종교 예술이나 신성한 예술은 종교적 영감과 모티프를 사용하는 예술적 이미지이며 종종 정신을 영적으로 고양시키는 데 목적이 있습니다. 신성한 예술은 예술가의 종교적 전통 내에서 영적 실현의 길에 대한 의식 및 예식과 실용적이며 효과적인 측면을 포함합니다.

기독교 예술
기독교 신성한 예술은 다른 정의가 가능할지라도 기독교 원칙을 구체적으로 묘사, 보완 및 묘사하려는 시도에서 만들어집니다. 세계에서 다른 신념과 그것이 보이는 모습을 묘사하는 것입니다. 대부분의 기독교 단체는 일부는 종교적 이미지의 일부 형태에 강한 반대를 하였지만 어느 정도는 예술을 사용했으며, 기독교 내에는 상당한시기의 우울증이있었습니다. 대부분의 기독교 예술은 의도적 인 것이거나, 의도 된 관찰자에게 익숙한 주제를 중심으로 구축됩니다. 가장 일반적인 기독교 주제 중 하나는 유아 예수를 안고있는 성모 마리아의 주제입니다. 다른 하나는 십자가에서의 그리스도의 것입니다. 문맹자의 이익을 위해, 결정적으로 장면을 식별하기 위해 개발 된 정교한 아이콘 시스템. 예를 들어, 세인트 아그네스 (Saint Agnes)는 새끼 양, 성 피터 (Saint Peter)는 열쇠, 성 패트릭은 토끼풀 (shamrock)이 그려져 있습니다. 각 성도는 성스러운 예술의 속성과 상징을 붙잡거나 연관시킵니다.

역사
초기 기독교 미술은 기독교의 기원과 가까운 날로부터 살아남습니다. 살아남은 가장 오래된 기독교 그림은 70 년경의 므깃도 (Megiddo)에있는 것으로, 가장 오래된 기독교 조각은 석관 시대부터 2 세기 초반까지입니다. 콘스탄티누스 기독교 예술에 의한 기독교의 채택이 대중적인 로마 예술에서 그 스타일과 그것의 도상의 대부분을 파생시킬 때까지, 그러나이 시점부터 제국 후원하에 지어진 거대한 기독교 건물은 로마 엘리트와 공식 미술의 기독교 버전을 필요로했다. 로마에있는 교회가 가장 두드러진 생존 사례입니다.

비잔틴 제국 (비잔틴 미술 참조)에서 기독교 미술이 발달하는 동안 헬레니즘 미술에서 이전에 확립 된 자연주의가보다 추상적 인 미적 예술을 대체했습니다. 이 새로운 스타일은 성직자였습니다. 그 주된 목적은 사물과 사람을 정확하게 묘사하기보다는 종교적 의미를 전달하는 것이 었음을 의미합니다. 현실적인 관점, 비율, 빛과 색은 형식의 기하학적 단순화, 역 투시 및 개인과 사건을 묘사하는 표준화 된 협약에 찬성하여 무시되었습니다. 우상 이미지의 사용, 두 번째 계명의 해석, 비잔티움 인 Iconoclasm의 위기에 관한 논란은 동방 정교회 내의 종교적 이미지의 표준화로 이어졌다.

르네상스는 기념비적 인 세속적 저작물의 증가를 보았지만 개신교 개혁 기독교 미술이 계속해서 교회와 성직자 및 평신도를 위해 대량 생산되었습니다. 이시기에는 미켈란젤로 부오나 로티 (Michelangelo Buonarroti)가 시스틴 예배당 (Sistine Chapel)을 그렸고 유명한 피에타 (Pietà)를 조각했으며 기안 로렌초 베르니니 (Gianlorenzo Bernini)는 성 베드로 대성당 (St. Peter ‘s Basilica)에 막대한 기둥을 세웠고 Leonardo Da Vinci는 최후의 만찬을 그렸습니다. 종교 개혁은 개신교 국가에서 공공 기독교 예술의 생산을 급속히 중단시키고 이미 존재했던 대부분의 예술을 파괴하게하면서 기독교 예술에 커다란 영향을 미쳤다.

19 세기 서유럽에서 세속적이고 종파적이지 않고 보편적 인 예술 관념이 생겨나면서 세속적 인 예술가들이 때때로 기독교 주제를 다루었습니다 (Bouguereau, Manet). 역사적인 표준 (Rouault 또는 Stanley Spencer와 같은)에 포함 된 기독교 예술가는 드물었습니다. 그러나 Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elizabeth Frink, Graham Sutherland와 같은 많은 현대 미술가들은 교회를 위해 유명한 예술 작품을 제작했습니다. 프리츠 폰 우드 (Fritz von Uhde) 또한 기독교의 사회적 해석을 통해

인쇄의 출현 이후 경건한 작품의 복제품 판매는 대중적인 기독교 문화의 주요 요소였습니다. 19 세기에는 Mihály Munkácsy와 같은 장르의 화가도 포함되었습니다. 컬러 리소그래피의 발명은 신성한 카드의 광범위한 유통을 유도했습니다. 현대 시대에 토마스 블랙 시어 (Thomas Blackshear)와 토마스 킨케이드 (Thomas Kinkade) 같은 현대 상업 기독교 예술가를 전문으로하는 회사는 미술계에서 키치로 널리 간주되었지만 매우 성공적이었습니다.

20 세기의 마지막 부분과 21 세기의 첫 번째 부분은 신앙, 그리스도, 하느님, 교회, 성경 및 다른 고전을 중심으로 한 예술로 예술을 재건하기 위해 그리스도를 믿는 신앙을 주장하는 예술가들에 의해 집중된 노력을 보았습니다 세속적 인 예술 세계에 의해 존경받을 가치가있는 기독교 주제. 마코토 후지 무라 (Makoto Fujimura)와 같은 예술가들은 성스러운 예술과 세속적 인 예술 모두에 큰 영향을 미쳤습니다. 다른 주목할만한 예술가 래리 디 알렉산더, 게리 P. Bergel, 카를로스 Cazares, 브루스 허먼, 데보라 Sokolove, 그리고 존 August 스완슨을 포함합니다.

불교 미술
불교 미술은 기원전 6 ~ 5 세기의 시타 르타 고타 마의 역사적인 삶을 따라 인도 대륙에서 시작되었으며, 이후 아시아와 세계 전역에 퍼져 다른 문화와 접촉하여 발전했습니다.

불교 예술은 각자의 새로운 호스트 국가에서 법을 펼치고, 적응 시키며 진화함에 따라 신자들을 따랐다. 그것은 중앙 아시아와 동아시아로 북쪽으로 발전하여 불교 미술의 북부 지점을 형성하고 동남 아시아까지 동쪽으로 불교 미술의 남부 지점을 형성했습니다. 인도에서는 힌두교와 함께 이슬람교의 활발한 확장으로 인해 불교가 인도에서 거의 사라질 때까지 불교 미술이 번창하고 힌두 미술의 발전에 영향을 미쳤다.

티베트 불교 미술
대부분의 티베트 불교 artforms는 Vajrayana 또는 불교 탄트라의 관행과 관련이 있습니다. 티베트 예술에는 종종 불상과 보살의 묘사가 포함 된 탄카 (thangkas)와 만다라 (mandalas)가 포함됩니다. 불교 미술의 창작은 대개 명상으로 이루어지며 명상을위한 원조로 대상을 만듭니다. 예를 들면 수도사가 모래 만다라를 만드는 것입니다. 전후에 건축 기도문을 들려주고, 만다라의 형태는 마음을 훈련하기 위해 명상 된 부처의 순수한 환경 (궁전)을 나타낸다. 예술가가 서명 한 경우는 거의 없습니다. 다른 티베트 불교 예술에는 vajra 및 phurba와 같은 금속 의식 개체가 포함됩니다.

인도 불교 미술
2 개 장소는 다른 어떤 도시보다 5 세기 AD에서 생생하게 불교 동굴 그림의 활력을 제안합니다. 하나는 Ajanta로, 1817 년에 발견되기까지 오랫동안 잊혀진 인도의 사이트입니다. 다른 하나는 Dunhuang입니다. Dunhuang은 실크로드에있는 훌륭한 오아시스 스테이징 게시물 중 하나입니다 … 그림은 부처님의 조용한 경건한 이미지에서 활기차고 혼잡 한 장면, 인도의 조각에서 회화보다는 익숙한 매혹적인 전신 가슴과 좁은 waisted 여성을 종종 특징으로한다. 주요 예술품으로는 이슬람 사원과 마돈나 (마리아와 아마도 아이의 예술)

이슬람 예술
아랍 미술의 자연적 장식 적 성격뿐만 아니라 종교 예술의 표상 적 이미지를 묘사하는 것에 대한 금지는 일반적으로 질서와 자연의 이상을 표현한 기하학적 패턴을 반복하는 서예 장식의 사용으로 이어졌다. 그것은 종교 건축, 카펫 및 필기 문서에 사용되었습니다. 이슬람 예술은 균형 잡힌 조화로운 세계관을 반영했습니다. 그것은 육체적 형태보다는 영적 본질에 초점을 맞추고 있습니다.

이슬람의 역사를 통해 잠재적 인 우상 숭배에 대한 혐오감이 있었지만 이것은 분명히 현대적인 수니파의 견해입니다. 페르시아의 미니어처와 무하마드의 중세 묘사 및 이슬람의 천사들은 현대 수니파 전통에 반하는 저명한 사례로 서 있습니다. 또한 시아파 회교도들은 묘사가 존경하는 한 예언자를 포함한 인물 묘사에 대해 훨씬 덜 싫어한다.

이슬람 성스러운 그림의 표현
살아있는 존재의 표현에 대한 이슬람의 저항은 궁극적으로 살아있는 형태의 창조가 신에게 유일하다는 신념에 기인하며, 이미지와 이미지 제작자의 역할에 대해서는 논란의 여지가있다. 형상 묘사의 주제에 관한 가장 강력한 진술은 Hadith (예언자의 전통)에서 이루어집니다. Hadith (예언자의 전통)에서는 화가가 창조물에 생명을 불어 넣고 심판의 날에 처벌하겠다고 위협했습니다. 꾸란은 덜 구체적이지만 우상 숭배를 비난하며 아랍어 용어 인 “형태의 제작자”(또는 예술가)를 하나님을위한 별명으로 사용합니다. 부분적으로이 종교적 감정의 결과로, 회화에 등장하는 인물들은 종종 형식화되었고, 경우에 따라 비 유적 예술 작품의 파괴가 발생했습니다. Iconoclasm은 이전에 비잔틴 시대에 알려졌고 유창주의는 유대계 세계의 한 특징 이었으므로 더 큰 맥락에서 비 유적 표현에 이슬람 반대자를 배치했습니다. 그러나 장식품으로서의 인물들은 크게 더 큰 의미가 없으므로 아마도 덜 도전적이었을 것입니다. 다른 형태의 이슬람 장식과 마찬가지로, 예술가는 기본 인간 및 동물 형태를 자유롭게 적용 및 양식화하여 다양한 형태의 디자인을 탄생 시켰습니다.

달필
서예는 이슬람 예술에서 가장 높이 평가되고 가장 기본적인 요소입니다. 선지자 무함마드에 대한 하나님의 계시록 인 코란은 아랍어로 전달되었으며, 아랍어 대본에 내재되어있는 것은 다양한 장식용 양식을 개발할 잠재력이 있음이 중요합니다. 장식으로 서예를 사용하는 것은 확실한 미적 매력을 지녔지 만 종종 기본 부적의 구성 요소를 포함하기도합니다. 대부분의 예술 작품이 읽을 수있는 비문을 가지고 있지만, 모든 무슬림이 그것을 읽을 수는 없었다. 그러나 서체는 주로 장식적인 형태 임에도 불구하고 텍스트를 전송하는 수단이라는 것을 항상 염두에 두어야합니다. 서기 5 세기와 6 세기의 단순하고 원시적 인 초기 사례에서 아랍 알파벳은 7 세기 이슬람이 아름다운 예술 형태로 등장한 후 급속도로 발전했다. 붓글씨 스타일의 주된 두 가지 제품군은 일반적으로 Kufic이라 불리는 건조한 스타일과 Naskhi, Thuluth, Nastaliq 및 많은 다른 것들을 포함하는 부드러운 필기체 스타일이었습니다.

기하학
기하학적 패턴은 이슬람 예술의 3 가지 유형의 장식 중 하나인데, 서예 및 식물 패턴도 포함됩니다. 격리되어 있든 또는 비 형형 장식이나 도형 표현과 함께 사용 되든, 기하학적 패턴은 이코노미 품질 때문에 이슬람 예술과 관련이 있습니다. 이러한 추상적 인 디자인은 기념비적 인 이슬람 건축의 표면을 장식 할뿐만 아니라 모든 유형의 다양한 물건에 대한 주요 장식 요소 로서도 기능합니다.