Religiöse Kunst oder sakrale Kunst ist eine künstlerische Bildsprache, die religiöse Inspiration und Motive verwendet und oft dazu dient, den Geist auf das Spirituelle zu heben. Sakrale Kunst beinhaltet die rituellen und kultischen Praktiken sowie praktische und operative Aspekte des Weges der spirituellen Verwirklichung in der religiösen Tradition des Künstlers.

Christliche Kunst
Christliche sakrale Kunst wird produziert, um die Prinzipien des Christentums zu veranschaulichen, zu ergänzen und in greifbarer Form zu porträtieren, obwohl andere Definitionen möglich sind. Es soll Bilder von den verschiedenen Glaubensrichtungen in der Welt machen und wie es aussieht.Meisten christlichen Gruppen verwenden oder haben die Kunst in gewissem Maße benutzt, obwohl einige starke Einwände gegen einige Formen des religiösen Bildes hatten, und es gab große Perioden des Ikonoklasmus innerhalb des Christentums. Die meiste christliche Kunst ist anzüglich oder um Themen herum aufgebaut, die dem beabsichtigten Beobachter vertraut sind. Eines der häufigsten christlichen Themen ist das der Jungfrau Maria, die das Jesuskind hält. Ein anderes ist das von Christus am Kreuz. Zum Wohle des Analphabeten wurde ein ausgeklügeltes ikonographisches System entwickelt, um Szenen eindeutig zu identifizieren. Zum Beispiel, Saint Agnes mit einem Lamm, Saint Peter mit Schlüsseln, Saint Patrick mit einem Kleeblatt dargestellt. Jeder Heilige hält oder ist mit Attributen und Symbolen in der sakralen Kunst verbunden.

Geschichte
Frühchristliche Kunst überlebt von Daten in der Nähe der Ursprünge des Christentums. Die ältesten überlieferten christlichen Gemälde stammen aus dem Ort Megiddo , um das Jahr 70 datiert, und die ältesten christlichen Skulpturen stammen aus Sarkophagen, die zu Beginn des 2. Jahrhunderts datiert sind. Bis zur Annahme des Christentums durch Constantine leitete die Kunst ihren Stil und einen Großteil ihrer Ikonographie von der populären römischen Kunst ab, aber von diesem Punkt brachten große christliche Gebäude unter kaiserlicher Schirmherrschaft ein Bedürfnis für christliche Versionen der römischen Elite und der offiziellen Kunst, von denen Mosaiken in Kirchen in Rom sind die prominentesten überlebenden Beispiele.

Während der Entwicklung der christlichen Kunst in der Byzantinisches Reich (Siehe Byzantinische Kunst), eine abstraktere Ästhetik ersetzte den Naturalismus, der zuvor in der hellenistischen Kunst etabliert wurde. Dieser neue Stil war hieratisch, dh sein Hauptzweck bestand darin, religiöse Bedeutung zu vermitteln, anstatt Objekte und Personen akkurat zu rendern. Realistische Perspektiven, Proportionen, Licht und Farben wurden zugunsten geometrischer Vereinfachung von Formen, umgekehrter Perspektive und standardisierter Konventionen zur Darstellung von Individuen und Ereignissen ignoriert. Die Kontroverse um den Gebrauch von Bildern, die Interpretation des Zweiten Gebotes und die Krise des byzantinischen Ikonoklasmus führten zu einer Vereinheitlichung der religiösen Bildsprache innerhalb der östlichen Orthodoxie.

Die Renaissance erlebte eine Zunahme von monumentalen weltlichen Werken, aber bis zur protestantischen Reformation wurde die christliche Kunst weiterhin in großen Mengen produziert, sowohl für Kirchen und Geistliche als auch für die Laien. Während dieser Zeit malte Michelangelo Buonarroti die Sixtinische Kapelle und schnitzte die berühmte Pietà, Gianlorenzo Bernini erschuf die gewaltigen Säulen im Petersdom und Leonardo Da Vinci malte das Letzte Abendmahl. Die Reformation hatte einen großen Einfluss auf die christliche Kunst und brachte die Produktion der öffentlichen christlichen Kunst in den protestantischen Ländern schnell zum Erliegen und verursachte die Zerstörung des größten Teils der Kunst, die bereits existierte.

Als weltlicher, nicht sektiererischer, universeller Kunstbegriff entstand im 19. Jahrhundert Westeuropa säkulare Künstler behandelten gelegentlich christliche Themen (Bouguereau, Manet). Nur selten wurde ein christlicher Künstler in den historischen Kanon aufgenommen (wie Rouault oder Stanley Spencer). Doch viele moderne Künstler wie Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elizabeth Frink und Graham Sutherland haben bekannte Kunstwerke für Kirchen produziert. Durch eine soziale Interpretation des Christentums, Fritz von Uhde auch

Seit dem Aufkommen des Buchdrucks ist der Verkauf von Reproduktionen frommer Werke ein wichtiger Bestandteil der christlichen Volkskultur. Dazu gehörten im 19. Jahrhundert Genremaler wie Mihály Munkácsy. Die Erfindung der Farblithographie führte zu einer breiten Verbreitung heiliger Karten. In der Moderne waren Unternehmen, die auf moderne kommerzielle christliche Künstler wie Thomas Blackshear und Thomas Kinkade spezialisiert waren, obwohl sie in der Kunstwelt als Kitsch weithin angesehen wurden, sehr erfolgreich.

Der letzte Teil des 20. und der erste Teil des 21. Jahrhunderts haben eine konzentrierte Bemühung von Künstlern, die den Glauben an Christus beanspruchen, gesehen, Kunst mit Themen wieder herzustellen, die sich um den Glauben, Christus, Gott, die Kirche, die Bibel und andere Klassiker drehen Christliche Themen, die von der säkularen Kunstwelt respektiert werden. Künstler wie Makoto Fujimura hatten sowohl in der sakralen als auch in der säkularen Kunst einen bedeutenden Einfluss. Andere bemerkenswerte Künstler gehören Larry D. Alexander, Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove und John August Swanson.

Buddhistische Kunst
Buddhistische Kunst entstand auf dem indischen Subkontinent nach dem historischen Leben von Siddhartha Gautama, 6. bis 5. Jahrhundert v. Chr. Und entwickelte sich danach durch den Kontakt mit anderen Kulturen, wie es sich überall ausbreitete Asien und die Welt.

Die buddhistische Kunst folgte den Gläubigen, als sich das Dharma in jedem neuen Gastland ausbreitete, anpasste und sich weiterentwickelte. Es entwickelte sich im Norden durch Zentralasien und in Ostasien, um den nördlichen Zweig der buddhistischen Kunst zu bilden, und im Osten bis zu Südostasien um den südlichen Zweig der buddhistischen Kunst zu bilden. Im Indien Die buddhistische Kunst blühte auf und beeinflusste sogar die Entwicklung der Hindu – Kunst, bis der Buddhismus fast vollständig verschwand Indien um das 10. Jahrhundert, teilweise aufgrund der starken Expansion des Islam neben dem Hinduismus.

Tibetisch-buddhistische Kunst
Die meisten tibetisch-buddhistischen Kunstformen sind mit der Praxis des Vajrayana oder des buddhistischen Tantra verwandt. Tibetische Kunst umfasst Thangkas und Mandalas, oft einschließlich Darstellungen von Buddhas und Bodhisattvas. Die Erschaffung der buddhistischen Kunst wird gewöhnlich sowohl als Meditation als auch als ein Objekt zur Unterstützung der Meditation durchgeführt. Ein Beispiel dafür ist die Schaffung eines Sandmandalas durch Mönche; vor und nach dem Bau werden Gebete rezitiert und die Form des Mandalas repräsentiert die reine Umgebung (Palast) eines Buddhas, auf dem meditiert wird, um den Geist zu trainieren. Das Werk wird selten, wenn überhaupt, vom Künstler signiert. Andere tibetisch-buddhistische Kunst umfasst rituelle Objekte aus Metall, wie den Vajra und den Phurba.

Indische buddhistische Kunst
Zwei Orte lassen die Vitalität buddhistischer Höhlenmalerei aus dem 5. Jahrhundert n. Chr. Deutlicher hervortreten als andere. Einer ist Ajanta, eine Seite in Indien Lange Zeit vergessen, bis sie 1817 entdeckt wurde. Das andere ist Dunhuang, einer der großen Oasenstationen an der Seidenstraße … Die Gemälde reichen von ruhigen Andachtsbildern des Buddha bis zu lebhaften und überfüllten Szenen, oft mit dem verführerisch vollbusigen und schmal-taillierte Frauen vertrauter in der indischen Skulptur als in der Malerei. Hauptkunst umfasste Moscheen und eine Madonna (Kunst von Mary und möglicherweise ihr Kind)

Islamische Kunst
Ein Verbot, gegenständliche Bilder in der religiösen Kunst darzustellen, sowie die natürliche dekorative Natur der arabischen Schrift führten zur Verwendung von kalligraphischen Dekorationen, bei denen gewöhnlich geometrische Muster wiederholt wurden, die Ideale von Ordnung und Natur ausdrückten. Es wurde für religiöse Architektur, Teppiche und handgeschriebene Dokumente verwendet. Die islamische Kunst spiegelt diese ausgewogene, harmonische Weltanschauung wider. Es konzentriert sich auf die spirituelle Essenz und nicht auf die physische Form.

Während es eine Abneigung gegen eine mögliche Götzenanbetung durch die islamische Geschichte gab, ist dies eine ausgesprochen moderne sunnitische Sichtweise. Persische Miniaturen, zusammen mit mittelalterlichen Darstellungen von Mohammed und Engeln im Islam, stehen als prominente Beispiele im Gegensatz zur modernen sunnitischen Tradition. Schi’a-Muslime sind der Darstellung von Figuren, einschließlich des Propheten, weit weniger abgeneigt, solange die Darstellung respektvoll ist.

Figurendarstellung in der islamischen sakralen Kunst
Der islamische Widerstand gegen die Repräsentation von Lebewesen resultiert letztlich aus dem Glauben, dass die Schaffung von Lebensformen für Gott einzigartig ist, und aus diesem Grund war die Rolle von Bildern und Bildmachern umstritten. Die stärksten Aussagen zum Thema figurale Darstellung finden sich in den Hadithen (Überlieferungen des Propheten), wo Maler aufgefordert werden, ihren Schöpfungen „Leben einzuhauchen“ und am Tag des Gerichts mit Strafe bedroht werden. Der Koran ist weniger spezifisch, aber er verurteilt den Götzendienst und benutzt den arabischen Ausdruck musawwir („Schöpfer der Formen“ oder Künstler) als ein Epitheton für Gott. Teilweise aufgrund dieses religiösen Gefühls wurden Figuren in der Malerei oft stilisiert und in einigen Fällen kam es zur Zerstörung von figurativen Kunstwerken. Der Ikonoklasmus war in der byzantinischen Zeit bekannt und der Aniconismus war ein Merkmal der jüdischen Welt, wodurch der islamische Einwand gegen die figurativen Darstellungen in einen größeren Zusammenhang geriet. Als Ornament hatten die Figuren jedoch weitgehend keine größere Bedeutung und stellten daher vielleicht weniger Herausforderung dar. Wie bei anderen Formen der islamischen Ornamentik passten sich die Künstler frei an und stilisierten grundlegende menschliche und tierische Formen, was zu einer großen Vielfalt figuraler Designs führte.

Kalligraphie
Kalligraphie ist das am meisten geschätzte und grundlegendste Element der islamischen Kunst. Es ist bezeichnend, dass der Koran, das Buch der Offenbarungen Gottes an den Propheten Mohammed, auf Arabisch übertragen wurde und dass der arabischen Schrift das Potenzial innewohnt, eine Vielzahl von ornamentalen Formen zu entwickeln. Die Verwendung von Kalligraphie als Ornament hatte eine bestimmte ästhetische Wirkung, aber oft auch eine zugrunde liegende talismanische Komponente. Während die meisten Kunstwerke leserliche Inschriften hatten, hätten nicht alle Muslime sie lesen können. Man sollte jedoch immer im Hinterkopf behalten, dass Kalligraphie prinzipiell ein Mittel ist, um einen Text zu übertragen, wenn auch in einer dekorativen Form. Aus seinen einfachen und primitiven frühen Beispielen des 5. und 6. Jahrhunderts n. Chr. Entwickelte sich das arabische Alphabet nach dem Aufstieg des Islam im 7. Jahrhundert rasch zu einer schönen Kunstform. Die beiden hauptsächlichen Familien kalligraphischer Stile waren die trockenen Stile, die allgemein als kufisch bezeichnet werden, und die weichen kursiven Stile, zu denen Naskhi, Thuluth, Nastaliq und viele andere gehören.

Geometrie
Geometrische Muster bilden eine der drei nicht-figuralen Arten der Dekoration in der islamischen Kunst, zu denen auch Kalligrafie und Pflanzenmuster gehören. Ob isoliert oder in Kombination mit nichtfiguralen Ornamenten oder figürlichen Darstellungen verwendet, werden geometrische Muster im Allgemeinen mit islamischer Kunst in Verbindung gebracht, vor allem aufgrund ihrer anikonischen Qualität. Diese abstrakten Entwürfe schmücken nicht nur die Oberflächen der monumentalen islamischen Architektur, sondern fungieren auch als das wichtigste dekorative Element auf einer großen Vielfalt von Objekten aller Art.