Concepto de diseño relacionado con el tema de Busan Biennale 2016; La hibridación de la Tierra, que discute la multitud, se deriva del «anillo anual» que se encuentra en el tallo o la raíz de los árboles. El anillo anual tiene una forma diferente según la tasa de crecimiento, pero finalmente tiene una línea en común como el desarrollo cultural. Se desarrollan diversas culturas en diferentes circunstancias geográficas, históricas y políticas, pero al mismo tiempo crecieron a la vista de la «humanidad» a través del E.I.

Hibridando la Tierra, discutiendo multitud
La tecnología digital que trasciende el tiempo y el espacio y hace posible la creación de redes ha vinculado a la Tierra en una sola comunidad, integrando el mundo en un mercado único. Dentro de una aplicación instalada en nuestros teléfonos inteligentes, 10 mil millones de personas en todo el mundo trascienden sus límites religiosos, étnicos y nacionales y se conectan en red. La humanidad vive actualmente en una «generación de multitud» que ninguna otra generación ha experimentado jamás.

La bienal reuniendo artistas y académicos de diversas religiones, etnias y nacionalidades para discutir los temas del pasado, presente y futuro de la humanidad sería la forma más adecuada de exhibición para esta generación de multitudes. A diferencia de la literatura, el cine y otros dominios culturales, esta es una etapa única que solo se puede ofrecer a través del género artístico y la plataforma bienal. El tema de la Bienal de Busan de «Hibridación de la Tierra, debate sobre la multitud» está bien alineado con este concepto. El mundo «rico pero empobrecido» resultante de la hibridación de tradición y modernidad; humano y naturaleza; Este y oeste; analógico y digital; capital y tecnología; es lo que es una tierra hibridante. Es un lugar que nunca debe reducirse al capital y la tecnología, y un lugar donde la humanidad que enfrenta la realidad comienza su resistencia y escape.

«Hibridando la Tierra, discutiendo sobre la multitud» es un lugar para discutir las posibilidades. Es un lugar incómodo y angustioso que se refleja en las ineficiencias del mercado y la irracionalidad humana, y en la vulnerabilidad del arte al mercado y su sistema. Al igual que la melancolía de Walter Benjamin, tal vez un documento de civilización es un documento de barbarie al mismo tiempo. Espero que esta Bienal de Busan sea la misma.

Destacar

Lida ABDUL
En tránsito
Lida Abdul es famosa por sus trabajos relacionados con Afganistán, su país de origen. El paisaje que la cautivó en la tierra que sufrió 35 años de guerra fue rastros de ruinas. Su trabajo (2008) se desarrolla en las afueras de Kabul, donde el paisaje está totalmente en ruinas debido a 20 largos años de guerra. Más de 70 niños entre 5 y 9 años aparecen en el trabajo. Los niños intentan llenar todos los agujeros de bala en el fuselaje de un avión bombardero estrellado y tirar de él para hacerlo volar como una cometa en sus esfuerzos por transformar las atrocidades de la guerra en esperanzas y un nuevo futuro. A pesar de la situación trágica y violenta en la que se encuentran, los niños intentan neutralizar la tragedia en la que se encuentran a través de su inocencia. Otro trabajo (2013) se compone de una cámara fotográfica, 300 fotos de pasaporte y sonido (una voz que ofrece un texto conmovedor hermoso pero doloroso). La presencia de la voz, o su ausencia, hace que su trabajo brille más.

Rina BANERJEE
Étnicos y raciales trenzaron pelos largos y enrollados y entrelazados. Oh, cómo se hizo y se hizo, comió, comió a la sombra, durmió y ensució su reflejo al ver que estas naciones falsificadas me hacían pequeños pasteles dulces.
El trabajo de Rina Banerjee presenta personas dispersas, cuerpos que pueblan y polinizan la tierra, el mar y el aire. El artista se dedica principalmente a la artesanía, como encuadernación, cableado, costura y fijación. Ella se sumerge en conectar piezas o materiales que se han fragmentado y no son compatibles porque realmente no se hablaban entre sí. Ella continúa aventurándose en la exploración estética para redescubrir una belleza nueva y diversa conectando fragmentos seleccionados de cosas que recolectó anteriormente.

Aya BEN RON
Rescate
Aya Ben Ron expande la memoria inconsciente de un cuerpo enfermo, la percepción de la muerte y la moral, y el dolor en un contexto sociohistórico tanto como sea posible. Todos sus trabajos se basan en la experiencia que Ben Ron ha acumulado a lo largo de los años al estudiar minuciosamente manuales y bocetos médicos, enfermedades y tratamiento médico. Ben Ron trasciende los límites categóricos de las dos disciplinas. A pesar de la obvia presencia de muerte y dolor en su trabajo, no se puede encontrar intervención sentimental ni glamour de muerte y enfermedad. Aya Ben Ron mantiene una distancia emocional y utiliza un sentido del humor sombrío para explorar los procedimientos médicos en un contexto sociohistórico tanto como sea posible.

CHO Hyeongseob
Tienda moderna
Renacimiento, toda creación, modernización fueron palabras favoritas utilizadas públicamente y como eslóganes políticos durante los años 70 y 80 en Corea. Estas palabras, una vez amadas por toda la nación, ahora se han convertido en algo raro que solo se puede encontrar en los letreros en el campo. Desde ‘Renaissance Store’ que no parece poder revivir, ‘All Creation Store’ que no parece ser lo suficientemente grande como para ofrecer todo tipo de creaciones, hasta ‘Modernization Store’ que no parece moderna en absoluto , se podían percibir palabras clave del deseo de la época. El intenso deseo de abundancia de una época acompañada de pobreza, decadencia y ausencia se conecta con el presente como una sombra de ironía e irracionalidad. Cho Hyeongseob elabora sobre los valores e ideales que hemos perdido en las piezas de nuestra memoria o en sus límites.

CHOI Kichang
Largo puedes correr
(2016) comienza perforando 304 agujeros en la superficie de las paredes viejas que quedan en la fábrica KISWIRE Suyeong. Estos agujeros conectan espacios antiguos que se han dejado de usar y espacios que se han formado recientemente para desempeñar sus funciones como un puente de luz que permite intercambios entre la función contundente del pasado y el futuro que está llena de nuevas expectativas. Estos agujeros se rellenan con «algunos objetos desaparecidos o las partes de ellos que se recuperan» o «no se eliminan y conservan, pero ahora el significado de preservación se desvaneció».

CHOI Sungrok
Operation Mole-Endgame
El artista Choi Sungrok se dedica a transformar el paisaje y los incidentes sociales, culturales, históricos contemporáneos en una epopeya mediante el uso de tecnologías digitales y nuevos medios. Su trabajo (2016) es una animación 2D de alta definición. La animación creada con el motivo de los túneles subterráneos realizados por Corea del Norte para invadir el Sur en los años 70, forma un único panorama personal pero social que se conecta con eventos contemporáneos de formas diversas y complejas. Este trabajo se alinea y combina escenas y recuerdos de la barbarie y la corrupción que tienen lugar dentro de nuestra civilización en un solo marco. Las escenas que trascienden el tiempo y el espacio para conectarse, crear, destruir y comenzar de nuevo se combinan con tacto y se reconstruyen a través del eje del tiempo y en forma de juego.

Keren cytter
Jardín de rosas
(2014) es una historia trágica que tiene lugar en un bar de Texas. Se puede decir que este trabajo es un pastiche de la película surrealista de Luis Buñuel (1930). El nombre del bar debe haber venido del eslogan «No te prometemos un jardín de rosas» escrito en un póster de reclutamiento del Cuerpo de Marines. Sin embargo, el eslogan cuyo uso fue tan ignorantemente cambiado por el Cuerpo de Marines fue tomado originalmente del libro «No te prometí un jardín de rosas», que trata sobre una mujer esquizofrénica que creó su propio mundo en una fantasía elaborada. Uno puede considerar este trabajo como una película que tiene el contraste entre su historia dramática y su composición alegre como tema clave. Existen varias historias de forma independiente, sin embargo, todas esas escenas independientes se superponen. Al igual que las escenas en la película de Buñuel, la trama se desarrolla sin suficiente explicación. Las conversaciones en él son ilógicas como si fueran escritas por un niño y, a veces, las pistas de voz no coinciden con los movimientos de la boca de los actores. Las bandas sonoras cambian el estado de ánimo, pero ninguna de ellas es congruente con las escenas. La película parece una realidad alternativa.

Kiri DALENA
Después de mebuyan
Kiri Dalena, que se ocupa de los problemas sociopolíticos de Filipinas, es artista y activista social. El título de su trabajo (2016) es una diosa del inframundo en la mitología filipina que controla la vida y la muerte con arroz. Mebuyan, una figura con senos múltiples, se sienta en una mesa para machacar y moler arroz con las manos llenas de granos de arroz, el símbolo de la vida. Los granos dispersos después de caer de sus manos son una «proclamación de la muerte de la multitud y el público». En otra tribu Mindanaon, los Manobos, realizan un rito y un ritual de esculpir una figura humana con arroz cocido después de un entierro del que todos participan.
En 2016, los agricultores de la provincia de Cotavato ubicados en el norte de Filipinas se enfrentaron a un proyecto extremo debido a El Niño. Más de 6,000 agricultores formaron una barricada humana al otro lado de la carretera para pedir ayuda para el arroz. El gobierno de Filipinas envió a la policía armada para disolverlos por compulsión utilizando cañones de agua y bayonetas. Un agricultor fue asesinado y decenas resultaron heridas en la dispersión forzada.
El número 635 en (2016) es el número de arrendatarios y activistas humanos asesinados por la autoridad gubernamental de Filipinas en los últimos 15 años. El artista tomó prestado un ritual en la mitología filipina e hizo 635 granos de arroz con oro de 14K para rendir homenaje a los asesinados injustamente.

Folkert DE JONG
Negocios habituales: «La torre»
Folkert de Jong es mejor conocido por sus expresivas esculturas e instalaciones que surgen de una fuerte fascinación por la condición psicológica y corporal humana. De Jong está interesado en reexaminar los símbolos culturales y las figuras históricas, y el potencial de la escultura para transformar las narrativas existentes. En particular, el estilo característico de De Jong está formado por su uso idiosincrásico de materiales aislantes como el poliuretano de color caramelo y la espuma de poliestireno, una elección que no fue simplemente un gesto anti-jerárquico. Estos materiales son contaminantes y sus efectos sobre el medio ambiente son radicalmente perjudiciales. Las obras que se muestran en la Bienal de Busan 2016 se basan en la idea de The Descent of Man (publicado en 1870) de Charles Darwin y The Myth of Sisyphus de Albert Camus. La notable (2008) evoca el conflicto en su representación gráfica de cuerpos carbonizados y desmembrados: sentados, de pie, arrodillados, colgados boca abajo y estirados horizontalmente en el espacio, como los muertos vivientes. El ciclo simbólico sugerido en el círculo de los simios en la instalación (2008) representa no la evolución del mono al hombre, sino simplemente el movimiento. El marco rosado en (2008) podría ser un fragmento tomado de una cadena de eventos históricos, y la torre de los simios es un intento absurdo de moralidad: «No hables mal, no escuches mal, no veas mal». La única pieza que se destaca de la idea de que la humanidad está engañada por su propia originalidad y singularidad es el trabajo (2008) Los dos monos blancos, que nacen de su significado simbólico en la astrología del zodiaco, representan la subestimación de la naturaleza por parte de los hombres. Los monos reflejan nuestro propio absurdo en cómo estamos programados para creer que podemos escapar y controlar los ciclos naturales del planeta Tierra, cuando, en cambio, debemos aprender a ser parte de él y aceptar el hecho de que somos seres frágiles y mortales.

FANG Lijun
2014-2015
Fang Lijun es uno de los artistas más influyentes en el arte contemporáneo chino. La figura «calva» en sus pinturas se ha convertido en el símbolo más clásico del arte chino contemporáneo, y su estilo de trabajo se ha definido como perteneciente a la categoría de realismo cínico. El realismo cínico fue una resistencia contra la cultura durante esos tiempos. Por lo tanto, las expresiones que buscaban separarse de temas pesados ​​y serios, así como pantallas precipitadas eran dominantes. <2014-2015> (2015) es una pintura de 8 metros de ancho, y es una de las principales obras recientes de Fang Lijun. Los numerosos y grandes bebés de la pintura dan la espalda al público y se enfrentan al enorme sol. La fuerte luz que emite el sol parece una energía masiva emitida por un núcleo atómico. Los bebés en la pintura observan vagamente la escena en silencio. Tal ironía intensa pero tranquila es la parte más apasionante de los trabajos recientes de Fang Lijun. En los últimos años, sus obras muestran una tendencia de la pantalla cada vez más grande. Además, mientras que sus trabajos pasados ​​fueron principalmente sobre figuras calvas, cada vez se muestran más figuras de bebés en sus trabajos recientes. Esto podría estar estrechamente relacionado con que él tuviera una hija en 2005. El nacimiento de su hija debe haber sido un cambio significativo para Fang Lijun en el que su vida se convirtió en la de un padre, y que inconscientemente se fundió en su vida personal, influyendo inconscientemente en su vida. estilo de trabajo.

Zoro FEIGL
Desenredando las mareas
El trabajo de Zoro Feigl se compone de movimientos y varias huellas dejadas por tales movimientos. Su trabajo es una instalación potente pero elegante creada por la combinación de energía cinética entregada a cuerdas y patrones repetitivos. En (2014), que es una creación hecha por el ascenso y la caída del mar, el mar forma una orilla y la orilla contribuye a su vez a la formación del mar. Dos gruesas cuerdas extendidas en el espacio no dejan de detenerse como el mar empujando las aguas hacia la orilla. Como si imitara la entrada y salida de la marea, las cuerdas entran en contacto, se mueven y luego se sueltan nuevamente. En (2015), los aros negros corren de un lado a otro a lo largo de una tubería de acero, girando y girando de un extremo al otro como un juego de algún tipo que juegan los niños. A veces, los aros rebotan violentamente mientras giran y giran, y de repente bailan con gracia en perfecta armonía. Los aros más pequeños pasan fácilmente a través de los aros más grandes, interrumpiendo sin cesar los movimientos del otro, chocando entre sí y creando una coreografía rítmica. (2012) en el que una lona gigante se extiende en una elegante danza de olas y rizos que de alguna manera se asemeja a las frágiles y delicadas flores de amapola. Sin embargo, hay una fuerza encantadora en el trabajo en este baile hipnotizante. Se manifiesta una batalla agresiva entre la gravedad, la fricción y la fuerza centrífuga.

Ibelisse GUARDIA FERRAGUTTI
Orillo
‘No hay sonido sin movimiento, no hay imagen sin sonido. Estos tres elementos son cómplices necesarios que están irremediablemente entrelazados. La actuación de Ibelisse (2016) fue desarrollada por la inspiración que obtuvo durante el curso de aprendizaje de Wushu, Kungfu y el látigo de los monjes taoístas (montañas Wudang) y budistas (templo Shaolin) en China durante tres meses. La actuación de látigos contra una pared blanca es un trabajo de meditación cíclica para Ibelisse. Los movimientos de los látigos crean sonido y dejan huellas negras en la pared blanca. La actuación continúa durante al menos 3 horas y, a medida que pasa el tiempo, lo que queda inscrito gradualmente en la pared son huellas, un tributo a los movimientos, sonidos e imágenes.

Probir GUPTA
Réquiem
(2016) manifiesta el abuso inhumano de tratar a los niños, niñas y mujeres como esclavos sexuales y obligarlos a trabajar como máquinas. Probir Gupta rinde homenaje a las esclavas sexuales hoy a través de este trabajo. Inscrito en las planchas de hierro en la parte posterior de la obra hay nombres de flores en memoria de mujeres secuestradas. Este trabajo visualmente anormal proporciona una traducción metafórica de las atrocidades humanas. (2012) refleja la diáspora de los judíos en la India. Muestra a hindúes, musulmanes y cristianos que conviven pacíficamente y viven una vida feliz en una distopía entre los extremistas islámicos. Los guardianes que manejan las sinagogas judías son musulmanes de tercera generación. En la película, se pueden presenciar escenas que tienen estructuras de esqueletos, objetos, comentarios de israelíes integrados en ellas. Teniendo escrito por Ernest Hemingway como su libro de referencia, el trabajo se inspiró en una situación de la vida real de los judíos y musulmanes que coexistían pacíficamente y sin amenazas en la concurrida carretera de Kolkata.

Hong wonseok
Proyecto de servicio de chófer HONG Wonseok-JOYOUS EXPERIENCE, SOCAR
El de Hong Wonseok (2016) es un trabajo de actuación compuesto por varios proyectos. Consiste en el Proyecto 1, que trata sobre las vanguardias indígenas y autónomas de Corea-China-Japón en los años 70 y 80, y el Proyecto 2, que trata sobre el Museo de Arte de Busan y las bienales mundiales desde los años 90. Los artistas, curadores y ciudadanos participantes se mueven entre las dos salas de exhibición, incluida la fábrica KISWIRE Suyeong, en taxi e intercambian preguntas y respuestas sobre asuntos relacionados con Corea y el mundo, la vida y la cultura, el potencial comercial y los países. El artista espera que su trabajo sirva como un lugar incómodo y doloroso en el que se pueda reflexionar sobre la ineficiencia del mercado, la irracionalidad de los humanos, las vulnerabilidades fundamentales del arte sometidas a los mercados e instituciones, etc. El de Hong Wonseok (2016) es un microcosmos del tema de esta Bienal, «Hibridación de la Tierra discutiendo multitud».

HU Jieming
Sincronía
(2016) de Hu Jieming es un trabajo de video que toma prestado el método de tomar fotografías a gran escala. Es una obra que filmó a un gran grupo de personas que viajan más allá del espacio y el tiempo. La identidad de las personas en las fotografías a gran escala se desarrolla en espacios y tiempos mixtos. Una variedad de escenas que cambian contienen todo tipo de narraciones. Los temas de la película fueron tomados de fotografías del pasado lejano. Comenzando desde los amigos del artista hasta figuras históricas de un período de tiempo diferente, el rango de personas en las fotografías es muy extenso. Usando efectos especiales, Hu Jieming escribe nuevas historias dando movimientos a las caras de cada una de las figuras en la fotografía. Las personas en las fotografías que vinieron de diferentes espacios y tiempos tienen diferentes características físicas. Al compilarlos juntos a través del espacio y el tiempo, el artista busca expresar la identidad de raza mixta y cada uno de los diferentes viajes de la vida.

Saleh HUSEIN
Y todo lo que nos rodea es hermoso
Saleh Husein’s (2016) es un trabajo ficticio basado en «Tjahaja PASI» (La luz de PASI), un himno a las esperanzas y los sueños del socialismo islámico indonesio. Durante los disturbios de 1966, el gobierno de Indonesia prohibió todo lo relacionado con el comunismo o el socialismo bajo el nombre de proteger a la sociedad. Incluso las canciones, la composición y los himnos se incluyeron en las cosas que estaban prohibidas. El trabajo del artista examina cómo un partido político puede hacer uso de las canciones como herramientas para controlar o instigar declaraciones políticas, mecanismos uniformes o personas. Para hacerlo, el artista reflexiona sobre la perspectiva de los árabes sobre la globalización a través del uso de las culturas occidentales (la sección de metales de una orquesta y coro). El trabajo recrea «layartancep» (proyección de películas al aire libre), que es un tipo de proyección que alguna vez se utilizó con frecuencia como herramienta de propaganda en política en Indonesia hace mucho tiempo.

Erdal INCI
Taksim Spiral
El artista multimedia ErdalInci experimenta con movimientos clonados a través de su trabajo en video. El artista crea videos hipnóticos o archivos GIF de sí mismo moviéndose a través de espacios públicos que llevan luces u otros objetos a veces. Inci parece no ser más que una sombra, o desaparece por completo dependiendo de su exposición a la luz, creando un video aún más misterioso y soñador. Inci se centró en el hecho de que si sigue clonando la actuación grabada, el video se moverá perpetuamente. Todas las fases de tiempo de los mismos movimientos se pueden ver en breves momentos, como 1 o 2 segundos. Inci pensó que esto podría darle al espectador la oportunidad de pensar como un coreógrafo que dirige a un gran grupo de personas o un pintor que puede llenar un marco no con formas o colores sino con movimientos. ErdalInci se inspiró en los patrones utilizados en las artes y artesanías tradicionales, la danza y la repetición. Su trabajo puede describirse como un resumen de movimiento, rendimiento y entornos reales.

JANG Jaerok
Otro paisaje
Jang Jaerok quedó hipnotizado por gigantescas estructuras artificiales y delicados dispositivos mecánicos. Por lo tanto, sus pinturas orientales se dibujan como un plano de planta, utilizando marcas en una regla, como si todas las distancias se midieran mecánicamente. Están lejos de ser pinturas alegres o vívidas con un pincel. El mundo en que vivimos está lleno de máquinas y estructuras artificiales. El artista no solo pinta la apariencia externa de una máquina con un acabado suave. Las máquinas o estructuras en su trabajo parecen una tabla anatómica extraña y aterradora.

JIA Aili
Ermitaño del planeta Ⅱ
La región noreste de China es el corazón de la industria pesada de China, así como un lugar donde tuvieron lugar numerosos eventos históricos en la historia moderna de China. El noreste y la región norte han provocado el rápido crecimiento económico de China antes, pero sufrieron un declive económico desde los años 80 hasta los 90. Como resultado, la mayoría de las fábricas de la industria pesada se declararon en quiebra o cerraron, dejando a cientos y miles de trabajadores de fábricas que cambian o dejan su trabajo. En un abrir y cerrar de ojos, el igualitarismo absoluto en la economía planificada del pasado se transforma en una economía de mercado basada en el rendimiento. La desgracia y la desolación, incluidos los trabajadores de la fábrica que experimentó la sociedad, se convirtieron en cicatrices y dolores de la época. La parte más destacada en el trabajo de Jia Aili, quien observó a fondo ese período de tiempo en particular, es la escena «en ruinas». Para dar la sensación de que las cosas están «en ruinas», Jia Aili pinta máquinas y personas oscuras y borrosas en su trabajo. Esto permite a los espectadores imaginar y sentir el ambiente caótico y la soledad de un individuo. Las vidas de las personas manifestadas en sus pinturas tienen un sentimiento de impotencia de los tiempos, y los humanos solo quedan como seres débiles y cansados ​​frente a la gigantesca pantalla. Sus obras nos hacen reflexionar sobre nuestro pasado y hablar de un triste futuro en el que nos vemos obligados a enfrentar la realidad. A pesar de que el escenario del nuevo trabajo de Jia Aili (2016) se desarrolla en el contexto de una pantalla infinitamente amplia y acogedora, la sensación de estar en ruinas constantemente presente en todas sus obras todavía permanece.

Jin Yangping
Golpe de globo NO.1
El artista Jin Yangping disfruta de la desilusión y el asco del modernismo y el socialismo, y crea abiertamente «pinturas de clase B». Las «pinturas de clase B» describen la tendencia a distorsionar y derrocar abiertamente los valores y formas convencionales para atacar las debilidades universales que tiene el espíritu de la humanidad y la vulnerabilidad fundamental de la existencia humana contemporánea. Como si el deconstructivismo denunciara la naturaleza opresiva del estalinismo y deconstruye el metadiscurso del neoliberalismo, el artista ataca tanto la forma como el contenido del arte chino de la época. Jin Yangping se burla de la creatividad y la originalidad, y no persigue la finalización de los trabajos. Su trabajo se expresa de manera discontinua, aleatoria y fragmentada. Las obras de Jin Yangping son «filosofía anti periódica», y esa es la forma en que un «artista de clase B» pinta.

Reena KALLAT
Vidas con guiones
(2015-2016) es una reconfiguración de mutaciones fantásticas que tienen lugar en la naturaleza. Varias especies de pájaros, animales, árboles, flores que simbolizan diferentes países se hibridan para conectar conflictos entre países mediante guiones de manera simbólica. Reena Kallat sintió la necesidad de expresar el impacto que una existencia o extinción de algo puede tener en otras especies a través del uso de especies que no sean humanas. El motivo de la serie de tales obras provino de cables eléctricos. Un cable eléctrico que transfiere pensamientos e información une a las personas y forma enredos meticulosamente tejidos que transforman alambres de púas como barreras. La exploración de tal independencia e interdependencia arroja luz sobre la relación entre los seres en conflicto, los vecinos y quizás los países. También nos hace reflexionar sobre muchas relaciones y límites diferentes que constituyen nuestra existencia compleja. El artista ha continuado las obras en el mismo contexto durante muchos años, y , que se presentó en el Campbeltown Arts Centre en Sydney, fue el comienzo de dicha serie de obras. El enfoque del trabajo se expandió desde su interés de larga data en países políticamente divididos pero históricamente cercanos a los recursos naturales que están en la raíz de los conflictos y disputas entre países divididos como India-Pakistán, Irlanda-Inglaterra, Israel-Palestina, Corea del Sur Corea del Norte y Estados Unidos-Cuba.

KIM Hak-J
entre deseo y universo
Kim Hak-J plantea una pregunta: «¿la inteligencia del enjambre del mundo realmente ganó simpatía y se movió en la dirección correcta?» La humanidad deja rastros de su vulnerabilidad en cada período de la historia para que no sea una exageración describir la historia de la humanidad » historia del deseo «. Las formas que los mejores valores representados por la inteligencia de enjambre de hoy adoptan pueden definirse como la tecnología que se está desarrollando rápidamente y nuestra presencia en el espacio. El artista busca expresar la consolidación de la inteligencia del mundo para la obtención de tales valores y la sombra oscura del deseo oculto detrás de los conflictos. Se instala un falso satélite en el piso y la pared como una tumba, y las fotografías unidas a las alas del satélite presentan códigos icónicos para ‘fenómenos esquizofrénicos’ y ‘deseo’ que se basan en el flujo libre de capital monetario del capitalista máquina ‘, la única sociedad que se basa en el flujo decodificado propuesto por Gilles Deleuze y Felix Guattari. Las imágenes de un robot dando un paseo solitario en un vasto espacio y un humano se proyectan en la superficie de la pared para crear una atmósfera que está «implícita» en general. La «rareza espacial» del pionero de la música pop David Bowie, que se trata de comunicarse con un extraterrestre y 10 CC «No estoy enamorado», son cortes y tocados.

KWON Sunkwan
El valle de la oscuridad
Kwon Sunkwan muestra una escena relacionada con nuestra historia moderna con su trabajo . Una tragedia de la historia moderna que tuvo lugar hace décadas, «No Gun Ri Massacre», fue tomada del sitio para aterrizar en el lienzo. El sitio histórico donde 300 soldados evacuados fueron asesinados por soldados estadounidenses que estaban evitando la invasión del Ejército Popular de Corea del Norte durante la Guerra de Corea, cuelga como una cortina negra.
La escena seleccionada entre una gran cantidad de posibilidades, la oscura fotografía, habla del importante evento histórico cubierto de niebla nebulosa sin tomar medidas. Ciertamente, el hecho es capturado en la escena, pero al no abrirlo y al mostrar algo que no se puede ver, el artista deja la cortina negra oscura para que la audiencia la levante por sí misma.

LEE Seahyun
Entre rojo-187
Los paisajes escarlatas de Lee Seahyun tienen un impacto visual muy fuerte, casi como si inducieran alucinaciones. Las obras son antinaturales y poco realistas. Sin embargo, avanza a través de la fantasía soñadora, échales un vistazo más de cerca y encontrarás paisajes bastante familiares y muy reales. La naturaleza que nos rodea, edificios, ciudades y eventos han ocupado por completo las pinturas. Sus obras son realistas y hermosas, pero algo tristes. Esto se debe a que una sola pintura contiene las cuatro fases de la vida y todo tipo de emociones que tienen los humanos y la naturaleza. Revela la perspectiva violenta inherente a los humanos sin ninguna moderación, muestra sin rodeos las heridas de la historia inscritas en la naturaleza y muestra una nueva forma de razonamiento sobre Oriente y Occidente, los humanos y la naturaleza. Sus obras abarcan las heridas tanto de los humanos como de la naturaleza.

Lee Leenam
Tierra hibridante
El desarrollo de la ciencia y la tecnología modernas provocó intercambios entre culturas y cambios de percepción. En particular, el uso de los medios por parte de los humanos ha permitido la realización de una nueva forma de arte en la que se combinan la política, la cultura y la tecnología. Además, desde la perspectiva del posmodernismo, los medios son mucho más continuos y revolucionarios que cualquier vanguardia. Este siglo de revolución tecnológica que partió de los videos no solo ha llevado a la reproducción de la realidad virtual y las tecnologías digitales altamente avanzadas, sino también a la escultura virtual actual. Los nuevos medios digitales han permitido a las personas de todo el mundo moverse libremente a través del tiempo y el espacio del pasado, el presente y el futuro. Ha provocado cambios en la percepción visual y el paradigma.
Los medios de comunicación, que recrean la hibridación con la entrada de diversos elementos culturales debido al desarrollo del capitalismo y la globalización, se realizaron a través de interacciones entre diversos factores como la cultura, la historia, el fenómeno social, las características de los medios y los mensajes. Los medios de hibridación crearon una nueva ideología a través de los medios de comunicación, como la raza, el idioma, el signo, la imagen y la cultura. Lee Leenam busca examinar cómo los medios están lidiando con la hibridación de la Tierra, o la realidad actual que está representada por la hibridación de la Tierra. Ponte el VR y te encontrarás en un espacio virtual lleno de caracteres chinos en 3D. Esta es la visualización del sistema cognitivo humano influenciado por la mezcla de varios medios como letras y películas. La forma en que las imágenes de los caracteres chinos, que tienen una larga historia como «letras», desaparecen como datos, un píxel en un espacio digital cuestiona la esencia y el valor de un sujeto.

LI Ming
Movimiento
Li Ming ha estado continuando estudios que perforan el núcleo de la relación entre las personas y la sociedad a través de obras de rendimiento y video. El artista mismo aparece en las tres obras presentadas en esta exposición, y su cuerpo se convierte en un buen parámetro práctico que representa los pensamientos del artista. En el trabajo de video con tiempo limitado, el artista continúa interminablemente con movimientos repetitivos usando su cuerpo, y esto continúa hasta que está completamente agotado física y psicológicamente. Su «obsesión» implícita en sus obras es muy atractiva. <361> (2014-2016) es una película sobre la ruptura de 361 encendedores desechables. Para esta actuación, Li Ming estudió a fondo la literatura sobre encendedores desechables y la producción de documentales. El artista ha estado llevando a cabo estudios sobre autorreflexión, sobre cómo funciona una comunidad entera incluso en ausencia de ciertos objetivos personales y la consternación causada por la identidad social. (2014) se compone de un total de 8 televisores y 2 sincronizadores. Cuatro televisores están conectados a un sincronizador y se reproducen ocho videos al mismo tiempo. (2011) organiza cuatro pantallas de televisión en forma de cruz. La pantalla a la izquierda y a la derecha muestra los pensamientos del artista sobre el poder de la naturaleza y el poder artificial. El trabajo permite a los espectadores comprender la filosofía e ideología del artista.

Laura LIMA
Ascenseur
Laura Lima presentó un cuerpo de trabajo que ella misma llama «imágenes». Las «imágenes» de Lima no son rendimiento, ni instalación, ni cine. Las «imágenes» que utiliza el artista son obras conceptualizadas de una acumulación de claridad visual y firmeza objetiva. Entre las obras que simbolizan proyectos tan rigurosamente conceptuales, es la más conocida. Partes de los trabajos de Laura Lima están relacionadas con la noción de filosofía ornamental. Lima se opone directamente a la visión convencional de pensar que «los adornos no son importantes». Ella tuerce y anula las definiciones y nociones que se consideran generales y convencionales.
Esta es la primera vez que su trabajo (2013, 2016) presentado en Busan Biennale2016 se mostrará en Asia. Parados frente a este trabajo, nos enfrentamos con un brazo que se extiende desde debajo de una pared, buscando a tientas un juego de llaves. El artista pensó que si bien pensamos fácilmente que este brazo es impertinente para nosotros, pensando que debe pertenecer a otra persona, ese brazo en realidad podría ser nuestro. En este sentido, el trabajo toca las formas más básicas de presencia e interacción.

LIU Xinyi
El centro del mundo
A través de sus obras, Liu Xinyi muestra su profundo interés en los enfrentamientos culturales internacionales y las soluciones para ellos. Su (2011) presentado a la exposición comienza con una pregunta sobre por qué muchos países de Oriente y Occidente publican mapas mundiales colocando a sus países en el centro, y pasa a plantear una pregunta de «dónde está el centro del mundo? ‘Al proyectar el mundo giratorio como las caderas de un cuerpo humano, Liu Xinyi hizo que la salida de la excreción humana se convirtiera en el centro del mundo para expresar con humor que no existe un centro absoluto del mundo. En otro trabajo (2012) en el que se recogieron y editaron imágenes de centros financieros en la noche para formar una sola isla, el espejismo llamativo pero hueco de una ciudad marina aparece ante nuestros ojos. Este paisaje de ensueño representa a la sociedad china, que se ha convertido en un área de desastre de la economía de burbujas a medida que avanzó vigorosamente con un desarrollo deformado e innecesario.

Dana LIXENBERG
Tribunales imperiales
El proyecto (1993-2015) de Dana Lixenberg combina el trabajo en video y una extensa serie de fotografías en blanco y negro para rastrear cómo cambia una pequeña comunidad en el centro-sur de Los Ángeles. Las fotografías y el video son creaciones que resultaron de una relación amplia y cooperativa que ella formó con los residentes de los Tribunales Imperiales, el lugar con el que se familiarizó mientras viajaba por Los Ángeles a raíz de los disturbios de Rodney King en abril de 1992. Por más de 22 años desde 1993 hasta la primavera de 2015, Lixenberg creó un extenso retrato de la comunidad y apartó la vista del sitio de destrucción hacia las vidas típicas de las personas que se convierten en el centro de atención solo en caso de una calamidad. Las obras creadas en los Tribunales Imperiales incluyen 393 fotografías en blanco y negro, un libro publicado por Roma Publications en 2015, y también una proyección de video de 3 canales de 63 minutos de duración que se ejecuta en un bucle. La vida en los Tribunales Imperiales capturada en la película de Lixenberg forma un amplio espectro, que abarca desde dramas y obras de teatro hasta vidas cotidianas sin sentido. Contiene escenas de la vida cotidiana ordinaria en ciudades urbanas de los EE. UU. Que a menudo se burlaron de aberrantes y extremas. Los Tribunales Imperiales contra el fondo inmutable de un paisaje urbano crean la continuidad de una comunidad, se opone al sensacionalismo y a los espectáculos, y elige la sensibilidad sobre todo. Hecho con este enfoque, (1993-2015) registró la vida de los afroamericanos y latinoamericanos de varias maneras durante 22 años.

Xavier LUCCHESI
Isabelle
El artista Xavier Lucchesi hizo intentos de expresar imágenes sin usar una cámara. Para hacerlo, Lucchesi utilizó equipos distintos a las cámaras que pueden crear imágenes totalmente diferentes. Utilizó equipos de rayos X y escáneres para producir imágenes. Sus imágenes no siguen la forma más común de creación de imágenes, sino que se forman haciendo que los rayos pasen a través de los objetos. Los rayos de rayos X dirigidos a la superficie del área detrás de un objeto eliminan la sombra del objeto real. Esta es la sombra, la «ilusión» que podemos ver. Un rayo que pasa a través de un objeto no significa simplemente un movimiento desde el extremo de un lado al otro. El hecho de que un rayo pase a través de un objeto significa que la presencia del objeto es claramente conocida, y esto es como un observador que mira directamente a los ojos de una persona y ve a través de su alma. Cuando Lucchesi hace uso de obras maestras como las pinturas de Picasso para su trabajo, trata de no revelar el lado oculto de la obra, pero solo expresa escenas visualmente dramáticas. Además, se centra en el hecho de que hay un punto de convergencia en el que el poder del cerebro se encuentra con la capacidad del cerebro para simular y dibujar lo que aún no se ha revelado o visto.

Zanele MUHOLI
La boda de Avanda y Nhlanhla Moremi
Mientras que muchos países en África promulgaron legislaciones homofóbicas y expresaron intolerancia hacia los homosexuales occidentales, la República de Sudáfrica se separó de ellos al promulgar una legislación que reconoce los matrimonios entre personas del mismo sexo. Aún así, los afroamericanos LGBT (minoría sexual, incluidas lesbianas, gays, bisexuales, transgénero, intersexual) sufren crímenes de odio. Las lesbianas negras que son particularmente vulnerables entre ellas a menudo se convierten en víctimas de asesinatos a sangre fría o sufren «violaciones con el pretexto de un tratamiento» por parte de las personas que las rodean o de sus llamados «amigos». En 2013, Muholi grabó eventos que parecen conectar la felicidad y la tristeza, una ceremonia de boda y un funeral de personas de la comunidad LGBT negra en la República de Sudáfrica. La instalación de la fotografía de ZaneleMuholi muestra cómo un evento triste y un evento feliz pueden compartir similitudes. Este trabajo enfatiza la necesidad de espacio para la expresión de identidad de un individuo.

OH Younseok
Recuerdos ocultos-hierba 1, 2
El tema principal de la serie (2016) es la curación del «conflicto multifacético, el miedo y el terror revelados en los recuerdos ocultos de los humanos». Mis trabajos muestran la voluntad de crear motivados por recuerdos ocultos y «códigos biológicos» que tratan las enfermedades de la mente, el rencor y el resentimiento. Este trabajo contiene en ellos el significado del homenaje floral a la gente moderna al presentar flores, hierbas y textos. Las series no entregan imágenes y significados fijos a través de su reproducción de sujetos o recuerdos, sino que desmantelan escritos religiosos o textos de confesiones inferidos de los recuerdos o de los sujetos, y luego los vuelven a ensamblar, combinándolos con imágenes para crear textos visualizados, no textos abstractos. . Se convierten en existencias que esperan encuentros con el público en un punto entre «lectura» y «fascinación».

OLTA
Cascada Caminante
OLTA es un grupo formado en 2009 por 6 artistas japoneses que se especializaron en pintura en la Universidad de Arte Tama. Nuestra vida diaria está llena de grandes cantidades de información, como videos transmitidos por los medios. OLTA compara tales experiencias con los medios digitales con una cascada en (2016). Desde el viaje para llegar a la cascada, vistas panorámicas ante los ojos, el sonido de las cascadas cayendo, la temperatura, la humedad, hasta el entorno circundante, abrazamos la cascada utilizando todos nuestros sentidos. En este contexto, el video «filmado» solo puede ser secundario. A través de su nuevo trabajo, OLTA intenta visualizar la acumulación y transformación de información de tres maneras: usando el cuerpo de los artistas como creador del video, usando el cuerpo del receptor de información y usando los medios que documentan y graban. En esta exposición, OLTA realiza una actuación inspirada en Rokusai Nenbusu Odori, que es un granjero de danza folclórica tradicional budista japonesa que bailaba en el oeste de Japón mientras cantaba una oración budista. Sus formas y tradiciones varían, pero la mayoría de los grupos de varias personas visitan de puerta en puerta en el pueblo, bailan toda la noche al son de tambores, campanas y pipas. En la actuación de OLTA, los miembros bailan al son de sus propias voces e instrumentos hechos por objetos que se encuentran fácilmente en hogares típicos. La instalación se completa con la combinación de filmar la actuación, repetir y reproducir, y los movimientos de la audiencia.

ORLAN
Bejing Opera Self Hybridization n ° 6
ORLAN usa su propio cuerpo como material y soporte visual para sus obras. Ella usa su propio cuerpo como un área de debate y exhibición. Ella es la progenitora del arte corporal y una figura importante en el «arte carnal» definido en la Declaración de 1989. La tenacidad y la libertad de ORLAN son partes esenciales de sus obras. Ella se adhiere a la actitud de innovar, cuestionar y ser destructiva en todos sus trabajos. ORLAN destruye el proceso de pensamiento y las costumbres «confeccionadas» al implementar sin cesar cambios fundamentales en los datos. Se opone al tipo dominante como el determinismo social, político y natural, el machismo, la religión, la división cultural y la discriminación racial. ORLAN no solo describe el cuerpo femenino del período barroco y la iconografía religiosa, sino que también explora la cultura de India y China antes de que Colón descubriera las Américas. Al mismo tiempo, ella analiza su realidad física, emocional y virtual utilizando la ciencia, la biología y las tecnologías informáticas más modernas. En su trabajo reciente de la serie (2014), ORLAN injerta la máscara de la ópera de Beijing en tecnologías interactivas. Mediante el uso de «Aumento», que es una aplicación para la realidad aumentada, convierte la autohibridación y todas las fuentes en códigos QR. ORLAN muestra acrobacias al hacer que sus avatares aparezcan en tabletas y teléfonos inteligentes de la audiencia en la Ópera de Beijing, que estaba prohibida para las mujeres. El público también puede tomar fotografías con esos avatares 3D.

Tanja OSTOJIĆ
Estrategias de éxito / Serie de curadores
Tanja Ostojic es una artista práctica que realiza estudios multifacéticos y plantea preguntas sobre los problemas que enfrenta la sociedad europea y el mundo del arte mediante el uso de diversos medios como el rendimiento, el video y las fotografías. , que es uno de sus principales proyectos, implica formar un fuerte vínculo con los gitanos y prepara un lugar para compartir y curar su profunda tristeza exponiendo sus heridas coloniales a una plataforma donde la comunidad local y los activistas pueden participar en debates. En particular, que se presenta a la exposición es una actuación que toma la forma de una presentación para tratar temas como la vida de pobreza de los gitanos, la exclusión social y política, la deportación, el racismo, la xenofobia y similares. A través de este trabajo, plantea una pregunta ética: ¿cómo es posible que un grupo étnico específico esté constantemente expuesto y privado de los derechos humanos política y socialmente en la sociedad europea moderna de hoy?

PAK Sheung Chuen
Un viaje sin experiencia visual (# 3)
(2008) parte del viaje de 5 días y 4 noches de Pak Sheung Chuen a Malasia. Él cerró o se cubrió los ojos durante todo el viaje. Durante el viaje, todavía estaba haciendo turismo y tomó muchas fotos, pero en lugar de ver, solo usó su cuerpo para sentir y experimentar los alrededores. Todas las imágenes, junto con la fotografía y los videos de otros miembros del grupo turístico, se convirtieron en la única referencia de recuerdos indirectos y experiencia visual para Malasia. Las fotos deben mostrarse en una habitación completamente oscura. Los espectadores deben traer sus propias cámaras flash para capturar imágenes dentro de la habitación.

PARQUE Jihye
Afecto
El criterio por el cual se definen los valores de un individuo puede clasificarse por estándares sociales. En otras palabras, los conflictos surgen cuando tales valores son aceptados por influencias externas o se frustran. Sin embargo, los deseos de los individuos están restringidos al menos en cierta medida, ya que están regulados por estándares sociales. Por lo tanto, las formas de cada deseo individual pueden diferir, pero la ansiedad psicológica causada por tales presiones sociales es inherente a cada relación, y esa ansiedad conecta a un individuo con el otro de una manera complicada. Esto se expresa en forma de violencia continua en la sociedad moderna. Reconozco que la violencia es un problema relacionado con las relaciones y su interactividad, y trato de exponerlas en forma de una obra de arte. La contemplación de las relaciones está estrechamente relacionada no con una existencia gigantesca sino con el amor, las relaciones románticas, los celos, la compasión y las personas más cercanas a la vida diaria de un individuo. La relación más cercana es un espacio dominado por muchas más costumbres, mitos y formalidades que cualquier otra relación. Ese espacio puede parecer un lugar creado por un encuentro entre dos personas, pero de hecho es un lugar complicado en el que numerosos conceptos y deseos chocan, intercambian y se comprometen, y un lugar en el que los conflictos básicos permanecen latentes. El artista captura la obsesión unilateral, los deseos ocultos detrás de las relaciones cercanas y la violencia que yace bajo la superficie presente en las relaciones al combinar experiencias personales e incidentes de la vida real con objetos simbólicos, historias o cuentos de hadas. Produce un video inmensamente realista pero poco realista al crear situaciones agresivas en las que no solo el afecto y los conflictos en las relaciones, sino también las ironías, los conflictos y la ansiedad ocultos de formar relaciones con las sociedades se cruzan en un cruce en el que el tiempo horizontal y el tiempo vertical se cruzan entre sí. .

Hung-Chih Peng
God Pound Busan
Las diminutas estatuas de dioses se hicieron especialmente populares durante una moda de juego en Taiwán en la década de 1980. Después de no poder adivinar con éxito un número ganador, muchos de estos fueron abusados ​​y abandonados en los centros de reciclaje, al igual que la forma en que los perros son liberados cuando no pueden cumplir las expectativas infladas y poco realistas de sus propietarios. Por lo tanto, en lo que parece un caso extraordinario de reversión, la humanidad se tomó la libertad de castigar a los dioses, aparentemente sin temor a represalias. Además, estos dioses estaban convenientemente encarnados en un tamaño fácilmente manipulable. Para la instalación (2016), 501 dioses llenaron un espacio entero y miraron la pantalla enmarcada por el escenario de títeres taiwaneses. En el video, un perro relata la historia de las deidades pasando de recipientes idolatrados a restos abandonados, recordándonos el paralelismo entre la libra divina y su contraparte canina. En algún lugar entre el omnipresente fetiche de los productos básicos y el tótem sagrado que no conoce ningún valor de mercado, la acumulación de estos pequeños seres transmitió tanto el tremendo poder que inicialmente se creía que poseían como su estado actual como desechados sin valor.

Pushpamala N
Buenos genes – higiene
La artista usa modelos médicos para realizar varios movimientos con la ayuda de sus amigos. Los movimientos que se asemejan a una ceremonia religiosa se realizan en un escenario como un espectáculo de magia fascinante. Este video es parte de un proyecto a largo plazo hecho para responder una pregunta sobre el concepto de un estado-nación que Pushpamala N. planteó. En el video, analiza el proyecto de un gobierno destinado a crear una comunidad ideal a través de la historia de la antropología, la etnología y la eugenesia. En su trabajo, ella realiza los movimientos sola y desempeña el papel de un «resultado», así como un «agente» de la historia que se posiciona en el centro de la exploración.

Joanna RAJKOWSKA
Mi padre nunca me tocó así
El video del trabajo de Joanna Rajkowska es una descripción que se centra en la relación rota entre un padre y su hija. La artista le pidió a su padre que le acariciara la cara, pero esa fue probablemente la primera y la última solicitud que hizo. Su padre vivió una vida a la fuga desde su primer escape de ser enviado al campo de concentración de Auschwitz durante la Segunda Guerra Mundial hasta el momento en que dejó a su familia y su esposa. Nunca estuvo allí para cambiar los pañales de su pequeño bebé, asistir a la ceremonia de ingreso a la escuela primaria o incluso cuando fue hospitalizada debido a un envenenamiento de la sangre. Llegó al extremo de ignorar su propio nombre que su esposa llamó en el camino hacia su muerte. Al eliminar una capa de recuerdos que se encuentran debajo de la superficie de la vida cotidiana en su trabajo, la artista acaricia suavemente las heridas del pasado que todos tenemos.

Robin RHODE
La luna esta dormida
Robin Rhode generalmente usa materiales comunes como jabón, carbón, tiza y acuarelas para expresar una epopeya de vida hermosa en el desempeño, el dibujo y el video. El artista que expresa amplios intereses en temas sociales y políticos a su manera, basa principalmente sus obras en las calles y mejora la estética compleja para crear hermosos dibujos en las paredes. Su que se presenta a la exposición fue tomada de la poesía de un poeta sudafricano Don Mattera, y al tener una voz débil y vulnerable que resuena en la pantalla, describe la experiencia de ser encarcelado en una sala de interrogatorios durante el momento en que el apartheid alcanzó su apogeo. A través de una animación stop motion de un niño que mira imágenes simbólicas extendidas frente a sus ojos, el artista expresa poder, identidad, libertad y gracia. En su otro trabajo describe los días tristes de perder a un amante por enfermedad como noches sin luna, y entrega su lamento y tristeza a través de la narración de un anciano y la última palabra de la narración, «aislamiento».

SHEN Shaomin
Historia del Arte
Shen Shaomin es un artista de China que trabaja en arte conceptual y arte de instalación. Sus obras están relacionadas principalmente con estudios y reflexiones sobre algunos de los problemas que existen en la historia del arte. Al mismo tiempo, constantemente revela y critica problemas en la sociedad moderna como el «líder de opinión». Su trabajo reciente (2015) es una instalación interactiva a gran escala que todavía es un proyecto de investigación en curso. (2015) se compone de 50 auriculares y 50 micrófonos. Las narraciones sobre los resultados de la investigación del artista sobre la definición del arte se pueden escuchar desde los auriculares, y la audiencia que escucha la voz puede hablar en los micrófonos sobre sus pensamientos sobre la definición del arte. Las historias se pasan a través de una computadora, se convierten en personajes, se imprimen y se combinan en un libro. Esas «declaraciones compartidas» se completan como tales y, en última instancia, se convierten en un archivo del artista. A través de este trabajo, Shen Shaomin abre, edita y expande la historia del arte, que se considera un territorio inviolable en el que solo pueden entrar académicos y críticos, al fomentar la participación del público en general y, por lo tanto, enriquece la definición del arte.

KATHARINA SIEVERDING
MIRANDO EL SOL A MEDIANOCHE (ROJO)
El trabajo de KATHARINA SIEVERDING muestra el sol brillando en la oscuridad de la noche desde la tierra. Desde el atardecer hasta el amanecer, el sol está lleno de diferentes colores. KATHARINA SIEVERDING se centra en las interconexiones entre los seres vivos y el universo. El artista recibió información visual del Observatorio de Dinámica Solar lanzado por la NASA en 2010 y lo transformó en una obra de arte. A través de este trabajo, ella conecta las diversas facetas de la ciencia y la biopolítica con la sagrada existencia humana.

Firmador romano
Instalación con arena, sillas, cubos y agua.
Los eventos artísticos que Roman Signer construye para nosotros se basan en procesos, juegos, experimentos y maravillas. Sus materiales son fenómenos físicos elementales: observaciones aún más sorprendentes en vista del humor que informa la obra de este artista. Estos elementos muestran ese asombroso mundo del humor. Es una marca de humor extremadamente sutil que aún no ha sido descubierta por el mundo del arte. La serenidad, la claridad y la ligereza de las acciones de Signer nos impresionan. Están desprovistos de la carga tautológica de cierto arte en los años setenta que agonizó con rectitud en un intento de demostrar que el agua fluye y una silla es una silla. Los gestos de Signer no son heroicos, aunque, al aparecer como un drama de suspenso, provoca una liberación explosiva, incluso una detonación psicosensual. No cumple el papel esperado del ingenioso artista individualista, pero llama la atención sobre un objeto descubriendo y liberando su sorprendente potencial insospechado. Conocemos las posibilidades de las latas de aerosol y las botas de goma y las bicicletas y las sillas de cocina, pero también aprendemos cuán limitados son tanto el horizonte de nuestro conocimiento como nuestra relación con las cosas de este mundo.

Shinique SMITH
Sin polvo, sin manchas
Los tres trabajos de interpretación de Shinique Smith tratan principalmente de gestos, objetos e inspiración conceptual. Sus obras fueron influenciadas por la astrología, la alquimia, la poética lírica mítica y los movimientos de las intersecciones urbanas. Creado en colaboración con el artista Gary Pennock, (2015) se filmó usando videografía aérea y terrestre frente al mural de Smith . Basado en la historia personal de la artista y los eventos que influyeron en su vida, la actuación cubre las pinturas de Smith, las instalaciones a gran escala y otras obras de performance. Muestra cómo aborda bien la producción de obras y presentaciones de exhibición. Ella describe su infancia diciendo que ‘cuando era una niña, supe de los derviches girantes sufíes, y en mi inocencia, traté de bailar como ellos. Giraría en el patio trasero del barrio de Baltimore hasta que mi mente se liberara. Esta experiencia de Smith sirvió como punto de partida del proyecto que expresa y expande los movimientos hipnotizados de los bailarines en pinturas murales. Los bailarines en el trabajo visten trajes que Smith hizo dibujando sobre sombrillas y grandes ropas de seda. KAIROS Dance Company, que también tuvo una idea similar a la de Smith, siguió la espontaneidad de su visión y contribuyó a la creación de este trabajo colaborativo dinámico y fascinante al agregar algunos de los movimientos extraídos de su trabajo existente «Her». Las tecnologías y la composición de edición profesional de Gary Pennock agregaron perfección a la manifestación de las ideas de Smith en este trabajo.

SOHN Junghee
Recinto
Sohn Junghee se enfoca en realizar los sueños ocultos profundamente dentro de ella mediante el uso de arcilla. Como Pablo Picasso dijo una vez «Todo lo que puedas imaginar es real», el mundo imaginario que expresa se vuelve real en el momento en que hace y hornea arcilla a mano. El tema de las obras de Sohn Junghee provino de su vida diaria. Leer cuentos de hadas como Blancanieves a los niños pequeños, distorsionar y satirizar los finales felices se ha convertido en el concepto de sus obras, y a medida que pasaba el tiempo, buscó varias fuentes para sus obras de todas las edades y países. Tales historias se transformaron a través de la interrupción de la imaginación del artista, y funcionan como una alegoría de la distorsión o la sátira y la crítica de los fenómenos sociales. Los sentimientos comunes que se encuentran en todas las obras de Sohn Junghee son la simpatía, el humor, el anhelo (resentimiento) y el alza. En sus obras se transmite un profundo amor y afecto por los humanos.

CANCIÓN Kicheol
Ya existe pacíficamente aquí como siempre.
Al mirar los cadáveres de niños arrastrados a la orilla, siento en mis huesos que estamos viviendo en un mundo libre pero no completamente libre. Los que pueden moverse libremente a través de las barreras territoriales son seres no vivos. Tales barreras existen como fantasmas invisibles entre territorios, territorio y vida, y vidas. Nos separan sin cesar y nos impiden enfrentar las hostilidades reales. Esta separación no es lo mismo que el Apartheid, la notoria segregación racial de la República de Sudáfrica en el pasado. (2016) visualiza los principios fundamentales de las barras de hierro instaladas en las paredes que permitieron la separación con vecinos desconocidos y la protección de los derechos de propiedad privada. Al hacerlo, permite la confrontación con el apartheid fantasmal. Un video de un hombre que escapa de un desastre a través de una ventana y un árbol que cuelga en el aire con las raíces quemadas, una fotografía que revela el peso oculto de las escalas de una balanza permite la coexistencia de hostilidades y crea trabajos para organizar un nuevo vida en la situación actual en la que se mantienen los residuos de tal convivencia.

Estudio de contexto
Capullo 2
Studio CONTEXT comenzó en la Escuela de Arquitectura de Aarhus en Dinamarca, y exhibe los resultados de una combinación de la devoción y las tecnologías aportadas por estudiantes, arquitectos y ciudadanos de varios países del mundo. Studio CONTEXT estudia arquitectura sostenible y viviendas que reflejan fenómenos geográficos, históricos, antropológicos y sociales. También explora diseños en los que se mezclan diversos elementos culturales. En Busan Biennale 2016 Studio CONTEXT muestra el proyecto (2015), que es un trabajo realizado con un material bastante único, los árboles de bambú. Los árboles de bambú no solo se usaron para fabricar materiales interiores y artículos para el hogar durante siglos en los países asiáticos, sino que también son materiales de construcción ecológicos útiles en el campo de la arquitectura y el diseño. Después del primer proyecto experimental hecho de árboles de bambú y piedras, (2015) extrajo el concepto de colaboración pancultural a través de su enfoque educativo y experimentos sobre la función, el material y la construcción. Todos los trabajos se han considerado cuidadosamente para adaptarse a los materiales y el clima de las regiones relevantes, y su naturaleza experimental se mantuvo mientras se formaba a través de una estrecha colaboración con los residentes locales. El Proyecto Cocoon sigue siendo un proyecto en curso que explora el espacio, la arquitectura, el material y el mundo de los árboles de bambú.

TAMURA Satoru
Punto de contacto # 2
«Punto de contacto # 2», simplemente pero, es un interruptor abierto y exagerado. Es un dispositivo que está diseñado solo para suministrar la energía de la electricidad para encender la lámpara. El punto de contacto crea una chispa pálida, las lámparas incandescentes en conjunto parpadean, y se convierte en una prueba física de que hay un «contacto» eléctrico. Las lámparas incandescentes solo funcionan para el contacto que chispea, y el contacto que chispea es solo para encender las lámparas incandescentes. El objetivo del trabajo es esta existencia física extremadamente inmediata, que simplemente da vueltas y vueltas. Tamura Satoru nos muestra cómo enfrentar la realidad de manera consciente o quizás inconsciente.
No todo en la sociedad en que vivimos existe para convertirse en algo. Somos solo nosotros, los humanos, los que intentamos encontrar la razón para todo y anhelarlos. Los humanos que viven en una sociedad capitalista destruyen indiscriminadamente la naturaleza en nombre del desarrollo y el crecimiento, se excluyen mutuamente y crean conflictos basados ​​en una fe ciega que no reconoce las diferencias de raza, religión y sociedad. Estas son todas variaciones de los deseos humanos. El artista no establece una meta ni intenta discutir algo cuando hace una obra de arte. Sin embargo, su trabajo nos permite restablecer las lentes a través de las cuales vemos la realidad y la sociedad, así como reflexionar sobre las formas de vida que existen más allá del sufrimiento mundano.

Nobuko TSUCHIYA
El comienzo de los tiempos
Nobuko Tsuchiya estimula las emociones de las personas, se esfuerza por crear algo que pueda despertar la conciencia en el propio mundo de un individuo e intenta reconocer claramente la relación entre los recuerdos y la imaginación. Sus obras son acumulaciones de decisiones tomadas mediante el uso de una variedad de pensamientos y cosas lingüísticas, musicales, lógicas, funcionales, sensuales y empíricas o incluso algo que no se puede definir. A través de este trabajo, la artista intenta comprimir los componentes de sus obras en la mayor medida posible para que lleguen a un cierto punto entre el equilibrio y el desequilibrio.

Yangachi
Old Spice, Lang Version
Han River
Subo por una casa amplia y enorme. Justo allí, un lobo gris con cara de hombre avanza y se come a las personas una tras otra. Les chupa la sangre.
El techo se hace visible cuando subo a la enorme casa, y al frente veo un enorme barco hecho de madera. Mientras miro, el barco comienza a temblar de un lado a otro como un barco pirata en un parque de diversiones. Shuuuk, shuuuk.
Antes de darme cuenta, estoy sentado en el extremo derecho del barco mirando hacia abajo. Bajo de la enorme casa y empiezo a caminar por la calle.
Entonces me levanto.

YU Sunghoon
la exposición del espacio
Yu Sunghoon considera utilizar un espacio construido como almacén en Busan para la sala de exposiciones principal de la Bienal de Busan 2016 bastante significativo en la historia geológica de Busan, ya que se transformó en un espacio urbano hoy debido a su especial fondo histórico. Durante 5 meses, el proceso del cambio en cierto lugar había sido registrado para (2016), él cree que despertará mucho interés en esta región y los asuntos humanos. A través de su otro trabajo (2016), tiene la intención de hacer la asociación entre los recuerdos de su ciudad natal y el espacio de exhibición.

YUN Pilnam
Fantasía hecha a mano
Cuando una pequeña huella dactilar se encuentra con un teléfono inteligente, todo se desarrolla ante los ojos. Son mundos visibles a través de los ojos y visibles en la mente. Todo tipo de palabras y textos flotantes atrapados en un marco pequeño tienen un poder universal, pero se impregnan, se contaminan y se desvanecen fácilmente. Así como el polvo amarillo cubre el mundo con polvo, el mundo está lleno de textos e imágenes. Si bien prestamos atención a la luz, el sonido, el sabor y el tacto desde el exterior, nuestra vida cotidiana se rompe en pedazos y parpadea como una lámpara rota. En algún momento, el trabajo manual que requiere movimiento del cuerpo, así como tiempo y esfuerzo está perdiendo su valioso valor. El trabajo de hoy es algo que se ha vuelto muy agotador, retrasado en la interferencia de una terminal, y finalmente queda sin terminar. El cuerpo se convierte en un peso pesado en el despertar de la mente, y el espíritu se convierte en ruido en la inercia del cuerpo. Sin embargo, el artista argumenta que el poder que realmente mueve y restaura el mundo proviene del trabajo manual. Yun Pilnam aspira a afirmar que debemos buscar el flujo de la vida cotidiana que no se acumula del trabajo manual que nunca deja de moverse.

Katarina ZDJELAR
Todo va a ser
El video de Katarina Zdjelar (2008) alude a la canción de los Beatles «Revolution», que el artista transfiere a las Islas Lofoten en Noruega, donde es cantada por un coro aficionado. Su forma de canción de cuna de cantar el coro obliga a la canción a tomar un tono inquietantemente acrítico. El trabajo revela tanto la distancia crítica al trastorno en las letras, que John Lennon escribió en 1968, como la distancia ideológica entre el significado de la canción y las personas de mediana edad que aparecen en la obra. El interés de Zdjelar con este trabajo también radica en el proceso de manifestar incertidumbres físicas, en los intentos de perfeccionar el desempeño de uno, así como en la producción de un colectivo a partir de voces singulares. Con un enfoque en gran medida en la presencia íntima de los individuos, el trabajo está cargado de un sentido ambiguo de vacilación, una reserva que puede sugerir la incapacidad para dejarse llevar y expresarse, o la falta de voluntad para ser individual en toda su imperfección o fusionarse en La voz y el sentimiento comunal. Los cantantes dan una sensación de distancia y frialdad hacia la canción que cantan, y aunque la interpretan, lo que transmiten parece más siniestro que esperanzador.

ZENG Hao
20 de junio de 2002
Zeng Hao captura el estado mental de un individuo, la impresión personal y los cambios ambientales que sintió en el lienzo. En sus pinturas se pueden encontrar elementos comunes como la cama, el armario, la olla y las imágenes de personajes tímidos. En particular, <04:06 am de mayo. 9th, 1998> (1998) es una de las series de sus principales obras, y permite a los espectadores imaginar historias detrás del trabajo a través de la disposición de varios accesorios, como personajes, familia y electricidad en una combinación aparentemente irrelevante. Las imágenes de familias o espacios dibujadas por Zeng Hao denotan la sensación de aislamiento ambiguo que es difícil de adivinar, y aunque se ven perfectas, evocan la sensación de desolación cuando se dibujan en perspectiva. Parece que el artista está utilizando su trabajo como una metáfora de la naturaleza vulnerable de las relaciones y las realidades demarcadas de la sociedad moderna de hoy.

ZHOU Wendou
TDAH
Zhou Wendou utiliza un estilo conceptual de creación y un lenguaje humorístico del arte para expresar una perspectiva que es algo diferente de otras obras chinas contemporáneas. (2015) es un trabajo de instalación circular que tiene más de 2 metros de diámetro. La tinta brota constantemente desde la parte superior, y más de 20 «limpiaparabrisas» instalados en la superficie realizan movimientos repetidos para eliminar la tinta que brota. A través de tales movimientos mecánicos, el artista alude a las características no controladas automáticamente de la gente moderna que podemos encontrar fácilmente en nuestra vida diaria, movimientos y hábitos excesivamente repetitivos. Además, el trabajo es una expresión figurativa de la era de Internet en la que los datos se producen de forma interminable y mecánica, y el estado de aburrimiento gradual debido al trastorno por déficit de atención.

Busan Biennale 2016
Busan Biennale es un festival de arte integral que integró tres festivales diferentes que se habían celebrado en la ciudad: Busan Youth Biennale, Busan Sea Festival y Busan Outdoor Sculpture Symposium.

Con una larga historia de servir como una fortaleza de arte en Asia, Busan es un lugar perfecto para organizar un festival de arte para la región y más allá. El evento de arte bienal tenía la intención de presentar una interpretación fácil del arte contemporáneo difícil de entender y hacerlo más accesible al público en general.

El festival sirve como una arena donde los lugareños pueden mezclarse con personas de otros países y comunicarse entre sí.

La Bienal de Busan se consolidará como un evento cultural representativo de Corea y, en última instancia, logrará un reconocimiento mundial.