现代舞

现代舞蹈（Modern dance）作为对古典舞蹈形式的反应，可能需要与身体更自由地表达。 这是一个舞蹈形式，试图通过舞者表达一种想法，一种感觉，一种情感，如古典芭蕾，但混合了二十世纪和二十一世纪的身体运动。

它的起源可以追溯到19世纪末。 在开始时，人们寻求替代严格的古典芭蕾舞技术，舞者开始出现赤脚跳舞，并且比舞台上的传统舞蹈更少跳跃。 随着时间的推移，出现了各种变化，其中经典技术因其不存在而引人注目，甚至引入了其他身体技术的运动，例如弗拉门戈舞，部落舞蹈运动甚至瑜伽。 直到第二次世界大战结束，这种新的舞蹈风格被称为现代舞，但它从20世纪40年代后期的演变导致人们倾向于使用此后的舞蹈表达。 如今，现代技术让位于混合风格的漩涡，甚至不清楚其类似的风格或遵循的模式。

编舞者通常会做出创造性的决定。 他或她选择该作品是否具有抽象或叙事特征。 根据他们的技能和训练选择舞者。 编排是根据其与音乐的关系或与其跳舞的声音来确定的。 音乐在当代舞蹈中的作用与其他类型不同，因为它可以作为作品的背景。 编舞者监督服装的选择及其对表演整体构成的审美价值，并了解它如何影响舞者的动作。

现代舞蹈通常被认为是对古典芭蕾舞的拒绝或反叛。 社会经济和文化因素也促进了其发展。 在19世纪后期，Isadora Duncan，Maud Allan和Loie Fuller等舞蹈艺术家正在开创新的形式和实践，现在称为美学或自由舞蹈。 这些舞者无视芭蕾舞剧严格的动作词汇，特别是有限的动作被认为适合芭蕾舞，并且为了寻求更大的行动自由而停止穿着紧身胸衣和足尖鞋。

现代舞可以谈论一个概念，提出一个环境或呈现动作以达到某种美学，它并不总是要讲故事。 另一方面，古典舞是通过现有的步骤建立起来的，并且总是编纂成当代舞蹈，根据编舞者或翻译的需要寻求创新和创造新的运动形式。 古典舞寻求精神，结构和完美，与空灵的联系，与天体; 相反，它与Apollonian的概念有关。 现代舞蹈寻求与地上的联系，与人类及其激情，非结构，违背的联系; 它与酒神的概念有关。

在整个20世纪，社会政治关注，重大历史事件和其他艺术形式的发展促成了美国和德国现代主义舞蹈的不断发展。 进入20世纪60年代，关于舞蹈的新观念开始出现，作为对早期舞蹈形式和社会变化的回应。 最终，后现代舞蹈艺术家会拒绝现代舞蹈的形式主义，并包括表演艺术，接触即兴创作，发行技巧和即兴创作等元素。

美国现代舞可以分为（大致）三个时期或时代。 在早期现代时期（约1880-1923），以Isadora Duncan，Loie Fuller，Ruth St. Denis，Ted Shawn和Eleanor King的作品为特征，艺术实践发生了根本性的变化，但明显不同的现代舞蹈技巧还没有出现了。 在中央现代时期（约1923-1946），舞蹈编导Martha Graham，Doris Humphrey，Katherine Dunham，Charles Weidman和Lester Horton寻求发展独特的美国运动风格和词汇，并开发出明确定义和可识别的舞蹈训练系统。 在近代晚期（约1946-1957），JoséLimón，Pearl Primus，Merce Cunningham，Talley Beatty，Erick Hawkins，Anna Sokolow，Anna Halprin，Paul Taylor介绍了清晰的抽象主义和前卫运动，并为此铺平了道路。后现代舞蹈。

现代舞蹈随着每一代参演艺术家的发展而演变。 艺术内容已经从一位编舞者转变为另一位编舞者，以及风格和技巧。 格雷厄姆和霍顿等艺术家在中央现代时期开发了一些技术，这些技术仍然在世界范围内教授，今天还有许多其他类型的现代舞蹈。

背景
现代舞蹈通常被认为是对古典芭蕾舞的拒绝或反叛，尽管历史学家认为美国和欧洲的社会经济变化有助于启动舞蹈世界的转变。 在美国，工业化程度的提高，中产阶级的崛起（拥有更多的可支配收入和自由时间）以及维多利亚州社会保障的下降导致了对健康和身体健康的新兴趣。 “正是在这种氛围中，一种’新的舞蹈’正在从社会结构的拒绝和对芭蕾的不满中出现。” 在同一时期，“体育冠军帮助为现代舞蹈做好准备，体操练习成为渴望跳舞的年轻女性的技术起点。” 女子学院在19世纪80年代末开始提供“美学舞蹈”课程。 Emil Rath，当时详细描述了这种新兴的艺术形式，

“音乐和有节奏的身体运动是艺术的双胞胎姐妹，因为它们同时存在……今天我们在Isadora Duncan，Maud Allan和其他人的艺术作品中看到了使用一种努力描绘的舞蹈形式。音乐大师在他的作曲 – 解释性舞蹈中所表达的动作。“

自由舞蹈
1877年：Isadora Duncan是现代舞的前身，她强调中心或躯干，赤脚，松散的头发，自由流动的服装，以及将幽默融入情感表达。 她的灵感来自古典希腊艺术，民间舞蹈，社交舞蹈，自然，自然力量和新的美国运动能力，如跳绳，跑步，跳跃，跳跃和突然运动。 她认为芭蕾是丑陋而毫无意义的体操。 虽然她一生中的各个阶段都回到了美国，但她的工作并不是很好。 她于1927年返回欧洲并在尼斯去世。

1891年：Loie Fuller（一个滑稽的裙子舞者）开始尝试燃气照明对她的丝绸服装的影响。 富勒开发了一种自然运动和即兴创作技术，与她的革命性照明设备和半透明丝绸服装配合使用。 她为舞台灯光设备和方法申请了专利，其中包括使用彩色凝胶和燃烧化学物质进行发光，并为她的大量丝绸舞台服装申请了专利。

1905年：Ruth St. Denis受到女演员Sarah Bernhardt和日本舞蹈家Sada Yacco的影响，开发了她对印度文化和神话的翻译。 她的表演迅速流行起来，她在研究东方文化和艺术的过程中进行了广泛的巡回演出。
表现主义和早期现代舞在欧洲

在欧洲，Mary Wigman，Francois Delsarte，ÉmileJaques-Dalcroze（Eurhythmics）和Rudolf Laban开发了人类运动和表达理论，以及导致欧洲现代和表现主义舞蹈发展的教学方法。 其他先驱包括Kurt Jooss（Ausdruckstanz）和Harald Kreutzberg。

激进的舞蹈
受到大萧条和欧洲法西斯主义威胁的不断加剧，激进的舞者试图通过戏剧化当时的经济，社会，种族和政治危机来提高意识。

Hanya Holm，Mary Wigman的学生和德累斯顿Wigman学校的讲师，于1931年创立了纽约威格曼舞蹈学校（1936年成为Hanya Holm Studio），介绍了Wigman技术，Laban的空间动力学理论，以及后来的她拥有美国现代舞的舞蹈技巧。 作为一名出色的舞蹈指导，她是本宁顿（1934年）第一届美国舞蹈节的创始艺术家。 霍尔姆的舞蹈作品“大都会日报”是NBC电视转播的第一部现代舞蹈作品，以及她对Kiss Me的评分，凯特（1948年）是美国第一部受版权保护的编舞。 霍尔姆在音乐会舞蹈和音乐剧领域进行了广泛的编舞。

Anna Sokolow – Sokolow的Martha Graham和Louis Horst的学生创建了自己的舞蹈公司（大约1930年）。 提出戏剧性的当代意象，Sokolow的作品通常是抽象的，经常揭示反映时间的紧张和异化以及人类运动真相的全方位人类经验。

JoséLimón-1946年，在与Doris Humphrey和Charles Weidman一起学习和表演后，Limón与Humphrey建立了自己的公司，担任艺术总监。 在她的指导下，利蒙创造了他的标志性舞蹈The Moor’s Pavane（1949）。 利蒙的舞蹈作品和技巧仍然对当代舞蹈实践产生了强烈的影响。
Merce Cunningham是一位前芭蕾舞学生兼演员，曾与玛莎·格雷厄姆合作，于1944年与约翰·凯奇一同出演了他的第一场纽约独奏音乐会。受到凯奇的影响，并采用后现代主义流程融入现代主义意识形态，坎宁安引入了机会程序和纯粹的动作来编舞和坎宁安技术到20世纪的舞蹈技术的大炮。 坎宁安用他的非线性，非高潮，非心理抽象作品为后现代舞蹈树立了种子。 在这些作品中，每个元素本身都具有表现力，观察者（在很大程度上）决定了它所传达的内容。

艾瑞克霍金斯 – 乔治巴兰钦的学生，霍金斯成为独奏家，也是玛莎格雷厄姆舞蹈公司的第一位男舞者。 1951年，霍金斯对新的运动学领域感兴趣，开设了自己的学校并开发了自己的技术（霍金斯技术），这是大多数躯体舞蹈技术的先驱。

保罗泰勒 – 茱莉亚音乐学院和康涅狄格大学舞蹈学院的学生。 1952年，他在美国舞蹈节上的表演吸引了几位主要编舞家的注意。 他在Merce Cunningham，Martha Graham和George Balanchine（按此顺序）的公司里表演，于1954年创立了Paul Taylor舞蹈团。日常手势和现代主义意识形态的运用是他编舞的特征。 Paul Taylor舞蹈团的前成员包括Twyla Tharp，Laura Dean，Dan Wagoner和Senta Driver。

Alwin Nikolais- Hanya Holm的学生。 尼古拉斯在Masks，Props，Mobiles（1953），Totem（1960）和Count Down（1979）等作品中使用多媒体是其他编舞者无法比拟的。 他经常将他的舞者放在收缩空间和具有复杂声音和布景的服装中，他将注意力集中在克服障碍物的物理任务上。 尼古拉斯认为舞者不是一个自我表达的艺术家，而是一个能够研究物理空间和运动特性的人才。

欧洲学校

第一代：欧洲先驱者

哲学家和思想家

FrançoisDelsarte（法语，1811-1871）
他是当代舞蹈的灵感来源，首先是“富有表现力的体操”（Bode）或后来的“艺术体操”。 他肯定精神状态必须通过身体作为一个单元的态度和运动来表现，而不仅仅是面部。 对该技术的关注远远大于前一个技术。 将身体划分为三个可变区域：

下肢表达力量
躯干和手臂，表达精神和情感
而头颈，手势，反映了精神状态
他的想法被带到了美国。 他的一位弟子Steele Mackaye与Genevieve Sebbins一起传播并向纽约最好的学校介绍了这些想法。

在欧洲，Sebbins的学生Hedwig Kallmeyer传播他的想法。 1930年，她在德国创立了表达和体育文化研究所，在那里她教授Delsarte系统作为女性体育的一种形式，并将她纳入学校; 还出版美容与健康，这是对传统体操运动的反应。

Delsarte发展了“和谐运动法则”，它们是：

谐波姿势定律：平衡和自然的位置，作为希腊雕像的完美静止位置。
相反运动的定律：每个运动都要求平衡原理与其他部分相反。
调和肌功能的规律：肌肉力量必须与肌肉的大小直接相关。

Emile Jaques-Dalcroze（瑞士，1865-1950）
他是艺术体操，eurythmy的创造者。 他是一个多才多艺的人：音乐家，舞蹈指导，演员，作曲家和教育家。 他的音乐和体力知识使他意识到需要为人的发展学习这两项活动，并从这里开始通过身体运动来研究音乐节奏的规律。

他在日内瓦音乐学院的视唱练耳学生所做的观察是他的艺术体操方法的起源：

他观察到一些人以正常的方式在听觉上取得了进展; 然而，他们缺乏测量声音，持续时间感和继承节奏的能力。
他发现，由于音乐（例如：用脚撞击地面），他们经常会对身体某些部位的不自主运动做出反应，从而推断出声学和高级神经中枢之间可能存在某种关系。
并非所有孩子都以同样的方式做出反应。 许多人无法协调他们的动作，没有正确地回应紧张的命令。

根据这些意见，他得出结论：
音乐中动态和动态的一切不仅取决于耳朵，还取决于触摸。
他认为纯粹的听觉音乐性是不完整的。
音乐性心律失常是一般心律失常的结果。
没有内部和声音乐状态就不可能创造音乐和声。
Dalcroze方法是一种通过节奏和运动进行音乐教学的方法。 它使用各种动作作为类比来指代音乐概念，以发展音乐表达的整合和自然的感觉。 对于他的方法，他指出了三个核心要素：节奏，solfege和即兴创作。 其目的是协调学生的感知，意识和行动能力。 它旨在调节孩子的神经反应，发展他的反应，为他提供暂时的自动化，对抗他的抑制，提高他的灵敏度，并加强他的活力。

对于达尔克罗兹而言，节奏本身并不是一门艺术，而是一种达到其他艺术的手段或工具。 他的贡献是革命性的，因为他是第一个指出音乐在个人发展中的重要性，并标志着后来音乐疗法的开始。

使用的工作内容是：

身体修复练习
心灵教育的练习
积极的学习和身体节奏的创造者。
积极的学习和音乐节奏的创造者。

技术的创造者

鲁道夫·拉班（匈牙利人，1879-1958）
他对理解运动的基本科学感兴趣，他研究过数学，物理，化学，解剖学和生理学。 他周游世界寻找自然和耕种的活动。 芭蕾舞引起了人们的极大关注。 他是“点”的敌人，并且相信表达的姿态必须引起灵魂和身体的完全解放，与伊莎多拉邓肯在同一条线上。

拉班阐述并解释了运动和舞蹈的概念，定义了三个系统：

Labanotation：它是一种通过符号记忆运动的方式。 它设法建立一种书面和可靠的语言技术，包括动作，动力，空间和身体的所有运动动作。
二十面体技术：允许舞蹈学生看到他们移动的点，从而提高他们的移动精度。
表现力，自由，创造性的舞蹈或现代教育舞蹈：建立一套关于运动的原则和概念，目的是作为研究和反思影响和构思运动的方式的指南。 通过这种方式，基于特定主题的个体必须探索并熟悉运动，发现自己的技术并发展自己的肢体语言。
对于拉班来说，舞蹈是个人或团体的一种体表，每个人都有自己的舞蹈; 因此，同一技术必须促进不同的行动可能性，使他强化自己的个性。

当代舞蹈课程可能包含以下内容：

身体训练：身体和身体调理。
研究运动：它是会议的中心; 经历了个人和团体运动的经验和顺序。
组成：验证以前工作主题的域。
有意识的观察：观察以前的成分，有利于批判精神，主动或被动放松。

拉班的其他贡献包括：

运动的合唱团：其特点是强调几个舞者的相同动作来表达情感。
从四个方面考虑它们的运动技术：
时间：你对速度和速度以及两者之间的变化（加速和减速）感兴趣。
重量：考虑运动强劲而轻盈。 时间和重量因素为运动提供动态品质。
空间：它与我们移动的方式和我们的移动方向有关。
流动：这个因素穿透整个运动并赋予被停止或保持的感觉。

Mary Wigman（德国，1886-1973）
RV Laban的门徒，作为“创造性直觉”的元素。 考虑到舞者的工作是一种职业。 他影响了舞者的训练，创建了自己的学校。 他对现代体操演变的影响是基于手势的夸大表现力和收缩与放松之间的交替，保持紧张和紧张的持续态度，这些态度随动态运动和欢快的节奏而变化。 他在舞蹈的教学和训练中使用了不同的阶段：没有任何音乐伴奏的舞蹈的一部分，然后他介绍了打击乐器（鼓在其中脱颖而出），最后音乐到来。

Kurt Jooss（德国，1901-1979）
他是德国老师，舞蹈家和舞蹈指导。 在与Rudolf Laban一起学习舞蹈后，他开办了一所学校，他的公司名为Ballets Jooss。 他于1930年成为埃森歌剧院的舞蹈老师，在那里他编舞了他的芭蕾舞剧“绿色”
第二代
Herald Kreutzberg
格雷特帕卢卡
Vera Skonel
Dore Hoyer
萨哈罗夫：Alexandre Sakharov和Clotilde von Derp

第三代
在冷战期间，古典 – 当代舞蹈在不同的欧洲国家以不同的方式发展。 拉班和玛丽威格曼学校的影响力已经影响到众多艺术家和一些口译员 – 那些无法创建学校的编舞者随处可见。 地缘政治（欧洲除以“铁幕”）的经济形势（欧洲从两场战争中复苏）都不利于创建学校或稳定的舞蹈运动。

同样重要的是在法国，西班牙，瑞典，德国和奥地利的现代舞蹈中建立各种北美舞蹈编导和教育工作者。 Graham，Limón，Horton和Cunningham技术的传播对于当前欧洲舞蹈的未来发展将是重要的。

在美国

美国早期的现代舞蹈
1915年，Ruth St. Denis与她的丈夫Ted Shawn一起创立了Denishawn学校和舞蹈公司。 St. Denis负责大部分的创作工作，Shawn负责教学技巧和作曲。 Martha Graham，Doris Humphrey和Charles Weidman都是学校的学生和舞蹈公司的成员。 Duncan，Fuller和Ruth St. Denis都在寻找更广泛和更受欢迎的观众，所有人都参观了欧洲.Fuller的工作也得到了欧洲以外的一些支持。 圣丹尼斯回到美国继续她的工作。

玛莎·格雷厄姆经常被认为是现代20世纪音乐会舞蹈的奠基人。 格雷厄姆认为芭蕾舞太过片面：欧洲，帝国主义和非美国人。 她于1916年成为Denishawn学校的学生，然后于1923年搬到纽约市，在那里她在音乐喜剧，音乐厅演出，并参与自己的舞蹈编排工作。 格雷厄姆开发了自己的舞蹈技巧，格雷厄姆技术，它取决于收缩和释放的概念。 在格雷厄姆的教诲中，她希望她的学生能够“感受”。 对于“感觉”，意味着具有高度的意识，即在地板上接地，同时感受整个身体的能量，将其延伸到观众。 她对舞蹈的主要贡献是身体“中心”的焦点（与芭蕾强调四肢的对比），呼吸和运动之间的协调，以及舞者与地板的关系。

1923年：格雷厄姆离开Denishawn，在格林威治村愚蠢地区担任独唱艺人。
1928年：Humphrey和Weidman离开Denishawn建立自己的学校和公司（Humphrey-Weidman）。
1933年：肖恩在马萨诸塞州贝克特的Jacob’s Pillow农场找到了他的所有男性舞蹈团体Ted Shawn和他的男子舞者。
在摆脱了教师的技巧和构成方法之后，早期的现代舞者开发了自己的方法，思想和舞蹈技巧，成为现代舞蹈实践的基础：

玛莎格雷厄姆和路易斯霍斯特

Doris Humphrey和Charles Weidman
Helen Tamiris最初接受自由运动训练（Irene Lewisohn）和芭蕾舞团（Michel Fokine）Tamiris与Isadora Duncan一起短暂学习，但不喜欢她强调个人表达和抒情运动。 塔米里斯认为，每一种舞蹈都必须创造出自己的表现手段，因此没有发展出个人风格或技巧。 作为编舞家，塔米里斯根据美国主题制作了以音乐会舞蹈和音乐剧为主题的作品。

Lester Horton选择在加利福尼亚州工作（距离纽约3000英里，现代舞蹈中心），Horton开发了自己的方法，融合了包括美洲原住民舞蹈和现代爵士乐在内的各种元素。 霍顿的舞蹈技巧（莱斯特霍顿技术）强调全身方法，包括灵活性，力量，协调性和身体意识，以允许言论自由。

推广
1927年，报纸经常开始指派舞蹈评论家，如沃尔特·特里和埃德温·丹比，他们从运动专家的角度而不是作为音乐或戏剧的评论家来接近表演。 教育工作者接受现代舞蹈进入大学和大学课程，首先是作为体育教育的一部分，然后是表演艺术。 许多大学教师在1934年在本宁顿学院成立的本宁顿夏季舞蹈学校接受了培训。

在Bennington项目中，Agnes de Mille写道：“…各种艺术家，音乐家和设计师都很好地融合在一起，其次，因为所有负责预订整个大陆大学音乐会系列的人都聚集在那里。 ……摆脱了三大垄断管理层的限制性限制，他们向欧洲客户提出了优先选择。因此，美国舞蹈演员第一次被聘请到全美各地巡回演出，这标志着他们偿付能力的开始。 “

非洲裔美国现代舞
现代舞的发展体现了非洲裔美国舞蹈艺术家的贡献，无论他们是制作纯粹的现代舞蹈作品，还是融合了非洲和加勒比影响的现代舞。

凯瑟琳邓纳姆 – 非洲裔美国舞蹈家和人类学家。 她原本是一名芭蕾舞演员，于1936年创立了自己的第一家公司Ballet Negre，后来又在伊利诺伊州芝加哥成立了Katherine Dunham Dance Company。 1945年，Dunham在纽约开设了一所学校，教授Katherine Dunham技术，融合了非洲和加勒比运动（灵活的躯干和脊柱，关节骨盆，四肢隔离和多节律运动），融合了芭蕾舞和现代舞技术。

珍珠普里默斯 – 一位舞蹈家，舞蹈指导和人类学家，普里默斯借助非洲和加勒比海的舞蹈，创作出以空中大跳跃为特征的强大戏剧作品。 Primus经常以黑人作家的作品以及种族和非洲裔美国人的问题为基础。 Primus根据Langston Hughes The Negro Speaks of Rivers（1944）和Lewis Allan的Strange Fruit（1945）创作了作品。 她的舞蹈公司发展成为珍珠Primus舞蹈语言学院，教授她将非裔美国人，加勒比人和非洲人的影响与现代舞蹈和芭蕾舞技巧相结合的方法。

Alvin Ailey是Lester Horton，Bella Lewitzky和后来的Martha Graham的学生，Ailey在音乐会和戏剧舞蹈方面工作了数年。 1958年，Ailey和一群年轻的非洲裔美国舞者在纽约的Alvin Ailey美国舞蹈剧院演出。 艾利利用他对德克萨斯州的“血液记忆”，蓝调，精神和福音作为灵感。 他最受欢迎和广受好评的作品是Revelations（1960）。

现代舞的遗产
现代舞蹈的遗产可以在20世纪的音乐会舞蹈形式中看到。 虽然经常产生不同的舞蹈形式，但许多开创性的舞蹈艺术家有着共同的传统，可以追溯到自由舞蹈。

后现代舞蹈
当社会质疑政治和艺术中的真理和意识形态时，后现代舞在20世纪60年代在美国发展起来。 这一时期的特点是艺术中的社会和文化实验。 编舞者不再创造特定的“学校”或“风格”。 不同时期舞蹈的影响变得更加模糊和分散。 后现代舞是很少或根本没有音乐表演的。

当代舞蹈
当代舞蹈在20世纪50年代出现，将舞蹈形式与现代舞蹈元素和古典芭蕾元素相结合。 它可以使用来自非西方舞蹈文化的元素，例如非洲舞蹈，弯曲的膝盖作为特征，以及Butoh，日本当代舞蹈，发展于20世纪50年代。 它也源于现代欧洲主题，如诗意和日常元素，虚线，非线性运动和重复。 许多当代舞者每天都会接受古典芭蕾舞训练，以跟上舞蹈编排的技术性。 这些舞者倾向于遵循有效的身体运动，占据空间和注重细节的想法。 今天的当代舞蹈包括音乐会和商业舞蹈，因为流行文化和电视节目模糊了线条。 根据Treva Bedinghaus的说法，“现代舞者利用舞蹈来表达他们最内心的情感，往往更接近他们的内心。在尝试编排一个例行公事之前，现代舞者决定将哪些情感传达给观众。许多现代舞者选择一个近在咫尺并且亲爱的主题，例如失去的爱情或个人的失败。舞者将选择与他们想要讲述的故事相关的音乐，或选择根本不使用音乐，然后选择服装到反映他们所选择的情绪。“