Os proeminentes acadêmicos do início do século XVII, como Andrea Sacchi, achavam que o gênero e a pintura de naturezas-mortas não carregavam a “seriedade” merecida para que a pintura fosse considerada grande. Uma influente formulação de 1667 por André Félibien, historiador, arquiteto e teórico do classicismo francês, tornou-se a clássica afirmação da teoria da hierarquia de gêneros para o século XVIII:
Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d’un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que desce mortes & sans mouvement; & comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est aussi que celui qui se rendeu l’imitute de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres…
Aquele que produz paisagens perfeitas está acima de outro que produz apenas frutas, flores ou frutos do mar. Aquele que pinta animais vivos é mais estimável do que aqueles que representam apenas coisas mortas sem movimento, e como o homem é a obra mais perfeita de Deus na terra, também é certo que aquele que se torna um imitador de Deus representando figuras humanas é muito mais excelente que todos os outros… ”.
Pintura holandesa e flamenga
A vida ainda se desenvolveu como uma categoria separada nos Países Baixos no último quartel do século XVI. O termo inglês still life deriva da palavra holandesa stilleven enquanto línguas românicas (assim como grego, polonês, russo e turco) tendem a usar termos que significam natureza morta. A pintura neerlandesa do século XV havia desenvolvido técnicas altamente ilusionistas tanto em pintura em painel quanto em manuscritos iluminados, onde as fronteiras frequentemente exibiam elaboradas exibições de flores, insetos e, em uma obra como as Horas de Catarina de Cleves, uma grande variedade de objetos. Quando o manuscrito iluminado foi substituído pelo livro impresso, as mesmas habilidades foram posteriormente empregadas na ilustração botânica científica; os Países Baixos lideraram a Europa tanto na botânica quanto na sua representação no art. O artista flamengo Joris Hoefnagel (1542–1601) fez pinturas em aquarela e guache de flores e outros objetos de natureza-morta para o imperador Rodolfo II, e havia muitas ilustrações gravadas para livros (muitas vezes coloridas à mão), como o Florilegium de Hans Collaert. , publicado por Plantin em 1600.
Cerca de 1600 pinturas de flores em óleos tornaram-se uma espécie de mania; Karel van Mander pintou algumas obras e registra que outros artistas maneiristas do norte, como Cornelis van Haarlem, também o fizeram. Não são conhecidos fragmentos de flores sobreviventes, mas muitos sobrevivem dos principais especialistas, Jan Brueghel, o Velho, e Ambrosius Bosschaert, ambos ativos no sul da Holanda.
Enquanto os artistas do Norte encontraram oportunidades limitadas para produzir a iconografia religiosa que há muito tempo era sua base – imagens de temas religiosos foram proibidas na Igreja Protestante Reformada Holandesa – a contínua tradição norte-americana de realismo detalhado e símbolos ocultos atraiu as crescentes classes médias holandesas , que estavam substituindo a Igreja e Estado como principais patronos da arte na Holanda. Adicionado a isso foi a mania holandesa para horticultura, particularmente a tulipa. Essas duas visões das flores – como objetos estéticos e símbolos religiosos – fundiram-se para criar um mercado muito forte para esse tipo de natureza-morta. A natureza-morta, como a maioria das obras de arte holandesas, era geralmente vendida em mercados abertos ou por comerciantes, ou por artistas em seus estúdios, e raramente comissionada; portanto, os artistas geralmente escolhem o assunto e o arranjo. Tão popular era esse tipo de pintura de natureza-morta que grande parte da técnica da pintura de flores holandesa foi codificada no tratado de 1740 Groot Schilderboeck de Gerard de Lairesse, que dava conselhos abrangentes sobre cor, arranjos, pinceladas, preparação de espécimes, harmonia, composição, perspectiva, etc.
O simbolismo das flores evoluiu desde os primeiros dias cristãos. As flores mais comuns e seus significados simbólicos incluem: rosa (Virgem Maria, transitoriedade, Vênus, amor); lírio (Virgem Maria, virgindade, peito feminino, pureza de espírito ou justiça); tulipa (ostentação, nobreza); girassol (fidelidade, amor divino, devoção); violeta (modéstia, reserva, humildade); columbine (melancolia); papoula (poder, sono, morte). Quanto aos insetos, a borboleta representa a transformação e a ressurreição, enquanto a libélula simboliza a transitoriedade e o trabalho duro e a atenção à colheita.
Os artistas flamengos e holandeses também ramificaram e reviveram a antiga tradição da vida ainda grega de trompe l’oeil, particularmente a imitação da natureza ou mimesis, que eles chamavam de bedriegertje (“pequena ilusão”). Além desses tipos de naturezas-mortas, os artistas holandeses identificaram e desenvolveram separadamente as pinturas “cozinha e mercado”, o café da manhã e a mesa de comida, pinturas vanitas e pinturas de coleções alegóricas.
Na Holanda católica do sul, o gênero de pinturas em guirlanda foi desenvolvido. Por volta de 1607 a 1608, os artistas de Antuérpia, Jan Brueghel, o Velho, e Hendrick van Balen começaram a criar essas imagens, que consistem em uma imagem (geralmente devocional) que é cercada por uma exuberante vida-morta.As pinturas eram colaborações entre dois especialistas: uma natureza morta e um pintor de figuras. Daniel Seghers desenvolveu o gênero ainda mais.Originalmente servindo a uma função devocional, as pinturas de festão tornaram-se extremamente populares e foram amplamente usadas como decoração de casas.
Um gênero especial de natureza morta era o chamado pronkstilleven (holandês por “natureza morta ostensiva”). Este estilo de pintura ainda-vida ornamentada foi desenvolvido na década de 1640 em Antuérpia por artistas flamengos como Frans Snyders e Adriaen van Utrecht. Eles pintaram naturezas-mortas que enfatizavam a abundância, descrevendo uma diversidade de objetos, frutas, flores e caça morta, muitas vezes junto com pessoas vivas e animais. O estilo foi logo adotado por artistas da República Holandesa.
Especialmente populares nesse período foram as pinturas vanitas, nas quais arranjos suntuosos de frutas e flores, livros, estatuetas, vasos, moedas, jóias, pinturas, instrumentos musicais e científicos, insígnias militares, prata fina e cristal, eram acompanhados por lembretes simbólicos de vida. impermanência. Além disso, um crânio, uma ampulheta ou um relógio de bolso, uma vela acesa ou um livro com páginas girando, serviriam como uma mensagem moral sobre a efemeridade dos prazeres sensoriais. Muitas vezes, algumas das frutas e flores seriam mostradas começando a estragar ou desaparecer para enfatizar o mesmo ponto.
| Cornelis Norbertus Gysbrechts (c. 1660–1683), Trompe l’oeil (c. 1680), Museu de Arte do Condado de Los Angeles | Jan Philip van Thielen (1618-1667), Vaso de Flores(c. 1660), Museu Fitzwilliam, Cambridge, Inglaterra | Maria van Oosterwijk,Vanitas-Ainda vida(1693) | Jan Jansz, Treck (1606–1652), Jarra de Estanho de Vida Ainda e Duas Pratos de Porcelana(1645) | Lubin Baugin (c. 1610-1663), Le Dessert de Gaufrettes (c. 1631), Museu do Louvre, Paris |
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Outro tipo de natureza morta, conhecido como ontbijtjes ou “pinturas de café da manhã”, representa tanto uma apresentação literal de iguarias que a classe alta pode desfrutar como um lembrete religioso para evitar a gula. Por volta de 1650, Samuel van Hoogstraten pintou uma das primeiras pinturas de parede, trompe-löil pinturas naturezas-mortas que apresentam objetos amarrados, pregados ou presos de alguma outra forma a uma tábua de parede, um tipo de natureza-morta muito popular no mundo. Estados Unidos no século XIX. Outra variação foi a vida ainda trompe-öil retratada objetos associados com uma determinada profissão, como acontece com a pintura de Cornelis Norbertus Gysbrecht “Cavalete do pintor com pedaço de fruta”, que exibe todas as ferramentas de um ofício de pintor.Também popular na primeira metade do século 17 foi a pintura de uma grande variedade de espécimes em forma alegórica, como os “cinco sentidos”, “quatro continentes”, ou “as quatro estações”, mostrando uma deusa ou figura alegórica cercado por objetos naturais e artificiais apropriados. A popularidade das pinturas vanitas, e dessas outras formas de natureza morta, logo se espalhou da Holanda para a Flandres e Alemanha, e também para a Espanha e a França.
A produção de naturezas-mortas dos Países Baixos era enorme, e eles eram amplamente exportados, especialmente para o norte da Europa; A Grã-Bretanha dificilmente produzia a si mesma. A vida ainda alemã seguiu de perto os modelos holandeses; Georg Flegel foi um pioneiro em vida-morta pura, sem figuras, e criou a inovação composicional de colocar objetos detalhados em gabinetes, armários e vitrines e produzir múltiplas visualizações simultâneas.
Pinturas holandesas, flamengas, alemãs e francesas
| Peter Paul Rubens, Diana Retornando da Caçada , elementos da vida ainda por um especialista (c. 1615) | Rembrandt, ainda vida com dois pavões mortos e uma menina (c. 1639) | Willem Claeszoon Heda (1594–1680), Natureza Morta com Torta, Jarro de Prata e Caranguejo(1658) | Ambrosius Bosschaert (1573–1621), Natureza Morta de Flores(1614) |
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| Samuel van Hoogstraten, Letter Rack Feinado com Implementos de Escrita (c. 1655) | Pieter Boel (1626–1674),Natureza morta com um globo e um papagaio (c. 1658) | Pieter Claesz (c.1597–1660),Natureza Morta (1623) | Jan Davidsz. de Heem (1606–1684), Natureza morta com frutas, flores, óculos e lagosta(c. 1660s) |
| Peter Binoit, 1618, Castelo Skokloster. | Pieter Claesz (c. 1597–1660), natureza morta com banheira de sal | Osias Beert, o Velho, Pratos com Ostras, Frutas e Vinho | George Flegel (1566-1638),Ainda-vida com pão e confeitaria , 1630 |
