Concept de design lié au thème de la Biennale de Busan 2016; L’hybridation de la Terre, Discuter de Multitude, est dérivée d’un «anneau annuel» trouvé sur la tige ou la racine des arbres. L’anneau annuel a une forme différente selon le taux de croissance, mais a finalement une ligne en commun comme le développement culturel. Diverses cultures se développent sur des circonstances géographiques, historiques et politiques différentes, mais se développent simultanément sur une vue de «l’humanité» à travers l’EI.

Hybridation de la Terre, discussion sur la multitude
La technologie numérique qui transcende le temps et l’espace et rend possible la mise en réseau a lié la terre en une communauté unique, intégrant le monde dans un marché unique. Au sein d’une application installée sur nos smartphones, 10 milliards de personnes dans le monde transcendent leurs frontières religieuses, ethniques et nationales et sont connectées en réseau. L’humanité vit actuellement dans une «génération de multitude» qu’aucune autre génération n’a jamais connue.

La biennale réunissant des artistes et des universitaires de diverses religions, ethnies et nationalités pour discuter des questions du passé, du présent et de l’avenir de l’humanité serait la forme d’exposition la plus appropriée pour cette génération de foules. Contrairement à la littérature, au cinéma et à d’autres domaines culturels, il s’agit d’une scène unique qui ne peut être offerte que par le biais du genre artistique et de la plateforme de la biennale. Le thème de la Biennale de Busan, «Hybridizing Earth, Discussing Multitude», est bien aligné sur ce concept. Le monde «riche mais appauvri» résultant de l’hybridation de la tradition et du moderne; l’homme et la nature; Est et ouest; analogique et numérique; capital et technologie; est ce qu’est une terre qui s’hybride. C’est un endroit qui ne doit jamais être réduit au capital et à la technologie, et un endroit où l’humanité confrontée à la réalité commence sa résistance et sa fuite.

«Hybridizing Earth, Discussing Multitude» est un lieu de discussion sur les possibilités. C’est un endroit gênant et pénible qui reflète les inefficacités du marché et l’irrationalité humaine, ainsi que la vulnérabilité de l’art au marché et à son système. Comme la mélancolie de Walter Benjamin, un document de civilisation est peut-être un document de barbarie en même temps. J’espère que cette Biennale de Busan sera la même.

Points forts

Lida ABDUL
En transit
Lida Abdul est célèbre pour ses œuvres liées à l’Afghanistan, son pays d’origine. Le paysage qui l’a hypnotisée dans le pays qui a subi 35 ans de guerre était des traces de ruines. Son travail (2008) se déroule dans la périphérie de Kaboul où le paysage est totalement en ruine à cause de 20 longues années de guerre. Plus de 70 enfants entre 5 et 9 ans sont présentés dans l’œuvre. Les enfants tentent de combler tous les trous de balle dans le fuselage d’un bombardier écrasé et de le tirer pour le faire voler comme un cerf-volant dans leurs efforts pour transformer les atrocités de la guerre en espoirs et en un nouvel avenir. Malgré la situation tragique et violente dans laquelle ils se trouvent, les enfants tentent de neutraliser la tragédie dans laquelle ils se trouvent par leur innocence. Une autre œuvre (2013) est composée d’un appareil photographique, de 300 photos de passeport et de son (une voix qui livre un texte poignant magnifiquement mais douloureusement). La présence de la voix, ou son absence, fait briller son travail.

Rina BANERJEE
Ethnique et Race tressé en poils longs et enroulé et entrelacé. Oh comment cela faisait et faisait, mangeait, mangeait à l’ombre, somnolait et souillait son reflet pour voir ces fausses nations me faire de petits gâteaux sucrés.
Le travail de Rina Banerjee présente des personnes dispersées, des corps qui peuplent et pollinisent la terre, la mer et l’air. L’artiste se consacre principalement à l’artisanat comme la reliure, le câblage, la couture et la fixation. Elle se plonge dans la connexion de pièces ou de matériaux qui sont devenus fragmentés et non compatibles parce qu’ils ne se parlaient pas vraiment. Elle continue de s’aventurer dans l’exploration esthétique afin de redécouvrir une beauté nouvelle et diversifiée en connectant des éléments sélectionnés de manière impulsive qu’elle a collectés auparavant.

Aya BEN RON
Porter secours
Aya Ben Ron élargit autant que possible la mémoire inconsciente d’un corps malade, la perception de la mort et de la moralité et la douleur dans un contexte socio-historique. Tous ses travaux sont basés sur l’expérience que Ben Ron a accumulée au fil des ans en étudiant en profondeur des manuels et des croquis médicaux, des maladies et des traitements médicaux. Ben Ron transcende les frontières catégoriques des deux disciplines. Malgré la présence évidente de la mort et de la douleur dans son travail, aucune intervention sentimentale ni aucune glamorisation de la mort et de la maladie ne peuvent être trouvées. Aya Ben Ron garde une distance émotionnelle et utilise un sombre sens de l’humour pour explorer autant que possible les procédures médicales dans un contexte socio-historique.

CHO Hyeongseob
Magasin moderne
Renaissance, toute création, modernisation étaient les mots préférés utilisés publiquement et comme slogans politiques pendant les années 70 et 80 en Corée. Ces mots, autrefois aimés par toute la nation, sont maintenant devenus un spectacle rare que l’on ne trouve que sur les enseignes à la campagne. De «Renaissance Store» qui ne semble pas pouvoir revivre, «All Creation Store» qui ne semble pas assez grand pour offrir toutes sortes de créations, à «Modernization Store» qui ne semble pas du tout moderne. , des mots-clés du désir du temps pouvaient être perçus. L’intense désir d’abondance d’une époque accompagnée de pauvreté, de déclin et d’absence se connecte au présent comme une ombre d’ironie et d’irrationalité. Cho Hyeongseob élabore sur les valeurs et les idéaux que nous avons perdus dans les morceaux de notre mémoire ou sur leurs frontières.

CHOI Kichang
Puissiez-vous courir longtemps
(2016) commence par le forage de 304 trous dans la surface de vieux murs laissés dans l’usine KISWIRE Suyeong. Ces trous relient d’anciens espaces désaffectés à des espaces nouvellement constitués pour jouer leur rôle de pont de lumière permettant des échanges entre la fonction contondante du passé et l’avenir plein de nouvelles attentes. Ces trous sont remplis de «certains objets disparus ou de parties d’eux qui sont récupérés» ou «non éliminés et préservés, mais maintenant le sens de la conservation s’estompe».

CHOI Sungrok
Opération Mole-Endgame
L’artiste Choi Sungrok est engagé dans la transformation du paysage et des incidents sociaux, culturels et historiques contemporains en une épopée en utilisant les technologies numériques et les nouveaux médias. Son travail (2016) est une animation 2D haute définition. L’animation créée avec le motif de tunnels souterrains réalisés par la Corée du Nord pour envahir le Sud dans les années 70, forme un panorama personnel et social unique qui se connecte aux événements contemporains de manières diverses et complexes. Ce travail aligne et combine des scènes et des souvenirs de barbarie et de corruption qui se déroulent au sein de notre civilisation dans un seul cadre. Les scènes qui transcendent le temps et l’espace pour se connecter, créer, détruire et recommencer sont combinées avec tact et reconstruites à travers l’axe du temps et sous forme de jeu.

Keren cytter
Roseraie
(2014) est une histoire tragique qui se déroule dans un bar texan. On peut dire que cette œuvre est un pastiche du film surréaliste de Luis Buñuel (1930). Le nom du bar doit provenir du slogan «Nous ne vous promettons pas une roseraie» écrit sur une affiche de recrutement du Marine Corps. Cependant, le slogan dont l’utilisation a été si ignorée par le Corps des Marines a été initialement tiré du livre « Je ne vous ai pas promis une roseraie », qui parle d’une femme schizophrène qui a créé son propre monde dans un fantasme élaboré. On peut considérer cette œuvre comme un film dont le thème principal est le contraste entre son scénario dramatique et sa composition légère. Un certain nombre d’histoires existent indépendamment, mais toutes ces scènes indépendantes se chevauchent. Tout comme les scènes du film de Buñuel, l’intrigue se joue sans suffisamment d’explications. Les conversations y sont illogiques comme si elles étaient écrites par un enfant, et parfois, les pistes vocales ne correspondent pas aux mouvements de la bouche des acteurs. Les bandes sonores changent l’ambiance, mais aucune d’entre elles ne correspond aux scènes. Le film ressemble à une réalité alternative.

Kiri DALENA
Après Mebuyan
Kiri Dalena, qui traite des questions sociopolitiques des Philippines, est une artiste et une militante sociale. Le titre de son œuvre (2016) est une déesse des enfers de la mythologie philippine qui contrôle la vie et la mort à l’aide de riz. Mebuyan, qui est une figure aux seins multiples, est assise sur une table pour piler et moudre le riz avec ses mains pleines de grains de riz, symbole de la vie. Les grains épars après être tombés de ses mains sont une «proclamation de la mort de la foule et du public». Dans une autre tribu de Mindanaon, les Manobos, ils exécutent un rite et un rituel de sculpture d’une figure humaine à partir de riz cuit après un enterrement auquel tous participent.
En 2016, les agriculteurs de la province de Cotavato située dans le nord des Philippines ont été confrontés à un courant d’air extrême dû à El Nino. Plus de 6 000 agriculteurs ont formé une barricade humaine de l’autre côté de la route afin de demander une aide au riz. Le gouvernement des Philippines a envoyé des policiers armés pour les dissoudre par la contrainte à l’aide de canons à eau et de baïonnettes. Un fermier a été tué et des dizaines de blessés lors de la dispersion forcée.
Le nombre 635 dans (2016) est le nombre de fermiers et de militants humains tués par l’autorité gouvernementale des Philippines au cours des 15 dernières années. L’artiste a emprunté un rituel dans la mythologie philippine et a fabriqué 635 grains de riz avec de l’or 14 carats pour rendre hommage à ceux qui ont été tués à tort.

Folkert DE JONG
Affaires comme d’habitude: « La Tour »
Folkert de Jong est surtout connu pour ses sculptures et installations expressives résultant d’une forte fascination pour la condition psychologique et corporelle de l’homme. De Jong s’intéresse à réexaminer les symboles culturels et les personnages historiques, et le potentiel de la sculpture pour transformer les récits existants. En particulier, le style de signature de De Jong est formé par son utilisation idiosyncrasique de matériaux isolants tels que le polyuréthane couleur bonbon et la mousse de polystyrène – un choix qui n’était pas simplement un geste anti-hiérarchique. Ces matériaux sont polluants et leurs effets sur l’environnement sont radicalement préjudiciables. Les œuvres présentées à la Biennale de Busan 2016 sont basées sur l’idée de La descente de l’homme de Charles Darwin (publié en 1870) et Le mythe de Sisyphe d’Albert Camus. La remarquable (2008) évoque le conflit dans sa représentation graphique de corps carbonisés et démembrés – assis, debout, à genoux, suspendus à l’envers et étirés horizontalement à travers l’espace, comme les morts-vivants.Le cycle symbolique suggéré dans le cercle des singes dans l’installation (2008) ne représente pas l’évolution du singe à l’homme, mais simplement le mouvement. Le cadre rose dans (2008) pourrait être un fragment tiré d’une chaîne d’événements historiques, et la tour des singes une tentative absurde de moralité: «Ne dis pas de mal, n’entends pas de mal, ne vois pas de mal». qui se démarque de l’idée que l’humanité est trompée de sa propre originalité et de son caractère unique est l’œuvre (2008) Les deux singes blancs – empruntant à leur signification symbolique en astrologie zodiacale – représentent la sous-estimation de la nature par les hommes. Les singes reflètent notre propre absurdité dans la façon dont nous sommes programmés pour croire que nous pouvons échapper et contrôler les cycles naturels de la planète Terre, alors que nous devrions plutôt apprendre à en faire partie et accepter le fait que nous sommes des êtres fragiles et mortels.

FANG Lijun
2014-2015
Fang Lijun est l’un des artistes les plus influents de l’art contemporain chinois. La figure «chauve» de ses peintures est devenue le symbole le plus classique de l’art chinois contemporain, et son style de travail a été défini comme relevant de la catégorie du réalisme cynique. Le réalisme cynique était une résistance contre la culture à cette époque. Ainsi, les expressions qui cherchaient à rompre avec les thèmes lourds et sérieux ainsi que les écrans précipités dominaient. <2014-2015> (2015) est une peinture de 8 mètres de large, et c’est l’une des œuvres majeures récentes de Fang Lijun. Les nombreux et gros bébés du tableau tournent le dos au public et font face à l’énorme soleil. La forte lumière émise par le soleil ressemble à une énergie massive émise par un noyau atomique. Les bébés du tableau regardent la scène silencieusement. Une ironie aussi intense mais tranquille est la partie la plus saisissante des œuvres récentes de Fang Lijun. Ces dernières années, ses œuvres montrent une tendance de l’écran de plus en plus grand. De plus, alors que ses travaux antérieurs portaient principalement sur des personnages chauves, de plus en plus de figurines de bébé figurent dans ses travaux récents. Cela pourrait être étroitement lié au fait qu’il ait eu une fille en 2005. La naissance de sa fille a dû être un changement important pour Fang Lijun dans lequel sa vie s’est transformée en celle d’un père, et qui s’est inconsciemment fondue dans sa vie personnelle, influençant involontairement sa vie. style de travail.

Zoro FEIGL
Démêler les marées
Le travail de Zoro Feigl est composé de mouvements et de diverses traces laissés par ces mouvements. Son travail est une installation puissante mais élégante créée par la combinaison de l’énergie cinétique délivrée aux cordes et des motifs répétitifs. Dans (2014) qui est une création créée par la montée et la chute de la mer, la mer forme un rivage et le rivage contribue alors à son tour à la formation de la mer. Deux cordes épaisses réparties dans l’espace ne cessent de s’arrêter comme la mer poussant les eaux jusqu’au rivage. Comme pour imiter la marée entrant et sortant, les cordes entrent en contact, se déplacent, puis se relâchent. Dans (2015), des cerceaux noirs vont et viennent le long d’un tuyau en acier, tournant et virevoltant d’un bout à l’autre comme un jeu auquel jouent les enfants. Parfois, les cerceaux rebondissent violemment tout en se tordant et en tournant, puis soudainement dansent gracieusement en parfaite harmonie. Les cerceaux plus petits passent facilement à travers les cerceaux plus grands, perturbant sans cesse les mouvements des uns et des autres, se heurtant les uns aux autres et créant une chorégraphie rythmique. (2012) dans lequel une gigantesque bâche se déploie dans une élégante danse de vagues et de boucles ressemble en quelque sorte à des fleurs de pavot fragiles et délicates. Cependant, il y a une force enchanteresse à l’œuvre dans cette danse hypnotisante. Une bataille agressive entre gravité, frottement et force centrifuge se manifeste.

Ibelisse GUARDIA FERRAGUTTI
Lisière
«Il n’y a pas de son sans mouvement, pas d’image sans son. Ces trois éléments sont des complices nécessaires qui sont désespérément entrelacés. La performance d’Ibelisse (2016) a été développée par l’inspiration qu’elle a obtenue au cours de son apprentissage des moines taoïstes (monts Wudang) et bouddhistes (temple Shaolin) en Chine pendant trois mois. La performance de fouets tourbillonnants contre un mur blanc est un travail de méditation cyclique pour Ibelisse. Les mouvements des fouets créent du son et laissent des traces noires sur le mur blanc. La performance continue pendant au moins 3 heures et au fil du temps, ce qui reste graduellement inscrit sur le mur sont des traces – un hommage aux mouvements, aux sons et aux images.

Probir GUPTA
Requiem
(2016) manifeste un abus inhumain de traiter des enfants, des filles et des femmes comme des esclaves sexuelles et de les forcer à travailler comme des machines. Probir Gupta rend aujourd’hui hommage aux esclaves sexuels à travers ce travail. Sur les plaques de fer à l’arrière de l’œuvre sont inscrits des noms de fleurs à la mémoire des femmes enlevées. Ce travail visuellement anormal fournit une traduction métaphorique des atrocités humaines. (2012) reflète la diaspora des Juifs en Inde. Il montre des hindous, des musulmans et des chrétiens coexistant pacifiquement et vivant une vie heureuse dans une dystopie parmi les extrémistes islamiques. Les gardiens qui gèrent les synagogues juives sont des musulmans de troisième génération. Dans le film, on peut assister à des scènes qui ont des structures de squelettes, des objets, des retours des Israéliens. Ayant écrit par Ernest Hemingway comme livre de référence, le travail a été inspiré par une situation de vie réelle des Juifs et des Musulmans coexistant pacifiquement et non menacée sur la route très fréquentée de Kolkata.

Hong wonseok
Projet de service de chauffeur HONG Wonseok – EXPÉRIENCE JOYEUSE, SOCAR
Le projet (2016) de Hong Wonseok est un travail de performance composé de plusieurs projets. Il se compose du projet 1, qui traite de l’avant-garde indigène et autonome de la Corée, de la Chine et du Japon dans les années 70 et 80, et du projet 2, qui traite du musée d’art de Busan et des biennales mondiales depuis les années 90. Les artistes participants, les conservateurs et les citoyens se déplacent entre les deux salles d’exposition, y compris l’usine KISWIRE Suyeong via un taxi et échangent des questions et des réponses concernant des questions liées à la Corée et au monde, à la vie et à la culture, au potentiel commercial et aux pays. L’artiste espère que son travail servira de lieu inconfortable et douloureux où se reflétera l’inefficacité du marché, l’irrationalité des humains, les vulnérabilités fondamentales de l’art soumis aux marchés et aux institutions, etc. Le de Hong Wonseok (2016) est un microcosme du thème de cette Biennale, «Hybridizing Earth Discussing Multitude».

HU Jieming
Synchronie
(2016) de Hu Jieming est une œuvre vidéo qui emprunte la méthode de prise de vue à grande échelle. C’est une œuvre qui a filmé un grand groupe de personnes qui voyagent au-delà de l’espace et du temps. L’identité des personnes dans les photographies à grande échelle se déroule dans des espaces et des temps mixtes. Une variété de scènes qui changent contiennent toutes sortes de récits. Les sujets du film ont été tirés de photographies d’un passé lointain. Des amis de l’artiste aux personnages historiques d’une autre époque, la gamme des personnes photographiées est très étendue. À l’aide d’effets spéciaux, Hu Jieming écrit de nouvelles histoires en donnant des mouvements aux visages de chacune des figures de la photographie. Les personnes sur les photographies qui viennent de différents espaces et époques ont des caractéristiques physiques différentes. En les regroupant via un espace et un temps uniques, l’artiste cherche à exprimer l’identité métisse et chacun des différents parcours de vie.

Saleh HUSEIN
Et tout ce qui nous entoure est beau
(2016) de Saleh Husein est une œuvre de fiction basée sur «Tjahaja PASI» (La lumière de PASI), un hymne aux espoirs et aux rêves du socialisme islamique indonésien. Lors de l’émeute de 1966, le gouvernement indonésien a interdit tout ce qui touche au communisme ou au socialisme sous le nom de protection de la société. Même les chansons, la composition et les hymnes étaient inclus dans les choses interdites. Le travail de l’artiste examine comment un parti politique peut utiliser des chansons comme outils pour contrôler ou susciter des déclarations politiques, des mécanismes uniformes ou des personnes. Pour ce faire, l’artiste réfléchit à la perspective arabe sur la mondialisation à travers l’utilisation des cultures occidentales (la section cuivres d’un orchestre et d’une chorale). L’œuvre reconstitue «layartancep» (projection de films en plein air), qui est un type de projection autrefois fréquemment utilisé comme outil de propagande en politique en Indonésie il y a longtemps.

Erdal INCI
Taksim Spiral
L’artiste multimédia ErdalInci expérimente les mouvements clonés à travers son travail vidéo. L’artiste crée des vidéos hypnotiques ou des fichiers GIF de lui-même se déplaçant à travers les espaces publics transportant des lumières ou d’autres objets à certains moments. Inci ne semble plus être qu’une ombre, ou disparaît complètement en fonction de son exposition à la lumière, créant une vidéo encore plus mystérieuse et rêveuse. Inci s’est concentré sur le fait que s’il continue de cloner la performance enregistrée, la vidéo bougera perpétuellement. Toutes les phases temporelles des mêmes mouvements peuvent être vues en de courts instants tels que 1 ou 2 secondes. Inci pensait que cela pourrait donner au spectateur une chance de penser comme un chorégraphe qui dirige un grand groupe de personnes ou un peintre qui peut remplir un cadre non pas avec des formes ou des couleurs mais avec des mouvements. ErdalInci s’est inspiré des modèles utilisés dans les arts et métiers traditionnels, la danse et la répétition. Son travail peut être décrit comme un résumé du mouvement, de la performance et des environnements réels.

JANG Jaerok
Un autre paysage
Jang Jaerok était fasciné par de gigantesques structures artificielles et de délicats appareils mécaniques. Par conséquent, ses peintures orientales sont dessinées comme un plan d’étage, en utilisant des marquages ​​sur une règle, comme si toutes les distances étaient mesurées mécaniquement. Ils sont loin d’être des peintures gaies ou vives en pointillés d’un coup de pinceau. Le monde dans lequel nous vivons est plein de machines et de structures artificielles. L’artiste ne se contente pas de peindre l’aspect extérieur d’une machine en douceur. Les machines ou les structures de son travail ressemblent à un tableau anatomique bizarre et terrifiant.

JIA Aili
Ermite de la planète Ⅱ
La région nord-est de la Chine est le cœur de l’industrie lourde de la Chine ainsi qu’un lieu où de nombreux événements historiques ont eu lieu dans l’histoire moderne de la Chine. Le nord-est et le nord ont entraîné une croissance économique rapide plus tôt en Chine, mais ils ont subi un déclin économique depuis les années 80 jusqu’aux années 90. En conséquence, la majorité des usines de l’industrie lourde ont fait faillite ou fermé leurs portes, laissant des centaines et des milliers de travailleurs d’usine changer ou quitter leur emploi. En un clin d’œil, l’égalitarisme absolu dans le cadre de l’économie planifiée du passé est transformé en économie de marché basée sur la performance. Le malheur et la désolation, y compris les ouvriers d’usine que la société a connus, sont devenus des cicatrices et des douleurs de l’époque. La partie la plus saillante du travail de Jia Aili, qui a soigneusement observé cette période, est la scène «en ruine». Afin de donner l’impression que les choses sont «en ruine», Jia Aili peint des machines et des personnes sombres et floues dans son travail. Cela permet aux téléspectateurs d’imaginer et de ressentir l’environnement chaotique et la solitude d’un individu. La vie des gens qui se manifeste dans ses tableaux porte tous un sentiment d’impuissance de l’époque, et les humains ne sont laissés que comme des êtres faibles et fatigués contre le gigantesque écran. Ses œuvres nous font réfléchir sur notre passé et nous parlent d’un triste avenir dans lequel nous sommes contraints de saisir la réalité. Malgré le fait que la scène du nouveau travail de Jia Aili (2016) se déroule dans le contexte d’un écran infiniment large et confortable, le sentiment d’être «  en ruine  » est toujours présent dans toutes ses œuvres. restes.

JIN Yangping
Coup de ballon n ° 1
L’artiste Jin Yangping aime la désillusion et le dégoût du modernisme et du socialisme et crée ouvertement des «peintures de classe B». Les «peintures de classe B» décrivent la tendance à déformer ouvertement et à renverser les valeurs et les formes dominantes afin d’attaquer les faiblesses universelles de l’esprit de l’humanité et la vulnérabilité fondamentale de l’existence humaine contemporaine. Comme si le déconstructivisme dénonce la nature oppressive du stalinisme et déconstruit le métadiscours du néolibéralisme, l’artiste s’attaque à la fois à la forme et au contenu de l’art chinois de l’époque. Jin Yangping se moque de la créativité et de l’originalité et ne poursuit pas l’achèvement des travaux. Son travail s’exprime de manière discontinue, aléatoire et fragmentée. Les œuvres de Jin Yangping sont une «philosophie anti-périodique», et c’est ainsi qu’un «artiste de classe B» peint.

Reena KALLAT
Des vies coupées
(2015-2016) est une reconfiguration de mutations fantastiques se déroulant dans la nature. Diverses espèces d’oiseaux, d’animaux, d’arbres, de fleurs qui symbolisent différents pays sont hybrides pour relier les conflits entre les pays par des tirets de manière symbolique. Reena Kallat a ressenti le besoin d’exprimer l’impact que l’existence ou l’extinction de quelque chose peut avoir sur d’autres espèces en utilisant des espèces autres que l’homme. Le motif de la série de ces œuvres provenait de câbles électriques. Un câble électrique qui transfère les pensées et les informations rassemble les gens et forme des enchevêtrements minutieusement tissés qui transforment les barbelés tels que les barrières. L’exploration d’une telle indépendance et interdépendance met en lumière les relations entre les individus en conflit, les voisins et peut-être les pays. Il nous fait également réfléchir sur de nombreuses relations et frontières différentes qui constituent notre existence complexe. L’artiste a continué à travailler dans le même contexte pendant de nombreuses années, et qui a été présenté au Campbeltown Arts Centre à Sydney a été le début d’une telle série d’œuvres. L’objectif de son travail est passé de son intérêt de longue date pour les pays politiquement divisés mais historiquement proches aux ressources naturelles qui sont à l’origine des conflits et des différends entre pays divisés tels que l’Inde-Pakistan, l’Irlande-Angleterre, Israël-Palestine, la Corée du Sud. -La Corée du Nord et les USA-Cuba.

KIM Hak-J
entre désir et univers
Kim Hak-J pose une question «  l’intelligence en essaim du monde a-t-elle vraiment gagné en sympathie et va-t-elle dans la bonne direction?  » L’humanité laisse des traces de sa vulnérabilité à chaque période de l’histoire de sorte qu’il n’est pas exagéré de décrire l’histoire de l’humanité la  » histoire du désir ». Les formes que les meilleures valeurs représentées par l’intelligence en essaim adoptent aujourd’hui peuvent être définies comme une technologie qui se développe rapidement et notre présence dans l’espace. L’artiste cherche à exprimer la consolidation de l’intelligence du monde pour l’obtention de telles valeurs et l’ombre sombre du désir cachée derrière les conflits. Un faux satellite est installé sur le sol et le mur comme une tombe, et des photographies attachées aux ailes du satellite présentent des codes emblématiques pour les «  phénomènes schizophréniques  » et le «  désir  » qui reposent sur la libre circulation du capital monétaire des «  capitalistes  » machine ‘, la seule société qui repose sur le flux décodé comme l’ont proposé Gilles Deleuze et Felix Guattari. Des images d’un robot se promenant seul dans un vaste espace et d’un humain sont projetées à la surface du mur pour créer une atmosphère «implicite» dans l’ensemble. Le pionnier de la musique pop, David Bowie, «Space Oddity», qui consiste à communiquer avec un extraterrestre et «Je ne suis pas amoureux» de 10 CC, est coupé et joué.

KWON Sunkwan
La vallée des ténèbres
Kwon Sunkwan présente une scène liée à notre histoire moderne avec son œuvre . Une tragédie de l’histoire moderne qui a eu lieu il y a des décennies, «No Gun Ri Massacre», a été prise du site pour atterrir dans la toile. Le site historique où 300 civils évacués ont été tués par des soldats américains qui repoussaient l’invasion de l’armée populaire nord-coréenne pendant la guerre de Corée, pend comme un rideau noir.
La scène choisie parmi un grand nombre de possibilités, la photographie obscure, parle de l’événement historique important couvert de brouillard brumeux sans qu’aucune mesure ne soit prise. Certes, un fait évident est capturé dans la scène, mais en ne l’ouvrant pas et en montrant quelque chose qui ne peut pas être vu, l’artiste laisse le rideau noir foncé au public pour qu’il se lève tout seul.

LEE Seahyun
Entre rouge-187
Les paysages écarlates de Lee Seahyun ont un impact visuel très fort, presque comme s’ils provoquaient des hallucinations. Les œuvres sont contre nature et irréalistes. Cependant, passez à travers la fantaisie rêveuse, examinez-les de plus près et vous rencontrerez des paysages plutôt familiers et très réels. La nature qui nous entoure, les bâtiments, les villes et les événements ont pleinement occupé les tableaux. Ses œuvres sont réalistes et belles, mais quelque peu douloureuses. C’est parce qu’une seule peinture contient les quatre phases de la vie et toutes sortes d’émotions que les humains et la nature ont. Il révèle la perspective violente inhérente à l’homme sans aucune modération, montre sans détour les blessures de l’histoire inscrites dans la nature et affiche une nouvelle façon de raisonner sur l’Est et l’Ouest, l’homme et la nature. Ses œuvres embrassent les blessures des humains et de la nature.

Lee Leenam
Terre d’hybridation
Le développement de la science et de la technologie modernes a entraîné des échanges entre les cultures et des changements de perception. En particulier, l’utilisation des médias par les humains a permis la réalisation d’une nouvelle forme d’art dans laquelle la politique, la culture et la technologie sont combinées. De plus, du point de vue du post-modernisme, les médias sont beaucoup plus continus et révolutionnaires que tout avant-garde. Ce siècle de révolution technologique déclenché par la vidéo a non seulement conduit à la reproduction de la réalité virtuelle et des technologies numériques très avancées, mais aussi à la sculpture virtuelle aujourd’hui. Les nouveaux médias numériques ont permis aux gens du monde entier de se déplacer librement dans le temps et l’espace du passé, du présent et de l’avenir. Il a provoqué des changements dans la perception visuelle et le paradigme.
Les médias, qui reconstituent l’hybridation avec l’afflux de divers éléments culturels en raison du développement du capitalisme et de la mondialisation, ont été créés grâce à des interactions entre divers facteurs tels que la culture, l’histoire, le phénomène social, les caractéristiques des médias et des messages. L’hybridation des médias a créé une nouvelle idéologie à travers des supports de médias tels que la race, la langue, le signe, l’image et la culture. Lee Leenam cherche à examiner comment les médias traitent l’hybridation de la terre, ou la réalité d’aujourd’hui qui est représentée par l’hybridation de la terre. Mettez le VR et vous vous retrouverez dans un espace virtuel rempli de caractères chinois en 3D. Il s’agit de la visualisation du système cognitif humain influencé par le mélange de divers médias tels que les lettres et les films. La façon dont les images de caractères chinois, qui ont une longue histoire en tant que «lettres», disparaissent en tant que données, pixel dans un espace numérique, remettent en question l’essence et la valeur d’un sujet.

LI Ming
Mouvement
Li Ming poursuit des études qui transpercent le cœur de la relation entre les individus et la société à travers des performances et des œuvres vidéo. L’artiste lui-même figure dans les trois œuvres présentées dans cette exposition, et son corps devient un bon paramètre pratique qui représente la pensée de l’artiste. Dans le travail vidéo avec un temps limité, l’artiste continue sans cesse des mouvements répétitifs en utilisant son corps, et cela continue jusqu’à ce qu’il soit complètement épuisé physiquement et psychologiquement. Son «obsession» impliquée dans ses œuvres est très attrayante. <361> (2014-2016) est un film sur la rupture de 361 briquets jetables. Pour cette performance, Li Ming a étudié à fond la littérature sur les briquets jetables et la production de films documentaires. L’artiste a mené des études sur l’autoréflexion, sur le fonctionnement d’une communauté entière, même en l’absence de certains objectifs personnels et la consternation causée par l’identité sociale. (2014) est composé d’un total de 8 téléviseurs et 2 synchroniseurs. Quatre téléviseurs sont connectés à un synchroniseur et huit vidéos sont lues en même temps. (2011) dispose de quatre écrans de télévision en forme de croix. L’écran de gauche et de droite montre les réflexions de l’artiste sur le pouvoir de la nature et le pouvoir artificiel. L’œuvre permet au spectateur de comprendre la philosophie et l’idéologie de l’artiste.

Laura LIMA
Ascenseur
Laura Lima a présenté un ensemble d’œuvres qu’elle-même appelle «images». Les «images» de Lima ne sont pas des performances, ni des installations, ni du cinéma. Les «images» utilisées par l’artiste sont des œuvres conceptualisées d’une accumulation de clarté visuelle et de fermeté factuelle. Parmi les œuvres qui symbolisent de tels projets rigoureusement conceptuels, est la plus connue. Certaines parties des œuvres de Laura Lima sont liées à la notion de philosophie ornementale. Lima s’oppose directement à l’opinion conventionnelle selon laquelle «les ornements ne sont pas importants». Elle déforme et renverse les définitions et les notions considérées comme générales et conventionnelles.
C’est la première fois que son travail (2013, 2016) présenté à la Biennale de Busan 2016 sera présenté en Asie. Devant cette œuvre, nous sommes confrontés à un bras qui sort de dessous un mur, cherchant un jeu de clés. L’artiste a pensé que si nous pensons facilement que ce bras est impertinent pour nous, pensant qu’il doit appartenir à quelqu’un d’autre, ce bras pourrait en fait être le nôtre. En ce sens, le travail touche aux formes les plus élémentaires de présence et d’interaction.

LIU Xinyi
Le centre du monde
À travers ses œuvres, Liu Xinyi montre son profond intérêt pour les affrontements culturels internationaux et les solutions pour eux. Son (2011) soumis à l’exposition part d’une question sur la raison pour laquelle de nombreux pays de l’Est et de l’Ouest publient des cartes du monde plaçant leur pays au centre, et pose ensuite la question de «  où est le centre du monde?  » En projetant le monde en rotation comme les hanches d’un corps humain, Liu Xinyi a fait de la sortie de l’excrétion humaine le centre du monde pour exprimer avec humour qu’un centre absolu du monde n’existe pas. Dans une autre œuvre (2012) dans laquelle des images de centres financiers la nuit ont été collectées et éditées pour former une seule île, un mirage flashy mais creux d’une ville marine apparaît sous nos yeux. Un tel paysage onirique représente la société chinoise qui est devenue une zone sinistrée de la bulle économique alors qu’elle progressait vigoureusement avec un développement déformé et inutile.

Dana LIXENBERG
Cours impériales
Le projet (1993-2015) de Dana Lixenberg combine un travail vidéo et une vaste série de photographies en noir et blanc pour suivre l’évolution d’une petite communauté dans le centre-sud de Los Angeles. Les photographies et la vidéo sont des créations qui résultent d’une relation large et coopérative qu’elle a nouée avec les résidents des cours impériales, l’endroit avec lequel elle s’est familiarisée lors d’un voyage à Los Angeles à la suite des émeutes de Rodney King en avril 1992. Pendant plus de 22 ans de 1993 au printemps 2015, Lixenberg a créé un portrait complet de la communauté et a détourné ses yeux du site de la destruction pour la vie typique des gens qui ne deviennent le centre d’attention qu’en cas de calamité. Les œuvres créées dans les cours impériales comprennent 393 photographies en noir et blanc, un livre publié par Roma Publications en 2015, ainsi qu’une projection vidéo de 63 minutes sur 3 canaux qui tourne en boucle. La vie dans les cours impériales capturée dans le film de Lixenberg forme un large spectre, allant du drame et du jeu à la vie quotidienne dénuée de sens. Il contient des scènes de la vie quotidienne ordinaire dans les villes urbaines des États-Unis, souvent ridiculisées comme aberrantes et extrêmes. Les cours impériales sur fond immuable d’un paysage urbain créent la continuité d’une communauté, s’opposent au sensationnalisme et aux spectacles, et choisissent avant tout la sensibilité. Réalisé avec une telle approche, (1993-2015) a enregistré la vie des Afro-Américains et des Latino-Américains de diverses manières pendant 22 ans.

Xavier LUCCHESI
Isabelle
L’artiste Xavier Lucchesi a tenté d’exprimer des images sans utiliser d’appareil photo. Pour ce faire, Lucchesi a utilisé des équipements autres que des caméras qui peuvent créer des images totalement différentes. Il a utilisé des appareils à rayons X et des scanners pour produire des images. Ses images ne suivent pas le mode de création d’image le plus courant, mais se forment en faisant passer des rayons à travers des objets. Les faisceaux de rayons X dirigés vers la surface de la zone derrière un objet suppriment l’ombre de l’objet réel. C’est l’ombre, l ’« illusion »que nous pouvons voir. Un rayon traversant un objet ne signifie pas simplement un mouvement de l’extrémité d’un côté à l’autre. Le fait qu’un rayon passe à travers un objet signifie que la présence de l’objet est clairement connue, et c’est comme un observateur regardant directement dans les yeux d’une personne et voyant à travers son âme. Lorsque Lucchesi utilise des chefs-d’œuvre tels que les peintures de Picasso pour son travail, il essaie de ne pas révéler la face cachée de l’œuvre mais exprime uniquement des scènes visuellement dramatiques. De plus, il se concentre sur le fait qu’il existe un point de convergence où la puissance du cerveau rencontre la capacité du cerveau à simuler et dessiner ce qui n’a pas encore été révélé ou vu.

Zanele MUHOLI
Le mariage d’Avanda et Nhlanhla Moremi
Alors que de nombreux pays africains ont promulgué des législations homophobes et exprimé de l’intolérance envers les homosexuels occidentaux, la République d’Afrique du Sud s’est démarquée d’eux en promulguant une législation qui reconnaît les mariages homosexuels. Pourtant, les Afro-Américains LGBT (minorité sexuelle, y compris les lesbiennes, les gays, les bisexuels, les transgenres, les intersexuels) souffrent de crimes de haine. Les lesbiennes noires qui sont particulièrement vulnérables parmi elles sont souvent victimes de meurtres de sang-froid ou subissent un «viol sous prétexte de traitement» par des personnes qui les entourent ou leurs soi-disant «amis». En 2013, Muholi a enregistré des événements qui semblent relier le bonheur et le chagrin, une cérémonie de mariage et des funérailles de personnes dans la communauté LGBT noire en République d’Afrique du Sud. L’installation photographique de ZaneleMuholi montre comment un événement triste et un événement heureux peuvent partager des similitudes. Ce travail met l’accent sur le besoin d’espace pour l’expression de l’identité d’un individu.

OH Younseok
Souvenirs cachés-herbe 1, 2
Le thème principal de la série (2016) est la guérison du «conflit multiforme, de la peur et de la terreur révélés dans les souvenirs cachés de l’humain». Mes œuvres montrent la volonté de créer motivé par des souvenirs cachés et des «codes bio» qui traitent la maladie de l’esprit, la rancune et le ressentiment. Cet ouvrage contient en eux le sens de l’hommage floral aux gens modernes en présentant des fleurs, des herbes et des textes. La série ne fournit pas d’images fixes et de significations par le biais de leur reproduction de sujets ou de souvenirs, mais démonte des écrits religieux ou des textes de confessions déduits des souvenirs ou des sujets, puis les rassemble, en les combinant avec des images pour créer des textes visualisés et non des textes abstraits . Ils deviennent des existences qui attendent des rencontres avec le public à un moment situé entre la «lecture» et la «fascination».

OLTA
Walking Cascade
OLTA est un groupe formé en 2009 par 6 artistes japonais qui ont étudié la peinture à la Tama Art University. Notre vie quotidienne fourmille d’énormes quantités d’informations telles que des vidéos transmises par les médias. OLTA compare ces expériences avec les médias numériques à une cascade dans (2016). Du voyage pour atteindre la cascade, des vues panoramiques sous les yeux, du bruit des chutes en cascade, de la température, de l’humidité, à l’environnement, nous embrassons la cascade en utilisant tous nos sens. Dans ce contexte, la vidéo «filmée» ne peut être que secondaire. À travers son nouveau travail, OLTA essaie de visualiser l’accumulation et la transformation de l’information de trois manières – en utilisant le corps des artistes en tant que créateur de la vidéo, en utilisant le corps du récepteur d’informations et en utilisant les médias qui documentent et enregistrent. Dans cette exposition, OLTA réalise une performance inspirée de Rokusai Nenbusu Odori, qui est un paysan bouddhiste des danseurs folkloriques traditionnels du Japon occidental dansant en chantant une prière bouddhiste. Leurs formes et traditions varient, mais surtout des groupes de plusieurs personnes visitent de porte en porte dans le village, dansent toute la nuit au son des tambours, des cloches et des tuyaux. Dans la performance de l’OLTA, les membres dansent au son de leurs propres voix et instruments fabriqués par des objets faciles à trouver dans des maisons typiques. L’installation est complète par la combinaison du tournage de la performance, de la répétition et de la lecture, et des mouvements du public.

ORLAN
Bejing Opera Self Hybridization n ° 6
ORLAN utilise son propre corps comme matériau et support visuel pour ses œuvres. Elle utilise son propre corps comme espace de débat et d’exposition. Elle est l’ancêtre de l’art corporel et une figure majeure de «l’art charnel» défini dans la Déclaration de 1989. La ténacité et la liberté d’ORLAN sont des éléments essentiels de ses œuvres. Elle adhère à l’attitude d’innover, de questionner et d’être destructrice dans toutes ses œuvres. ORLAN détruit le processus de réflexion et les coutumes «prêts à l’emploi» en mettant sans cesse en œuvre des modifications fondamentales des données. Elle s’oppose aux types dominants tels que le déterminisme social, politique et naturel, le chauvinisme masculin, la religion, la division culturelle et la discrimination raciale. ORLAN décrit non seulement le corps féminin de la période baroque et l’iconographie religieuse, mais explore également la culture de l’Inde et de la Chine avant que Colomb ne découvre les Amériques. En même temps, elle se penche sur leur réalité physique, émotionnelle et virtuelle en utilisant les technologies les plus modernes de la science, de la biologie et de l’informatique. Dans sa récente série de travaux (2014), ORLAN greffe le masque de l’opéra de Pékin aux technologies interactives. Grâce à l’utilisation d’Augment, qui est une application pour la réalité augmentée, elle transforme l’auto-hybridation et toutes les sources en codes QR. ORLAN montre des acrobaties en faisant apparaître ses avatars sur les tablettes et les smartphones du public de l’Opéra de Pékin, ce qui était interdit aux femmes. Le public peut également prendre des photos avec ces avatars 3D.

Tanja OSTOJIĆ
Stratégies de réussite / Curator Series
Tanja Ostojic est une artiste pratique qui mène des études à multiples facettes et pose des questions sur les problèmes auxquels la société européenne et le monde de l’art sont confrontés en utilisant divers médias tels que la performance, la vidéo et les photographies. , qui est l’un de ses projets majeurs, implique de tisser un lien fort avec les gitans et prépare un lieu de partage et de guérison de leur profonde tristesse en exposant leurs blessures coloniales à une plateforme où la communauté locale et les militants peuvent engager des discussions. En particulier, qui est soumis à l’exposition est une performance prenant la forme d’une présentation pour traiter de questions telles que la vie des gitans dans la pauvreté, l’exclusion sociale et politique, la déportation, le racisme, la xénophobie, etc. À travers ce travail, elle pose une question éthique «comment est-il possible qu’un groupe ethnique spécifique soit constamment exposé et privé de droits humains politiquement et socialement dans la société européenne moderne d’aujourd’hui?»

PAK Sheung Chuen
Un voyage sans expérience visuelle (# 3)
(2008) part du voyage de 5 jours et 4 nuits de Pak Sheung Chuen en Malaisie. Il a fermé ou couvert ses yeux pendant tout le voyage. Pendant le voyage, il faisait toujours toutes les visites et a pris de nombreuses photos, mais au lieu de voir, il n’a utilisé son corps que pour ressentir et ressentir l’environnement. Toutes les images, ainsi que la photographie et les vidéos d’autres membres du groupe de tournée, sont devenues la seule référence des souvenirs indirects et de l’expérience visuelle pour la Malaisie. Les photos doivent être montrées dans une pièce complètement sombre. Les téléspectateurs sont tenus d’apporter leurs propres appareils photo flash afin de capturer des images à l’intérieur de la pièce.

PARK Jihye
Affection
Le critère par lequel les valeurs d’un individu sont définies peut être classé selon les normes sociales. En d’autres termes, des conflits surviennent lorsque de telles valeurs sont acceptées par des influences extérieures ou sont frustrées. Cependant, les désirs des individus sont restreints au moins dans une certaine mesure car ils sont régis par des normes sociales. Ainsi, les formes de chaque désir individuel peuvent différer, mais l’anxiété psychologique causée par de telles pressions sociales est inhérente à chaque relation, et cette anxiété relie un individu à l’autre de manière compliquée. Cela s’exprime sous la forme d’une violence continue dans la société moderne. Je reconnais une telle violence comme un problème lié aux relations et à son interactivité, et essaie de les présenter sous la forme d’une œuvre d’art. La contemplation des relations est étroitement liée non pas à une existence gigantesque, mais à l’amour, aux relations amoureuses, à la jalousie, à la compassion et à ceux qui se rapprochent le plus de la vie quotidienne d’un individu. La relation la plus proche est un espace dominé par bien plus de coutumes, de mythes et de formalités que toute autre relation. Cet espace peut sembler être un lieu créé par une rencontre entre deux individus, mais en fait c’est un lieu compliqué dans lequel de nombreux concepts et désirs se heurtent, s’échangent et se compromettent, et un lieu dans lequel les conflits de base sont en sommeil. L’artiste capture l’obsession unilatérale, les désirs cachés derrière des relations étroites et la violence se trouvant sous la surface présente dans les relations en combinant des expériences personnelles et des incidents de la vie réelle avec des objets symboliques, des histoires ou des contes de fées. Elle produit une vidéo immensément réaliste mais irréaliste en créant des situations agressives dans lesquelles non seulement l’affection et les conflits dans les relations, mais aussi les ironies, les conflits et l’anxiété cachés de former des relations avec les sociétés se croisent à une jonction dans laquelle le temps horizontal et le temps vertical se croisent .

Hung-Chih Peng
God Pound Busan
Les statues de dieu réductrices sont devenues particulièrement populaires lors d’un engouement pour les jeux d’argent à Taiwan dans les années 1980. Après avoir échoué à déceler avec succès un numéro gagnant, beaucoup d’entre eux ont été maltraités et abandonnés dans des centres de recyclage, tout comme la façon dont les chiens sont envoyés en livres lorsqu’ils ne peuvent pas répondre aux attentes exagérées et irréalistes de leurs propriétaires. Ainsi, dans ce qui semble un exemple plutôt extraordinaire de renversement, l’humanité a pris la liberté de punir les dieux, apparemment sans crainte de représailles. De plus, ces dieux étaient commodément incarnés dans une taille facilement manipulable. Pour l’installation (2016), 501 dieux ont rempli un espace entier et ils regardent l’écran encadré par un décor de marionnettes taïwanais. Dans la vidéo, un chien raconte l’histoire du passage des divinités de vaisseaux idolâtrés à des restes abandonnés, nous rappelant le parallèle entre le dieu livre et son homologue canin. Quelque part entre le fétichisme des marchandises omniprésent et le totem sacré qui ne connaît pas de valeur marchande, l’accumulation de ces petits êtres transmettait à la fois l’énorme pouvoir qu’ils étaient censés posséder au départ et leur statut actuel de rejetés sans valeur.

Pushpamala N
Bons gènes – hygiène
L’artiste utilise des modèles médicaux pour effectuer divers mouvements avec l’aide de ses amis. Les mouvements qui ressemblent à une cérémonie religieuse sont exécutés sur une scène comme un spectacle de magie fascinant. Cette vidéo fait partie d’un projet à long terme fait pour répondre à une question sur le concept d’un état-nation Pushpamala N. posé. Dans la vidéo, elle examine un projet gouvernemental visant à créer une communauté idéale à travers l’histoire de l’anthropologie, de l’ethnologie et de l’eugénisme. Dans son travail, elle réalise elle-même les mouvements et joue le rôle de «résultat» ainsi que d ‘«agent» de l’histoire qui se positionne au centre de l’exploration.

Joanna RAJKOWSKA
Mon père ne m’a jamais touché comme ça
L’œuvre vidéo de Joanna Rajkowska est une description qui met l’accent sur la relation brisée entre un père et sa fille. L’artiste a demandé à son père de lui caresser le visage, mais c’était probablement la première et la dernière demande qu’elle avait faite. Son père a vécu une vie en fuite depuis sa première évasion après avoir été envoyé au camp de concentration d’Auschwitz pendant la Seconde Guerre mondiale jusqu’au moment où il a quitté sa famille et sa femme. Il n’était jamais là pour changer les couches de son petit bébé, assister à sa cérémonie d’entrée à l’école primaire, ou même lorsqu’elle a été hospitalisée en raison d’une intoxication sanguine. Il est allé jusqu’à ignorer son propre nom que sa femme a appelé sur le chemin de sa mort. En enlevant une couche de souvenirs sous la surface de la vie quotidienne dans son travail, l’artiste caresse doucement les blessures du passé que nous avons tous.

Robin RHODE
La lune est endormie
Robin Rhode utilise généralement des matériaux courants tels que du savon, du fusain, de la craie et des aquarelles pour exprimer une épopée de la belle vie dans la performance, le dessin et la vidéo. L’artiste qui exprime à sa manière de vastes intérêts pour les questions sociales et politiques fonde principalement ses œuvres sur les rues et améliore l’esthétique complexe pour créer de beaux dessins muraux. Son qui est soumis à l’exposition a été emprunté à la poésie d’un poète sud-africain Don Mattera, et en ayant une voix faible et vulnérable faisant écho à l’écran, il décrit l’expérience d’être emprisonné dans une salle d’interrogatoire pendant la moment où l’apartheid a atteint son apogée. À travers une animation en stop motion d’un garçon regardant des images symboliques étalées devant ses yeux, l’artiste exprime puissance, identité, liberté et grâce. Dans son autre travail , il décrit les jours douloureux de la perte d’un amoureux à cause de la maladie comme des nuits sans lune, et livre ses lamentations et ses chagrins à travers la narration d’un vieil homme et le dernier mot de la narration, « l’isolement ».

SHEN Shaomin
Histoire de l’art
Shen Shaomin est un artiste chinois qui travaille dans l’art conceptuel et l’art d’installation. Ses œuvres sont principalement liées à des études et à une réflexion sur certains des problèmes qui existent dans l’histoire de l’art. Dans le même temps, il révèle et critique constamment les problèmes de la société moderne comme «Opinion leader». Son travail récent (2015) est une installation interactive à grande échelle qui est toujours un projet de recherche en cours. (2015) est composé de 50 casques et 50 microphones. Des récits sur les résultats des recherches de l’artiste sur la définition de l’art peuvent être entendus au casque, et le public qui écoute la voix peut parler au micro de ses réflexions sur la définition de l’art. Les histoires sont ensuite passées sur un ordinateur, converties en personnages, imprimées et combinées dans un livre. Ces «déclarations partagées» sont complétées en tant que telles et deviennent finalement des archives de l’artiste. À travers ce travail, Shen Shaomin ouvre, édite et élargit l’histoire de l’art qui est considéré comme un territoire inviolable auquel seuls les savants et les critiques peuvent entrer, en encourageant la participation du grand public et enrichit ainsi la définition de l’art.

KATHARINA SIEVERDING
REGARDER LE SOLEIL À MINUIT (ROUGE)
Le travail de KATHARINA SIEVERDING montre le soleil brillant dans l’obscurité de la nuit depuis la terre. Du coucher au lever du soleil, le soleil est en effet plein de couleurs différentes. KATHARINA SIEVERDING se concentre sur les interconnexions entre les êtres vivants et l’univers. L’artiste a reçu des informations visuelles de l’Observatoire Solar Dynamics lancé par la NASA en 2010 et l’a transformé en œuvre d’art. À travers ce travail, elle relie les différentes facettes de la science et de la bio-politique à l’existence humaine sacrée.

SIGNER romain
Installation avec sable, chaises, seaux et eau
Les événements artistiques que Roman Signer construit pour nous sont basés sur le processus, le jeu, l’expérimentation et l’émerveillement. Ses matériaux sont des phénomènes physiques élémentaires-observations d’autant plus étonnantes au regard de l’humour qui anime l’œuvre de cet artiste. Ces éléments montrent ce monde étonnant d’humour. C’est une marque d’humour extrêmement subtile qui n’a pas encore été découverte par le monde de l’art. La sérénité, la clarté et la légèreté des actions de Signer nous impressionnent. Ils sont dépourvus de la suprématie tautologique de certains arts des années 70 qui agonisaient justement pour tenter de démontrer que l’eau coule et qu’une chaise est une chaise. Les gestes du signataire ne sont pas héroïques, bien que, apparaissant comme un dramaturge de suspense, il provoque une libération explosive, voire une détonation psychosensuelle. Il ne remplit pas le rôle attendu de l’artiste ingénieux et individualiste, mais il attire l’attention sur un objet en découvrant et en libérant son potentiel surprenant et insoupçonné. Nous connaissons les possibilités des bombes aérosols ordinaires, des bottes en caoutchouc et des vélos et des chaises de cuisine, mais nous apprenons également à quel point l’horizon de nos connaissances et notre relation avec les choses de ce monde sont limités.

Shinique SMITH
Pas de poussière, pas de tache
Les trois performances de Shinique Smith portent principalement sur les gestes, les objets et l’inspiration conceptuelle. Ses œuvres ont été influencées par l’astrologie, l’alchimie, la poésie lyrique mythique et les mouvements d’intersections urbaines. Créé en collaboration avec l’artiste Gary Pennock, (2015) a été filmé en utilisant une vidéographie aérienne et terrestre devant la murale de Smith . Basée sur l’histoire personnelle et les événements de l’artiste qui ont influencé sa vie, la performance couvre les peintures de Smith, des installations à grande échelle et d’autres œuvres de performance. Cela montre comment elle aborde bien la production d’œuvres et les présentations d’expositions. Elle décrit son enfance en disant que «quand elle était petite, j’ai appris les derviches tourneurs soufis et, dans mon innocence, j’ai essayé de danser comme eux. Je tournais dans la cour dans le capot à Baltimore jusqu’à ce que mon esprit soit libéré. ​​Cette expérience de Smith a servi de point de départ au projet qui exprime et élargit les mouvements hypnotisés des danseurs dans les peintures murales. Les danseurs de l’œuvre portent des costumes Smith fabriqués en dessinant sur des parasols et de grands vêtements en soie. La KAIROS Dance Company, qui avait également une idée similaire à celle de Smith, a suivi la spontanéité de sa perspicacité et a contribué à la création de ce travail collaboratif fascinant et dynamique en ajoutant certains des mouvements extraits de leur travail existant «Her». Les technologies d’édition professionnelle et la composition de Gary Pennock ont ​​ajouté la perfection à la manifestation des idées de Smith dans ce travail.

SOHN Junghee
Enceinte
Sohn Junghee se concentre sur la réalisation des rêves cachés profondément en elle grâce à l’utilisation de l’argile. Comme Pablo Picasso l’a dit un jour: «Tout ce que vous pouvez imaginer est réel», le monde imaginaire qu’elle exprime devient réel dès qu’elle fabrique et cuit de l’argile à la main. Le thème des œuvres de Sohn Junghee vient de sa vie quotidienne. Lire des contes de fées comme le Blanche-Neige aux petits enfants, dénaturer et satiriser les fins heureuses sont devenus le concept de ses œuvres et, au fil du temps, elle a cherché diverses sources pour ses œuvres de tous les âges et de tous les pays. Ces histoires ont été transformées par l’interruption de l’imagination de l’artiste, et elles fonctionnent comme une allégorie de la distorsion ou de la satire et de la critique des phénomènes sociaux. Les sentiments communs qui se trouvent dans toutes les œuvres de Sohn Junghee sont la sympathie, l’humour, le désir (ressentiment) et la montée en flèche. Un profond amour et une profonde affection pour les humains sont véhiculés dans ses œuvres.

SONG Kicheol
Existant déjà pacifiquement ici comme toujours.
En regardant les cadavres d’enfants emportés sur le rivage, je sens dans mes os que nous vivons dans un monde libre mais pas entièrement libre. Ceux qui peuvent franchir librement les barrières territoriales sont des êtres non vivants. De telles barrières existent comme des fantômes invisibles entre les territoires, le territoire et la vie, et les vies. Ils nous séparent sans fin et nous empêchent d’affronter les véritables hostilités. Cette séparation n’est pas la même chose que l’apartheid, la ségrégation raciale notoire de la République d’Afrique du Sud dans le passé. (2016) visualise les principes fondamentaux des barres de fer installées sur les murs qui ont permis la séparation avec des voisins inconnus et la protection des droits de propriété privée. Ce faisant, il permet la confrontation avec l’apartheid fantomatique. Une vidéo d’un homme s’échappant d’une catastrophe par une fenêtre et un arbre suspendu en l’air avec ses racines brûlées, une photographie qui révèle le poids caché des échelles d’une balance permet la coexistence d’hostilités et crée des œuvres d’organisation d’une nouvelle la vie dans la situation actuelle où les résidus d’une telle coexistence sont maintenus.

Studio CONTEXT
Cocoon 2
Le Studio CONTEXT a débuté à l’École d’architecture d’Aarhus au Danemark et présente les résultats d’une combinaison de dévouement et de technologies mis en œuvre par des étudiants, des architectes et des citoyens de divers pays du monde. Le Studio CONTEXT étudie l’architecture et l’habitat durables qui reflètent les phénomènes géographiques, historiques, anthropologiques et sociaux. Il explore également des conceptions dans lesquelles divers éléments culturels sont mélangés. À la Biennale de Busan 2016, Studio CONTEXT présente le projet (2015), une œuvre réalisée avec un matériau tout à fait unique, les bambous. Les bambous ont non seulement été utilisés pour fabriquer des matériaux d’intérieur et des articles ménagers pendant des siècles dans les pays asiatiques, mais sont également des matériaux de construction écologiques utiles dans le domaine de l’architecture et du design. À la suite du premier projet expérimental fait de bambous et de pierres, (2015) a dégagé le concept de collaboration pan-culturelle à travers son approche pédagogique et ses expériences sur la fonction, le matériau et la construction. Tous les travaux ont été soigneusement étudiés pour convenir aux matériaux et au climat des régions concernées, et leur caractère expérimental a été maintenu tout en étant façonné grâce à une étroite collaboration avec les résidents locaux. Le projet Cocoon est toujours un projet en cours qui explore l’espace, l’architecture, les matériaux et le monde des bambous.

TAMURA Satoru
Point de contact # 2
« Point of Contact # 2 », simplement, est un interrupteur ouvert et exagéré. Il s’agit d’un appareil conçu uniquement pour fournir la puissance de l’électricité pour allumer la lampe. Le point de contact crée une étincelle pâle, les lampes à incandescence en même temps qu’il clignotent, et cela devient la preuve physique qu’il y a un « contact » électrique. Les lampes à incandescence ne fonctionnent que pour le contact qui produit des étincelles et le contact qui produit des étincelles sert uniquement à allumer les lampes à incandescence. Le but du travail est cette existence physique extrêmement immédiate, qui fait tout le tour. Tamura Satoru nous montre comment faire face à la réalité de manière consciente ou peut-être inconsciente.
Tout dans la société dans laquelle nous vivons n’existe pas pour devenir quelque chose. Il n’y a que nous, les humains, qui nous efforçons de trouver la raison de tout et de les implorer. Les humains vivant dans une société capitaliste détruisent aveuglément la nature au nom du développement et de la croissance, se taisent mutuellement et créent des conflits basés sur une foi aveugle qui ne reconnaît pas les différences de race, de religion et de société. Ce sont toutes des variations des désirs humains. L’artiste n’établit pas d’objectif et n’essaie pas de discuter quelque chose lors de la réalisation d’une œuvre d’art. Néanmoins, son travail nous permet de réinitialiser les lentilles à travers lesquelles nous voyons la réalité et la société ainsi que de réfléchir sur les modes de vie qui existent au-delà de la souffrance du monde.

Nobuko TSUCHIYA
Le début du temps
Nobuko Tsuchiya stimule les émotions des gens, s’efforce de créer quelque chose qui peut éveiller la conscience sur le monde d’un individu et essaie de reconnaître clairement la relation entre les souvenirs et les imaginations. Ses œuvres sont des accumulations de décisions prises en utilisant une variété de pensées et de choses linguistiques, musicales, logiques, fonctionnelles, sensuelles et empiriques ou même quelque chose qui ne peut pas être défini. À travers cette œuvre, l’artiste tente de comprimer au maximum les composantes de ses œuvres afin qu’elles atteignent un certain point entre équilibre et déséquilibre.

Yangachi
Old Spice, version Lang
Rivière Han.
Je grimpe une maison large et immense. Là, un loup gris avec un visage d’homme avance et mange les gens les uns après les autres. Ça suce leur sang.
Le toit devient visible lorsque je grimpe dans l’immense maison, et devant je vois un énorme navire en bois. Alors que je regarde, le navire commence à trembler d’avant en arrière comme un bateau pirate dans un parc d’attractions. Shuuuk, shuuuk.
Avant de le savoir, je suis assis à l’extrémité droite du navire en regardant vers le bas. Je descends de l’immense maison et commence à marcher le long de la rue.
Ensuite, je me lève.

YU Sunghoon
l’exposition de l’espace
Yu Sunghoon envisage d’utiliser un espace construit comme entrepôt à Busan pour le principal hall d’exposition de la Biennale de Busan 2016 tout à fait significatif dans l’histoire géologique de Busan car il a été transformé en un espace urbain aujourd’hui en raison de son arrière-plan historique spécial. Depuis 5 mois, le processus de changement à un certain endroit avait été enregistré pour (2016), il pense que cela suscitera beaucoup d’intérêt dans cette région et les affaires humaines. À travers son autre œuvre (2016), il entend faire l’association entre les souvenirs de sa ville natale et l’espace d’exposition.

YUN Pilnam
Fantaisie à la main
Quand une petite empreinte digitale rencontre un smartphone, tout se déroule sous les yeux. Ce sont des mondes visibles à travers les yeux et visibles dans l’esprit. Toutes sortes de mots et de textes flottants emprisonnés dans un petit cadre ont un pouvoir universel, mais ils sont facilement imprégnés, corrompus et s’estompent. Tout comme la poussière jaune recouvre le monde de poussière, le monde est plein de textes et d’images. Pendant que nous prêtons attention à la lumière, au son, au goût et au toucher de l’extérieur, notre vie quotidienne est brisée en morceaux et clignote comme une lampe cassée. À un certain point, le travail manuel qui nécessite des mouvements du corps ainsi que du temps et des efforts perd sa précieuse valeur. Le travail est aujourd’hui quelque chose qui est devenu très épuisant, retardé dans l’interférence d’un terminal, et qui est finalement laissé inachevé. Le corps devient un poids lourd dans l’éveil de l’esprit, et l’esprit devient un bruit dans l’inertie du corps. Néanmoins, l’artiste soutient que le pouvoir qui bouge et restaure le monde vient du travail manuel. Yun Pilnam aspire à déclarer que nous devons rechercher le flux de la vie quotidienne qui ne se fonde pas sur le travail manuel qui ne cesse de bouger.

Katarina ZDJELAR
Tout va être
La vidéo de Katarina Zdjelar (2008) fait allusion à la chanson des Beatles «Revolution», que l’artiste transfère aux îles Lofoten en Norvège, où elle est chantée par une chorale amateur. Leur façon de berceuse de chanter le refrain oblige la chanson à prendre un ton inquiétant et non critique. L’œuvre révèle à la fois la distance critique au bouleversement dans les paroles, que John Lennon a écrit en 1968, et la distance idéologique entre le sens de la chanson et les personnes d’âge moyen qui apparaissent dans l’œuvre. L’intérêt de Zdjelar pour cette œuvre réside également dans le processus de manifestation physique des incertitudes, dans les tentatives de perfectionner sa performance ainsi que dans la production d’un collectif à partir de voix singulières. En se concentrant en grande partie sur la présence intime des individus, le travail est chargé d’un sens ambigu de l’hésitation – une réserve qui peut suggérer l’incapacité de se laisser aller et de s’exprimer, ou le refus d’être individuel dans toute son imperfection ou de se fondre dans la voix et le sentiment communs. Les chanteurs-conférenciers donnent un sentiment de distance et de froideur envers la chanson qu’ils chantent, et même s’ils la jouent, ce qu’ils apportent semble plus inquiétant qu’espérant.

ZENG Hao
20 juin 2002
Zeng Hao capture l’état d’esprit, l’impression personnelle et les changements d’ambiance d’un individu qu’il a ressentis dans la toile. Des objets courants tels que le lit, le placard, une marmite et des images de personnages timides se trouvent dans ses peintures. En particulier, <04h06 du mois de mai. 9th, 1998> (1998) est l’une des séries de ses œuvres majeures, et il permet aux téléspectateurs d’imaginer des histoires derrière l’œuvre à travers l’arrangement de divers accessoires tels que des personnages, la famille et l’électricité dans une combinaison apparemment hors de propos. Les images de familles ou d’espaces dessinées par Zeng Hao évoquent le sentiment d’isolement ambigu difficile à deviner, et bien qu’elles semblent parfaites, elles évoquent le sentiment de morosité lorsqu’elles sont dessinées en perspective. Il semble que l’artiste utilise son travail comme métaphore de la nature vulnérable des relations et des réalités délimitées de la société moderne d’aujourd’hui.

ZHOU Wendou
TDAH
Zhou Wendou utilise un style conceptuel de création et un langage artistique humoristique pour exprimer une perspective quelque peu différente des autres œuvres chinoises contemporaines. (2015) est un ouvrage d’installation circulaire de plus de 2 mètres de diamètre. L’encre jaillit constamment par le haut et plus de 20 «essuie-glaces» installés sur la surface effectuent des mouvements répétés pour retirer l’encre jaillissante. À travers de tels mouvements mécaniques, l’artiste fait allusion aux caractéristiques non contrôlées automatiquement des gens modernes que nous pouvons facilement trouver dans notre vie quotidienne, des mouvements et des habitudes excessivement répétitifs. De plus, l’œuvre est une expression figurative de l’ère d’Internet dans laquelle les données sont produites à l’infini et de manière mécanique, et l’état de devenir progressivement terne en raison du trouble du déficit de l’attention.

Biennale de Busan 2016
La Biennale de Busan est un festival d’art complet qui a intégré trois festivals différents qui avaient eu lieu dans la ville: la Biennale de la jeunesse de Busan, le Festival de la mer de Busan et le Symposium de sculpture en plein air de Busan.

Avec une longue histoire de servir de bastion de l’art en Asie, Busan est un endroit parfait pour accueillir un festival d’art pour la région et au-delà. L’événement artistique biennal a été conçu pour présenter une interprétation facile de l’art contemporain difficile à comprendre et le rendre plus accessible au grand public.

Le festival sert d’arène où les habitants peuvent se mêler à des gens d’autres pays et communiquer entre eux.

La Biennale de Busan deviendra un événement culturel représentatif pour la Corée et, à terme, obtiendra une reconnaissance mondiale.