El Museo de Arte de Indianápolis (IMA) es el noveno museo de arte enciclopédico más antiguo y octavo en los Estados Unidos. La colección permanente comprende más de 54.000 obras, entre ellas piezas africanas, americanas, asiáticas y europeas. El Museo de Arte de Indianápolis se encuentra en un campus de 152 acres de exuberantes jardines, casas históricas, esculturas al aire libre, el rendimiento inspirador y espacios de galería. Fundada en 1883, la IMA está entre los 10 museos de arte enciclopédicos más antiguos y 10 más grandes de los Estados Unidos y cuenta con importantes colecciones de arte africano, americano, asiático, europeo, contemporáneo y de diseño que abarcan 5.000 años de historia.
El Museo de Arte de Indianápolis (conocido coloquialmente como el IMA) es un museo de arte enciclopédico ubicado en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos. El museo, que sufrió una expansión de $ 74 millones en 2005, está ubicado en un campus de 152 acres (0,62 km2) en el área cercana al noroeste del centro de Indianápolis, al noroeste del cementerio Crown Hill.
Con una programación innovadora para atraer a los invitados de todas las edades, el IMA ofrece una variedad de experiencias interactivas dentro de las galerías, en todo el campus y dentro de la comunidad local. Desde las demostraciones de jardinería en el invernadero Madeline F. Elder a las proyecciones de películas al aire libre en el Amphitheatre IMA a las celebraciones comunitarias en Virginia B. Fairbanks Art & Nature Park: 100 acres, invitados son invitados a interactuar con el arte y la naturaleza en nuevas formas emocionantes en el IMA. Junto con el campus de Indianápolis, el IMA también es dueño de la Casa y Jardín Miller en Columbus, Indiana, uno de los ejemplos más reconocidos del país de las residencias modernistas de mediados de siglo.
Las áreas significativas de la colección incluyen: Pinturas Neo-Impresionistas; Pinturas japonesas del periodo Edo; Cerámica china y bronces; pinturas, esculturas y grabados de Paul Gauguin y la Escuela Pont-Aven; un gran número de obras de J.M.W. Turner; y una creciente colección de arte contemporáneo. Otras áreas de énfasis incluyen los textiles y las artes de la moda, así como un enfoque reciente en el diseño moderno.
Además de sus colecciones, el museo consta de 100 hectáreas: Virginia B. Fairbanks Arte y Parque Natural; Oldfields, un estado americano restaurado de la era del lugar del país poseído una vez por Josiah K. Lilly, Jr .; y los jardines y los jardines restaurados diseñados originalmente por Percival Gallagher de la firma de los hermanos de Olmsted. La IMA también es propietaria de la Casa Miller, una casa moderna de mediados de siglo diseñada por Eero Saarinen y ubicada en Columbus, Indiana. Las posesiones del museo demuestran el énfasis de la institución en las conexiones entre arte, diseño, y el ambiente natural.
El Museo de Arte de Indianápolis fue fundado como la Asociación de Arte de Indianápolis, un grupo de membresía abierta liderado por el sufragista May Wright Sewall. Formada en 1883, la organización tenía como objetivo informar al público sobre arte visual y proporcionar educación artística. La primera exposición de la Asociación de Arte, inaugurada el 7 de noviembre de 1883, contenía 453 obras de arte de 137 artistas. La muerte del rico residente de Indianápolis John Herron en 1895 dejó un legado sustancial con la estipulación de que el dinero se utilizará para una galería y una escuela con su nombre. El John Herron Art Institute se inauguró en 1902 en la esquina de la calle 16 y Pennsylvania. El énfasis en el movimiento Artes y Oficios creció a lo largo de los primeros años de la escuela, con un enfoque en el arte aplicado. William Henry Fox fue contratado en 1905 como el primer director del Instituto de Arte. De 1905 a 1910, Fox manejó el museo y la escuela mientras que construía dos nuevos edificios en el 16o sitio de la calle.
De los años 30 hasta los años 50, el instituto del arte de Juan Herron puso un énfasis en el profesionalismo y el crecimiento en colecciones. Wilbur Peat, director del museo desde 1929 hasta 1965, adquirió importantes porciones de la colección. La turba también hizo conexiones con los benefactores tales como Dr. George H. A. Clowes, Booth Tarkington, y Eli Lilly. Caroline Marmon Fesler, presidenta de la Asociación de Arte de Indianápolis, dio una serie de obras de arte en la década de 1940, incluyendo obras de arte moderno del siglo XX y obras postimpresionistas de Cézanne, Van Gogh y Seurat. Después de años de debate alrededor de la expansión y la reubicación del museo y la escuela, los bisnietos de Eli Lilly, J.K. Lilly III y Ruth Lilly donaron la propiedad familiar Oldfields a la Asociación de Arte de Indianápolis en 1966. Un año más tarde se decidió que la escuela se convertiría en parte del campus de la Universidad de Indiana en Indianapolis en un esfuerzo por asistir con la acreditación. Ese mismo año se confirmó que el museo se trasladaría a Oldfields, con el nuevo Pabellón Krannert abriendo al público en octubre de 1970. En 1969, antes de mudarse al nuevo sitio, la Asociación de Arte de Indianápolis cambió oficialmente su nombre a Indianápolis Museo de arte.
En 2008, el museo cambió su entrada principal y dirección de 1200 West 38th Street a 4000 North Michigan Road.
El Museo de Arte de Indianápolis tiene una colección permanente de más de 54,000 obras que representan culturas de todo el mundo y abarcan más de 5.000 años. Las áreas de la colección incluyen: Pintura y escultura europeas; Pintura y escultura americanas; impresiones, dibujos y fotografías; Arte asiático; el arte de África, el Pacífico Sur y las Américas; antiguo arte del Mediterráneo; Artes del Diseño; textiles y artes de la moda; y el arte contemporáneo. El museo posee una importante colección de pinturas y grabados neo-impresionistas, muchos de los cuales fueron dados en 1977 por el industrial local W. J. Holliday. Combinado con la colección neo-impresionista está la colección de Samuel Josefowitz de Gauguin y la escuela de Pont-Aven, que incluye puntos culminantes tales como bretones en un transbordador de Émile Bernard. El IMA también tiene una gran colección de obras de J.M.W. Turner, que contiene aspectos destacados como la acuarela de 1820, Rosslyn Castle. La colección, que fue formada por una donación sustancial del filántropo Kurt Pantzer en 1979, incluye más de cincuenta acuarelas, así como pinturas al óleo, grabados y aguafuertes.
La colección europea, que se organiza en obras antes de 1800 y obras de 1800-1945, incluye destacados como Aristóteles de Jusepe de Ribera y El jugador de Flageolet en el acantilado de Paul Gauguin. El autorretrato de Rembrandt es parte de la colección del fondo de Clowes, que comprenda un número de pedazos importantes de los amos viejos. Parte de la colección neo-impresionista, El Canal de Gravelines, Petit Fort Philippe de Georges Seurat fue una de las primeras obras que donó Caroline Marmon Fesler en los años cuarenta. Fesler pasó a donar una serie de obras importantes, incluyendo su legado en 1961 de destacadas piezas del modernismo del siglo XX que incluían a Pablo Picasso, Chagall y Matisse. Piezas en la colección americana representan el impresionismo americano y el modernismo, incluyendo obras de Georgia O’Keeffe y George Inness. Las piezas significativas incluyen Lobby del hotel (1943) por Edward Hopper y constructores del barco por Winslow Homer.
El museo tiene una importante colección de arte asiático, con más de 5.000 piezas que abarcan 4.000 años. Lo más notable es la colección aclamada del IMA de pinturas japonesas del período de Edo, de volutas, y de pantallas. Entre los destaques destacan A Thousand Peaks y Myriad Ravines, un trabajo de la dinastía Ming de Wu Bin, y los patriarcas budistas, taoístas y confucianos, un panel del período Edo de Kano Sanraku, además de una serie de cerámicas y bronces chinos donados por Eli Lilly en 1961, como una multa Shang bronce guang. La colección de IMA también se compone de más de 2.000 piezas de arte africano y artefactos, 1.200 de los cuales fueron donados por Harrison Eiteljorg en 1989. El IMA ha ampliado la colección para incluir objetos históricos y contemporáneos de cada región importante de África, incluyendo Egipto. El museo es único en su exhibición inclusiva de obras islámicas y egipcias antiguas dentro de la galería africana, más bien que con antigüedades griegas o romanas. Las piezas significativas incluyen una figura del antepasado femenino del pueblo de Senufo y la máscara del casco de Magbo para la asociación del oro por el carver principal Onabanjo de Itu Meko.
La colección de arte textil y de moda del museo está compuesta por 7.000 artículos, entre ellos los disfraces de Givenchy, Chanel y Balmain diseñados a la medida del siglo XX. La colección incluye una serie de tradiciones de tejido del mundo, incluyendo textiles africanos donados por las hermanas Eliza y Sarah Niblack entre 1916 y 1933 y una importante colección de alfombras Baluchi. Basado en la historia temprana del museo de la colección de textiles, los artículos van desde la alta costura hasta sedas y cordones antiguos que abarcan 500 años. Algunas piezas notables incluyen un vestido de corte imperial ruso del diseñador Charles Frederick Worth y el Bodhisattva de la Sabiduría (Mañjusri), un panel de seda de la dinastía Ming. La colección de arte de diseño del museo se compone de piezas europeas y americanas desde el Renacimiento hasta el presente. La colección incluye el aparador de Eliel Saarinen diseñado en 1929 para el Museo Metropolitano de la exposición de arte El arquitecto y las artes industriales: Una exposición de diseño contemporáneo estadounidense y la chaise longue Bubbles diseñado por Frank Gehry en 1979 para la serie Experimental Edges.
En los últimos años la IMA ha comenzado a centrarse en el desarrollo de su colección de arte contemporáneo, que incluye obras como Dos puntos blancos en el aire de Alexander Calder y Light and Space III, una instalación permanente de Robert Irwin ubicado en el Gran Salón Pulliam. Desde 2007 el museo ha presentado instalaciones contemporáneas específicas del sitio en el Pabellón Efroymson, rotando las obras temporales cada seis meses. El Pabellón Efroymson ha presentado obras de artistas como William Lamson, Ball-Nogues Studio, Orly Genger, y Heather Rowe para nombrar algunos. El arte contemporáneo también se presenta en 100 acres: Virginia B. Fairbanks Arte y parque de la naturaleza, que es único en su inclusión de las obras encargadas por artistas emergentes de mitad de carrera. Desde 2007, el IMA se ha comprometido a construir una colección de diseño moderno que ilustra los méritos artísticos de los objetos utilitarios. El enfoque en el diseño contemporáneo internacional, combinado con la apertura de la Casa Miller en 2011, se espera que reposicione el museo como una autoridad en el diseño.
Las prácticas de recolección y desamortización de la IMA han utilizado tecnología para proporcionar acceso público, apertura y transparencia en las operaciones del museo. Presentado en marzo de 2009, la base de datos en línea del museo de la deaccession enumera cada objeto que es deaccessioned y liga nuevas adquisiciones a los objetos vendidos que proporcionaron los fondos para su compra. El IMA ha sido elogiado por ser el primero entre los museos a compartir abiertamente sus prácticas de desacrescendencia y por incluir la posibilidad de publicar comentarios públicos sobre las entradas en la base de datos de búsqueda. El IMA también desarrolló el Registro de Objetos de la Asociación de Director de Museos de Arte (AAMD), una base de datos que ayuda a los museos a acatar con más facilidad el decreto de la UNESCO de 1970 que previene el tráfico ilícito de antigüedades. Desde 2003, el IMA ha investigado sistemáticamente la procedencia de obras de arte creadas antes de 1946 y adquiridas después de 1932.
El departamento de conservación de IMA fue establecido en 1970 por el primer conservador a tiempo completo del museo, Paul Spheeris, y rápidamente se hizo conocido como un centro regional para la conservación. En 1978, el departamento comenzó a prestar servicios de consultoría a instituciones regionales, asumiendo contratos en todo el Medio Oeste. Un contrato temprano de alto perfil involucró la conservación de 45 retratos de gobernadores en el transcurso de 15 meses. La exposición de 1979, Retratos y Pintores de los Gobernadores de Indiana, se llevó a cabo en el IMA de enero a marzo antes de que los retratos fueran colocados en exhibición permanente en el Statehouse de Indiana. Otros importantes proyectos regionales han incluido la conservación y restauración de los murales de Thomas Hart Benton, creados por primera vez para el Salón Indiana en la Feria Mundial de Chicago de 1933 y ahora ubicados en la Universidad de Indiana, los murales del Museo Wishard Memorial, los murales Otto Stark y Clifton Wheeler Indianapolis Public School 54 y, más recientemente, la restauración de las antorchas conmemorativas May Wright Sewall en la Herron High School, antigua sede del John Herron Art Institute.
Actualmente, el departamento de conservación atiende las necesidades del museo a través de la experiencia de especialistas en pinturas, textiles, trabajos sobre papel, marcos y conservación de objetos. El departamento ha crecido en tamaño y personal a lo largo de los años, con la expansión más reciente ocurriendo en 2007. A partir de 2007, el IMA poseía una de las pocas unidades de rayos X computarizadas en los Estados Unidos, continuando una tendencia en X que el departamento comenzó en los años setenta. En 1980, el departamento ayudó a organizar y establecer el Gremio de Conservación Regional del Medio Oeste, que incluye conservadores y científicos de conservación de Indiana, Ohio, Illinois y Michigan. A mediados de la década de 1980, el departamento recibió atención cuando el conservador principal Martin Radecki ayudó a las autoridades locales a descubrir más de dos docenas de falsos T.C. Steele y Guillermo Forsythe las pinturas digno de más de $ 200.000. El caso de falsificación de alto perfil llevó a Radecki a organizar una exposición en 1989, ¿Es Genuino? Steele, Forsythe y la falsificación en Indiana. La exposición destacó las técnicas de conservación y examinó cómo se pueden descubrir las falsificaciones. Otra presentación pública de la conservación tuvo lugar en 2007 con Sebastiano Mainardi: La Ciencia del Arte, una exposición de Star Studio que permitió a los visitantes ver a los conservadores mientras trabajaban en el retablo del siglo XVI. El Star Studio de IMA es una galería interactiva que permite a los visitantes aprender, a través del proceso de creación de arte y observación, sobre las colecciones del museo.
En febrero de 2010, la IMA pasó de las actuales normas de control ambiental dentro de sus espacios de exposición, permitiendo fluctuaciones de temperatura y humedad de unos pocos grados a cada lado de la norma sugerida. El IMA renunció al estándar después de concluir que la mayoría de las obras de arte podrían sostener una gama más grande de la humedad, permitiendo así que el museo ahorre en el coste de cuentas de la energía y reduzca su huella del carbón.
En octubre de 2008, el IMA anunció una subvención de $ 2.6 millones de la dotación de Lilly para ser utilizados para la creación de un estado de la técnica de conservación de laboratorio de ciencias. A través de una subvención de la Fundación Andrew W. Mellon, el Dr. Gregory Dale Smith, fue contratado en octubre de 2009 para dirigir el laboratorio como su científico de conservación. Un foco principal del laboratorio es investigar la colección del IMA, incluyendo moda de la alta costura en la colección del textil y objetos hechos de materiales sintéticos en la colección del diseño. Otro foco es la investigación científica sobre materiales encontrados en las colecciones, tales como resinas y tintes sobre piezas de arte africano y esmaltes sobre cerámica asiática. A través de la adición del laboratorio, el IMA pretende establecerse como un centro de conservación reconocido internacionalmente y aumentar su potencial como recurso de capacitación y desarrollo profesional en ciencias de la conservación.
En 1909, la Asociación de Arte hizo campaña para una importante retrospectiva, la Exposición conmemorativa Augustus Saint-Gaudens, que se llevará a Indianápolis. La exposición, también conocida como la Exposición Misionera Estatuaria de Saint-Gaudens, atrajo a 56.000 visitantes durante sus tres meses de duración, mucho más allá del objetivo de la junta de atraer a 50.000 visitantes. Una exposición de 1937, pinturas holandesas del siglo diecisiete, incluyó préstamos del museo de arte de Cincinnati, del museo de arte metropolitano, y del Rijksmuseum Amsterdam. La exposición de seis semanas presentó 65 piezas, incluyendo varios rembrandt, y fue considerado el comienzo de la ascensión del museo a connoisseurship.
En 1977, la IMA adquirió una colección de pinturas neo-impresionistas del industrial de Indianápolis W.J. Holliday, que fue presentado en una exposición en 1983 titulada The Aura of Neo-Impressionism: The W.J. Holliday Collection. De 1986 a 1988, la exposición viajó a siete ciudades de Estados Unidos y realizó una parada en Europa en el Museo Van Gogh de Amsterdam. Inaugurada en el verano de 1987, coincidiendo con los Juegos Panamericanos, Arte de lo Fantástico: América Latina, 1920-1987 presentó 125 obras de artistas de diversas nacionalidades. Artistas de renombre como Frida Kahlo y Roberto Matta fueron presentados, así como artistas que nunca habían expuesto fuera de su país natal. El espectáculo fue la primera presentación a gran escala del arte latinoamericano del siglo XX en los Estados Unidos en más de 20 años y fue la primera exposición contemporánea del museo a viajar.
En 1992, la IMA organizó la Colección William S. Paley, una exposición itinerante organizada por el Museo de Arte Moderno que incluía obras impresionistas, postimpresionistas y modernas recogidas por el difunto presidente de noticias de la CBS, William S. Paley. La exhibición ayudó a establecer el IMA como un lugar prominente del museo en el Medio Oeste y trajo en un récord de 60.837 visitantes. En 2001, el IMA colaboró con el Museo Armory en Moscú para organizar los regalos a los zares, 1500-1700: tesoros del Kremlin. El programa ayudó a la IMA a formar asociaciones con organizaciones locales de arte, ganó exposición internacional y atrajo un récord de 70,704 visitantes. Otra exposición importante para viajar a la IMA fue el arte romano del Louvre, que atrajo a 106.002 visitantes durante su ejecución de 2008. La exposición contó con 184 mosaicos, frescos, estatuas, relieves de mármol y naves cedidas de la colección permanente del Louvre en París, Francia. Fue la mayor colección jamás prestada desde el Louvre hasta la fecha, y sólo se detuvo en tres ciudades de Estados Unidos antes de regresar a Francia.
En 2009, Sacred Spain: Art and Belief en el mundo español reunió 71 obras de arte de una amplia variedad de prestamistas, entre ellos Perú, México y el Prado en España. La exposición estaba compuesta por una rara colección de piezas, muchas de las cuales nunca habían estado a la vista en los Estados Unidos. Presentó pinturas, escultura, trabajos en metal y libros de artistas como El Greco, Diego Velázquez y Bartolomé Esteban Murillo. Andy Warhol Enterprises se exhibió en el IMA de octubre de 2010 a enero de 2011 y contó con más de 150 obras de arte de Andy Warhol, así como materiales de archivo. La exposición fue la más grande para ilustrar la fascinación de Warhol con el dinero y el consumismo de la característica como tema central. Los visitantes pudieron ver la progresión de la carrera de Warhol, desde sus comienzos como artista comercial hasta su imperio multimillonario.
Diseño Europeo desde 1985: Shaping the New Century se exhibió del 8 de marzo al 21 de junio de 2009 y fue la primera encuesta importante de diseño contemporáneo europeo. La exposición contenía una colección de casi 250 piezas de diseñadores industriales y decorativos de Europa Occidental como Philippe Starck, Marc Newson y Mathias Bengtsson. Tres modos prominentes de diseño surgieron de 1985-2005 y pudieron verse en la exposición: Diseño Minimal Geométrico, Diseño Biomórfico y Diseño Neo-Pop. Entre los temas abordados a lo largo de la exposición estaba la cuestión de qué hace algo «arte» y cómo distinguir una pieza de calidad de museo en un mundo lleno de productos producidos en masa. En lugar de organizar la exposición por diseñador o país, las piezas se organizaron sobre la base del precepto intelectual o filosófico bajo el que cayeron. Después de dejar el IMA, la exposición viajó al High Museum of Art de Atlanta y al Milwaukee Art Museum de Milwaukee.
Hard Truths: El arte de Thornton Dial, en exhibición de febrero a septiembre de 2011, incluye más de 70 obras de arte a gran escala y es el mayor montaje de la obra de Thornton Dial nunca montado. La exposición contextualiza a Dial como un artista relevante y contemporáneo en lugar de un artista folk o un artista extraño como muchos lo han retratado en el pasado. Las piezas a la vista en Hard Truths cubren una gama de temas sociales y políticos, muchos de los cuales abordan la vida rural en el sur y el tratamiento de los afroamericanos. Después de salir de Indianápolis, la exposición está programada para viajar a Nueva Orleans, Charlotte, Carolina del Norte y Atlanta.
En 2010, la IMA fue seleccionada para ser la organización encargada del pabellón de los Estados Unidos en la Bienal de Venecia. La propuesta de la IMA de crear una exposición con la obra de las artistas puertorriqueñas Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla fue aceptada por la Oficina de Asuntos Educativos y Culturales del Departamento de Estado de los Estados Unidos. Allora y Calzadilla fueron el primer equipo colaborativo que se exhibió en la Bienal de Venecia, y 2011 fue la primera vez que artistas estadounidenses de una comunidad de habla hispana fueron seleccionados. Seis nuevas obras de arte serán desarrolladas por la pareja, que a menudo exploran temas geopolíticos a través de su trabajo. Las piezas que crearon para el Pabellón de los Estados Unidos de 2011 formaron una exposición titulada Gloria y destacaron instituciones competitivas como los Juegos Olímpicos, el ejército y el comercio internacional. Allora y Calzadilla también trajeron elementos de actuación en sus piezas multimedia a través de la participación de atletas olímpicos. Tres de las seis piezas, tituladas Cuerpo en Vuelo (Delta), Cuerpo en Vuelo (Americano) y Atletismo, contaron con los atletas olímpicos Dan O’Brien, Chellsie Memmel y David Durante.