O Museu de Arte de Indianápolis (IMA) é o nono maior e oitavo maior museu de arte enciclopédico dos Estados Unidos. A coleção permanente compreende mais de 54.000 obras, incluindo peças africanas, americanas, asiáticas e européias. O Museu de Arte de Indianápolis está localizado em um campus de 152 hectares de jardins exuberantes, casas históricas, esculturas ao ar livre, performances inspiradoras e espaços de galerias. Fundada em 1883, o IMA está entre os 10 mais antigos e 10 maiores museus de arte enciclopédica nos Estados Unidos e possui coleções importantes de arte africana, americana, asiática, européia, arte contemporânea e artes de design que abrangem 5.000 anos de história.

O Museu de Arte de Indianápolis (conhecido coloquialmente como o IMA) é um museu de arte enciclopédico localizado em Indianápolis, Indiana, Estados Unidos. O museu, que sofreu uma expansão de US $ 74 milhões em 2005, está localizado em um campus de 152 acres (0.62 km2) na área quase noroeste, fora do centro de Indianápolis, a noroeste do Cemitério Crown Hill.

Com programação inovadora para atrair convidados de todas as idades, o IMA oferece uma variedade de experiências interativas dentro das galerias, em todo o campus e dentro da comunidade local. De demonstrações de jardinagem na Madeline F. Elder Greenhouse para exibições de filmes ao ar livre no Anfiteatro IMA para celebrações comunitárias no Parque Art & Nature da Virginia B. Fairbanks: 100 acres, os convidados são convidados a interagir com arte e natureza em novas e emocionantes formas EU SOU UM. Junto com o campus de Indianápolis, o IMA também possui Miller House and Garden em Columbus, Ind., Um dos exemplos mais conhecidos do país de residências modernistas do meio do século.

Áreas significativas da coleção incluem: pinturas neo-impressionistas; Pinturas japonesas do período Edo; Cerâmica chinesa e bronzes; pinturas, esculturas e gravuras de Paul Gauguin e da escola Pont-Aven; uma grande quantidade de obras de J. W. W. Turner; e uma crescente coleção de arte contemporânea. Outras áreas de ênfase incluem têxteis e artes da moda, bem como um foco recente no design moderno.

Além de suas coleções, o museu é composto por 100 hectares: o parque de arte e natureza Virginia B. Fairbanks; Oldfields, uma propriedade restaurada da era do país americano, uma vez propriedade de Josiah K. Lilly, Jr .; e jardins e terrenos restaurados originalmente projetados por Percival Gallagher da firma Olmsted Brothers. O IMA também possui a Miller House, uma casa moderna de meio século projetada por Eero Saarinen e localizada em Columbus, Indiana. As explorações do museu demonstram a ênfase da instituição nas conexões entre arte, design e ambiente natural.

O Museu de Arte de Indianápolis foi fundado como a Associação de Arte de Indianápolis, um grupo de membros abertos liderado pelo sufragista May Wright Sewall. Formada em 1883, a organização visou informar o público sobre a arte visual e fornecer educação artística. A primeira exposição da Associação de Arte, inaugurada em 7 de novembro de 1883, continha 453 obras de arte de 137 artistas. A morte do rico residente de Indianápolis, John Herron, em 1895, deixou um legado substancial com a estipulação de que o dinheiro fosse usado para uma galeria e uma escola com o nome dele. O Instituto de Arte John Herron abriu em 1902 na esquina da rua 16 e da Pensilvânia. A ênfase no movimento Artes e Ofícios cresceu ao longo dos primeiros anos da escola, com foco na arte aplicada. William Henry Fox foi contratado em 1905 como o primeiro diretor do Art Institute. De 1905 a 1910, a Fox geriu o museu e a escola ao construir dois novos edifícios no 16º local da rua.

Da década de 1930 até a década de 1950, o Instituto de Arte John Herron enfatizou o profissionalismo e o crescimento das coleções. Wilbur Peat, diretor do museu de 1929 até 1965, adquiriu partes significativas da coleção. A turfa também fez conexões com benfeitores como o Dr. George H. A. Clowes, Booth Tarkington e Eli Lilly. Caroline Marmon Fesler, presidente da Associação de Arte de Indianápolis, deu uma série de obras de arte na década de 1940, incluindo obras de arte modernas do século XX e obras pós-impressionistas de Cézanne, Van Gogh e Seurat. Depois de anos de debate em torno da expansão e deslocalização do museu e da escola, os bisnetos de Eli Lilly, J.K. Lilly III e Ruth Lilly, doaram a propriedade da família, Oldfields, à Associação de Arte de Indianápolis em 1966. Um ano depois, decidiu que a escola passaria a fazer parte do campus de Indiana University da Indiana em um esforço para auxiliar na acreditação. No mesmo ano, confirmou-se que o museu se deslocasse para Oldfields, com a nova abertura do Pavilhão Krannert ao público em outubro de 1970. Em 1969, antes de se mudar para o novo site, a Art Association of Indianapolis mudou oficialmente seu nome para Indianapolis Museu de Arte.

Em 2008, o museu mudou sua entrada principal e endereço da 1200 West 38th Street para a 4000 North Michigan Road.

O Museu de Arte de Indianápolis tem uma coleção permanente de mais de 54.000 obras que representam culturas de todo o mundo e abrangem mais de 5.000 anos. As áreas da coleção incluem: pintura e escultura européias; Pintura e escultura americanas; impressões, desenhos e fotografias; Arte asiática; arte da África, do Pacífico Sul e das Américas; arte antiga do Mediterrâneo; Artes de design; artes têxteis e da moda; e arte contemporânea. O museu possui uma coleção significativa de pinturas e estampas neo-impressionistas, muitas das quais foram dadas em 1977 pelo industrial local W. J. Holliday. Combinado com a coleção Neo-Impressionista é a Coleção Samuel Josefowitz de Gauguin e a Escola de Pont-Aven, que inclui destaques como os bretões em um ferryboat de Émile Bernard. O IMA também possui uma grande coleção de obras de J.M.W. Turner, contendo destaques como a aguarela 1820, Rosslyn Castle. A coleção, que foi formada por uma doação substancial do filantropo Kurt Pantzer em 1979, inclui mais de cinquenta aquarelas, além de pinturas a óleo, estampa e gravuras.

A coleção européia, organizada em obras antes de 1800 e obras de 1800 a 1945, inclui destaques como Aristóteles de Jusepe de Ribera e The Flageolet Player on the Cliff de Paul Gauguin. O autorretrato de Rembrandt faz parte da Clowes Fund Collection, que compreende uma série de peças importantes de Old Masters. Parte da coleção Neo-Impressionista, The Channel of Gravelines, Petit Fort Philippe de Georges Seurat foi uma das primeiras obras a serem doadas por Caroline Marmon Fesler na década de 1940. Fesler continuaria a doar uma série de obras importantes, incluindo seu legado em 1961 de notáveis ​​peças do modernismo do século XX que incluíam Pablo Picasso, Chagall e Matisse. Pieces na coleção americana representam impressionismo americano e modernismo, incluindo obras de Georgia O’Keeffe e George Inness. As peças importantes incluem Lobby do Hotel (1943) de Edward Hopper e Boat Builders da Winslow Homer.

O museu tem uma coleção substancial de arte asiática, com mais de 5.000 peças que abrangem 4.000 anos. O mais notável é a coleção aclamada pelo IMA de pinturas, ropeiras e telas japonesas do período Edo. Os destaques incluem A Thousand Peaks e Myriad Ravines, um trabalho da dinastia Ming de Wu Bin e Budistas budistas, taoístas e confucionistas, um painel do período Edo de Kano Sanraku, além de uma série de cerâmicas chinesas e bronzes que foram doadas por Eli Lilly em 1961, como um bom guang de bronze Shang. A coleção do IMA também é composta por mais de 2.000 peças de arte e arte africanos, dos quais 1.200 foram doados por Harrison Eiteljorg em 1989. O IMA expandiu a coleção para incluir objetos históricos e contemporâneos de todas as principais regiões da África, incluindo Egito. O museu é único em sua exibição inclusiva de obras islâmicas e egípcias antigas dentro da galeria africana, e não com antiguidades gregas ou romanas. As peças significativas incluem uma figura de antepassado feminino do povo Senufo e máscara de capacete Magbo para a associação Oro pelo mestre escultor Onabanjo de Itu Meko.

A coleção de arte têxtil e de moda do museu é composta por 7.000 itens, incluindo fantasias customizadas de 20, Givenchy, Chanel e Balmain. A coleção inclui uma série de tradições mundiais do tecido, incluindo tecidos africanos doados pelas irmãs Eliza e Sarah Niblack entre 1916 e 1933 e uma coleção significativa de tapetes Baluchi. Com base na história inicial do museu de colecionar têxteis, os itens variam de alta costura a sedas e laços antigos cobrindo 500 anos. Algumas peças notáveis ​​incluem um vestido da corte imperial russa pelo designer Charles Frederick Worth e o Bodhisattva of Wisdom (Mañjusri), um painel de seda da Dinastia Ming. A coleção de artes de design do museu é composta por peças européias e americanas do Renascimento até o presente. A coleção inclui o aparador de Eliel Saarinen, projetado em 1929 para a Exposição do Museu Metropolitano de Arte. O Arquiteto e as Artes Industriais: uma Exposição de Design Contemporâneo Americano e uma espreguiçadeira Bubbles desenhada por Frank Gehry em 1979 para a Série Experimental Edges.

Nos últimos anos, o IMA começou a se concentrar no desenvolvimento de sua coleção de arte contemporânea, que inclui obras como Two White Dots in the Air de Alexander Calder e Light e Space III, uma instalação permanente de Robert Irwin, localizado no Pulliam Great Hall. Desde 2007, o museu apresentou instalações contemporâneas específicas do local no Pavilhão Efroymson, girando os trabalhos temporários a cada seis meses. O Pavilhão Efroymson apresentou obras de artistas como William Lamson, Ball-Nogues Studio, Orly Genger e Heather Rowe para citar alguns. A arte contemporânea também é exibida em 100 acres: o parque de arte e natureza Virginia B. Fairbanks, que é único na inclusão de trabalhos encomendados por artistas emergentes de meados da carreira. Desde 2007, o IMA comprometeu-se a construir uma coleção de design moderno que ilustra os méritos artísticos de objetos utilitários. O foco no design internacional contemporâneo, combinado com a abertura da Miller House em 2011, deverá reposicionar o museu como uma autoridade em design.

As práticas de recolha e desacessão do IMA utilizaram a tecnologia para proporcionar acesso público, abertura e transparência nas operações do museu. Desvelado em março de 2009, o banco de dados de desacessões on-line do museu enumera todos os objetos sendo desacreditados e liga novas aquisições aos objetos vendidos que proporcionaram fundos para sua compra. O IMA foi elogiado por ser o primeiro entre os museus a compartilhar abertamente suas práticas de desacessão e incluir a capacidade de publicar comentários públicos nas entradas no banco de dados pesquisável. O IMA também desenvolveu o Registro de Objetos da Associação de Diretor de Museus de Arte (AAMD), um banco de dados que ajuda os museus a respeitarem mais facilmente a decisão da UNESCO de 1970 que previne o tráfico ilícito de antiguidades. Desde 2003, o IMA pesquisou sistematicamente a proveniência de obras de arte criadas antes de 1946 e adquiridas após 1932.

O departamento de conservação do IMA foi criado em 1970 pelo primeiro conservador de tempo integral do museu, Paul Spheeris, e rapidamente se tornou conhecido como um centro regional de conservação. Em 1978, o departamento começou a prestar serviços de consultoria a instituições regionais, assumindo contratos de todo o Centro-Oeste. Um contrato inicial de alto nível envolveu a preservação de 45 retratos de governadores ao longo de 15 meses. A exposição de 1979, Retratos e Pintores dos Governadores de Indiana, foi realizada no IMA de janeiro a março antes que os retratos fossem exibidos permanentemente no Indiana Statehouse. Outros grandes projetos regionais incluíram a conservação e restauração dos murais Thomas Hart Benton, criados pela primeira vez para o Indiana Hall na Feira Mundial de Chicago de 1933 e agora localizados na Universidade de Indiana, os murais do Hospital Wishard Memorial, os murais de Otto Stark e Clifton Wheeler em Indianapolis Public School 54 e, mais recentemente, a restauração das Tochas Memorial de May Wright Sewall na Herron High School, o antigo site do John Herron Art Institute.

Atualmente, o departamento de conservação atende as necessidades do museu através da especialização de especialistas em pinturas, têxteis, trabalhos em papel, quadros e conservação de objetos. O departamento cresceu em tamanho e pessoal ao longo dos anos, com a expansão mais recente ocorrendo em 2007. A partir de 2007, o IMA possuía uma das poucas unidades de raios-X baseadas em computador nos Estados Unidos, continuando uma tendência em X – tecnologia que o departamento começou na década de 1970. Em 1980, o departamento ajudou a organizar e estabelecer a Guild Regional de Conservação do Midwest, que inclui conservadores e cientistas de conservação de Indiana, Ohio, Illinois e Michigan. Em meados da década de 1980, o departamento recebeu atenção quando o conservador principal, Martin Radecki, ajudou as autoridades locais a descobrir mais de duas dúzias de T. T. forjado. Steele e William Forsythe pinturas no valor de mais de US $ 200.000. O caso de falsificação de alto perfil levou Radecki a organizar uma exposição em 1989, é genuíno? Steele, Forsythe e Forgery em Indiana. A exposição destacou técnicas de conservação e examinou como as falsificações podem ser descobertas. Outra apresentação pública da conservação ocorreu em 2007 com Sebastiano Mainardi: The Science of Art, uma exposição do Star Studio que permitiu aos visitantes observar os conservadores enquanto trabalhavam no retábulo do século XVI. O Star Studio do IMA é uma galeria interativa que permite aos visitantes aprender, através do processo de criação de arte e observação, sobre as coleções do museu.

Em fevereiro de 2010, o IMA passou dos padrões atuais de controle ambiental em seus espaços de exibição, permitindo flutuações de temperatura e umidade de alguns graus em cada lado do padrão sugerido. O IMA renunciou ao padrão depois de concluir que a maioria das obras poderia sustentar uma maior amplitude de umidade, permitindo que o museu economizasse o custo das contas de energia e reduzisse sua pegada de carbono.

In October 2008, the IMA announced a $2.6 million grant from the Lilly Endowment to be used toward the creation of a state-of-the-art conservation science lab. Through a grant from the Andrew W. Mellon Foundation, Dr. Gregory Dale Smith, was hired in October 2009 to lead the lab as its senior conservation scientist. A main focus of the lab is researching the IMA’s collection, including couture fashion in the textile collection and objects made of synthetic materials in the design collection. Another focus is scientific research on materials found in the collections, such as resins and dyes on African art pieces and glazes on Asian ceramics. Through the addition of the lab, the IMA aims to establish itself as an internationally recognized conservation center and to increase its potential as a training and professional development resource in conservation science.

In 1909 the Art Association campaigned for a major retrospective, the Augustus Saint-Gaudens Memorial Exhibition, to be brought to Indianapolis. The exhibition, also referred to as the Saint-Gaudens Memorial Exhibition of Statuary, attracted 56,000 visitors during its three-month run, well beyond the board’s goal of attracting 50,000 visitors. A 1937 exhibition, Dutch Paintings of the Seventeenth Century, included loans from the Cincinnati Art Museum, the Metropolitan Museum of Art, and the Rijksmuseum Amsterdam. The six-week exhibition presented 65 pieces, including several Rembrandts, and was considered the beginning of the museum’s rise to connoisseurship.

In 1977, the IMA acquired a collection of Neo-Impressionist paintings from Indianapolis industrialist W.J. Holliday, which was presented in an exhibition in 1983 titled The Aura of Neo-Impressionism: The W.J. Holliday Collection. From 1986 to 1988, the exhibit traveled to seven cities in the United States and made one stop in Europe at the Van Gogh Museum in Amsterdam. Opening in the summer of 1987 to coincide with the Pan American Games, Art of the Fantastic: Latin America, 1920–1987 presented 125 works by artists from a variety of nations. Well-known artists such as Frida Kahlo and Roberto Matta were featured, as well as artists who had never exhibited outside their native country. The show was the first large-scale presentation of 20th-century Latin American art in the United States in over 20 years and was the museum’s first contemporary exhibition to travel.

In 1992, the IMA hosted The William S. Paley Collection, a traveling exhibition organized by the Museum of Modern Art that included Impressionist, Post-Impressionist, and modern pieces collected by the late CBS news chairman William S. Paley. The exhibit helped establish the IMA as a prominent museum venue in the Midwest and brought in a record-setting 60,837 visitors. In 2001, the IMA collaborated with the Armory Museum in Moscow to organize Gifts to the Tsars, 1500–1700: Treasures from the Kremlin. The show helped the IMA form partnerships with local arts organizations, gain international exposure, and attracted a record 70,704 visitors. Another important exhibit to travel to the IMA was Roman Art from the Louvre, which attracted 106,002 visitors during its 2008 run. The exhibition featured 184 mosaics, frescoes, statues, marble reliefs, and vessels loaned from the permanent collection of the Louvre in Paris, France. It was the largest collection ever loaned from the Louvre to date, and only stopped in three U.S. cities before returning to France.

In 2009, Sacred Spain: Art and Belief in the Spanish World brought together 71 works of art from a wide variety of lenders, including Peru, Mexico, and the Prado in Spain. The exhibit was composed of a rare collection of pieces, many of which had never been on view in the United States. It featured paintings, sculpture, metalwork, and books by artists such as El Greco, Diego Velázquez, and Bartolomé Esteban Murillo. Andy Warhol Enterprises was displayed at the IMA from October, 2010 to January, 2011 and featured more than 150 works of art by Andy Warhol, as well as archival materials. The exhibition was the largest to illustrate Warhol’s fascination with money and feature consumerism as a central theme. Visitors were able to view the progression of Warhol’s career, from his beginnings as a commercial artist to his multimillion-dollar empire.

European Design since 1985: Shaping the New Century was displayed from March 8 to June 21, 2009 and was the first major survey of contemporary European Design. The exhibition contained a collection of nearly 250 pieces by Western European industrial and decorative designers such as Philippe Starck, Marc Newson and Mathias Bengtsson. Three prominent modes of design emerged from 1985–2005 and could be seen in the exhibition: Geometric Minimal design, Biomorphic design and Neo-Pop design. Among the themes addressed throughout the exhibition was the question of what makes something “art” and how to distinguish a museum quality piece in a world full of mass-produced products. Rather than organizing the exhibition by designer or country, the pieces were organized based on the intellectual or philosophical precept under which they fell. After leaving the IMA, the exhibition traveled to the High Museum of Art in Atlanta and the Milwaukee Art Museum in Milwaukee.

Hard Truths: The Art of Thornton Dial, on display from February to September 2011, includes over 70 large-scale artworks and is the largest assemblage of Thornton Dial’s work ever mounted. The exhibition contextualizes Dial as a relevant, contemporary artist rather than a folk artist or outsider artist as many have portrayed him in the past. The pieces on view in Hard Truths cover a range of social and political themes, many of which address rural life in the south and the treatment of African Americans. After departing Indianapolis, the exhibition is scheduled to travel to New Orleans, Charlotte, North Carolina and Atlanta.

In 2010, the IMA was selected to be the commissioning organization for the United States pavilion at the Venice Biennale (Biennale di Venezia). The IMA’s proposal to create an exhibition featuring the work of Puerto Rican artists Jennifer Allora and Guillermo Calzadilla was accepted by the Bureau of Educational and Cultural Affairs at the U.S. State Department. Allora and Calzadilla were the first collaborative team to be exhibited at the Venice Biennale, and 2011 was the first time American artists from a Spanish-speaking community were selected. Six new works of art will be developed by the pair, who often explore geopolitical themes through their work. The pieces they created for the 2011 U.S. Pavilion will formed an exhibition entitled Gloria and highlighted competitive institutions such as the Olympic Games, the military, and international commerce. Allora and Calzadilla also brought bring elements of performance into their multimedia pieces through the participation of Olympic athletes. Three of the six pieces, entitled Body in Flight (Delta), Body in Flight (American), and Track and Field, featured Olympians Dan O’Brien, Chellsie Memmel, and David Durante.

Design europeu desde 1985: a modelagem do novo século foi exibida de 8 de março a 21 de junho de 2009 e foi o primeiro grande estudo do design europeu contemporâneo. A exposição continha uma coleção de cerca de 250 peças de designers industriais e decorativos da Europa Ocidental, como Philippe Starck, Marc Newson e Mathias Bengtsson. Três modos de design proeminentes surgiram de 1985 a 2005 e podem ser vistos na exposição: design minimalista geométrico, design biomassico e design neo-pop. Entre os temas abordados durante a exposição foi a questão do que faz algo “arte” e como distinguir uma peça de qualidade de museu em um mundo cheio de produtos produzidos em massa. Em vez de organizar a exposição por designer ou país, as peças foram organizadas com base no preceito intelectual ou filosófico sob o qual eles caíram. Depois de deixar o IMA, a exposição viajou para o High Museum of Art em Atlanta e no Milwaukee Art Museum em Milwaukee.

Hard Truths: The Art of Thornton Dial, em exibição de fevereiro a setembro de 2011, inclui mais de 70 obras de arte em larga escala e é a maior montagem do trabalho da Thornton Dial já montada. A exposição contextualiza Dial como um artista relevante e contemporâneo em vez de um artista popular ou artista estrangeiro, como muitos o retrataram no passado. As peças em vista em Hard Truths cobrem uma série de temas sociais e políticos, muitos dos quais abordam a vida rural no sul e o tratamento dos afro-americanos. Ao sair de Indianápolis, a exposição está programada para viajar para Nova Orleans, Charlotte, Carolina do Norte e Atlanta.

Em 2010, o IMA foi selecionado para ser a organização de comissionamento do pavilhão dos Estados Unidos na Bienal de Veneza (Bienal de Veneza). A proposta do IMA para criar uma exposição com o trabalho dos artistas porto-riquenhos Jennifer Allora e Guillermo Calzadilla foi aceita pelo Bureau of Educational and Cultural Affairs no Departamento de Estado dos EUA. Allora e Calzadilla foram a primeira equipe colaborativa a ser exibida na Bienal de Veneza e 2011 foi a primeira vez que os artistas americanos de uma comunidade de língua espanhola foram selecionados. Seis novas obras de arte serão desenvolvidas pelo par, que muitas vezes exploram temas geopolíticos através de seu trabalho. As peças que criaram para o Pavilhão dos EUA de 2011 formarão uma exposição intitulada Gloria e destacaram instituições competitivas, como os Jogos Olímpicos, os militares e o comércio internacional. Allora e Calzadilla também trouxeram elementos de performance para suas peças multimídia através da participação de atletas olímpicos. Três das seis peças, intitulado Body in Flight (Delta), Body in Flight (American), e Track and Field, apresentaram os olimpíados Dan O’Brien, Chellsie Memmel e David Durante.