 从中世纪到文艺复兴时期，画家为教会和富裕的贵族工作。 从巴洛克时代开始，艺术家们从一个受过更多教育和繁荣的中产阶级获得私人佣金。 “为艺术而艺术”的想法开始在弗朗西斯科·德·戈雅，约翰·康斯特布尔和JMW特纳等浪漫主义画家的作品中得到体现。 在19世纪，商业画廊成立并继续在20世纪提供赞助。
在文艺复兴时期，西方绘画在欧洲达到了顶峰，与绘画的精致，透视的使用，雄心勃勃的建筑，挂毯，彩色玻璃，雕塑以及印刷机出现之前和之后的时期相结合。 随着文艺复兴的发现深度和创新的复杂性，西方绘画的丰富遗产（从巴洛克到当代艺术）。 绘画的历史一直延续到21世纪。
史前绘画
绘画的历史可以追溯到史前人类的文物，并涵盖所有文化。 已知最古老的绘画作品在法国的Grotte Chauvet，据一些历史学家称，它们的年龄约为32,000年。 它们使用红赭石和黑色颜料进行雕刻和涂漆，并展示马匹，犀牛，狮子，水牛，猛犸象或人类经常狩猎。 世界各地都有洞穴壁画的例子 – 法国，印度，西班牙，葡萄牙，中国，澳大利亚等。在许多不同的地方有许多共同的主题，这些画作已被发现; 意味着可能产生图像的冲动的目的和相似性的普遍性。 关于这些绘画对制作它们的人的意义，已经进行了各种猜想。 史前人类可能会画动物以“捕捉”他们的灵魂或灵魂，以便更容易地捕捉它们，或者绘画可能代表了一种万物有灵的视觉和对周围自然的敬意，或者它们可能是基本需要表达的结果，与人类息息相关，或者他们可能记录了艺术家的生活经历以及他们圈子成员的相关故事。
西方绘画
埃及，希腊和罗马
古埃及是一个具有浓厚建筑和雕塑传统的文明（最初都是用鲜艳的颜色绘制而成），在寺庙和建筑物中有许多壁画，在纸莎草纸手稿上有彩绘插图。 埃及壁画和装饰画通常是图形的，有时比现实更具象征意义。 埃及绘画以粗体轮廓和平面轮廓描绘人物，其中对称性是一个恒定的特征。 埃及绘画与其书面语言（称为埃及象形文字）密切相关。 在第一种形式的书面语言中可以找到彩绘符号。 埃及人也在亚麻上绘画，其中的残余物今天仍存活下来。 由于气候极度干燥，古埃及绘画幸存下来。 古埃及人创造了绘画，使死者的来世成为一个愉快的地方。 主题包括穿越后世界或他们的保护神灵将死者介绍给黑社会的众神。 这些绘画的一些例子是神和女神Ra，荷鲁斯，阿努比斯，坚果，奥西里斯和伊希斯的绘画。 一些墓葬画展示了死者在活着时所参与的活动，并希望继续做永生。 在新王国和后来，死者之书被埋葬的人埋葬了。 对于来世的介绍被认为是重要的。
中世纪
基督教的兴起赋予了不同的精神，并以绘画风格为目标。 拜占庭艺术，一旦其风格建立于公元6世纪，就非常注重保留传统的图像和风格，并在拜占庭帝国的千年和希腊和俄罗斯东正教图标画的生活传统中逐渐演变。 拜占庭绘画有一种神圣的感觉，图标仍然被视为神圣启示的代表。 有许多壁画，但这些壁画比马赛克更少。 拜占庭艺术被比作当代抽象，其平面性和高度风格化的人物和风景描绘。 拜占庭艺术的某些时期，特别是10世纪左右的所谓马其顿艺术，在方法上更加灵活。 14世纪初的Palaeologian文艺复兴时期的壁画在伊斯坦布尔的Chora教堂中幸存下来。
文艺复兴与矫饰主义
文艺复兴时期（法语意思“重生”），一个大致跨越14世纪到17世纪中叶的文化运动，预示着对古典资源的研究，以及深刻影响欧洲知识和艺术生活的科学进步。 在低地国家，特别是在现代佛兰德斯，一种新的绘画方式建立于15世纪初。 随着手稿照明的发展，尤其是林堡兄弟的发展，艺术家们对可见世界中的有形物体着迷，并开始以极其自然的方式呈现物体。 采用油画，其发明传统上，但错误地，归功于Jan van Eyck，使得描绘这种自然主义成为可能的新的真实性。 油画的媒介已经出现在Melchior Broederlam的作品中，但像Jan van Eyck和Robert Campin这样的画家将它的使用带到了新的高度，并用它来代表他们的目标自然主义。 借助这种新媒体，这一时期的画家能够创造出色彩丰富，色调浓厚的色彩。
具有瓷质饰面的发光光线的幻觉描绘了早期的荷兰画，并且是意大利使用的蛋彩画颜料的哑光表面的主要差异。 与意大利人不同，他们的作品大量借鉴了古希腊和罗马的艺术，北方人保留了雕塑的风格残余和中世纪的照明手稿（特别是其自然主义）。 这一时期最重要的艺术家是Jan van Eyck，他的作品是现在被称为早期荷兰画家或弗拉芒诗歌的艺术家们制作的最好的作品（因为大多数艺术家活跃在现代佛兰德斯的城市）。 这一时期的第一位画家是Flémalle大师，现在被称为Robert Campin，他的作品遵循国际哥特式艺术。 这一时期的另一位重要画家是罗吉尔·范德威登（Rogier van der Weyden），他的作品强调了人类的情感和戏剧，例如他的十字架下降，这是15世纪最着名的作品之一，也是最具影响力的荷兰基督绘画。受难。 这一时期的其他重要艺术家是Hugo van der Goes（他的作品在意大利极具影响力），Dieric Bouts（他是第一批展示使用单一消失点的北方画家之一），Petrus Christus，Hans Memling和Gerard David 。
巴洛克和洛可可
巴洛克式的绘画与巴洛克式的文化运动有关，这种运动经常被认为是绝对主义和反宗教改革或天主教复兴; 然而，非绝对主义和新教国家中重要的巴洛克绘画的存在也强调了它的受欢迎程度，因为这种风格在整个西欧传播。
巴洛克绘画的特点是戏剧性，丰富，深沉的色彩，以及强烈的明暗阴影。 巴洛克艺术旨在唤起情感和激情，而不是文艺复兴时期所珍视的冷静理性。 在1600年左右开始并持续整个17世纪，绘画的特点是巴洛克风格。 巴洛克最伟大的画家包括Caravaggio，Rembrandt，Frans Hals，Rubens，Velázquez，Poussin和Johannes Vermeer。 卡拉瓦乔是高文艺复兴时期人文主义绘画的继承人。 他对人类形象的现实态度，直接从生活中描绘出来，并在黑暗的背景下戏剧性地点亮，震惊了他的同时代人，并开启了绘画史上的新篇章。 巴洛克绘画经常使用灯光效果戏剧化场景; 这可以在Rembrandt，Vermeer，Le Nain，La Tour和Jusepe de Ribera的作品中看到。
在18世纪，洛可可作为巴洛克风格的延伸，经常是轻浮和色情。 洛可可在法国的装饰艺术和室内设计方面首创。 路易十五的继承带来了宫廷艺术家和一般艺术时尚的变化。 1730年代代表了法国洛可可式发展的高度，以Antoine Watteau和FrançoisBoucher的作品为例。 洛可可仍然保留了复杂形状和复杂图案的巴洛克风味，但到了这一点，它已经开始融合各种各样的特征，包括对东方设计和不对称成分的品味。
洛可可风格与法国艺术家和雕刻出版物共同传播。 在德国，波希米亚和奥地利的天主教地区，它很容易被接受，并与热闹的德国巴洛克传统融为一体。 德国洛可可热情地应用于教堂和宫殿，特别是在南部，而弗雷德里克洛可可则在普鲁士王国开发。
19世纪：
洛可可在18世纪晚期出现在建筑中，然后在绘画中表现出严肃的新古典主义，最好由大卫和他的继承人安格尔这样的艺术家代表。 安格尔的作品已经包含了大部分的感性，但没有任何自发性，这是浪漫主义的特征。
本世纪中叶转向现实主义的一个主要力量是古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet），其普通人的非理性绘画冒犯了习惯于传统主题和舔完学术艺术的观众，但激发了许多年轻艺术家的灵感。 领先的巴比松画派Jean-FrançoisMillet也画了农民生活的风景和场景。 与巴比松学校松散相关的是卡米尔·柯罗（Camille Corot），他画的既浪漫又现实; 他的作品预示着印象派，Johan Jongkind和EugèneBoudin（他是第一批在户外绘画的风景画家之一）的画作也是如此。 布丹对年轻的克劳德莫奈有着重要的影响，他于1857年开始介绍空气画。
在本世纪后半叶，ÉdouardManet，Claude Monet，Pierre-Auguste Renoir，Camille Pissarro，Alfred Sisley，Berthe Morisot，Mary Cassatt和Edgar Degas等印象派画家的工作方式比之前公开展出的更为直接。 他们避开了寓言和叙事，转而支持对现代世界的个性化反应，有时很少或根本没有预备性研究，依赖于绘画的灵巧和高度色彩的调色板。 Monet，Pissarro和Sisley将景观作为他们的主要主题，光和天气的短暂性在他们的工作中起着重要作用。 经过一个在本世纪中叶变得越来越受欢迎的实践，他们经常一起冒险进入乡村，在露天进行绘画，但不是为了将草图制作成工作室精心制作的作品的传统目的。 通过直接从自然界在阳光下进行绘画，并大胆使用自本世纪初以来可用的生动合成颜料，他们开发出更轻，更明亮的绘画方式。
像保罗塞尚和稍微年轻的文森特梵高，保罗高更和乔治 – 皮埃尔瑟拉这样的后印象主义者将艺术带到了现代主义的边缘。 对于高更印象派让位于个人象征主义。 Seurat将印象派的破碎色彩转化为科学的光学研究，以楣状构图为基础。 他开发的绘画技术，称为分裂主义，吸引了许多追随者，如保罗·西格纳克，并且在1880年代后期的几年里，毕沙罗采用了他的一些方法。 梵高汹涌的绘画应用方法，加上铿锵的色彩运用，预言表现主义和野兽派，以及希望将古典作品与革命抽象的自然形式结合起来的塞尚，将被视为20世纪艺术的先驱。
在19世纪后期，还有几个相当不同的象征主义画家群体，其作品与20世纪的年轻艺术家产生共鸣，尤其是野兽派和超现实主义者。 其中包括Gustave Moreau，Odilon Redon，Pierre Puvis de Chavannes，Henri Fantin-Latour，ArnoldBöcklin，Ferdinand Hodler，Edvard Munch，FélicienRops，Jan Toorop和Gustav Klimt，以及Mikhail Vrubel等俄罗斯象征主义者。
象征主义画家挖掘了神话中的神话和梦想图像，寻找灵魂的视觉语言，寻找让人联想到沉默的静态世界的令人回味的画作。 象征主义中使用的符号并不是主流图像学中常见的标志，而是强烈的个人，私人，模糊和含糊的参考。 象征主义画家更多的是哲学而非实际的艺术风格，影响了当代新艺术运动和Les Nabis。 在他们探索梦幻般的主题时，象征主义画家在几个世纪和文化中被发现，就像他们今天一样; Bernard Delvaille将RenéMagritte的超现实主义描述为“象征主义加弗洛伊德”。
20世纪
梵高，塞尚，高更和修拉等画家的遗产对于现代艺术的发展至关重要。 20世纪初，亨利·马蒂斯和其他几位年轻艺术家，包括前立体主义者乔治·布拉克，安德烈·德兰，拉乌尔·杜菲和莫里斯·德·弗拉明克，以“野性”，多色，富有表现力的风景和人物画，彻底改变了巴黎艺术世界。评论家们称之为野兽派。 Henri Matisse的第二版The Dance标志着他职业生涯和现代绘画发展的关键点。 它反映了马蒂斯对原始艺术的初步迷恋：对凉爽的蓝绿色背景的强烈温暖色彩和舞蹈裸体的节奏继承表达了情感解放和享乐主义的感受。 Pablo Picasso根据塞尚的观点制作了他的第一幅立体派绘画作品，即所有对自然的描绘都可以简化为三个实体：立方体，球体和圆锥体。 通过绘画Les Demoiselles d’Avignon（1907年），毕加索创作了一幅新的激进画面，描绘了一个妓院场景，其中包括五名妓女，暴力绘画的女性，让人想起非洲部落面具和他自己的立体主义发明。 立体主义是从大约1908年到1912年由Pablo Picasso和Georges Braque联合开发的，他的小提琴和烛台，巴黎（1910年）在这里展出。 Braque，Picasso，Jean Metzinger，Albert Gleizes，FernandLéger，Henri Le Fauconnier和Robert Delaunay实行了立体主义的第一个明确表现。 Juan Gris，Marcel Duchamp，Alexander Archipenko，Joseph Csaky和其他人很快加入。 由布拉克和毕加索实行的合成立体主义的特点是引入了不同的纹理，表面，拼贴元素，纸质collé和各种合并的主题。
野兽派
野兽派是20世纪早期艺术家的松散团体，他们的作品强调绘画的品质，以及对代表性价值观的深刻色彩的富有想象力的运用。 该运动的领导人是Henri Matisse和AndréDerain–友好的竞争对手，每个人都有自己的追随者。 最终，马蒂斯在20世纪影响了毕加索。 野兽派画家包括Albert Marquet，Charles Camoin，Maurice de Vlaminck，Raoul Dufy，Othon Friesz，荷兰画家Kees van Dongen，以及Picasso在立体主义中的合作伙伴Georges Braque等人。
表现主义，象征主义，美国现代主义，包豪斯
表现主义和象征主义是广泛的标志，涉及20世纪绘画中的几个相关运动，这些运动主导了西欧，东欧和北欧的大部分前卫艺术。 表现主义作品主要在第一次世界大战和第二次世界大战之间绘制，主要在法国，德国，挪威，俄罗斯，比利时和奥地利。 Fauvism，DieBrücke和Der Blaue Reiter是表现主义和象征主义画家中最着名的三个群体。 马克·夏加尔（Marc Chagall）的绘画“我和村庄”（I and the Village）讲述了一个自传故事，探讨艺术家与其起源之间的关系，以及艺术象征主义的词汇。 Gustav Klimt，Egon Schiele，Edvard Munch，Emil Nolde，Chaim Soutine，James Ensor，Oskar Kokoschka，Ernst Ludwig Kirchner，Max Beckmann，Franz Marc，Georges Rouault，Amedeo Modigliani以及一些美国人如Marsden Hartley和Stuart Davis，被认为是有影响力的表现主义画家。 虽然Alberto Giacometti主要被认为是超现实主义雕塑家，但他也制作了强烈的表现主义画作。
抽象的先驱
Wassily Kandinsky一般被认为是现代抽象艺术的第一批重要画家之一。 作为一个早期的现代主义者，他将当代神秘主义者和哲学家们理论化，纯粹的视觉抽象与声音和音乐有着必然的共鸣。 他们认为纯粹的抽象可以表达纯粹的灵性。 他最早的抽象作品通常被命名为作曲七中的榜样，与音乐作曲家的作品有关。 康定斯基在他的“关于艺术中的精神”一书中包含了他关于抽象艺术的许多理论。 早期抽象的其他主要先驱包括瑞典画家Hilma af Klint，俄罗斯画家Kazimir Malevich和瑞士画家Paul Klee。 Robert Delaunay是一位与Orphism有关的法国艺术家（让人联想到纯粹抽象与立体主义之间的联系）。 他对抽象绘画的重要贡献是指他对色彩的大胆运用以及他对深度和色调的实验。
达达和超现实主义
在1913年纽约市军械库展览之后，马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）在国际上声名鹊起，他的裸体下楼梯成为了一个原因célèbre。 他随后用她的单身汉，甚至是大玻璃创造了新娘剥光的光芒。 大玻璃将绘画艺术推向了激进的新局限，即部分绘画，部分拼贴，部分构造。 杜尚（很快就会放弃国际象棋艺术制作）与第一次世界大战期间在瑞士中立的苏黎世开始并于1916年至1920年达到顶峰的达达运动密切相关。该运动主要涉及视觉艺术，文学（诗歌，艺术宣言） ，艺术理论，戏剧和平面设计，通过反艺术文化作品推动其反战政治和拒绝艺术的主流标准。 其他与达达运动有关的艺术家包括Francis Picabia，Man Ray，Kurt Schwitters，HannahHöch，Tristan Tzara，Hans Richter，Jean Arp和Sophie Taeuber-Arp。 杜尚和几位达达主义者也与超现实主义有关，超现实主义在20世纪20年代和30年代主导了欧洲绘画。
Neue Sachlichkeit，社会现实主义，地区主义，美国场景绘画，象征主义
在20世纪20年代和20世纪30年代以及大萧条时期，欧洲艺术界以超现实主义，晚期立体主义，包豪斯，德斯蒂尔，达达，新萨克里希特和表现主义为特征; 并被像Henri Matisse和Pierre Bonnard这样的大师级现代主义色彩画家所占据。
抽象表现主义
20世纪40年代在纽约市预示着美国抽象表现主义的胜利，这一运动结合了欧洲现代主义者通过美国伟大教师如汉斯霍夫曼和约翰D.格雷厄姆学到的经验教训。 美国艺术家受益于Piet Mondrian，FernandLéger，Max Ernst和AndréBreton集团，Pierre Matisse画廊以及Peggy Guggenheim的画廊The Century of Century，以及其他因素。
现实主义，景观，海景，形象，静物，城市景观
在20世纪30年代到20世纪60年代，随着美国和欧洲的抽象绘画演变成抽象表现主义，色域绘画，后绘画抽象，欧普艺术，硬边绘画，极简艺术，异形帆布绘画和抒情抽象等运动。 其他艺术家的反应是对抽象倾向的反应，允许图像继续通过各种新的背景，如20世纪50年代的湾区比喻运动和20世纪40年代到60年代的新表现形式。 在整个20世纪，许多画家都在实践现实主义，并在景观和具象绘画中使用表现形象与当代主题。 他们包括各种艺术家，如Milton Avery，John D. Graham，Fairfield Porter，Edward Hopper，Andrew Wyeth，Balthus，Francis Bacon，Frank Auerbach，Lucian Freud，Leon Kossoff，Philip Pearlstein，Willem de Kooning，Arshile Gorky，Grace Hartigan， Robert De Niro，Sr。和Elaine de Kooning。
波普艺术
美国的波普艺术在很大程度上最初受到贾斯珀·约翰斯，拉里·里弗斯和罗伯特·劳森伯格作品的启发，尽管杰拉尔德·墨菲，斯图尔特·戴维斯和查尔斯·德穆斯在20世纪20年代和30年代的画作预示着流行音乐的风格和主题。艺术。
Art Brut，New Realism，Bay Area Compurative Movement，Neo-Dada，Photorealism
在20世纪50年代和60年代，随着美国和欧洲的抽象绘画演变为色彩场绘画，后画家抽象，欧普艺术，硬边绘画，极简艺术，形状画布绘画，抒情抽象，以及抽象表现主义的延续等运动。 其他艺术家的反应是对Art Brut的抽象倾向的反应，如1962年的Court les rues所见，Jean Dubuffet，Fluxus，Neo-Dada，New Realism，Photorealism，允许图像通过各种新的背景重新出现，如流行艺术，湾区比喻运动（一个典型的例子是Diebenkorn的城市景观I，（风景1号）（1963年），后来在20世纪70年代的新表现主义。海湾地区的比喻运动，大卫公园，埃尔默比肖夫，内森奥利维拉和理查德迪本科恩的绘画城市景观1（1963年）是一个典型的例子，是20世纪50年代和60年代在加利福尼亚州蓬勃发展的有影响力的成员。年轻的画家以新的和激进的方式练习图像的使用。伊夫克莱因，阿曼，武术光芒，克里斯托，Niki de Saint Phalle，David Hockney，Alex Katz，Malcolm Morley，Ralph Goings，Audrey Flack，Richard Estes，Chuck Close，Susan Rothenberg，Eric Fischl和Vija Celmins等少数人在20世纪60年代和80年代之间成名。 波特在很大程度上是自学成才，并在抽象表现主义运动中产生了代表作品。 他的主题主要是风景，家庭内部和家庭，朋友和艺术家的肖像。
几何抽象，欧普艺术，硬边，色域，极简艺术，新现实主义
在20世纪60年代和70年代，抽象绘画在美国通过各种风格继续发展。 几何抽象，欧普艺术，硬边绘画，彩色场绘画和极简绘画，是高级抽象绘画以及其他一些新动作的一些相互关联的方向。 莫里斯路易斯是高级彩色油画的重要先驱，他的作品可以作为抽象表现主义，色彩绘画和极简艺术之间的桥梁。 两位有影响力的教师，约瑟夫·阿尔伯斯和汉斯·霍夫曼，以其先进的色彩和空间理论介绍了新一代美国艺术家。 阿尔伯斯最值得怀念的是他作为几何抽象主义画家和理论家的工作。 最着名的是数百幅绘画和版画，构成了对广场的敬意。 在这个1949年开始的严格系列中，Albers探索了与画布上同心排列的平面彩色方块的色彩相互作用。 阿尔伯斯的艺术和教育理论为下一代艺术家的形成奠定了基础。 他自己的绘画形成了硬边绘画和欧普艺术的基础。
超越画布材质的油画，华盛顿色彩学派，抽象幻觉，抒情抽象
彩色场绘画指向美国绘画的新方向，远离抽象表现主义。 与绘画后抽象，至上主义，抽象表现主义，硬边绘画和抒情抽象相关，色域绘画试图摆脱多余修辞的艺术。 像Clyfford Still，Mark Rothko，Hans Hofmann，Morris Louis，Jules Olitski，Kenneth Noland，Helen Frankenthaler，Larry Zox等艺术家都对色彩进行了高度清晰的心理运用。 一般来说，这些艺术家消除了可识别的图像。 某些艺术家提到了过去或现在的艺术，但总的来说，色域绘画本身就把抽象作为目的。 在追求现代艺术的这一方向时，艺术家们希望将每幅画作为一个有凝聚力的整体形象展现出来。 Gene Davis和Kenneth Noland，Morris Louis以及其他几位画家是华盛顿色彩学校画家的成员，他们在20世纪50年代和60年代开始在华盛顿特区创作彩色油画，Black，Gray，Beat是一幅大型垂直条纹画作，典型的Gene Davis的作品。
抽象幻觉，单色，极简主义，后极简主义
第一批与极简主义有关的艺术家之一是弗兰克斯特拉，他的早期“条纹”画作在1959年的节目中突显出来，“16位美国人”，由多萝西米勒在纽约现代艺术博物馆举办。 斯特拉条纹画中条纹的宽度并不完全是主观的，而是由用于构造支撑底盘的木材尺寸决定的，帆布被拉伸。 在节目目录中，卡尔·安德烈指出，“艺术排除了不必要的东西。弗兰克斯特拉发现有必要画条纹。他的画中没有别的东西。” 这些还原作品与Willem de Kooning或Franz Kline的充满能量和表面情感的绘画形成了鲜明的对比，更倾向于向Barnett Newman和Mark Rothko的不那么手势的色彩场画作倾斜。
新表现主义
在20世纪60年代后期，抽象表现主义画家菲利普·古斯顿帮助引领了抽象表现主义向绘画中的新表现主义的过渡，放弃了抽象表现主义的所谓“纯粹抽象”，转而支持各种个人符号和物体的更多卡通效果。 这些作品鼓舞了对复兴表现意象感兴趣的新一代画家。 他的绘画“绘画，吸烟，饮食”是古斯顿回归代表的一个例子。
在20世纪70年代末和80年代初，在意大利，德国，法国和英国几乎同时出现了绘画的回归。 这些运动分别称为Transavantguardia，Neue Wilde，Fiction Libre，Neo-expressionism，伦敦学派，以及80年代后期的Stuckists。 这些绘画的特点是大格式，自由表达标记，形象，神话和想象力。 这种类型的所有作品都被称为新表现主义。
21世纪当代绘画
在整个20世纪到21世纪，随着现代和后现代艺术形式的出现，通常被视为美术和低艺术的区别开始逐渐消失，因为当代高等艺术继续通过混合来挑战这些概念与流行文化。
主流绘画被后现代艺术家拒绝，支持艺术多元化。 根据艺术评论家亚瑟·丹托（Arthur Danto）的说法，有一种流行的态度; “一切都在继续”，因此“没有发生”综合症; 这造成了美观的交通堵塞，没有坚定明确的方向，艺术高速公路上的每条车道都充满了能力。