Le musée d’art d’Indianapolis (IMA) est le neuvième et le huitième plus grand musée d’art encyclopédique des États-Unis. La collection permanente comprend plus de 54 000 œuvres, dont des pièces africaines, américaines, asiatiques et européennes. Le musée d’art d’Indianapolis est situé sur un campus de 152 acres de jardins luxuriants, de maisons historiques, de sculptures en plein air, de performances inspirantes et de galeries. Fondé en 1883, l’IMA compte parmi les 10 plus anciens et les 10 plus grands musées d’art encyclopédique des États-Unis et présente des collections importantes d’art africain, américain, asiatique, européen, contemporain et de design qui couvrent 5 000 ans d’histoire.

Le musée d’art d’Indianapolis (connu familièrement sous le nom de l’IMA) est un musée d’art encyclopédique situé à Indianapolis, Indiana, États-Unis. Le musée, qui a fait l’objet d’une expansion de 74 millions de dollars en 2005, est situé sur un campus de 152 acres (0,62 km2) dans le secteur nord-ouest du centre-ville d’Indianapolis, au nord-ouest du cimetière Crown Hill.

Grâce à une programmation innovante pour engager des invités de tous âges, l’IMA offre une variété d’expériences interactives à l’intérieur des galeries, sur tout le campus et dans la communauté locale. Des démonstrations de jardinage dans la serre Madeline F. Elder à des projections de films en plein air dans l’amphithéâtre IMA aux célébrations communautaires dans le parc d’art et de nature Virginia B. Fairbanks: 100 acres, les invités sont invités à interagir avec l’art et la nature IMA. Avec le campus d’Indianapolis, l’IMA possède également le Miller House and Garden à Columbus, Indiana, l’un des exemples les plus réputés de résidences modernistes du milieu du siècle.

Les domaines importants de la collection comprennent: des peintures néo-impressionnistes; Peintures japonaises de la période Edo; Céramiques et bronzes chinois; peintures, sculptures et gravures de Paul Gauguin et de l’école de Pont-Aven; un grand nombre d’œuvres de J. M. W. Turner; et une collection d’art contemporain en pleine croissance. Parmi les autres domaines d’intérêt figurent les textiles et les arts de la mode ainsi qu’un intérêt récent pour le design moderne.

En plus de ses collections, le musée se compose de 100 acres: Le parc d’art et de nature de Virginia B. Fairbanks; Oldfields, un domaine de l’époque de l’American Country Place restauré qui appartenait autrefois à Josiah K. Lilly, Jr .; et les jardins et les terrains restaurés conçus à l’origine par Percival Gallagher de la firme Olmsted Brothers. L’IMA possède également la Miller House, une maison moderne du milieu du siècle conçue par Eero Saarinen et située à Columbus, Indiana. Les fonds du musée démontrent l’insistance de l’institution sur les liens entre l’art, le design et l’environnement naturel.

Le Indianapolis Museum of Art a été fondé en tant qu’Art Association of Indianapolis, un groupe d’adhérents dirigé par le suffragiste May Wright Sewall. Formé en 1883, l’organisation vise à informer le public sur l’art visuel et à fournir une éducation artistique. La première exposition de l’Art Association, inaugurée le 7 novembre 1883, contenait 453 œuvres de 137 artistes. La mort du riche résident d’Indianapolis John Herron en 1895 a laissé un legs substantiel avec la stipulation que l’argent soit utilisé pour une galerie et une école avec son nom. L’Institut d’Art John Herron a ouvert ses portes en 1902 à l’angle de la rue 16th et Pennsylvania. L’accent sur le mouvement Arts and Crafts s’est développé tout au long des premières années de l’école, en mettant l’accent sur l’art appliqué. William Henry Fox a été embauché en 1905 en tant que premier directeur de l’institut d’art. De 1905 à 1910, Fox gère le musée et l’école tout en construisant deux nouveaux bâtiments sur le site de la 16e rue.

Des années 1930 jusqu’aux années 1950, le John Herron Art Institute a mis l’accent sur le professionnalisme et la croissance des collections. Wilbur Peat, directeur du musée de 1929 à 1965, a acquis des portions importantes de la collection. La tourbe a également établi des liens avec des bienfaiteurs comme le Dr George H. A. Clowes, Booth Tarkington et Eli Lilly. Caroline Marmon Fesler, présidente de l’Art Association of Indianapolis, a donné un certain nombre d’œuvres d’art dans les années 1940, notamment des œuvres d’art moderne du XXe siècle et des œuvres post-impressionnistes de Cézanne, Van Gogh et Seurat. Après des années de débat sur l’expansion et la relocalisation du musée et de l’école, les arrière-petits-enfants d’Eli Lilly, J.K. Lilly III et Ruth Lilly, ont fait don du domaine familial, Oldfields, à l’Art Association of Indianapolis en 1966. Un an plus tard, il a été décidé que l’école deviendrait une partie du campus d’Indianapolis de l’Indiana. La même année, il fut confirmé que le musée déménagerait à Oldfields, avec l’ouverture du nouveau pavillon Krannert au public en octobre 1970. En 1969, avant de déménager sur le nouveau site, l’Art Association d’Indianapolis changea officiellement de nom pour Indianapolis. Musée d’art.

En 2008, le musée a changé son entrée principale et son adresse de 1200 West 38th Street à 4000 North Michigan Road.

Le musée d’art d’Indianapolis possède une collection permanente de plus de 54 000 œuvres représentant des cultures du monde entier et s’étendant sur plus de 5 000 ans. Les domaines de la collection comprennent: la peinture et la sculpture européennes; Peinture et sculpture américaines; gravures, dessins et photographies; Art asiatique; l’art de l’Afrique, du Pacifique Sud et des Amériques; art ancien de la Méditerranée; Arts de conception; le textile et les arts de la mode; et l’art contemporain. Le musée possède une importante collection de peintures et de gravures néo-impressionnistes, dont beaucoup ont été données en 1977 par l’industriel local W. J. Holliday. La Collection Samuel Josefowitz de Gauguin et l’Ecole de Pont-Aven, combinées à la collection néo-impressionniste, incluent des faits saillants tels que Bretons dans un Ferry d’Émile Bernard. L’IMA détient également une importante collection d’œuvres de J.M.W. Turner, contenant des faits saillants tels que l’aquarelle de 1820, Rosslyn Castle. La collection, qui a été formée par un don substantiel par le philanthrope Kurt Pantzer en 1979, comprend plus de cinquante aquarelles, ainsi que des peintures à l’huile, des gravures et des eaux-fortes.

La collection européenne, qui est organisée en œuvres avant 1800 et fonctionne de 1800 à 1945, comprend des points culminants tels que Aristote par Jusepe de Ribera et le joueur Flageolet sur la falaise de Paul Gauguin. L’autoportrait de Rembrandt fait partie de la collection Clowes Fund, qui comprend un certain nombre de pièces significatives des maîtres anciens. Faisant partie de la collection néo-impressionniste Le canal de Gravelines, Petit Fort Philippe de Georges Seurat fut l’une des premières œuvres à avoir été donnée par Caroline Marmon Fesler dans les années 1940. Fesler a continué à donner un certain nombre d’œuvres importantes, y compris son legs en 1961 de pièces de modernisme remarquables du 20ème siècle qui comprenait Pablo Picasso, Chagall et Matisse. Les pièces de la collection américaine représentent l’impressionnisme et le modernisme américains, y compris des œuvres de Georgia O’Keeffe et George Inness. Parmi les pièces importantes, on peut citer Hotel Lobby (1943) d’Edward Hopper et Boat Builders de Winslow Homer.

Le musée possède une importante collection d’art asiatique, avec plus de 5 000 pièces couvrant 4 000 ans. Le plus remarquable est la collection acclamée par l’IMA de peintures, de parchemins et d’écrans japonais de la période d’Edo. Les points forts incluent A Thousand Peaks et Myriad Ravines, une œuvre de la dynastie Ming de Wu Bin, et des patriarches bouddhistes, taoïstes et confucéens, un panneau d’époque Edo de Kano Sanraku, ainsi qu’un certain nombre de céramiques et de bronzes chinois donnés par Eli Lilly en 1961, comme un bon guang de bronze Shang. La collection de l’IMA comprend également plus de 2 000 objets et objets d’art africain, dont 1 200 ont été donnés par Harrison Eiteljorg en 1989. L’IMA a élargi la collection pour inclure des objets historiques et contemporains de toutes les grandes régions d’Afrique, y compris Egypte. Le musée est unique dans son exposition inclusive des travaux islamiques et égyptiens antiques dans la galerie africaine, plutôt qu’avec des antiquités grecques ou romaines. Les pièces significatives incluent une figure d’ancêtre femelle du peuple sénoufo et un masque de casque de Magbo pour l’association d’Oro par le maître sculpteur Onabanjo d’Itu Meko.

La collection d’art textile et de mode du musée comprend 7 000 objets, dont des costumes personnalisés du XXe siècle de Givenchy, Chanel et Balmain. La collection comprend un certain nombre de traditions textiles mondiales, y compris les textiles africains donnés par les soeurs Eliza et Sarah Niblack entre 1916 et 1933 et une importante collection de tapis Baluchi. Basé sur les débuts de l’histoire du musée de la collecte de textiles, les articles vont de la couture à la soie et des lacets antiques s’étendant sur 500 ans. Quelques pièces notables incluent une robe de cour impériale russe par le concepteur Charles Frederick Worth et le bodhisattva de la sagesse (Mañjusri), un panneau en soie de dynastie de Ming. La collection Design Arts du musée est composée de pièces européennes et américaines de la Renaissance à nos jours. La collection comprend le buffet conçu par Eliel Saarinen en 1929 pour l’exposition The Architect and Industrial Arts: Une exposition de design américain contemporain et la chaise longue Bubbles conçue par Frank Gehry en 1979 pour la série Experimental Edges.

Au cours des dernières années, l’IMA a commencé à développer sa collection d’art contemporain, qui comprend des œuvres telles que Deux points blancs dans l’air d’Alexander Calder et Light and Space III, une installation permanente de Robert Irwin située dans le grand hall Pulliam. Depuis 2007, le musée présente des installations contemporaines propres au site dans le pavillon Efroymson, faisant tourner les œuvres temporaires tous les six mois. Le pavillon Efroymson a présenté des œuvres d’artistes tels que William Lamson, Studio Ball-Nogues, Orly Genger et Heather Rowe pour n’en nommer que quelques-uns. L’art contemporain est également présent dans 100 Acres: Le parc d’art et de nature Virginia B. Fairbanks, qui est unique en ce qu’il inclut des œuvres commandées par des artistes émergents en milieu de carrière. Depuis 2007, l’IMA s’est engagée à construire une collection de design moderne qui illustre les mérites artistiques des objets utilitaires. L’accent mis sur le design contemporain international, associé à l’ouverture de la Miller House en 2011, devrait repositionner le musée en tant qu’autorité de design.

Les pratiques de collecte et de désaccréditation de l’IMA ont utilisé la technologie pour assurer l’accès public, l’ouverture et la transparence dans les opérations muséales. Dévoilée en mars 2009, la base de données en ligne du musée sur la cession de biens répertorie tous les objets qui sont soustraits et relie les nouvelles acquisitions aux objets vendus qui ont servi à financer leur achat. L’IMA a été félicitée pour être le premier parmi les musées à partager ouvertement leurs pratiques de désaccréditation et pour inclure la possibilité d’afficher des commentaires publics sur les entrées dans la base de données interrogeable. L’IMA a également développé le registre des objets de l’Association des musées d’art (AAMD), une base de données qui aide les musées à respecter plus facilement la décision de l’UNESCO de 1970 qui interdit le trafic illicite d’antiquités. Depuis 2003, l’IMA a systématiquement recherché la provenance des œuvres d’art créées avant 1946 et acquises après 1932.

Le service de conservation de l’IMA a été créé en 1970 par le premier conservateur à temps plein du musée, Paul Spheeris, et s’est rapidement fait connaître comme un centre régional pour la conservation. En 1978, le département a commencé à fournir des services de conseil aux institutions régionales, en prenant des contrats à travers le Midwest. Un contrat de grande envergure a permis la préservation de 45 portraits de gouverneurs sur une période de 15 mois. L’exposition de 1979, Portraits et peintres des gouverneurs de l’Indiana, s’est tenue à l’AMI de janvier à mars avant que les portraits ne soient exposés en permanence à l’Indiana Statehouse. D’autres projets régionaux importants ont inclus la conservation et la restauration des peintures murales de Thomas Hart Benton, créées pour l’Indiana Hall à l’Exposition Universelle de Chicago en 1933 et maintenant situées à l’Indiana University, les peintures murales Wishard Memorial Hospital, les peintures murales Otto Stark et Clifton Wheeler en Indianapolis Public School 54, et plus récemment la restauration des Torches commémoratives de Sewall de Wright à la Herron High School, l’ancien site du John Herron Art Institute.

Actuellement, le département de la conservation répond aux besoins du musée grâce à l’expertise de spécialistes en peintures, textiles, travaux sur papier, encadrements et conservation d’objets. Le département a connu une croissance en taille et en personnel au fil des ans, l’expansion la plus récente ayant eu lieu en 2007. En 2007, l’IMA possédait l’une des rares unités de radiographie assistée par ordinateur aux États-Unis. -ray technologie que le département a commencé dans les années 1970. En 1980, le département a aidé à organiser et à établir la Midwest Regional Conservation Guild, qui comprend des conservateurs et des scientifiques de la conservation de l’Indiana, de l’Ohio, de l’Illinois et du Michigan. Au milieu des années 1980, le département a reçu l’attention lorsque le conservateur en chef Martin Radecki a aidé les autorités locales à découvrir plus de deux douzaines de T.C. Les tableaux de Steele et William Forsythe valent plus de 200 000 $. L’affaire de falsification de haut profil a conduit Radecki à organiser une exposition en 1989, est-ce vrai? Steele, Forsythe et Forgery dans l’Indiana. L’exposition a mis en évidence des techniques de conservation et examiné comment les contrefaçons peuvent être découvertes. Une autre présentation publique de la conservation a eu lieu en 2007 avec Sebastiano Mainardi: La science de l’art, une exposition de Star Studio qui a permis aux visiteurs de regarder les restaurateurs pendant qu’ils travaillaient sur le retable du XVIe siècle. Le Star Studio de l’IMA est une galerie interactive qui permet aux visiteurs d’apprendre, à travers le processus d’art-making et d’observation, sur les collections du musée.

En février 2010, l’IMA est passé des normes actuelles de contrôle de l’environnement dans ses espaces d’exposition, permettant une fluctuation de température et d’humidité de quelques degrés de chaque côté de la norme suggérée. L’IMA a renoncé à la norme après avoir conclu que la majorité des œuvres d’art pouvaient supporter une plus grande plage d’humidité, permettant ainsi au musée d’économiser sur le coût des factures d’énergie et de réduire son empreinte carbone.

En octobre 2008, l’IMA a annoncé l’octroi d’une subvention de 2,6 millions de dollars de la dotation Lilly pour la création d’un laboratoire scientifique de pointe en conservation. Grâce à une subvention de la Fondation Andrew W. Mellon, Dr Gregory Dale Smith, a été embauché en Octobre 2009 pour diriger le laboratoire en tant que scientifique principal de la conservation. L’un des principaux objectifs du laboratoire est la recherche de la collection de l’IMA, y compris la mode haute couture dans la collection textile et les objets en matériaux synthétiques dans la collection de design. Un autre axe est la recherche scientifique sur les matériaux trouvés dans les collections, tels que les résines et les colorants sur les pièces d’art africain et les glaçures sur les céramiques asiatiques. Grâce à l’ajout du laboratoire, l’IMA vise à devenir un centre de conservation internationalement reconnu et à accroître son potentiel en tant que ressource de formation et de perfectionnement professionnel en science de la conservation.

En 1909, l’Art Association a fait campagne pour une importante rétrospective, l’exposition commémorative Augustus Saint-Gaudens, à Indianapolis. L’exposition, également appelée Mémorial de la Statuaire de Saint-Gaudens, a attiré 56 000 visiteurs durant ses trois mois de course, bien au-delà de l’objectif du conseil d’attirer 50 000 visiteurs. Une exposition de 1937, peintures hollandaises du dix-septième siècle, a inclus des prêts du musée d’art de Cincinnati, du musée métropolitain d’art, et du Rijksmuseum Amsterdam. L’exposition de six semaines a présenté 65 pièces, dont plusieurs Rembrandt, et a été considérée comme le début de l’ascension du musée vers le connaisseur.

En 1977, l’IMA a acquis une collection de peintures néo-impressionnistes de W.J. Holliday, un industriel d’Indianapolis, présentée dans une exposition en 1983 intitulée The Aura of Neo-Impressionism: The W.J. Holliday Collection. De 1986 à 1988, l’exposition s’est rendue dans sept villes des États-Unis et a fait une escale en Europe au musée Van Gogh d’Amsterdam. Ouverture à l’été 1987 pour coïncider avec les Jeux panaméricains, Art of the Fantastic: Amérique latine, 1920-1987 a présenté 125 œuvres d’artistes de diverses nations. Des artistes connus tels que Frida Kahlo et Roberto Matta ont été présentés, ainsi que des artistes qui n’avaient jamais exposé en dehors de leur pays natal. Le spectacle a été la première présentation à grande échelle de l’art latino-américain du XXe siècle aux États-Unis en plus de 20 ans et a été la première exposition contemporaine du musée à voyager.

En 1992, l’IMA a accueilli la collection William S. Paley, une exposition itinérante organisée par le Museum of Modern Art qui comprenait des œuvres impressionnistes, postimpressionnistes et modernes collectionnées par le regretté président de CBS, William S. Paley. L’exposition a contribué à faire de l’IMA un lieu de musée important dans le Midwest et a attiré un nombre record de 60 837 visiteurs. En 2001, l’IMA a collaboré avec le Musée de l’Armurerie à Moscou pour organiser des Dons aux Tsars, 1500-1700: Trésors du Kremlin. Le spectacle a aidé l’IMA à former des partenariats avec des organismes artistiques locaux, a gagné une visibilité internationale et a attiré un nombre record de 70 704 visiteurs. Une autre exposition importante pour se rendre à l’IMA a été l’Art Roman du Louvre, qui a attiré 106 002 visiteurs lors de sa course 2008. L’exposition présentait 184 mosaïques, fresques, statues, bas-reliefs en marbre et récipients prêtés par la collection permanente du Louvre à Paris. C’était la plus grande collection jamais prêtée du Louvre à ce jour, et seulement arrêtée dans trois villes des États-Unis avant de retourner en France.

En 2009, Sacred Spain: Art and Belief dans le monde espagnol a réuni 71 œuvres d’art provenant d’une grande variété de prêteurs, dont le Pérou, le Mexique et le Prado en Espagne. L’exposition était composée d’une collection rare de pièces, dont beaucoup n’avaient jamais été vues aux États-Unis. Il a présenté des peintures, des sculptures, des ferronneries et des livres d’artistes tels que El Greco, Diego Velázquez et Bartolomé Esteban Murillo. Andy Warhol Enterprises a été exposé à l’IMA d’octobre 2010 à janvier 2011 et a présenté plus de 150 œuvres d’Andy Warhol, ainsi que des documents d’archives. L’exposition était la plus importante pour illustrer la fascination de Warhol pour l’argent et le consumérisme comme thème central. Les visiteurs ont pu voir la progression de la carrière de Warhol, depuis ses débuts en tant qu’artiste commercial jusqu’à son empire multimillionnaire.

Le design européen depuis 1985: façonner le nouveau siècle a été exposé du 8 mars au 21 juin 2009 et a été la première grande enquête sur le design européen contemporain. L’exposition contenait une collection de près de 250 pièces de designers industriels et décoratifs d’Europe de l’Ouest tels que Philippe Starck, Marc Newson et Mathias Bengtsson. Trois modes principaux de conception ont émergé de 1985-2005 et ont pu être vus dans l’exposition: conception géométrique minimale, conception biomorphique et conception de Neo-Pop. Parmi les thèmes abordés tout au long de l’exposition, il y avait la question de savoir ce qui fait «quelque chose» de l’art et comment distinguer une pièce de qualité muséale dans un monde de produits de masse. Plutôt que d’organiser l’exposition par designer ou pays, les pièces ont été organisées sur la base du précepte intellectuel ou philosophique sous lequel elles sont tombées. Après avoir quitté l’IMA, l’exposition s’est rendue au High Museum of Art d’Atlanta et au Milwaukee Art Museum de Milwaukee.

Hard Truths: L’art de Thornton Dial, exposé de février à septembre 2011, comprend plus de 70 œuvres d’art à grande échelle et constitue le plus grand assemblage de l’œuvre de Thornton Dial. L’exposition contextualise Dial comme un artiste pertinent et contemporain plutôt que comme un artiste folk ou un artiste étranger comme beaucoup l’ont décrit dans le passé. Les pièces exposées dans Hard Truths couvrent une série de thèmes sociaux et politiques, dont beaucoup abordent la vie rurale dans le sud et le traitement des Afro-Américains. Après le départ d’Indianapolis, l’exposition devrait se rendre à la Nouvelle-Orléans, à Charlotte, en Caroline du Nord et à Atlanta.

En 2010, l’IMA a été choisie comme organisation de mise en service du pavillon des États-Unis à la Biennale de Venise (Biennale di Venezia). La proposition de l’IMA de créer une exposition mettant en vedette le travail des artistes portoricains Jennifer Allora et Guillermo Calzadilla a été acceptée par le Bureau des affaires éducatives et culturelles du Département d’État des États-Unis. Allora et Calzadilla ont été la première équipe collaborative à être présentée à la Biennale de Venise, et 2011 a été la première fois que des artistes américains d’une communauté hispanophone ont été sélectionnés. Six nouvelles œuvres d’art seront développées par la paire, qui explorent souvent des thèmes géopolitiques à travers leur travail. Les pièces qu’ils ont créées pour le Pavillon américain de 2011 formeront une exposition intitulée Gloria et mettront en lumière des institutions compétitives telles que les Jeux Olympiques, l’armée et le commerce international. Allora et Calzadilla ont également apporté des éléments de performance dans leurs pièces multimédias grâce à la participation des athlètes olympiques. Trois des six pièces, intitulées Corps en vol (Delta), Corps en vol (Américain) et Athlétisme, mettaient en vedette les olympiens Dan O’Brien, Chellsie Memmel et David Durante.