Kiri DALENA
Depois de Mebuyan
Kiri Dalena, que lida com questões sociopolíticas das Filipinas, é artista e ativista social. O título de seu trabalho (2016) é uma deusa do submundo na mitologia filipina que controla a vida e a morte usando arroz. Mebuyan, que é uma figura com seios múltiplos, senta-se em uma mesa para bater e moer arroz com as mãos cheias de grãos de arroz, o símbolo da vida. Os grãos espalhados depois de cair de suas mãos são uma ‘proclamação da morte da multidão e do público’. Em outra tribo de Mindanaon, os Manobos, eles realizam ritos e rituais de esculpir uma figura humana de arroz cozido após um enterro do qual todos participam.
Em 2016, os agricultores da província de Cotavato, localizados no norte das Filipinas, enfrentaram um calado extremo devido ao El Nino. Mais de 6.000 agricultores formaram uma barricada humana do outro lado da rodovia para pedir ajuda com arroz. O governo das Filipinas enviou policiais armados para dissolvê-los por compulsão, usando canhões de água e baionetas. Um fazendeiro foi morto e dezenas foram feridas na dispersão forçada.
O número 635 em (2016) é o número de fazendeiros e ativistas humanos mortos pela autoridade governamental das Filipinas nos últimos 15 anos. O artista emprestou um ritual na mitologia filipina e fez 635 grãos de arroz com ouro 14K para homenagear aqueles que foram erroneamente mortos.

Folkert DE JONG
Negócios como sempre: “A torre”
Folkert de Jong é mais conhecido por suas esculturas e instalações expressivas decorrentes de um forte fascínio pela condição psicológica e humana do corpo. De Jong está interessado em reexaminar símbolos culturais e figuras históricas e o potencial da escultura de transformar as narrativas existentes. Em particular, o estilo de assinatura de De Jong é formado pelo uso idiossincrático de materiais de isolamento, como poliuretano de cor doce e isopor – uma escolha que não foi simplesmente um gesto anti-hierárquico. Esses materiais são poluentes e seus efeitos no ambiente são radicalmente prejudiciais. Os trabalhos mostrados na Bienal de Busan 2016 baseiam-se na idéia de A Descida do Homem, de Charles Darwin (publicada em 1870) e O Mito de Sísifo, de Albert Camus. A notável (2008) evoca conflitos em sua representação gráfica de corpos carbonizados e desmembrados – sentados, em pé, ajoelhados, pendurados de cabeça para baixo e estendidos horizontalmente pelo espaço, como os mortos-vivos. na instalação (2008) descreve não a evolução do macaco para o homem, mas simplesmente o movimento. A estrutura cor-de-rosa em (2008) poderia ser um fragmento retirado de uma cadeia de eventos históricos, e o macaco lança uma tentativa absurda de moralidade: “Não fale mal, não ouça mal, não veja mal”. que se destaca da idéia de que a humanidade é iludida por sua própria originalidade e singularidade é a obra (2008). Os dois macacos brancos – decorrentes de seu significado simbólico na astrologia do zodíaco – representam a subestimação da natureza pelos homens. Os macacos espelham nosso próprio absurdo em como somos programados para acreditar que podemos escapar e controlar os ciclos naturais do planeta Terra, quando, em vez disso, devemos aprender a fazer parte dele e aceitar o fato de que somos seres frágeis e mortais.

FANG Lijun
2014-2015
Fang Lijun é um dos artistas mais influentes da arte contemporânea chinesa. A figura “careca” em suas pinturas se tornou o símbolo mais clássico da arte chinesa contemporânea, e seu estilo de trabalho foi definido como se enquadra na categoria de realismo cínico. O realismo cínico foi uma resistência contra a cultura durante esses tempos. Assim, expressões que procuravam romper com temas pesados ​​e sérios, bem como telas precipitadas, eram dominantes. <2014-2015> (2015) é uma pintura de 8 metros de largura e é uma das principais obras recentes de Fang Lijun. Os numerosos e grandes bebês da pintura estão de costas para o público e encaram o sol enorme. A luz forte que o sol produz parece uma energia maciça emitida por um núcleo atômico. Os bebês na pintura olham vagamente a cena silenciosamente. Essa ironia intensa, porém tranquila, é a parte mais emocionante dos trabalhos recentes de Fang Lijun. Nos últimos anos, seus trabalhos mostram uma tendência da tela cada vez maior. Além disso, enquanto seus trabalhos anteriores eram principalmente sobre figuras carecas, mais e mais figuras de bebês aparecem em seus trabalhos recentes. Isso pode estar intimamente relacionado a ele ter uma filha em 2005. O nascimento de sua filha deve ter sido uma mudança significativa para Fang Lijun, na qual sua vida se transformou na de pai, e que inconscientemente se fundiu em sua vida pessoal, influenciando inconscientemente sua mãe. estilo de trabalho.

Zoro FEIGL
Desembaraçando as marés
O trabalho de Zoro Feigl é composto de movimentos e vários traços deixados por esses movimentos. Seu trabalho é uma instalação potente, porém elegante, criada pela combinação de energia cinética fornecida a cordas e padrões repetidos. Em (2014), que é uma criação criada pela ascensão e queda do mar, o mar forma uma costa e a costa contribui, por sua vez, para a formação do mar. Duas cordas grossas espalhadas no espaço não param de parar como o mar empurrando as águas para a costa. Como se imitando a maré que entra e sai, as cordas entram em contato, se movem e se soltam novamente. Em (2015), aros pretos correm de um lado para o outro ao longo de um cano de aço, girando e girando de uma extremidade à outra como um jogo de algum tipo que as crianças brincam. Às vezes, os aros ricocheteiam violentamente ao girar e girar, e de repente dançam graciosamente em perfeita harmonia. Os aros menores passam facilmente pelos aros maiores, interrompendo incessantemente os movimentos um do outro, esbarrando um no outro e criando uma coreografia rítmica. (2012), em que uma lona gigantesca se espalha em uma elegante dança de ondas e cachos de alguma forma se assemelha a frágeis e delicadas flores de papoula. No entanto, há uma força encantadora em ação nessa dança hipnotizante. Manifesta-se uma batalha agressiva entre gravidade, fricção e força centrífuga.

Ibelisse GUARDIA FERRAGUTTI
Selvage
‘Não há som sem movimento, nem imagem sem som. Esses três elementos são cúmplices necessários que estão irremediavelmente entrelaçados. O desempenho de Ibelisse (2016) foi desenvolvido pela inspiração que ela obteve durante o curso de aprendizado de Wushu, Kungfu e chicote dos monges taoístas (montanhas Wudang) e budistas (templo Shaolin) na China por três meses. O desempenho de chicotadas contra uma parede branca é um trabalho de meditação cíclica para Ibelisse. Os movimentos dos chicotes criam som e deixam traços pretos na parede branca. A performance continua por pelo menos 3 horas e, com o passar do tempo, o que resta gradualmente inscrito na parede são traços – uma homenagem aos movimentos, sons e imagens.

Probir GUPTA
Réquiem
(2016) manifesta abuso desumano de tratar crianças, meninas e mulheres como escravas sexuais e forçá-las a trabalhar como máquinas. Probir Gupta presta homenagem aos escravos sexuais hoje através deste trabalho. Nas placas de ferro, na parte de trás do trabalho, estão inscritos nomes de flores em memória das mulheres sequestradas. Este trabalho visualmente anormal fornece tradução metafórica das atrocidades humanas. (2012) reflete a diáspora dos judeus na Índia. Mostra hindus, muçulmanos e cristãos coexistindo pacificamente e vivendo uma vida feliz em uma distopia entre extremistas islâmicos. Os guardiões que administram sinagogas judaicas são muçulmanos de terceira geração. No filme, cenas com estruturas de esqueletos, objetos, feedbacks de israelenses integrados podem ser testemunhadas. Tendo escrito por Ernest Hemingway como seu livro de referência, o trabalho foi inspirado por uma situação da vida real de judeus e muçulmanos coexistindo pacificamente e sem ameaças na movimentada estrada movimentada de Calcutá.

Hong wonseok
Projeto de serviço de motorista de HONG Wonseok-EXPERIÊNCIA JOYOUS, SOCAR
O (2016) é um trabalho de desempenho composto por vários projetos. Ele consiste no Projeto 1, que trata das vanguardas indígenas e autônomas da Coréia-China-Japão nas décadas de 70 e 80, e no Projeto 2, que trata do Museu de Arte de Busan e das bienais globais desde os anos 90. Artistas participantes, curadores e cidadãos se deslocam entre as duas salas de exposições, incluindo a fábrica KISWIRE Suyeong, de táxi, e trocam perguntas e respostas sobre assuntos relacionados à Coréia e ao mundo, vida e cultura, potencial comercial e países. O artista espera que seu trabalho sirva como um local desconfortável e doloroso, no qual se reflita a ineficiência do mercado, a irracionalidade dos seres humanos, as vulnerabilidades fundamentais da arte subjugadas aos mercados e instituições e assim por diante. O de Hong Wonseok (2016) é um microcosmo do tema desta Bienal, ‘Hibridização da Terra que Discute Multidão’.

HU Jieming
Sincronia
(2016), de Hu Jieming, é um trabalho de vídeo que empresta o método de fotografar em grande escala. É um trabalho que filmou um grande grupo de pessoas que viajam além do espaço e do tempo. A identidade das pessoas nas fotografias em larga escala se desdobra em espaços e tempos mistos. Uma variedade de cenas que mudam contém todos os tipos de narrativas. Os assuntos do filme foram tirados de fotografias de um passado distante. Desde os amigos do artista até figuras históricas de um período diferente, a variedade de pessoas nas fotografias é muito extensa. Usando efeitos especiais, Hu Jieming escreve novas histórias, dando movimentos aos rostos de cada uma das figuras da fotografia. As pessoas das fotografias que vieram de diferentes espaços e tempos têm características físicas diferentes. Ao compilá-los juntos através de um espaço e tempo únicos, o artista procura expressar a identidade de raça mista e cada uma das diferentes jornadas da vida.

Saleh HUSEIN
E tudo ao nosso redor é lindo
de Saleh Husein (2016) é uma obra fictícia baseada em ‘Tjahaja PASI’ (A Luz do PASI), um hino às esperanças e sonhos do socialismo islâmico indonésio. Durante o tumulto em 1966, o governo da Indonésia proibiu tudo relacionado ao comunismo ou socialismo sob o nome de proteger a sociedade. Até músicas, composições e hinos foram incluídos nas coisas que foram banidas. O trabalho do artista examina como um partido político pode usar músicas como ferramentas para controlar ou instigar declarações políticas, mecanismos uniformes ou pessoas. Para isso, o artista pensa na perspectiva dos árabes sobre a globalização através do uso de culturas ocidentais (a seção de metais de uma orquestra e coro). O trabalho reencena ‘layartancep’ (exibição de filmes ao ar livre), que é um tipo de exibição que costumava ser usada como ferramenta de propaganda na política na Indonésia há muito tempo.

Erdal INCI
Espiral de Taksim
O artista multimídia ErdalInci experimenta movimentos clonados através de seu trabalho em vídeo. O artista cria arquivos hipnóticos de vídeo ou GIF movendo-se através de espaços públicos carregando luzes ou outros objetos às vezes. Inci parece não ser mais do que uma sombra ou desaparece completamente, dependendo de sua exposição à luz, criando um vídeo ainda mais misterioso e sonhador. Inci se concentrou no fato de que, se ele continuar clonando a performance gravada, o vídeo será perpetuamente realizado. Todas as fases do tempo dos mesmos movimentos podem ser vistas em breves momentos, como 1 ou 2 segundos. Inci achou que isso poderia dar ao espectador a chance de pensar como um coreógrafo que dirige um grande grupo de pessoas ou um pintor que pode preencher um quadro não com formas ou cores, mas com movimentos. ErdalInci foi inspirado pelos padrões usados ​​nas artes e ofícios tradicionais, dança e repetição. Seu trabalho pode ser descrito como um resumo de movimento, desempenho e ambientes reais.

JANG Jaerok
Outra paisagem
Jang Jaerok estava hipnotizado por estruturas artificiais gigantescas e dispositivos mecânicos delicados. Portanto, suas pinturas orientais são desenhadas como uma planta baixa, usando marcações em uma régua, como se todas as distâncias fossem medidas mecanicamente. Eles estão longe de serem pinturas alegres ou vivas, arrancadas com uma pincelada. O mundo em que vivemos está cheio de máquinas e estruturas artificiais. O artista não pinta apenas a aparência externa de uma máquina com acabamento suave. As máquinas ou estruturas em seu trabalho parecem um mapa anatômico bizarro e aterrorizante.

JIA Aili
Eremita do Planeta Ⅱ
A região nordeste da China é o coração da indústria pesada da China e também um local onde ocorreram inúmeros eventos históricos na história moderna da China. O nordeste e a região norte trouxeram o rápido crescimento econômico da China anteriormente, mas sofreram declínio econômico desde os anos 80 até os anos 90. Como resultado, a maioria das fábricas da indústria pesada faliu ou fechou, deixando centenas e milhares de operários mudam ou deixam o emprego. Em um piscar de olhos, o igualitarismo absoluto sob a economia planejada do passado é transformado em economia de mercado baseada no desempenho. O infortúnio e a desolação, incluindo os trabalhadores da fábrica que a sociedade experimentou, tornaram-se cicatrizes e dores da época. A parte mais saliente do trabalho de Jia Aili, que observou minuciosamente esse período de tempo específico, é a cena “em ruínas”. Para dar a sensação de que as coisas estão “em ruínas”, Jia Aili pinta máquinas e as pessoas ficam turvas e embaçadas em seu trabalho. Isso permite que os espectadores imaginem e sintam o ambiente caótico e a solidão de um indivíduo. A vida das pessoas manifestadas em suas pinturas carrega uma sensação de desamparo da época, e os humanos são deixados apenas como seres fracos e cansados ​​contra a tela gigantesca. Suas obras nos fazem refletir sobre o nosso passado e falar de um futuro triste no qual somos forçados a enfrentar a realidade. Apesar de o cenário do novo trabalho de Jia Aili (2016) ter como pano de fundo uma tela infinitamente ampla e acolhedora, a sensação de estar “em ruínas” está sempre presente em todos os seus trabalhos. permanece.

JIN Yangping
Balloon Hit NO.1
O artista Jin Yangping desfruta da desilusão e nojo deixados pelo modernismo e pelo socialismo e cria abertamente ‘pinturas de classe B’. ‘Pinturas de classe B’ descreve a tendência de distorcer e derrubar abertamente os valores e formas convencionais, a fim de atacar as fraquezas universais que o espírito da humanidade possui e a vulnerabilidade fundamental da existência humana contemporânea. Como se o desconstrutivismo denuncia a natureza opressiva do stalinismo e desconstrua o metadiscurso do neoliberalismo, o artista ataca tanto a forma como o conteúdo da arte chinesa da época. Jin Yangping zomba da criatividade e originalidade e não busca a conclusão dos trabalhos. Seu trabalho é expresso de maneira descontínua, aleatória e fragmentada. As obras de Jin Yangping são ‘filosofia antidiódica’, e é assim que um ‘artista da classe B’ pinta.

Reena KALLAT
Vidas hifenizadas
(2015-2016) é uma reconfiguração de mutações fantásticas que ocorrem na natureza. Várias espécies de pássaros, animais, árvores, flores que simbolizam diferentes países são hibridizadas para conectar conflitos entre países por hífens de maneira simbólica. Reena Kallat sentiu a necessidade de expressar o impacto que uma existência ou extinção de algo pode ter sobre outras espécies através do uso de espécies que não sejam humanas. O motivo da série de tais obras veio de cabos elétricos. Um cabo elétrico que transfere pensamentos e informações une as pessoas e forma entrelaços meticulosamente tecidos que transformam arames farpados, como barreiras. A exploração dessa independência e interdependência lança luz sobre a relação entre os eus em conflito, os vizinhos e talvez os países. Também nos faz refletir sobre muitos relacionamentos e limites diferentes que constituem nossa existência complexa. O artista continuou seus trabalhos no mesmo contexto por muitos anos e , apresentado no Campbeltown Arts Centre em Sydney, foi o início de uma série de trabalhos. O foco do trabalho se expandiu de seu interesse de longa data em países politicamente divididos, mas historicamente próximos, para recursos naturais que estão na raiz de conflitos e disputas entre países divididos, como Índia-Paquistão, Irlanda-Inglaterra, Israel-Palestina e Coréia do Sul. -Norte da Coréia e EUA-Cuba.

KIM Hak-J
entre desejo e universo
Kim Hak-J coloca uma pergunta “a inteligência enxame do mundo realmente ganhou simpatia e se move na direção certa?” A humanidade deixa vestígios de sua vulnerabilidade a cada período da história, de modo que não é exagero descrever a história da humanidade “. história do desejo “. As formas que os melhores valores representados pela inteligência enxame adotam hoje em dia podem ser definidas como tecnologia que está se desenvolvendo rapidamente e nossa presença no espaço. O artista procura expressar a consolidação da inteligência do mundo para a obtenção de tais valores e a sombra escura do desejo escondida por trás dos conflitos. Um satélite falso é instalado no chão e na parede como uma tumba, e as fotografias anexadas às asas do satélite apresentam códigos icônicos para ‘fenômenos esquizofrênicos’ e ‘desejo’, que têm como premissa o livre fluxo de capital monetário dos ‘capitalistas’. machine ‘, a única sociedade que tem como premissa o fluxo decodificado, como proposto por Gilles Deleuze e Felix Guattari. Imagens de um robô dando um passeio solitário em um vasto espaço e um humano são projetadas na superfície da parede para criar uma atmosfera que está “implícita” no todo. ‘Space oddity’ do pioneiro da música pop, David Bowie, que trata de se comunicar com um alienígena e com 10 CC, ‘eu não estou apaixonado’, é uma brincadeira.

KWON Sunkwan
O Vale das Trevas
Kwon Sunkwan mostra uma cena relacionada à nossa história moderna com seu trabalho . Uma tragédia da história moderna que ocorreu décadas atrás, ‘No Gun Ri Massacre’, foi retirada do local para aterrissar na tela. O local histórico em que 300 civis evacuados foram mortos por soldados americanos que estavam impedindo a invasão do Exército Popular da Coreia do Norte durante a Guerra da Coréia, está pendurado como uma cortina preta.
A cena selecionada entre um grande número de possibilidades, a fotografia obscura, fala do importante evento histórico coberto de neblina, sem que nenhuma medida seja tomada. Certamente, fatos simples são capturados na cena, mas, ao não abri-los e mostrar algo que não pode ser visto, o artista deixa a cortina preta escura para que o público se levante.

LEE Seahyun
Entre o vermelho-187
As paisagens escarlate de Lee Seahyun têm um impacto visual muito forte, quase como se induzisse alucinações. Os trabalhos são antinaturais e irrealistas. No entanto, avance na fantasia sonhadora, olhe mais de perto e você encontrará paisagens bastante familiares e muito reais. A natureza que nos rodeia, edifícios, cidades e eventos ocuparam totalmente as pinturas. Suas obras são realistas e bonitas, mas um tanto tristes. Isso ocorre porque uma única pintura contém as quatro fases da vida e todos os tipos de emoções que os seres humanos e a natureza têm. Ele revela a perspectiva violenta inerente aos seres humanos sem moderação, mostra sem rodeios as feridas da história inscritas na natureza e exibe uma nova maneira de raciocinar sobre o Oriente e o Ocidente, os seres humanos e a natureza. Seus trabalhos abrangem as feridas dos seres humanos e da natureza.

Lee Leenam
Terra hibridadora
O desenvolvimento da ciência e tecnologia modernas trouxe trocas entre culturas e mudanças de percepção. Em particular, o uso da mídia pelos seres humanos permitiu a realização de uma nova forma de arte na qual política, cultura e tecnologia são combinadas. Além disso, da perspectiva do pós-modernismo, a mídia é muito mais contínua e revolucionária do que qualquer vanguarda. Este século de revolução tecnológica desencadeada por vídeos levou não apenas à reprodução da realidade virtual e de tecnologias digitais altamente avançadas, mas também à escultura virtual atual. As novas mídias digitais permitiram que pessoas de todo o mundo se movessem livremente no tempo e no espaço do passado, presente e futuro. Provocou mudanças na percepção visual e no paradigma.
A mídia, que reencena a hibridação com o influxo de vários elementos culturais devido ao desenvolvimento do capitalismo e da globalização, foi realizada por meio de interações entre vários fatores, como cultura, história, fenômeno social, características da mídia e mensagens. A hibridação da mídia criou uma nova ideologia através de meios de comunicação como raça, idioma, sinal, imagem e cultura. Lee Leenam procura examinar como a mídia está lidando com a hibridação da terra, ou a realidade de hoje que é representada pela hibridação da terra. Coloque o VR e você se encontrará em um espaço virtual cheio de caracteres chineses em 3D. Esta é a visualização do sistema cognitivo humano influenciado pela mistura de vários meios, como cartas e filmes. A maneira como as imagens de caracteres chineses, que têm uma longa história como ‘letras’, desaparecem como dados, um pixel em um espaço digital, questionando a essência e o valor de um sujeito.

LI Ming
Movimento
Li Ming tem continuado estudos que perfuram o núcleo da relação entre indivíduos e sociedade através de trabalhos de performance e vídeo. O próprio artista é destaque nas três obras apresentadas nesta exposição e seu corpo se torna um bom parâmetro prático que representa os pensamentos do artista. No trabalho de vídeo com tempo limitado, o artista continua incessantemente movimentos repetitivos usando seu corpo, e isso continua até que ele seja completamente esgotado física e psicologicamente. Sua ‘obsessão’ implícita em seus trabalhos é muito atraente. <361> (2014-2016) é um filme sobre a quebra de 361 isqueiros descartáveis. Para esse desempenho, Li Ming estudou minuciosamente a literatura sobre isqueiros descartáveis ​​e a produção de filmes documentais. O artista vem realizando estudos de auto-reflexão, sobre como uma comunidade inteira funciona mesmo na ausência de certos objetivos pessoais e no desânimo causado pela identidade social. (2014) é composto por um total de 8 televisões e 2 sincronizadores. Quatro televisões estão conectadas a um sincronizador e oito vídeos são reproduzidos ao mesmo tempo. (2011) organiza quatro telas de televisão em forma de cruz. A tela à esquerda e à direita mostra os pensamentos do artista sobre o poder da natureza e o poder artificial. O trabalho permite que os espectadores entendam a filosofia e a ideologia do artista.

Laura LIMA
Ascenseur
Laura Lima apresentou um corpo de trabalho que ela mesma chama de ‘imagens’. As “imagens” de Lima não são performance, instalação ou cinema. As ‘imagens’ que o artista usa são obras conceituadas de um acúmulo de clareza visual e firmeza factual. Entre os trabalhos que simbolizam tais projetos rigorosamente conceituais, é o mais conhecido. Partes das obras de Laura Lima estão relacionadas à noção de filosofia ornamental. Lima se opõe diretamente à visão convencional de pensar que ‘ornamentos não são importantes’. Ela distorce e derruba definições e noções consideradas gerais e convencionais.
Esta é a primeira vez que seu trabalho (2013, 2016) apresentado na Busan Biennale2016 será exibido na Ásia. Em frente a este trabalho, somos confrontados com um braço que se estende por baixo de uma parede, tateando em busca de um conjunto de chaves. O artista pensou que, embora facilmente pensemos neste braço como sendo impertinente para nós, pensando que ele deve pertencer a outra pessoa, esse braço pode realmente ser o nosso. Nesse sentido, o trabalho aborda as formas mais básicas de presença e interação.

LIU Xinyi
O centro do mundo
Através de seus trabalhos, Liu Xinyi mostra seu profundo interesse em conflitos e soluções da cultura internacional. Seu (2011) enviado à exposição parte de uma pergunta sobre por que muitos países do Oriente e do Ocidente publicam mapas mundiais colocando seus países no centro e passa a fazer uma pergunta de ‘onde está o centro do mundo? ”Ao projetar o mundo rotativo como o quadril de um corpo humano, Liu Xinyi fez com que a saída da excreção humana se tornasse o centro do mundo para expressar humoristicamente que um centro absoluto do mundo não existe. Em outro trabalho (2012), no qual imagens de centros financeiros à noite foram coletadas e editadas para formar uma única ilha, uma miragem chamativa, mas oca, de uma cidade marinha aparece diante de nossos olhos. Essa paisagem onírica representa a sociedade chinesa que se tornou uma área de desastre da economia de bolhas, à medida que avançava vigorosamente com um desenvolvimento deformado e desnecessário.

Dana LIXENBERG
Tribunais Imperiais
O projeto (1993-2015) de Dana Lixenberg combina trabalho em vídeo e uma extensa série de fotografias em preto e branco para acompanhar como muda uma pequena comunidade no centro-sul de Los Angeles. As fotografias e o vídeo são criações que resultaram de um relacionamento amplo e cooperativo que ela formou com os residentes dos Tribunais Imperiais, o lugar com o qual ela se familiarizou enquanto viajava por Los Angeles após os distúrbios de Rodney King em abril de 1992. Por mais de 22 anos, de 1993 a primavera de 2015, Lixenberg criou um extenso retrato da comunidade e desviou os olhos do local de destruição para a vida típica das pessoas que se tornam o centro das atenções apenas em caso de calamidade. Os trabalhos criados nos Tribunais Imperiais incluem 393 fotografias em preto e branco, um livro publicado pela Roma Publications em 2015 e também uma projeção de vídeo de 3 canais com 63 minutos de duração e rodando em loop. A vida nos tribunais imperiais capturada no filme de Lixenberg forma um amplo espectro, variando de drama e peça teatral a vidas diárias sem sentido. Ele contém cenas do cotidiano comum em cidades urbanas dos EUA, que muitas vezes eram ridicularizadas como aberrantes e extremas. Os Tribunais Imperiais, no contexto imutável de uma paisagem urbana, criam a continuidade de uma comunidade, opõem-se ao sensacionalismo e aos espetáculos e escolhem a sensibilidade acima de tudo. Com essa abordagem, (1993-2015) registrou a vida de afro-americanos e latino-americanos de várias maneiras por 22 anos.

Xavier LUCCHESI
Isabelle
O artista Xavier Lucchesi tentou expressar imagens sem usar a câmera. Para isso, Lucchesi usou outro equipamento que não câmeras que podem criar imagens totalmente diferentes. Ele usou equipamentos de raio-x e scanners para produzir imagens. Suas imagens não seguem a maneira mais comum de criação de imagens, mas são formadas pela passagem dos raios pelos objetos. Os raios de raios X direcionados para a superfície da área atrás de um objeto removem a sombra do objeto real. Esta é a sombra, a ‘ilusão’ que podemos ver. Um raio que passa através de um objeto não significa apenas um movimento do extremo de um lado para o outro. O fato de um raio passar através de um objeto significa que a presença do objeto é claramente conhecida, e isso é como um observador olhando diretamente nos olhos de uma pessoa e vendo através de sua alma. Quando Lucchesi faz uso de obras-primas como as pinturas de Picasso, ele tenta não revelar o lado oculto da obra, mas apenas expressar cenas visualmente dramáticas. Além disso, ele se concentra no fato de que há um ponto de convergência em que o poder do cérebro encontra a capacidade do cérebro de simular e desenhar o que ainda não foi revelado ou visto.

Zanele MUHOLI
Casamento de Avanda e Nhlanhla Moremi
Enquanto muitos países da África adotaram legislações homofóbicas e expressaram fanatismo pelos homossexuais ocidentais, a República da África do Sul se destacou deles ao aprovar uma legislação que reconhece os casamentos entre pessoas do mesmo sexo. Ainda assim, os afro-americanos LGBT (minoria sexual, incluindo lésbicas, gays, bissexuais, transgêneros, intersexuais) estão sofrendo crimes de ódio. Lésbicas negras que são particularmente vulneráveis ​​entre elas muitas vezes tornam-se vítimas de assassinato a sangue frio ou sofrem ‘estupro sob o pretexto de tratamento’ por pessoas ao seu redor ou seus chamados ‘amigos’. Em 2013, Muholi registrou eventos que parecem conectar felicidade e tristeza, uma cerimônia de casamento e um funeral de pessoas da comunidade LGBT negra na República da África do Sul. A instalação fotográfica do ZaneleMuholi mostra como um evento triste e um evento feliz podem compartilhar semelhanças. Este trabalho enfatiza a necessidade de espaço para a expressão de identidade de um indivíduo.

OH Younseok
Memórias escondidas-erva 1, 2
O tópico principal da série (2016) é curar o ‘conflito multifacetado, medo e terror revelado nas memórias ocultas do ser humano’. Meus trabalhos mostram a vontade de criar motivados por memórias ocultas e “códigos biológicos” que tratam doenças da mente, ressentimento e ressentimento. Este trabalho contém neles o significado de homenagem floral ao homem moderno, apresentando flores, ervas e textos. A série não fornece imagens e significados fixos por meio da reprodução de assuntos ou memórias, mas desmonta escritos religiosos ou textos de confissões inferidos das memórias ou dos sujeitos e os remonta, combinando-os com imagens para criar textos visualizados e não textos abstratos . Tornam-se existências que aguardam encontros com o público em algum ponto entre ‘leitura’ e ‘fascínio’.

OLTA
Walking Cascade
O OLTA é um grupo formado em 2009 por 6 artistas japoneses que se formaram em Pintura na Tama Art University. Nossa vida diária está repleta de enormes quantidades de informações, como vídeos transmitidos pela mídia. O OLTA compara essas experiências com a mídia digital a uma cascata em (2016). Da jornada para chegar à cachoeira, vistas panorâmicas diante dos olhos, o som de cascatas caindo, temperatura, umidade e o ambiente ao redor, abraçamos a cachoeira usando todos os nossos sentidos. Nesse contexto, o vídeo ‘filmado’ pode ser apenas secundário. Através de seu novo trabalho, o OLTA tenta visualizar o acúmulo e a transformação de informações de três maneiras – usando o corpo dos artistas como criador do vídeo, usando o corpo do receptor da informação e usando a mídia que documenta e grava. Nesta exposição, a OLTA realiza uma performance inspirada em Rokusai Nenbusu Odori, que é um fazendeiro de dança folclórica tradicional budista japonesa no Japão ocidental que dançou enquanto cantava uma oração budista. Suas formas e tradição variam, mas principalmente grupos de várias pessoas visitam de porta em porta na vila, dançam a noite toda ao som de tambores, sinos e cachimbos. Na performance de OLTA, os membros dançam ao som de suas próprias vozes e instrumentos feitos por objetos facilmente encontrados em casas típicas. A instalação é concluída com a combinação de filmagens da performance, repetição e reprodução e os movimentos da platéia.

ORLAN
Auto-Hibridização de Pequim Opera nº 6
ORLAN usa seu próprio corpo como material e um suporte visual para seus trabalhos. Ela usa seu próprio corpo como uma área para debate e exibição. Ela é a progenitora da arte corporal e uma figura importante em ‘arte carnal’ definida na Declaração de 1989. A tenacidade e liberdade de ORLAN são partes essenciais de suas obras. Ela adota a atitude de inovar, questionar e ser destrutiva em todos os seus trabalhos. ORLAN destrói o processo de pensamento e os costumes “prontos”, implementando incessantemente alterações fundamentais nos dados. Ela se opõe ao tipo dominante, como determinismo social, político e natural, chauvinismo masculino, religião, divisão cultural e discriminação racial. ORLAN não apenas descreve o corpo feminino do período barroco e a iconografia religiosa, mas também explora a cultura da Índia e da China antes de Colombo descobrir as Américas. Ao mesmo tempo, ela analisa sua realidade física, emocional e virtual usando as mais modernas ciências, biologia e tecnologias de computador. Em seu recente trabalho em série (2014), ORLAN enxerta a máscara da ópera de Pequim em tecnologias interativas. Com o uso de “Augment”, que é um aplicativo para realidade aumentada, ela transforma a auto-hibridação e todas as fontes em códigos QR. ORLAN mostra acrobacias fazendo com que seus avatares apareçam em tablets e smartphones da audiência na Ópera de Pequim, proibida para as mulheres. O público também pode tirar fotografias com esses avatares em 3D.

Tanja OSTOJIĆ
Estratégias de Sucesso / Série Curador
Tanja Ostojic é uma artista prática que realiza estudos multifacetados e coloca questões sobre questões que a sociedade européia e o mundo da arte enfrentam usando vários meios de comunicação, como performance, vídeo e fotografias. , que é um de seus principais projetos, envolve formar um forte vínculo com ciganos e prepara um local para compartilhar e curar sua profunda tristeza, expondo suas feridas coloniais a uma plataforma onde a comunidade local e os ativistas podem se envolver em discussões. Em particular, submetido à exposição é uma apresentação sob a forma de uma apresentação para lidar com questões como a vida de pobreza dos ciganos, exclusão social e política, deportação, racismo, xenofobia e coisas do gênero. Através deste trabalho, ela coloca uma questão ética: “como é possível que um grupo étnico específico seja constantemente exposto e privado dos direitos humanos política e socialmente na sociedade européia moderna de hoje?”

PAK Sheung Chuen
Uma viagem sem experiência visual (nº 3)
(2008) parte dos 5 dias e 4 noites de Pak Sheung Chuen para a Malásia. Ele fechou ou cobriu os olhos durante toda a jornada. Durante a viagem, ele ainda estava fazendo todos os passeios turísticos e tirou muitas fotos, mas, em vez de ver, ele apenas usou seu corpo para sentir e experimentar o ambiente. Todas as imagens, juntamente com fotografias e vídeos de outros membros do grupo de turismo, tornaram-se a única referência de memórias indiretas e experiência visual para a Malásia. As fotos devem ser exibidas em uma sala completamente escura. Os espectadores precisam trazer suas próprias câmeras flash para capturar imagens dentro da sala.

PARK Jihye
Afeição
O critério pelo qual os valores de um indivíduo são definidos pode ser classificado por padrões sociais. Em outras palavras, surgem conflitos quando esses valores são aceitos por influências externas ou frustrados. No entanto, os desejos dos indivíduos são contidos pelo menos em certa medida, pois são regulados por padrões sociais. Assim, as formas de cada desejo individual podem diferir, mas a ansiedade psicológica causada por essas pressões sociais é inerente a todo relacionamento, e essa ansiedade conecta um indivíduo ao outro de maneira complicada. Isso é expresso na forma de violência contínua na sociedade moderna. Reconheço essa violência como um problema relacionado aos relacionamentos e à sua interatividade e tento colocá-las na forma de uma obra de arte. A contemplação dos relacionamentos está intimamente relacionada a não uma existência gigantesca, mas a amor, relacionamento romântico, ciúme, compaixão e aqueles mais próximos da vida cotidiana de um indivíduo. O relacionamento mais próximo é um espaço dominado por muito mais costumes, mitos e formalidades do que qualquer outro relacionamento. Esse espaço pode parecer um local criado por um encontro entre dois indivíduos, mas, na verdade, é um local complicado no qual inúmeros conceitos e desejos colidem, trocam e comprometem, e um local no qual conflitos básicos permanecem adormecidos. O artista captura obsessão unilateral, desejos escondidos por trás de relacionamentos íntimos e violência sob a superfície presente nos relacionamentos, combinando experiências pessoais e incidentes da vida real com objetos simbólicos, histórias ou contos de fadas. Ela produz um vídeo imensamente realista, mas irrealista, criando situações agressivas nas quais não apenas afeto e conflitos nos relacionamentos, mas também as ironias, conflitos e ansiedade ocultos de formar relacionamentos com sociedades se cruzam em uma junção na qual o tempo horizontal e o tempo vertical se cruzam. .

Hung-Chih Peng
God Pound Busan
Estátuas diminutas de deus se tornaram especialmente populares durante uma mania de jogar em Taiwan na década de 1980. Depois de não conseguir adivinhar com êxito um número vencedor, muitos deles foram abusados ​​e abandonados em centros de reciclagem, como os cães são enviados a libras quando incapazes de atender às expectativas infladas e irreais de seus proprietários. Assim, no que parece um exemplo extraordinário de reversão, a humanidade teve a liberdade de punir os deuses, aparentemente sem medo de vingança. Além disso, esses deuses foram convenientemente incorporados em um tamanho facilmente manipulável. Para a instalação (2016), 501 deuses preencheram um espaço inteiro e eles olham para a tela emoldurada pelo cenário de marionetes de Taiwan. No vídeo, um cão narra a história das divindades passando de embarcações idolateadas a restos abandonados, lembrando-nos do paralelo entre a libra divina e sua contraparte canina. Em algum lugar entre o fetiche onipresente das mercadorias e o totem sagrado que não conhece valor de mercado, a acumulação desses pequenos seres transmitia tanto o tremendo poder que se pensava possuir inicialmente quanto seu status atual de rejeição sem valor.

Pushpamala N
Bons genes – higiene
A artista usa modelos médicos para realizar vários movimentos com a ajuda de seus amigos. Os movimentos que se assemelham a uma cerimônia religiosa são realizados em um palco como um fascinante show de mágica. Este vídeo é parte de um projeto de longo prazo feito para responder a uma pergunta sobre o conceito de Pushpamala N. de um estado-nação. No vídeo, ela analisa o projeto de um governo que visa criar uma comunidade ideal através da história da antropologia, etnologia e eugenia. Em seu trabalho, ela realiza os movimentos sozinha e desempenha o papel de um ‘resultado’ e também de um ‘agente’ da história que se posiciona no centro da exploração.

Joanna RAJKOWSKA
Meu pai nunca me tocou assim
O trabalho em vídeo de Joanna Rajkowska é uma descrição que se concentra no relacionamento rompido entre pai e filha. A artista pediu ao pai para acariciar seu rosto, mas esse foi provavelmente o primeiro e o último pedido que ela fez. Seu pai viveu uma vida em fuga desde sua primeira fuga de ser enviado para o Campo de Concentração de Auschwitz durante a Segunda Guerra Mundial até o momento em que deixou sua família e sua esposa. Ele nunca esteve lá para trocar as fraldas do bebê, assistir à cerimônia de entrada na escola primária ou mesmo quando ela foi hospitalizada devido a envenenamento do sangue. Ele foi tão longe que ignorou seu próprio nome que sua esposa chamou no caminho para a morte dela. Ao remover uma camada de memórias sob a superfície da vida cotidiana em seu trabalho, a artista acaricia suavemente as feridas do passado que todos temos.

Robin RHODE
A lua está dormindo
Robin Rhode normalmente usa materiais comuns, como sabão, carvão, giz e aquarelas, para expressar um épico de vida bela em performance, desenho e vídeo. O artista que expressa amplo interesse em questões sociais e políticas à sua maneira baseia principalmente seus trabalhos nas ruas e aprimora a estética complexa para criar belos desenhos nas paredes. Suas , submetidas à exposição, foram emprestadas da poesia de um poeta sul-africano Don Mattera e, ao ter uma voz fraca e vulnerável ecoando na tela, ele descreve a experiência de ser preso em uma sala de interrogatório durante o momento em que o Apartheid atingiu seu auge. Através de uma animação em stop motion de um garoto olhando para imagens simbólicas espalhadas diante de seus olhos, o artista expressa poder, identidade, liberdade e graça. Em seu outro trabalho, , ele descreve os dias tristes de perder um amante para a doença como noites sem lua, e entrega seu lamento e tristeza através da narração de um homem velho e da última palavra da narração, “isolamento”.

SHEN Shaomin
História da arte
Shen Shaomin é um artista da China que trabalha em arte conceitual e arte de instalação. Suas obras estão relacionadas principalmente a estudos e reflexão sobre alguns dos problemas existentes na história da arte. Ao mesmo tempo, ele constantemente revela e critica problemas na sociedade moderna como “Líder de opinião”. Seu trabalho recente (2015) é uma instalação interativa em larga escala que ainda é um projeto de pesquisa em andamento. (2015) é composto por 50 fones de ouvido e 50 microfones. Narrações nos resultados da pesquisa do artista sobre a definição de arte podem ser ouvidas nos fones de ouvido, e o público que ouve a voz pode falar aos microfones sobre seus pensamentos sobre a definição de arte. As histórias são passadas por um computador, convertidas em personagens, impressas e combinadas em um livro. Essas ‘declarações compartilhadas’ são concluídas como tal e, finalmente, se tornam um arquivo do artista. Por meio desse trabalho, Shen Shaomin abre, edita e expande a história da arte, considerada um território inviolável em que somente acadêmicos e críticos podem entrar, incentivando a participação do público em geral e, assim, enriquecendo a definição de arte.

KATHARINA SIEVERDING
OLHANDO PARA O SOL NA MEIA-NOITE (VERMELHO)
O trabalho de KATHARINA SIEVERDING mostra o sol brilhando na escuridão da noite a partir da terra. Do pôr do sol ao nascer do sol, o sol está realmente cheio de cores diferentes. KATHARINA SIEVERDING foca nas interconexões entre os seres vivos e o universo. O artista recebeu informações visuais do Solar Dynamics Observatory lançado pela NASA em 2010 e as transformou em uma obra de arte. Através deste trabalho, ela conecta as várias facetas da ciência e da biopolítica com a existência humana sagrada.

Roman SIGNER
Instalação com areia, cadeiras, baldes e água
Os eventos artísticos que Roman Signer constrói para nós são baseados em processos, brincadeiras, experiências e maravilhas. Seus materiais são fenômenos físicos elementares – observações ainda mais surpreendentes em vista do humor que informa a obra deste artista. Esses elementos mostram esse incrível mundo de humor. É uma marca de humor extremamente sutil, ainda a ser descoberta pelo mundo da arte. A serenidade, clareza e leveza das ações do Signer nos impressionam. Eles são desprovidos da liderança tautológica de certa arte nos anos setenta que agonizava retamente na tentativa de demonstrar que a água flui e uma cadeira é uma cadeira. Os gestos de Signer não são heróicos, embora, aparecendo como um dramaturgo de suspense, ele cause uma liberação explosiva, até uma detonação psicossensual. Ele não preenche o papel esperado do engenhoso artista individualista, mas chama a atenção para um objeto ao descobrir e liberar seu potencial surpreendente e insuspeitado. Conhecemos as possibilidades de latas de spray comuns, botas de borracha, bicicletas e cadeiras de cozinha, mas também aprendemos quão limitados são o horizonte de nosso conhecimento e nosso relacionamento com as coisas deste mundo.

Shinique SMITH
Sem poeira, sem manchas
As três obras de Shinique Smith são principalmente sobre gestos, objetos e inspiração conceitual. Suas obras foram influenciadas pela astrologia, alquimia, poesia lírica mítica e movimentos de interseções urbanas. Criado em colaboração com o artista Gary Pennock, (2015) foi filmado usando videografia aérea e terrestre em frente ao mural de Smith . Com base na história pessoal e nos eventos da artista que influenciaram sua vida, a performance cobre pinturas de Smith, instalações em larga escala e outras obras. Mostra como ela aborda bem a produção de obras e apresentações de exposições. Ela descreve a infância dizendo que, quando menina, soube dos dervixes rodopiantes sufis e, na minha inocência, tentei dançar como eles. Eu girava no quintal do bairro, em Baltimore, até minha mente se libertar. Essa experiência de Smith serviu como ponto de partida do projeto que expressa e expande os movimentos hipnotizados de dançarinos em pinturas murais. Os dançarinos do trabalho vestem trajes feitos por Smith, desenhando guarda-sóis e grandes roupas de seda. A KAIROS Dance Company, que também teve uma idéia semelhante à de Smith, seguiu a espontaneidade de sua percepção e contribuiu para a criação deste trabalho colaborativo fascinante e dinâmico, adicionando alguns dos movimentos extraídos do trabalho existente ‘Her’. As tecnologias e a composição profissional de edição de Gary Pennock acrescentaram perfeição à manifestação das idéias de Smith neste trabalho.

SOHN Junghee
Gabinete
Sohn Junghee se concentra em realizar os sonhos escondidos profundamente dentro dela através do uso de argila. Como Pablo Picasso disse uma vez ‘Tudo o que você pode imaginar é real’, o mundo imaginário que ela expressa se torna real no momento em que faz e assa argila à mão. O tema dos trabalhos de Sohn Junghee veio de sua vida cotidiana. Ler contos de fadas como a Branca de Neve para crianças pequenas, distorcer e satirizar finais felizes se tornaram o conceito de suas obras e, com o passar do tempo, ela procurou várias fontes para suas obras de todas as idades e países. Tais histórias foram transformadas pela interrupção da imaginação do artista e funcionam como uma alegoria de distorção ou sátira e crítica nos fenômenos sociais. Os sentimentos comuns que estão em todas as obras de Sohn Junghee são simpatia, humor, desejo (ressentimento) e subida. Profundo amor e carinho pelos humanos são transmitidos em suas obras.

SONG Kicheol
Já existe pacificamente aqui como sempre.
Olhando para os cadáveres de crianças lavadas na praia, sinto em meus ossos que estamos vivendo em um mundo livre, mas não totalmente livre. Aqueles que podem se mover livremente através de barreiras territoriais são coisas não-vivas. Tais barreiras existem como fantasmas invisíveis entre territórios, território e vida, e vidas. Eles nos separam infinitamente e nos impedem de enfrentar as hostilidades reais. Essa separação não é a mesma que o Apartheid, a notória segregação racial da República da África do Sul no passado. (2016) visualiza os princípios fundamentais das barras de ferro instaladas nas paredes que permitiram a separação com vizinhos desconhecidos e a proteção dos direitos de propriedade privada. Ao fazer isso, permite o confronto com o apartheid fantasmagórico. Um vídeo de um homem escapando de um desastre através de uma janela e uma árvore pendurada no ar com as raízes queimadas, uma fotografia que revela o peso oculto das balanças de uma balança permite a coexistência de hostilidades e cria obras de organização de um novo vida na situação atual em que os resíduos dessa convivência são mantidos.

Studio CONTEXT
Casulo 2
O Studio CONTEXT começou na Escola de Arquitetura de Aarhus, na Dinamarca, e exibe os resultados de uma combinação de devoção e tecnologias colocadas por estudantes, arquitetos e cidadãos de vários países do mundo. O Studio CONTEXT estuda arquitetura e habitação sustentáveis ​​que refletem fenômenos geográficos, históricos, antropológicos e sociais. Também explora projetos nos quais diversos elementos culturais são misturados. Na Bienal de Busan 2016, o Studio CONTEXT exibe o projeto (2015), que é um trabalho feito com um material bastante exclusivo, as árvores de bambu. As árvores de bambu não foram usadas apenas para fabricar materiais de interior e utensílios domésticos por séculos nos países asiáticos, mas também são materiais de construção ecológicos úteis no campo da arquitetura e design. Após o primeiro projeto experimental feito de árvores e pedras de bambu, (2015) desenhou o conceito de colaboração cultural através de sua abordagem educacional e experimentos sobre função, material e construção. Todos os trabalhos foram cuidadosamente considerados para se adequar aos materiais e ao clima das regiões relevantes, e sua natureza experimental foi mantida enquanto era modelada por meio de uma estreita colaboração com os moradores locais. O Projeto Cocoon ainda é um projeto em andamento que explora o espaço, a arquitetura, o material e o mundo das árvores de bambu.

TAMURA Satoru
Ponto de contato # 2
“Ponto de contato # 2”, simplesmente mas, é um interruptor aberto e exagerado. É um dispositivo projetado apenas para fornecer energia da eletricidade para acender a lâmpada. O ponto de contato cria uma faísca pálida, as lâmpadas incandescentes em conjunto com ele piscam e se torna uma prova física de que há um “contato” elétrico. As lâmpadas incandescentes estão funcionando apenas para o contato que acende, e o contato que acende é apenas para acender as lâmpadas incandescentes. O objetivo do trabalho é essa existência física extremamente imediata, que gira e gira. Tamura Satoru nos mostra como enfrentar a realidade de maneira consciente ou talvez inconsciente.
Nem tudo na sociedade em que vivemos existe para se tornar algo. Somos apenas nós, humanos, que tentamos encontrar razões para tudo e os almejamos. Os seres humanos que vivem em uma sociedade capitalista destroem indiscriminadamente a natureza em nome do desenvolvimento e do crescimento, fecham-se mutuamente e criam conflitos baseados em uma fé cega que não reconhece diferenças de raça, religião e sociedade. Todas essas são variações dos desejos humanos. O artista não estabelece uma meta ou tenta argumentar algo ao fazer uma obra de arte. No entanto, seu trabalho nos permite redefinir as lentes através das quais vemos a realidade e a sociedade, além de refletir sobre os modos de vida que existem além do sofrimento mundano.

Nobuko TSUCHIYA
O começo do tempo
Nobuko Tsuchiya estimula as emoções das pessoas, se esforça para criar algo que possa despertar a consciência no mundo de um indivíduo e tenta reconhecer claramente a relação entre memórias e imaginações. Seus trabalhos são acumulações de decisões tomadas usando uma variedade de pensamentos e coisas linguísticas, musicais, lógicas, funcionais, sensuais e empíricas ou mesmo algo que não pode ser definido. Através deste trabalho, a artista tenta comprimir os componentes de suas obras o mais alto possível, para que alcancem um certo ponto entre equilíbrio e desequilíbrio.

Yangachi
Especiaria antiga, versão Lang
Rio Han.
Subo em uma casa ampla e enorme. Ali mesmo, um lobo cinza com cara de homem segue em frente e devora as pessoas uma após a outra. Suga o sangue deles.
O teto se torna visível quando eu subo na casa enorme e, na frente, vejo um enorme navio de madeira. Enquanto olho, o navio começa a tremer de um lado para o outro como um navio pirata em um parque de diversões. Shuuuk, shuuuk.
Antes que eu perceba, estou sentado no lado direito do navio, olhando para baixo. Desço da casa enorme e começo a andar pela rua.
Então eu levanto.

YU Sunghoon
a exposição do espaço
Yu Sunghoon considera o uso de um espaço construído como um armazém em Busan para o principal salão de exposições da Bienal de Busan 2016, bastante significativo na história geológica de Busan, pois foi transformado em um espaço urbano hoje devido ao seu histórico histórico especial. Durante 5 meses, o processo de mudança em determinado local foi registrado para (2016), ele acredita que isso despertará muito interesse nessa região e nos assuntos humanos. Através de sua outra obra (2016), ele pretende fazer a associação entre as memórias de sua cidade natal e o espaço de exibição.

YUN Pilnam
Fantasia artesanal
Quando uma pequena impressão digital encontra um smartphone, tudo se desenrola diante dos olhos. São mundos visíveis através dos olhos e visíveis na mente. Todos os tipos de palavras e textos flutuantes presos em um pequeno quadro têm poder universal, mas são facilmente permeados, contaminados e desaparecem. Assim como a poeira amarela cobre o mundo com poeira, o mundo está cheio de textos e imagens. Enquanto prestamos atenção à luz, som, sabor e toque do lado de fora, nossa vida diária é despedaçada e pisca como uma lâmpada quebrada. Em algum momento, o trabalho manual, que requer movimento do corpo, além de tempo e esforço, está perdendo seu valor precioso. O trabalho hoje é algo que se tornou muito cansativo, atrasou a interferência de um terminal e finalmente ficou inacabado. O corpo se torna um peso pesado no despertar da mente, e o espírito se torna ruído na inércia do corpo. No entanto, o artista argumenta que o poder que realmente move e restaura o mundo provém do trabalho manual. Yun Pilnam aspira afirmar que devemos buscar o fluxo da vida cotidiana que não se baseia no trabalho manual que nunca para de se mover.

Katarina ZDJELAR
Tudo vai ser
O vídeo de Katarina Zdjelar (2008) faz alusão à música dos Beatles ‘Revolution’, que o artista transfere para as Ilhas Lofoten, na Noruega, onde é cantada por um coral amador. Sua maneira de cantar canções de ninar forçou a música a tomar um tom perturbadoramente crítico. O trabalho revela tanto a distância crítica à revolta nas letras, escrita por John Lennon em 1968, quanto a distância ideológica entre o significado da música e as pessoas de meia idade que aparecem na obra. O interesse de Zdjelar por esse trabalho também está no processo de manifestar incertezas fisicamente, nas tentativas de aperfeiçoar o desempenho de uma pessoa e também na produção de um coletivo a partir de vozes singulares. Com foco principalmente na presença íntima dos indivíduos, o trabalho é carregado de um sentimento ambíguo de hesitação – uma reserva que pode sugerir incapacidade de deixar ir e se expressar, ou falta de vontade de ser indivíduo em toda sua imperfeição ou se fundir em a voz e o sentimento comunais. Os cantores-falantes dão uma sensação de distância e frieza em relação à música que cantam e, embora a executem, o que eles trazem parece mais ameaçador do que esperançoso.

ZENG Hao
20 de junho de 2002
Zeng Hao captura o estado de espírito de um indivíduo, a impressão pessoal e as mudanças ambientais que ele sentiu na tela. Itens comuns como cama, armário, panela e imagens de personagens tímidos podem ser encontrados em suas pinturas. Em particular, <04:06 de maio. 9th, 1998> (1998) é uma das séries de suas principais obras, e permite que os espectadores imaginem histórias por trás da obra através do arranjo de vários objetos, como personagens, família e eletricidade, em uma combinação aparentemente irrelevante. As imagens de famílias ou espaços desenhados por Zeng Hao denotam a sensação de isolamento ambíguo que é difícil de adivinhar e, embora pareçam perfeitas, evocam a sensação de desolação à medida que são desenhadas em perspectiva. Parece que o artista está usando seu trabalho como uma metáfora da natureza vulnerável dos relacionamentos e das realidades demarcadas da sociedade moderna de hoje.

ZHOU Wendou
TDAH
Zhou Wendou usa o estilo conceitual da criação e a linguagem humorística da arte para expressar uma perspectiva um pouco diferente de outras obras chinesas contemporâneas. (2015) é um trabalho de instalação circular com mais de 2 metros de diâmetro. A tinta jorra constantemente de cima e mais de 20 ‘limpadores de para-brisa’ instalados na superfície fazem movimentos repetidos para remover a tinta que jorra. Através de tais movimentos mecânicos, o artista faz alusão às características não automaticamente controladas das pessoas modernas que podemos encontrar facilmente em nossa vida cotidiana, movimentos e hábitos excessivamente repetitivos. Além disso, o trabalho é uma expressão figurativa da era da Internet, na qual os dados são produzidos infinitamente e mecanicamente, e o estado de gradualmente se tornar monótono devido ao distúrbio do déficit de atenção.

Bienal de Busan 2016
A Bienal de Busan é um festival de arte abrangente que integrou três diferentes festivais realizados na cidade: Bienal da Juventude de Busan, Festival do Mar de Busan e Simpósio de Escultura ao Ar Livre de Busan.

Com uma longa história de servir como reduto artístico na Ásia, Busan é o lugar perfeito para sediar um festival de arte para a região e além. O evento de arte da bienal teve como objetivo apresentar uma interpretação fácil da arte contemporânea difícil de entender e torná-la mais acessível ao público em geral.

O festival serve como uma arena onde os locais podem se misturar com pessoas de outros países e se comunicar.

A Bienal de Busan será consolidada como um evento cultural representativo da Coréia e, finalmente, alcançará um reconhecimento mundial.