Designkonzept zum Thema der Busan Biennale 2016; Die Hybridisierung der Erde, Discussing Multitude, wird aus dem „Jahresring“ abgeleitet, der am Stamm oder an der Wurzel von Bäumen gefunden wird. Der Jahresring hat je nach Wachstumsrate unterschiedliche Formen, hat aber letztendlich eine gemeinsame Linie wie die kulturelle Entwicklung. Verschiedene Kulturen werden unter verschiedenen geografischen, historischen und politischen Umständen entwickelt, wachsen aber gleichzeitig mit dem Anblick der „Menschheit“ durch die E.I.

Die Erde hybridisieren, die Menge diskutieren
Die digitale Technologie, die Zeit und Raum überschreitet und die Vernetzung ermöglicht, hat die Erde zu einer einzigen Gemeinschaft zusammengeschlossen und die Welt in einen einzigen Markt integriert. Innerhalb einer auf unseren Smartphones installierten App überschreiten 10 Milliarden Menschen auf der ganzen Welt ihre religiösen, ethnischen und nationalen Grenzen und sind miteinander vernetzt. Die Menschheit lebt derzeit in einer „Generation der Menge“, die keine andere Generation jemals erlebt hat.

Die Biennale, an der Künstler und Wissenschaftler verschiedener Religionen, Ethnien und Nationalitäten teilnehmen, um die Fragen der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft der Menschheit zu erörtern, wäre die am besten geeignete Ausstellungsform für diese Generation von Menschenmengen. Im Gegensatz zu Literatur, Film und anderen kulturellen Bereichen ist dies eine einzigartige Bühne, die nur über das Kunstgenre und die Biennale-Plattform angeboten werden kann. Das Thema der Busan Biennale „Hybridisierung der Erde, Diskussion der Menge“ ist gut auf dieses Konzept abgestimmt. Die „wohlhabende, aber verarmte“ Welt, die aus der Hybridisierung von Tradition und Moderne resultiert; Mensch und Natur; Ost und West; analog und digital; Kapital und Technologie; ist was eine hybridisierende Erde ist. Es ist ein Ort, der niemals auf Kapital und Technologie reduziert werden darf, und ein Ort, an dem die Menschheit, die sich der Realität stellt, ihren Widerstand und ihre Flucht beginnt.

„Die Erde hybridisieren, die Menge diskutieren“ ist ein Ort, an dem Möglichkeiten diskutiert werden. Es ist ein unbequemer und beunruhigender Ort, der über Ineffizienzen des Marktes und menschliche Irrationalität sowie über die Anfälligkeit der Kunst für den Markt und sein System nachdenkt. Wie Walter Benjamins Melancholie ist vielleicht ein Dokument der Zivilisation gleichzeitig ein Dokument der Barbarei. Ich hoffe, dass diese Busan Biennale dieselbe sein wird.

Höhepunkte

Lida ABDUL
Im Transit
Lida Abdul ist berühmt für ihre Arbeiten in Bezug auf Afghanistan, ihr Herkunftsland. Die Landschaft, die sie in dem Land faszinierte, in dem 35 Jahre Krieg herrschten, war eine Spur von Ruinen. Ihre Arbeit (2008) spielt am Stadtrand von Kabul, wo die Landschaft aufgrund von 20 langen Kriegsjahren völlig in Trümmern liegt. Mehr als 70 Kinder zwischen 5 und 9 Jahren werden in die Arbeit einbezogen. Die Kinder versuchen, alle Einschusslöcher im Rumpf eines abgestürzten Bomberflugzeugs zu füllen und daran zu ziehen, damit es wie ein Drachen fliegt, um die Gräueltaten des Krieges in Hoffnungen und eine neue Zukunft zu verwandeln. Trotz der tragischen und gewalttätigen Situation, in der sie sich befinden, versuchen die Kinder, die Tragödie, in der sie sich befinden, durch ihre Unschuld zu neutralisieren. Eine weitere Arbeit (2013) besteht aus einer Fotokamera, 300 Passfotos und Ton (eine Stimme, die einen ergreifenden Text schön, aber schmerzhaft liefert). Die Anwesenheit der Stimme oder ihre Abwesenheit lässt ihre Arbeit heller leuchten.

Rina BANERJEE
Ethnisch und Rasse geflochten lange Haare und gewickelt und verschlungen. Oh, wie es machte und machte, aß, aß im Schatten, schlummerte und beschmutzte ihr Spiegelbild, um zu sehen, wie diese gefälschten Nationen mir kleine süße Kuchen machten.
Die Arbeit von Rina Banerjee zeigt verstreute Menschen, Körper, die Land, Meer und Luft bevölkern und bestäuben. Der Künstler beschäftigt sich hauptsächlich mit Kunsthandwerk wie Binden, Verdrahten, Nähen und Anbringen. Sie taucht in Verbindungsteile oder Materialien ein, die fragmentiert und nicht kompatibel geworden sind, weil sie nicht wirklich miteinander gesprochen haben. Sie wagt sich weiter in die ästhetische Erforschung, um neue und vielfältige Schönheit wiederzuentdecken, indem sie impulsiv ausgewählte Dinge verbindet, die sie zuvor gesammelt hat.

Aya BEN RON
Rettung
Aya Ben Ron erweitert das unbewusste Gedächtnis eines kranken Körpers, die Wahrnehmung von Tod und Moral und Schmerz in einem sozio-historischen Kontext so weit wie möglich. Alle ihre Arbeiten basieren auf den Erfahrungen, die Ben Ron im Laufe der Jahre gesammelt hat, indem er medizinische Handbücher und Skizzen, Krankheiten und medizinische Behandlung gründlich studiert hat. Ben Ron überschreitet die kategorialen Grenzen der beiden Disziplinen. Trotz des offensichtlichen Vorhandenseins von Tod und Schmerz in ihrer Arbeit kann keine sentimentale Intervention oder keine Verherrlichung von Tod und Krankheit gefunden werden. Aya Ben Ron hält emotionale Distanz und verwendet einen grimmigen Sinn für Humor, um medizinische Verfahren in einem sozio-historischen Kontext so weit wie möglich zu erforschen.

CHO Hyeongseob
Moderner Laden
Renaissance, alle Schöpfung, Modernisierung waren Lieblingswörter, die in den 70er und 80er Jahren in Korea öffentlich und als politische Parolen verwendet wurden. Diese Worte, die einst von der ganzen Nation geliebt wurden, sind heute ein seltener Anblick, den man nur auf Schildern auf dem Land finden kann. Von „Renaissance Store“, der nicht wiederbelebt zu werden scheint, „All Creation Store“, der nicht groß genug zu sein scheint, um alle Arten von Kreationen anzubieten, bis zu „Modernization Store“, der überhaupt nicht modern erscheint , Schlüsselwörter des Wunsches der Zeit konnten wahrgenommen werden. Das intensive Verlangen nach Überfluss in einer Zeit, die von Armut, Niedergang und Abwesenheit begleitet wird, verbindet sich mit der Gegenwart wie ein Schatten von Ironie und Irrationalität. Cho Hyeongseob geht auf die Werte und Ideale ein, die wir in den Teilen unserer Erinnerung oder an ihren Grenzen verloren haben.

CHOI Kichang
Mögest du lange rennen
(2016) beginnt mit dem Bohren von 304 Löchern in die Oberfläche alter Mauern, die in der KISWIRE Suyeong-Fabrik verblieben sind. Diese Löcher verbinden alte Räume, die nicht mehr genutzt wurden, und Räume, die neu gebildet wurden, um ihre Rolle als Lichtbrücke zu erfüllen, die den Austausch zwischen der stumpfen Funktion der Vergangenheit und der Zukunft ermöglicht, der voller neuer Erwartungen ist. Diese Löcher sind gefüllt mit „einigen verschwundenen Objekten oder Teilen davon, die geborgen wurden“ oder „nicht entsorgt und konserviert, aber jetzt ist die Bedeutung des Konservierens verblasst“.

CHOI Sungrok
Operation Mole-Endgame
Der Künstler Choi Sungrok setzt sich dafür ein, zeitgenössische soziale, kulturelle, historische Landschaften und Ereignisse mithilfe digitaler Technologien und neuer Medien in ein Epos zu verwandeln. Seine Arbeit (2016) ist eine hochauflösende 2D-Animation. Die Animation, die mit dem Motiv von unterirdischen Tunneln erstellt wurde, die Nordkorea in den 70er Jahren für den Einmarsch in den Süden geschaffen hat, bildet ein einziges persönliches und dennoch soziales Panorama, das auf vielfältige und komplexe Weise mit zeitgenössischen Ereignissen verbunden ist. Diese Arbeit fasst Szenen und Erinnerungen an Barbarei und Korruption in unserer Zivilisation in einem einzigen Rahmen zusammen und kombiniert sie. Szenen, die Zeit und Raum überschreiten, um sich zu verbinden, zu erschaffen, zu zerstören und wieder von vorne zu beginnen, werden taktvoll kombiniert und über die Zeitachse und in Form eines Spiels rekonstruiert.

Keren Cytter
Rosengarten
(2014) ist eine tragische Geschichte, die in einer texanischen Bar spielt. Man kann sagen, dass diese Arbeit eine Pastiche von Luis Buñuels surrealistischem Film (1930) ist. Der Name der Bar muss aus dem Slogan „Wir versprechen Ihnen keinen Rosengarten“ stammen, der auf einem Rekrutierungsplakat des Marine Corps steht. Der Slogan, dessen Verwendung vom Marine Corps so ignorant geändert wurde, stammt ursprünglich aus dem Buch „Ich habe dir keinen Rosengarten versprochen“, in dem es um eine schizophrene Frau geht, die ihre eigene Welt in einer ausgeklügelten Fantasie erschaffen hat. Man kann diese Arbeit als einen Film betrachten, dessen Hauptthema der Kontrast zwischen seiner dramatischen Handlung und seiner unbeschwerten Komposition ist. Eine Reihe von Geschichten existieren unabhängig voneinander, doch alle diese unabhängigen Szenen überschneiden sich. Genau wie die Szenen in Buñuels Film wird die Handlung ohne ausreichende Erklärung abgespielt. Gespräche darin sind unlogisch, als ob sie von einem Kind geschrieben worden wären, und manchmal stimmen Sprachspuren nicht mit den Mundbewegungen der Schauspieler überein. Die Soundtracks verändern die Stimmung, aber keiner von ihnen stimmt mit den Szenen überein. Der Film scheint eine alternative Realität zu sein.

Kiri DALENA
Nach Mebuyan
Kiri Dalena, die sich mit den gesellschaftspolitischen Fragen der Philippinen befasst, ist Künstlerin und soziale Aktivistin. Der Titel ihrer Arbeit (2016) ist eine Göttin der Unterwelt in der philippinischen Mythologie, die Leben und Tod mit Reis kontrolliert. Mebuyan, eine Figur mit mehreren Brüsten, sitzt auf einem Tisch, um mit ihren Händen voller Reiskörner, dem Symbol des Lebens, Reis zu hämmern und zu mahlen. Die verstreuten Körner, nachdem sie aus ihren Händen gefallen sind, sind eine „Proklamation des Todes der Menge und der Öffentlichkeit“. In einem anderen Mindanaon-Stamm, den Manobos, führen sie nach einer Beerdigung, an der alle teilnehmen, Riten und Rituale durch, bei denen eine menschliche Figur aus gekochtem Reis geformt wird.
Im Jahr 2016 waren die Landwirte der Provinz Cotavato im Norden der Philippinen aufgrund von El Nino mit extremen Zugluft konfrontiert. Mehr als 6.000 Bauern bildeten eine menschliche Barrikade über die Autobahn, um um Reishilfe zu bitten. Die Regierung der Philippinen sandte bewaffnete Polizisten, um sie durch Zwang mit Wasserwerfern und Bajonetten aufzulösen. Bei der gewaltsamen Zerstreuung wurde ein Bauer getötet und zahlreiche verletzt.
Die Zahl 635 in (2016) ist die Zahl der Pächter und menschlichen Aktivisten, die in den letzten 15 Jahren von der Regierungsbehörde der Philippinen getötet wurden. Der Künstler lieh sich ein Ritual in der philippinischen Mythologie aus und stellte 635 Reiskörner mit 14 Karat Gold her, um den zu Unrecht Getöteten zu huldigen.

Folkert DE JONG
Business As Usual: „Der Turm“
Folkert de Jong ist am bekanntesten für seine ausdrucksstarken Skulpturen und Installationen, die sich aus einer starken Faszination für den psychischen und den körperlichen Zustand des Menschen ergeben. De Jong interessiert sich für die Überprüfung kultureller Symbole und historischer Figuren sowie für das Potenzial der Skulptur, bestehende Erzählungen zu transformieren. De Jongs charakteristischer Stil wird insbesondere durch seine eigenwillige Verwendung von Isolationsmaterialien wie bonbonfarbenem Polyurethan und Styropor geprägt – eine Wahl, die nicht nur eine antihierarchische Geste war. Diese Materialien sind Schadstoffe und ihre Auswirkungen auf die Umwelt sind radikal schädlich. Die Arbeiten, die auf der Busan Biennale 2016 gezeigt werden, basieren auf der Idee von Charles Darwins The Descent of Man (veröffentlicht 1870) und The Myth of Sisyphus von Albert Camus. Die bemerkenswerte (2008) ruft Konflikte in ihrer grafischen Darstellung von verkohlten und zerstückelten Körpern hervor – sitzend, stehend, kniend, kopfüber hängend und horizontal über den Raum gespannt, wie die lebenden Toten. Der im Kreis der Affen vorgeschlagene symbolische Zyklus In der Installation (2008) wird nicht die Entwicklung vom Affen zum Menschen dargestellt, sondern lediglich die Bewegung. Das rosa Gerüst in (2008) könnte ein Fragment aus einer Kette historischer Ereignisse sein, und der Affenturm ein absurder Versuch der Moral: „Sprich nichts Böses, höre nichts Böses, sieh nichts Böses.“ Das einzige Stück das sich von der Vorstellung abhebt, dass die Menschheit von ihrer eigenen Originalität und Einzigartigkeit getäuscht wird, ist das Werk (2008). Die beiden weißen Affen, die sich aus ihrer symbolischen Bedeutung in der Tierkreisastrologie entlehnen, repräsentieren die Unterschätzung der Natur durch den Menschen. Die Affen spiegeln unsere eigene Absurdität darin wider, wie wir programmiert sind zu glauben, dass wir den natürlichen Zyklen des Planeten Erde entkommen und sie kontrollieren können, wenn wir stattdessen lernen sollten, ein Teil davon zu sein und die Tatsache zu akzeptieren, dass wir zerbrechliche und sterbliche Wesen sind.

FANG Lijun
2014-2015
Fang Lijun ist einer der einflussreichsten Künstler der zeitgenössischen chinesischen Kunst. Die „kahle“ Figur in seinen Gemälden ist zum klassischsten Symbol der zeitgenössischen chinesischen Kunst geworden, und sein Arbeitsstil wurde als unter die Kategorie des zynischen Realismus fallend definiert. Der zynische Realismus war zu dieser Zeit ein Widerstand gegen die Kultur. Daher dominierten Ausdrücke, die sich von schweren und ernsten Themen lösen wollten, sowie steile Bildschirme. <2014-2015> (2015) ist ein 8 Meter breites Gemälde und eines der jüngsten Hauptwerke von Fang Lijun. Die zahlreichen großen Babys auf dem Bild haben dem Publikum den Rücken zugewandt und stehen der riesigen Sonne gegenüber. Das starke Licht, das die Sonne abgibt, scheint eine massive Energie zu sein, die von einem Atomkern abgegeben wird. Babys auf dem Gemälde starren schweigend auf die Szene. Diese intensive und dennoch ruhige Ironie ist der spannendste Teil in Fang Lijuns jüngsten Werken. In den letzten Jahren zeigen seine Arbeiten einen Trend, dass der Bildschirm immer größer wird. Während sich seine früheren Arbeiten hauptsächlich mit kahlen Figuren befassten, werden in seinen jüngsten Arbeiten immer mehr Babyfiguren gezeigt. Dies könnte eng damit zusammenhängen, dass er 2005 eine Tochter bekam. Die Geburt seiner Tochter muss eine bedeutende Veränderung für Fang Lijun gewesen sein, in der sich sein Leben in das eines Vaters verwandelte und das unbewusst in sein persönliches Leben überging und sein Leben unwissentlich beeinflusste Arbeitsstil.

Zoro FEIGL
Die Gezeiten entwirren
Zoro Feigls Werk besteht aus Bewegungen und verschiedenen Spuren, die solche Bewegungen hinterlassen. Seine Arbeit ist eine kraftvolle und dennoch elegante Installation, die durch die Kombination von kinetischer Energie, die an Seile abgegeben wird, und sich wiederholenden Mustern entsteht. In (2014), einer Kreation, die durch den Aufstieg und Fall des Meeres entstanden ist, bildet das Meer ein Ufer, und das Ufer trägt dann wiederum zur Bildung des Meeres bei. Zwei dicke Seile, die im Raum ausgebreitet sind, hören nicht auf zu stoppen, wie das Meer das Wasser ans Ufer drückt. Als ob sie die Flut imitieren, die ein- und ausgeht, kommen die Seile in Kontakt, bewegen sich quer und lösen sich dann wieder. In (2015) laufen schwarze Reifen entlang eines Stahlrohrs hin und her und drehen und drehen sich von einem Ende zum nächsten wie ein Spiel, das Kinder spielen. Manchmal prallen die Reifen beim Drehen und Drehen heftig ab und tanzen dann plötzlich anmutig in perfekter Harmonie. Die kleineren Reifen passieren leicht die größeren Reifen, stören unablässig die Bewegungen des anderen, stoßen aneinander und erzeugen eine rhythmische Choreografie. (2012), in dem sich eine gigantische Plane in einem eleganten Tanz aus Wellen und Locken ausbreitet, ähnelt irgendwie zerbrechlichen und zarten Mohnblumen. In diesem hypnotisierenden Tanz wirkt jedoch eine bezaubernde Kraft. Es zeigt sich ein aggressiver Kampf zwischen Schwerkraft, Reibung und Zentrifugalkraft.

Ibelisse GUARDIA FERRAGUTTI
Selvage
„Es gibt keinen Ton ohne Bewegung, kein Bild ohne Ton. Diese drei Elemente sind notwendige Komplizen, die hoffnungslos miteinander verflochten sind. Ibelisses Performance (2016) wurde durch die Inspiration entwickelt, die sie erhielt, als sie drei Monate lang Wushu, Kung Fu und Peitsche von taoistischen (Wudang-Gebirge) und buddhistischen (Shaolin-Tempel) Mönchen in China lernte. Die Leistung, Peitschen gegen eine weiße Wand zu schwingen, ist für Ibelisse eine Arbeit der zyklischen Meditation. Die Bewegungen der Peitschen erzeugen Geräusche und hinterlassen schwarze Spuren an der weißen Wand. Die Aufführung dauert mindestens 3 Stunden und im Laufe der Zeit bleiben nach und nach Spuren an der Wand – eine Hommage an die Bewegungen, Töne und Bilder.

Probir GUPTA
Requiem
(2016) zeigt unmenschlichen Missbrauch, Kinder, Mädchen und Frauen als Sexsklaven zu behandeln und sie zu zwingen, wie Maschinen zu arbeiten. Probir Gupta ist heute eine Hommage an Sexsklaven durch diese Arbeit. Auf den Eisenplatten auf der Rückseite des Werkes sind Namen von Blumen in Erinnerung an entführte Frauen eingeschrieben. Diese visuell abnormale Arbeit liefert eine metaphorische Übersetzung menschlicher Gräueltaten. (2012) spiegelt die Diaspora der Juden in Indien wider. Es zeigt Hindus, Muslime und Christen, die friedlich zusammenleben und ein glückliches Leben in einer Dystopie unter islamischen Extremisten führen. Die Wächter, die jüdische Synagogen verwalten, sind Muslime der dritten Generation. In dem Film können Szenen beobachtet werden, in die Strukturen von Skeletten, Objekten und Rückmeldungen von Israelis integriert sind. Nachdem Ernest Hemingway als Nachschlagewerk geschrieben hatte, wurde das Werk von einer realen Lebenssituation der Juden und Muslime inspiriert, die friedlich und ohne Bedrohung auf der belebten Straße von Kalkutta zusammenleben.

Hong Wonseok
HONG Wonseok Chauffeur Service Projekt-JOYOUS EXPERIENCE, SOCAR
Hong Wonseoks (2016) ist eine Performance-Arbeit, die aus mehreren Projekten besteht. Es besteht aus Projekt 1, das sich mit der indigenen und autonomen Avantgarde Korea-China-Japan in den 70er und 80er Jahren befasst, und Projekt 2, das sich seit den 90er Jahren mit dem Busan Museum of Art und globalen Biennalen befasst. Die teilnehmenden Künstler, Kuratoren und Bürger bewegen sich mit dem Taxi zwischen den beiden Ausstellungshallen, einschließlich der KISWIRE Suyeong-Fabrik, und tauschen Fragen und Antworten zu Fragen im Zusammenhang mit Korea und der Welt, Leben und Kultur, kommerziellem Potenzial und Ländern aus. Der Künstler hofft, dass seine Arbeit als unangenehmer und schmerzhafter Ort dient, an dem die Ineffizienz des Marktes, die Irrationalität des Menschen, grundlegende Schwachstellen der Kunst, die Märkten und Institutionen unterworfen sind, usw. reflektiert werden können. Hong Wonseoks (2016) ist ein Mikrokosmos des Themas dieser Biennale „Hybridizing Earth Discussing Multitude“.

HU Jieming
Synchronität
Hu Jiemings (2016) ist eine Videoarbeit, die die Methode der Aufnahme von großformatiger Fotografie entlehnt. Es ist eine Arbeit, die eine große Gruppe von Menschen filmt, die über Raum und Zeit hinaus reisen. Die Identität der Menschen auf den großformatigen Fotografien entfaltet sich in gemischten Räumen und Zeiten. Eine Vielzahl von Szenen, die sich ändern, enthalten alle Arten von Erzählungen. Die Themen des Films wurden Fotografien der fernen Vergangenheit entnommen. Angefangen von den Freunden des Künstlers bis hin zu historischen Figuren aus einer anderen Zeit ist die Bandbreite der Personen auf den Fotografien sehr groß. Mit Spezialeffekten schreibt Hu Jieming neue Geschichten, indem er den Gesichtern jeder der Figuren auf dem Foto Bewegungen verleiht. Menschen auf den Fotografien, die aus verschiedenen Räumen und Zeiten stammen, haben unterschiedliche physikalische Eigenschaften. Indem der Künstler sie über einen einzigen Raum und eine einzige Zeit zusammenstellt, versucht er, die Identität einer gemischten Rasse und jede der verschiedenen Lebensreisen auszudrücken.

Saleh HUSEIN
Und alles um uns herum ist wunderschön
Saleh Huseins (2016) ist eine fiktive Arbeit, die auf „Tjahaja PASI“ (Das Licht von PASI) basiert, einer Hymne an Hoffnungen und Träume des indonesischen islamischen Sozialismus. Während des Aufstands im Jahr 1966 verbot die indonesische Regierung alles, was mit Kommunismus oder Sozialismus zu tun hatte, unter dem Namen Schutz der Gesellschaft. Sogar Lieder, Kompositionen und Hymnen waren in den verbotenen Dingen enthalten. Die Arbeit des Künstlers untersucht, wie eine politische Partei Lieder als Werkzeuge verwenden kann, um politische Aussagen, einheitliche Mechanismen oder Menschen zu kontrollieren oder zu initiieren. Zu diesem Zweck grübelt der Künstler über die Globalisierung der Araber unter Verwendung westlicher Kulturen (Blechbläser eines Orchesters und Chores) nach. Die Arbeit spielt „Layartancep“ (Filmvorführung im Freien) nach, eine Art von Vorführung, die vor langer Zeit in Indonesien häufig als Propaganda-Instrument in der Politik eingesetzt wurde.

Erdal INCI
Taksim Spirale
Der Multimedia-Künstler ErdalInci experimentiert in seiner Videoarbeit mit geklonten Bewegungen. Der Künstler erstellt hypnotische Video- oder GIF-Dateien von sich selbst, die sich zeitweise mit Lichtern oder anderen Objekten durch öffentliche Räume bewegen. Inci scheint nicht mehr als ein Schatten zu sein oder verschwindet je nach Lichteinwirkung vollständig, wodurch ein noch mysteriöseres und verträumteres Video entsteht. Inci konzentrierte sich auf die Tatsache, dass sich das Video ständig bewegt, wenn er die aufgezeichnete Performance weiter klont. Alle Zeitphasen derselben Bewegungen können in kurzen Momenten wie 1 oder 2 Sekunden gesehen werden. Inci dachte, dies könnte dem Betrachter die Möglichkeit geben, wie ein Choreograf zu denken, der eine große Gruppe von Menschen leitet, oder wie ein Maler, der einen Rahmen nicht mit Formen oder Farben, sondern mit Bewegungen füllen kann. ErdalInci ließ sich von den Mustern inspirieren, die in traditionellem Kunsthandwerk, Tanz und Wiederholung verwendet wurden. Seine Arbeit kann als Zusammenfassung von Bewegung, Leistung und tatsächlichen Umgebungen beschrieben werden.

JANG Jaerok
Eine andere Landschaft
Jang Jaerok war fasziniert von gigantischen künstlichen Strukturen und empfindlichen mechanischen Geräten. Daher werden seine orientalischen Gemälde wie ein Grundriss mit Markierungen auf einem Lineal gezeichnet, als ob alle Entfernungen mechanisch gemessen würden. Sie sind weit entfernt von fröhlichen oder lebendigen Gemälden, die mit einem Pinselstrich weggestrichen werden. Die Welt, in der wir leben, ist voller Maschinen und künstlicher Strukturen. Der Künstler malt nicht nur das glatte äußere Erscheinungsbild einer Maschine. Die Maschinen oder Strukturen in seiner Arbeit wirken wie eine bizarre und erschreckende anatomische Karte.

JIA Aili
Einsiedler vom Planeten Ⅱ
Die nordöstliche Region Chinas ist das Herz der chinesischen Schwerindustrie sowie ein Ort, an dem zahlreiche historische Ereignisse in der modernen Geschichte Chinas stattfanden. Der Nordosten und die nördliche Region haben früher zu Chinas schnellem Wirtschaftswachstum geführt, aber sie haben seit den 80er bis 90er Jahren einen wirtschaftlichen Niedergang erlitten. Infolgedessen ging die Mehrheit der Schwerindustriefabriken bankrott oder wurde geschlossen, so dass Hunderte und Tausende von Fabrikarbeitern ihren Job wechselten oder kündigten. In einem Augenblick verwandelt sich der absolute Egalitarismus in der Planwirtschaft der Vergangenheit in eine leistungsorientierte Marktwirtschaft. Das Unglück und die Trostlosigkeit einschließlich der Fabrikarbeiter, die die Gesellschaft erlebte, wurden zu Narben und Schmerzen der Zeit. Der hervorstechendste Teil in der Arbeit von Jia Aili, der diese bestimmte Zeitspanne gründlich beobachtete, ist die Szene „in Trümmern“. Um das Gefühl zu vermitteln, dass die Dinge „in Trümmern“ liegen, malt Jia Aili Maschinen und Menschen, die in seiner Arbeit trübe und verschwommen sind. Dies ermöglicht es dem Betrachter, sich die chaotische Umgebung und die Einsamkeit eines Individuums vorzustellen und zu fühlen. Das Leben der Menschen, das sich in seinen Gemälden manifestiert, vermittelt ein Gefühl der Hilflosigkeit der Zeit, und die Menschen bleiben nur als schwache und müde Wesen auf dem riesigen Bildschirm zurück. Seine Arbeiten lassen uns über unsere Vergangenheit nachdenken und von einer traurigen Zukunft sprechen, in der wir gezwungen sind, uns mit der Realität auseinanderzusetzen. Trotz der Tatsache, dass die Bühne von Jia Ailis neuem Werk (2016) vor dem Hintergrund einer endlos breiten und gemütlichen Leinwand steht, ist das Gefühl, in Trümmern zu sein, in all seinen Werken immer noch präsent Überreste.

JIN Yangping
Ballon Hit NO.1
Der Künstler Jin Yangping genießt die Ernüchterung und den Ekel der Moderne und des Sozialismus und schafft offen „Gemälde der B-Klasse“. „Gemälde der B-Klasse“ beschreiben die Tendenz, die gängigen Werte und Formen offen zu verzerren und zu stürzen, um die universellen Schwächen des Geistes der Menschheit und die grundlegende Verwundbarkeit der zeitgenössischen menschlichen Existenz anzugreifen. Als ob der Dekonstruktivismus die Unterdrückung des Stalinismus anprangert und den Metadiskurs des Neoliberalismus dekonstruiert, greift der Künstler sowohl die Form als auch den Inhalt der chinesischen Kunst der Zeit an. Jin Yangping verspottet Kreativität und Originalität und verfolgt nicht die Fertigstellung von Arbeiten. Seine Arbeit wird diskontinuierlich, zufällig und fragmentiert ausgedrückt. Die Werke von Jin Yangping sind „anti-periodische Philosophie“, und so malt ein „Künstler der B-Klasse“.

Reena KALLAT
Leben mit Bindestrich
(2015-2016) ist eine Rekonfiguration fantastischer Mutationen in der Natur. Verschiedene Arten von Vögeln, Tieren, Bäumen und Blumen, die verschiedene Länder symbolisieren, werden hybridisiert, um Konflikte zwischen Ländern durch Bindestriche auf symbolische Weise zu verbinden. Reena Kallat hatte das Bedürfnis, die Auswirkungen einer Existenz oder eines Aussterbens von etwas auf andere Arten durch die Verwendung anderer Arten als des Menschen auszudrücken. Das Motiv der Reihe solcher Arbeiten stammte von elektrischen Kabeln. Ein elektrisches Kabel, das Gedanken und Informationen überträgt, bringt Menschen zusammen und bildet sorgfältig gewebte Verflechtungen, die Stacheldrähte wie Barrieren verwandeln. Die Erforschung einer solchen Unabhängigkeit und gegenseitigen Abhängigkeit wirft ein Licht auf die Beziehung zwischen dem konfliktreichen Selbst, den Nachbarn und vielleicht den Ländern. Es lässt uns auch über viele verschiedene Beziehungen und Grenzen nachdenken, die unsere komplexe Existenz ausmachen. Der Künstler setzt seine Arbeiten seit vielen Jahren unter demselben Kontext fort, und , das im Campbeltown Arts Centre in Sydney präsentiert wurde, war der Beginn einer solchen Reihe von Arbeiten. Der Schwerpunkt der Arbeit erstreckte sich von ihrem langjährigen Interesse an politisch gespaltenen, aber historisch nahen Ländern auf natürliche Ressourcen, die die Wurzel von Konflikten und Streitigkeiten zwischen geteilten Ländern wie Indien-Pakistan, Irland-England, Israel-Palästina und Südkorea sind -Nordkorea und die USA-Kuba.

KIM Hak-J
zwischen Verlangen und Universum
Kim Hak-J stellt die Frage: „Hat die Schwarmintelligenz der Welt wirklich Sympathie gewonnen und sich in die richtige Richtung bewegt?“ Die Menschheit hinterlässt in jeder Periode der Geschichte Spuren ihrer Verwundbarkeit, so dass es keine Übertreibung ist, die Geschichte der Menschheit zu beschreiben. Geschichte des Begehrens ‚. Die Formen der besten Werte, die die heutige Schwarmintelligenz repräsentiert, können als sich schnell entwickelnde Technologie und unsere daraus resultierende Präsenz im Weltraum definiert werden. Der Künstler versucht, die Intelligenz der Welt für die Erlangung solcher Werte und den dunklen Schatten des Verlangens, der sich hinter Konflikten verbirgt, zu festigen. Ein gefälschter Satellit ist wie ein Grab auf dem Boden und an der Wand installiert, und an den Flügeln des Satelliten angebrachte Fotografien enthalten ikonische Codes für „schizophrene Phänomene“ und „Begierden“, die auf dem freien Fluss des Geldkapitals des „Kapitalisten“ beruhen machine ‚, die einzige Gesellschaft, die auf dekodiertem Fluss basiert, wie von Gilles Deleuze und Felix Guattari vorgeschlagen. Bilder eines Roboters, der einen einsamen Spaziergang in einem weiten Raum macht, und eines Menschen werden auf die Oberfläche der Wand projiziert, um eine Atmosphäre zu schaffen, die insgesamt „impliziert“ ist. David Bowies „Space Oddity“, ein Pionier der Popmusik, bei dem es um die Kommunikation mit einem Außerirdischen geht, und 10 CCs „Ich bin nicht verliebt“ werden gekreuzt und gespielt.

KWON Sunkwan
Das Tal der Dunkelheit
Kwon Sunkwan zeigt mit seiner Arbeit eine Szene, die mit unserer modernen Geschichte zu tun hat. Eine Tragödie der modernen Geschichte, die vor Jahrzehnten stattfand, „No Gun Ri Massacre“, wurde von der Baustelle genommen, um auf der Leinwand zu landen. Die historische Stätte, an der 300 evakuierende Zivilisten von amerikanischen Soldaten getötet wurden, die während des Koreakrieges die Invasion der nordkoreanischen Volksarmee abwehrten, hängt wie ein schwarzer Vorhang herunter.
Die aus einer Vielzahl von Möglichkeiten ausgewählte Szene, das obskure Foto, spricht von dem wichtigen historischen Ereignis, das von dunstigem Nebel bedeckt ist, ohne dass Maßnahmen ergriffen wurden. Sicherlich wird eine einfache Tatsache in der Szene festgehalten, aber indem der Künstler sie nicht öffnet und etwas zeigt, das nicht zu sehen ist, überlässt er den dunkelschwarzen Vorhang dem Publikum, um sich selbst zu heben.

LEE Seahyun
Zwischen Rot-187
Lee Seahyuns scharlachrote Landschaften wirken sehr stark visuell, fast so, als würden sie Halluzinationen hervorrufen. Die Arbeiten sind unnatürlich und unrealistisch. Schieben Sie sich jedoch durch die verträumte Fantasie, schauen Sie sie sich genauer an und Sie werden auf ziemlich vertraute und sehr reale Landschaften stoßen. Die Natur, die uns umgibt, Gebäude, Städte und Ereignisse haben die Bilder vollständig besetzt. Seine Werke sind realistisch und schön, aber etwas traurig. Dies liegt daran, dass ein einzelnes Gemälde die vier Lebensphasen und alle Arten von Emotionen enthält, die Mensch und Natur haben. Er enthüllt die gewalttätige Perspektive, die dem Menschen ohne jegliche Mäßigung innewohnt, zeigt unverblümt die Wunden der Geschichte, die in die Natur eingeschrieben sind, und zeigt eine neue Art des Denkens über den Osten und den Westen, den Menschen und die Natur. Seine Werke umfassen die Wunden von Mensch und Natur.

Lee Leenam
Erde hybridisieren
Die Entwicklung der modernen Wissenschaft und Technologie führte zu einem Austausch zwischen Kulturen und Wahrnehmungsänderungen. Insbesondere die Nutzung von Medien durch Menschen hat die Verwirklichung einer neuen Kunstform ermöglicht, in der Politik, Kultur und Technologie kombiniert werden. Darüber hinaus sind Medien aus Sicht der Postmoderne viel kontinuierlicher und revolutionärer als jede Avantgarde. Dieses Jahrhundert der technologischen Revolution, das von Videos ausgelöst wurde, hat nicht nur zur Reproduktion der virtuellen Realität und hochentwickelter digitaler Technologien geführt, sondern heute auch zur virtuellen Bildhauerei. Neue digitale Medien haben es Menschen auf der ganzen Welt ermöglicht, sich frei über Zeit und Raum der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zu bewegen. Es hat zu Veränderungen in der visuellen Wahrnehmung und im Paradigma geführt.
Medien, die die Hybridisierung mit dem Zufluss verschiedener kultureller Elemente aufgrund der Entwicklung des Kapitalismus und der Globalisierung nachstellen, wurden durch Wechselwirkungen zwischen verschiedenen Faktoren wie Kultur, Geschichte, sozialem Phänomen, Merkmalen von Medien und Botschaften hergestellt. Durch die Hybridisierung von Medien wurde durch Medienträger wie Rasse, Sprache, Zeichen, Bild und Kultur eine neue Ideologie geschaffen. Lee Leenam versucht zu untersuchen, wie die Medien mit der Hybridisierung der Erde umgehen oder mit der heutigen Realität, die durch die Hybridisierung der Erde dargestellt wird. Wenn Sie die VR aufsetzen, befinden Sie sich in einem virtuellen Raum voller chinesischer Schriftzeichen in 3D. Dies ist eine Visualisierung des menschlichen kognitiven Systems, die durch die Mischung verschiedener Medien wie Buchstaben und Filme beeinflusst wird. Die Art und Weise, wie die Bilder chinesischer Schriftzeichen, die eine lange Geschichte als „Buchstaben“ haben, als Daten verschwinden, stellt ein Pixel in einem digitalen Raum die Essenz und den Wert eines Subjekts in Frage.

LI Ming
Bewegung
Li Ming hat Studien fortgesetzt, die den Kern der Beziehung zwischen Individuum und Gesellschaft durch Performance- und Videoarbeiten durchdringen. Der Künstler selbst ist in den drei in dieser Ausstellung vorgestellten Werken zu sehen, und sein Körper wird zu einem guten praktischen Parameter, der die Gedanken des Künstlers repräsentiert. In der zeitlich begrenzten Videoarbeit setzt der Künstler endlose Wiederholungsbewegungen mit seinem Körper fort, und dies geht so lange weiter, bis er physisch und psychisch vollständig ausgebrannt ist. Seine in seinen Werken implizierte „Besessenheit“ ist sehr ansprechend. <361> (2014-2016) ist ein Film über das Brechen von 361 Einwegfeuerzeugen. Für diese Aufführung studierte Li Ming gründlich Literatur über Einwegfeuerzeuge und Dokumentarfilmproduktion. Der Künstler hat Studien zur Selbstreflexion durchgeführt, zur Funktionsweise einer ganzen Gemeinschaft, auch wenn bestimmte persönliche Ziele fehlen und die durch die soziale Identität verursachte Bestürzung. (2014) besteht aus insgesamt 8 Fernsehern und 2 Synchronisierern. Vier Fernseher sind an einen Synchronisierer angeschlossen, und acht Videos werden gleichzeitig abgespielt. (2011) ordnet vier Fernsehbildschirme in Form eines Kreuzes an. Der Bildschirm links und rechts zeigt die Gedanken des Künstlers über die Kraft der Natur und die künstliche Kraft. Die Arbeit ermöglicht es dem Betrachter, die Philosophie und Ideologie des Künstlers zu verstehen.

Laura LIMA
Ascenseur
Laura Lima hat ein Werk herausgebracht, das sie selbst „Bilder“ nennt. Limas „Bilder“ sind keine Performance, keine Installation, kein Kino. Die vom Künstler verwendeten „Bilder“ sind konzeptualisierte Werke einer Anhäufung von visueller Klarheit und sachlicher Festigkeit. Unter den Werken, die solche rigoros konzeptuellen Projekte symbolisieren, ist das bekannteste. Teile von Laura Limas Werken beziehen sich auf den Begriff der Ornamentphilosophie. Lima widerspricht direkt der konventionellen Ansicht, dass „Ornamente nicht wichtig sind“. Sie verdreht und kippt Definitionen und Begriffe um, die als allgemein und konventionell gelten.
Dies ist das erste Mal, dass ihre in der Busan Biennale2016 präsentierte Arbeit (2013, 2016) in Asien gezeigt wird. Wir stehen vor dieser Arbeit und sehen uns mit einem Arm konfrontiert, der unter einer Wand hervorsteht und nach einem Schlüsselbund tastet. Der Künstler dachte, während wir uns diesen Arm leicht als unverschämt für uns vorstellen und denken, dass er jemand anderem gehören muss, könnte dieser Arm tatsächlich unser sein. In diesem Sinne berührt die Arbeit die grundlegendsten Formen der Präsenz und Interaktion.

LIU Xinyi
Das Zentrum der Welt
Liu Xinyi zeigt mit seinen Arbeiten sein tiefes Interesse an internationalen Kulturkämpfen und Lösungen für diese. Sein (2011), das der Ausstellung vorgelegt wurde, geht von einer Frage aus, warum viele Länder in Ost und West Weltkarten veröffentlichen, in denen ihre Länder im Mittelpunkt stehen, und stellt anschließend die Frage, wo sich das Land befindet Zentrum der Welt? “Durch die Projektion der rotierenden Welt als Hüften eines menschlichen Körpers machte Liu Xinyi den Ausgang der menschlichen Ausscheidung zum Zentrum der Welt, um humorvoll auszudrücken, dass es kein absolutes Zentrum der Welt gibt. In einer anderen Arbeit (2012), in der Bilder von Finanzzentren in der Nacht gesammelt und bearbeitet wurden, um eine einzige Insel zu bilden, erscheinen vor unseren Augen auffällige, aber hohle Trugbilder einer Meeresstadt. Eine solche traumhafte Landschaft repräsentiert die chinesische Gesellschaft, die zu einem Katastrophengebiet der Blasenwirtschaft geworden ist, da sie die deformierte und unnötige Entwicklung energisch vorangetrieben hat.

Dana LIXENBERG
Kaiserliche Gerichte
Das Projekt (1993-2015) von Dana Lixenberg kombiniert Videoarbeiten und eine umfangreiche Serie von Schwarzweißfotografien, um zu verfolgen, wie sich eine kleine Gemeinde im Süden von Los Angeles verändert. Die Fotos und Videos sind Kreationen, die aus einer breiten und kooperativen Beziehung hervorgegangen sind, die sie mit den Bewohnern der Imperial Courts eingegangen ist, dem Ort, den sie nach den Unruhen von Rodney King im April 1992 auf ihrer Reise durch Los Angeles kennengelernt hat 22 Jahre von 1993 bis Frühjahr 2015 schuf Lixenberg ein umfangreiches Porträt der Gemeinde und wandte ihren Blick vom Ort der Zerstörung vom typischen Leben der Menschen ab, die nur im Katastrophenfall im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit stehen. Zu den in Imperial Courts erstellten Werken gehören 393 Schwarzweißfotografien, ein 2015 von Roma Publications veröffentlichtes Buch sowie eine 63-minütige 3-Kanal-Videoprojektion, die in einer Schleife ausgeführt wird. Das Leben in kaiserlichen Gerichten, das in Lixenbergs Film festgehalten wurde, bildet ein breites Spektrum, das von hohem Drama und Spiel bis hin zu bedeutungslosem Alltag reicht. Es enthält Szenen des gewöhnlichen Alltags in städtischen Städten in den USA, die oft als abweichend und extrem verspottet wurden. Kaiserliche Gerichte vor dem unveränderlichen Hintergrund einer Stadtlandschaft schaffen Kontinuität einer Gemeinschaft, widersetzen sich Sensationslust und Brille und wählen vor allem Sensibilität. Mit einem solchen Ansatz haben (1993-2015) das Leben von Afroamerikanern und Lateinamerikanern 22 Jahre lang auf verschiedene Weise aufgezeichnet.

Xavier LUCCHESI
Isabelle
Der Künstler Xavier Lucchesi versuchte, Bilder ohne Kamera auszudrücken. Zu diesem Zweck verwendete Lucchesi andere Geräte als Kameras, mit denen sich völlig unterschiedliche Bilder erstellen lassen. Er verwendete Röntgengeräte und Scanner, um Bilder zu produzieren. Seine Bilder folgen nicht der gängigsten Art der Bilderzeugung, sondern entstehen, indem Strahlen durch Objekte hindurchtreten. Röntgenstrahlen, die auf die Oberfläche des Bereichs hinter einem Objekt gerichtet sind, entfernen den Schatten des realen Objekts. Dies ist der Schatten, die „Illusion“, die wir sehen können. Ein Strahl, der durch ein Objekt geht, bedeutet nicht nur eine Bewegung vom Ende einer Seite zur anderen. Die Tatsache, dass ein Strahl durch ein Objekt geht, bedeutet, dass die Anwesenheit des Objekts klar bekannt ist, und dies ist wie ein Beobachter, der direkt in die Augen eines Menschen starrt und durch seine Seele sieht. Wenn Lucchesi Meisterwerke wie Picassos Gemälde für seine Arbeit verwendet, versucht er, die verborgene Seite der Arbeit nicht aufzudecken, sondern nur visuell dramatische Szenen auszudrücken. Darüber hinaus konzentriert er sich auf die Tatsache, dass es einen Konvergenzpunkt gibt, an dem die Leistung des Gehirns auf die Fähigkeit des Gehirns trifft, zu simulieren und zu zeichnen, was noch nicht enthüllt oder gesehen wurde.

Zanele MUHOLI
Avanda & Nhlanhla Moremis Hochzeit
Während viele Länder in Afrika homophobe Gesetze erlassen und Bigotterie gegenüber westlichen Homosexuellen zum Ausdruck gebracht haben, hebt sich die Republik Südafrika von ihnen ab, indem sie ein Gesetz verabschiedet, das gleichgeschlechtliche Ehen anerkennt. Dennoch leiden LGBT-Afroamerikaner (sexuelle Minderheit einschließlich Lesben, Schwule, Bisexuelle, Transgender, Intersexuelle) unter Hassverbrechen. Schwarze Lesben, die unter ihnen besonders gefährdet sind, werden häufig Opfer eines kaltblütigen Mordes oder erleiden „Vergewaltigung unter dem Vorwand der Behandlung“ durch Menschen in ihrer Umgebung oder ihre sogenannten „Freunde“. Im Jahr 2013 zeichnete Muholi Ereignisse auf, die Glück und Trauer miteinander zu verbinden scheinen, eine Hochzeitszeremonie und eine Beerdigung von Menschen in der schwarzen LGBT-Gemeinschaft in der Republik Südafrika. Die Fotoinstallation von ZaneleMuholi zeigt, wie ein trauriges und ein glückliches Ereignis Gemeinsamkeiten aufweisen können. Diese Arbeit betont das Bedürfnis nach Raum für den Ausdruck der Identität eines Individuums.

OH Younseok
Versteckte Erinnerungen-Kraut 1, 2
Das Hauptthema der Serie (2016) ist die Heilung des „facettenreichen Konflikts, der Angst und des Terrors, die in den verborgenen Erinnerungen des Menschen offenbart werden“. Meine Arbeiten zeigen den Willen, motiviert durch verborgene Erinnerungen und „Bio-Codes“ zu schaffen, die Geisteskrankheiten, Groll und Ressentiments behandeln. Diese Arbeit enthält in ihnen die Bedeutung der floralen Hommage an moderne Menschen durch die Präsentation von Blumen, Kräutern und Texten. Die Serien liefern keine festen Bilder und Bedeutungen durch die Reproduktion von Themen oder Erinnerungen, sondern zerlegen religiöse Schriften oder Texte von Geständnissen, die aus den Erinnerungen oder aus den Themen abgeleitet wurden, und setzen sie dann wieder zusammen, indem sie sie mit Bildern kombinieren, um visualisierte Texte zu erstellen, die keine abstrakten Texte sind . Sie werden zu Existenzen, die auf Begegnungen mit dem Publikum an einem Punkt zwischen „Lesen“ und „Faszination“ warten.

OLTA
Walking Cascade
OLTA ist eine Gruppe, die 2009 von 6 japanischen Künstlern mit Schwerpunkt Malerei an der Tama Art University gegründet wurde. Unser tägliches Leben wimmelt von riesigen Mengen an Informationen wie Videos, die von den Medien übertragen werden. OLTA vergleicht solche Erfahrungen mit digitalen Medien mit einem Wasserfall in (2016). Von der Reise zum Wasserfall, Panoramablick vor den Augen, fallenden Kaskaden, Temperatur, Luftfeuchtigkeit bis hin zur Umgebung umarmen wir den Wasserfall mit allen Sinnen. In diesem Zusammenhang kann das „gefilmte“ Video nur zweitrangig sein. Mit seiner neuen Arbeit versucht OLTA, die Anhäufung und Transformation von Informationen auf drei Arten zu visualisieren: unter Verwendung des Körpers der Künstler als Schöpfer des Videos, unter Verwendung des Körpers des Informationsempfängers und unter Verwendung der Medien, die dokumentieren und aufzeichnen. In dieser Ausstellung führt OLTA eine Performance durch, die von Rokusai Nenbusu Odori inspiriert ist, einem japanischen buddhistischen traditionellen Volkstanzbauern in Westjapan, der tanzte, während er ein buddhistisches Gebet sang. Ihre Formen und Traditionen variieren, aber meistens besuchen Gruppen von mehreren Personen das Dorf von Tür zu Tür und tanzen die ganze Nacht zum Klang von Trommeln, Glocken und Pfeifen. In der Aufführung von OLTA tanzen die Mitglieder zum Klang ihrer eigenen Stimmen und Instrumente, die von Gegenständen stammen, die in typischen Häusern leicht zu finden sind. Die Installation wird durch die Kombination aus Filmen der Aufführung, Wiederholen und Spielen und den Bewegungen des Publikums vervollständigt.

ORLAN
Selbsthybridisierung der Peking-Oper Nr. 6
ORLAN verwendet ihren eigenen Körper als Material und visuelle Unterstützung für ihre Arbeiten. Sie nutzt ihren eigenen Körper als Diskussions- und Ausstellungsfläche. Sie ist die Vorfahrin der Körperkunst und eine wichtige Figur in der „fleischlichen Kunst“, die in der Erklärung von 1989 definiert wurde. ORLANs Hartnäckigkeit und Freiheit sind wesentliche Bestandteile ihrer Arbeiten. Sie hält an der Haltung fest, in all ihren Arbeiten innovativ zu sein, Fragen zu stellen und destruktiv zu sein. ORLAN zerstört den „vorgefertigten“ Denkprozess und die Gewohnheiten, indem es grundlegende Änderungen an Daten unaufhörlich umsetzt. Sie widersetzt sich der vorherrschenden Art wie sozialem, politischem und natürlichem Determinismus, männlichem Chauvinismus, Religion, kultureller Spaltung und Rassendiskriminierung. ORLAN beschreibt nicht nur den weiblichen Körper des Barock und die religiöse Ikonographie, sondern erforscht auch die Kultur Indiens und Chinas, bevor Kolumbus Amerika entdeckte. Gleichzeitig untersucht sie ihre physische, emotionale und virtuelle Realität mithilfe modernster Wissenschaft, Biologie und Computertechnologien. In ihrer jüngsten Serienarbeit (2014) pfropft ORLAN die Maske der Pekinger Oper auf interaktive Technologien. Durch die Verwendung von „Augment“, einer Anwendung für Augmented Reality, verwandelt sie die Selbsthybridisierung und alle Quellen in QR-Codes. ORLAN zeigt Akrobatik, indem ihre Avatare auf Tablets und Smartphones des Publikums in der Beijing Opera erscheinen, was Frauen verboten war. Das Publikum kann mit diesen 3D-Avataren auch Fotos machen.

Tanja OSTOJIĆ
Erfolgsstrategien / Kuratorenserie
Tanja Ostojic ist eine praktische Künstlerin, die vielfältige Studien durchführt und mithilfe verschiedener Medien wie Performance, Video und Fotografie Fragen zu Fragen der europäischen Gesellschaft und der Kunstwelt stellt. , eines ihrer Hauptprojekte, beinhaltet die Herstellung einer starken Bindung zu Zigeunern und bereitet einen Ort vor, an dem sie ihre tiefe Traurigkeit teilen und heilen können, indem sie ihre kolonialen Wunden einer Plattform aussetzen, auf der die lokale Gemeinschaft und Aktivisten diskutieren können. Insbesondere , das der Ausstellung vorgelegt wird, ist eine Performance in Form einer Präsentation, die sich mit Themen wie dem Leben der Zigeuner in Armut, sozialer und politischer Ausgrenzung, Deportation, Rassismus, Fremdenfeindlichkeit und dergleichen befasst. Durch diese Arbeit stellt sie eine ethische Frage: „Wie ist es möglich, dass eine bestimmte ethnische Gruppe in der heutigen modernen europäischen Gesellschaft ständig politisch und sozial den Menschenrechten ausgesetzt und beraubt wird?“

PAK Sheung Chuen
Eine Reise ohne visuelle Erfahrung (# 3)
(2008) startet von Pak Sheung Chuens 5-tägiger 4-Nächte-Reise nach Malaysia. Während der gesamten Reise schloss er entweder die Augen oder verdeckte sie. Während der Reise machte er immer noch alle Besichtigungen und machte viele Fotos, aber anstatt zu sehen, benutzte er seinen Körper nur, um die Umgebung zu spüren und zu erleben. Alle Bilder, zusammen mit Fotos und Videos von anderen Mitgliedern der Reisegruppe, wurden für Malaysia zur alleinigen Referenz indirekter Erinnerungen und visueller Erfahrungen. Die Fotos müssen in einem vollständig abgedunkelten Raum gezeigt werden. Die Zuschauer müssen ihre eigenen Blitzkameras mitbringen, um Bilder im Raum aufnehmen zu können.

PARK Jihye
Zuneigung
Der Maßstab, nach dem die Werte eines Individuums definiert werden, kann nach sozialen Standards klassifiziert werden. Mit anderen Worten, Konflikte entstehen, wenn solche Werte von externen Einflüssen akzeptiert werden oder frustriert werden. Die Wünsche des Einzelnen sind jedoch zumindest bis zu einem gewissen Grad eingeschränkt, da sie durch soziale Standards geregelt werden. Somit können die Formen jedes einzelnen Verlangens unterschiedlich sein, aber die durch solchen sozialen Druck verursachte psychische Angst ist jeder Beziehung inhärent, und diese Angst verbindet ein Individuum auf komplizierte Weise mit dem anderen. Dies drückt sich in Form anhaltender Gewalt in der modernen Gesellschaft aus. Ich erkenne solche Gewalt als ein Problem im Zusammenhang mit Beziehungen und ihrer Interaktivität und versuche, sie in Form eines Kunstwerks darzustellen. Die Betrachtung von Beziehungen hängt eng mit nicht einer gigantischen Existenz zusammen, sondern mit Liebe, romantischer Beziehung, Eifersucht, Mitgefühl und solchen, die dem täglichen Leben eines Individuums am nächsten stehen. Die engste Beziehung ist ein Raum, der von viel mehr Bräuchen, Mythen und Formalitäten dominiert wird als jede andere Beziehung. Dieser Raum mag wie ein Ort erscheinen, der durch eine Begegnung zwischen zwei Individuen geschaffen wurde, aber tatsächlich ist er ein komplizierter Ort, an dem zahlreiche Konzepte und Wünsche kollidieren, sich austauschen und Kompromisse eingehen, und ein Ort, an dem grundlegende Konflikte schlummern. Der Künstler fängt einseitige Besessenheit, hinter engen Beziehungen verborgene Wünsche und Gewalt unter der Oberfläche von Beziehungen ein, indem er persönliche Erfahrungen und reale Ereignisse mit symbolischen Objekten, Geschichten oder Märchen kombiniert. Sie produziert ein immens realistisches und dennoch unrealistisches Video, indem sie aggressive Situationen schafft, in denen sich nicht nur Zuneigung und Konflikte in Beziehungen, sondern auch die verborgenen Ironien, Konflikte und Ängste, Beziehungen zu Gesellschaften aufzubauen, an einem Knotenpunkt kreuzen, an dem sich horizontale Zeit und vertikale Zeit kreuzen .

Hung-Chih Peng
Gott Pfund Busan
Diminutive Gottstatuen wurden während eines Glücksspielwahns in Taiwan in den 1980er Jahren besonders beliebt. Nachdem es nicht gelungen war, eine Gewinnzahl erfolgreich zu erraten, wurden viele von ihnen in Recyclingzentren missbraucht und aufgegeben, ähnlich wie Hunde in Pfund geschickt werden, wenn sie die überhöhten und unrealistischen Erwartungen ihrer Besitzer nicht erfüllen können. In einem anscheinend außergewöhnlichen Fall der Umkehrung nahm sich die Menschheit die Freiheit, die Götter zu bestrafen, scheinbar ohne Angst vor Vergeltung. Darüber hinaus wurden diese Götter bequem in einer leicht manipulierbaren Größe verkörpert. Für die Installation (2016) füllten 501 Götter einen ganzen Raum und schauten auf den Bildschirm, der vom taiwanesischen Puppenbühnenbild eingerahmt wird. In dem Video erzählt ein Hund die Geschichte der Gottheiten, die von vergötterten Gefäßen zu verlassenen Überresten übergegangen sind, und erinnert uns an die Parallele zwischen dem Gottpfund und seinem Gegenstück für Hunde. Irgendwo zwischen allgegenwärtigem Warenfetisch und heiligem Totem, das keinen Marktwert kennt, vermittelte die Anhäufung dieser kleinen Wesen sowohl die enorme Macht, die sie ursprünglich besaßen, als auch ihren gegenwärtigen Status als wertlose Abgüsse.

Pushpamala N.
Gute Gene – Hygiene
Die Künstlerin verwendet medizinische Modelle, um mit Hilfe ihrer Freunde verschiedene Bewegungen auszuführen. Die Bewegungen, die einer religiösen Zeremonie ähneln, werden auf einer Bühne wie eine faszinierende Zaubershow aufgeführt. Dieses Video ist Teil eines Langzeitprojekts zur Beantwortung einer Frage zum Konzept eines Nationalstaates, den Pushpamala N. gestellt hat. In dem Video untersucht sie ein Regierungsprojekt, das darauf abzielt, durch die Geschichte der Anthropologie, Ethnologie und Eugenik eine ideale Gemeinschaft zu schaffen. In ihrer Arbeit führt sie die Bewegungen selbst aus und spielt die Rolle eines „Ergebnisses“ sowie eines „Agenten“ der Geschichte, der sich im Zentrum der Erforschung positioniert.

Joanna RAJKOWSKA
Mein Vater hat mich nie so berührt
Joanna Rajkowskas Videoarbeit ist eine Beschreibung, die sich auf die zerbrochene Beziehung zwischen einem Vater und seiner Tochter konzentriert. Die Künstlerin bat ihren Vater, ihr Gesicht zu streicheln, aber das war wahrscheinlich die erste und letzte Bitte, die sie stellte. Ihr Vater lebte ein Leben auf der Flucht seit seiner ersten Flucht aus dem Konzentrationslager Auschwitz während des Zweiten Weltkriegs, als er seine Familie und seine Frau verließ. Er war nie da, um die Windeln seines kleinen Babys zu wechseln, an der Zeremonie zur Aufnahme in die Grundschule teilzunehmen oder sogar, weil sie wegen einer Blutvergiftung ins Krankenhaus eingeliefert wurde. Er ging so weit, seinen eigenen Namen zu ignorieren, den seine Frau auf dem Weg zu ihrem Tod anrief. Indem die Künstlerin in ihrer Arbeit eine Schicht von Erinnerungen entfernt, die unter der Oberfläche des täglichen Lebens liegen, streichelt sie sanft Wunden der Vergangenheit, die wir alle haben.

Robin RHODE
Der Mond schläft
Robin Rhode verwendet normalerweise gängige Materialien wie Seife, Kohle, Kreide und Aquarelle, um ein Epos des schönen Lebens in Performance, Zeichnung und Video auszudrücken. Der Künstler, der auf seine Weise ein breites Interesse an sozialen und politischen Themen zum Ausdruck bringt, stützt seine Arbeiten hauptsächlich auf Straßen und verbessert die komplexe Ästhetik, um schöne Wandzeichnungen zu erstellen. Seine , die der Ausstellung vorgelegt werden, wurden aus der Poesie eines südafrikanischen Dichters Don Mattera entlehnt. Mit einer schwachen und verletzlichen Stimme auf dem Bildschirm beschreibt er die Erfahrung, während des Aufenthalts in einem Verhörraum eingesperrt zu sein Zeit, als die Apartheid ihren Höhepunkt erreichte. Durch eine Stop-Motion-Animation eines Jungen, der symbolische Bilder betrachtet, die sich vor seinen Augen ausbreiten, drückt der Künstler Kraft, Identität, Freiheit und Anmut aus. In seiner anderen Arbeit beschreibt er die traurigen Tage, an denen ein Liebhaber durch Krankheit verloren wurde, als mondlose Nächte und liefert seine Klage und Trauer durch die Erzählung eines alten Mannes und das letzte Wort der Erzählung, „Isolation“.

SHEN Shaomin
Kunstgeschichte
Shen Shaomin ist ein Künstler aus China, der in der Konzeptkunst und Installationskunst arbeitet. Seine Arbeiten beziehen sich hauptsächlich auf Studien und Reflexionen über einige der Probleme, die in der Kunstgeschichte bestehen. Gleichzeitig enthüllt und kritisiert er ständig Probleme in der modernen Gesellschaft wie „Meinungsführer“. Seine jüngste Arbeit (2015) ist eine groß angelegte interaktive Installation, die noch ein laufendes Forschungsprojekt ist. (2015) besteht aus 50 Kopfhörern und 50 Mikrofonen. Über die Kopfhörer sind Erzählungen über die Ergebnisse der künstlerischen Forschung zur Definition von Kunst zu hören, und das Publikum, das der Stimme zuhört, kann an den Mikrofonen über seine Gedanken zur Definition von Kunst sprechen. Die Geschichten werden dann durch einen Computer geleitet, in Zeichen umgewandelt, ausgedruckt und in einem Buch zusammengefasst. Diese „geteilten Aussagen“ werden als solche vervollständigt und werden letztendlich zu einem Archiv des Künstlers. Durch diese Arbeit öffnet, bearbeitet und erweitert Shen Shaomin die Kunstgeschichte, die als unantastbares Gebiet betrachtet wird, in das nur Wissenschaftler und Kritiker eintreten können, indem sie die Beteiligung der Öffentlichkeit fördert und so die Definition von Kunst bereichert.

KATHARINA SIEVERDING
MITTERNACHT AUF DIE SONNE BLICKEN (ROT)
KATHARINA SIEVERDINGs Arbeit zeigt die Sonne, die in der Dunkelheit der Nacht hell von der Erde scheint. Von Sonnenuntergang bis Sonnenaufgang ist die Sonne in der Tat voller verschiedener Farben. KATHARINA SIEVERDING konzentriert sich auf die Verbindungen zwischen Lebewesen und dem Universum. Der Künstler erhielt visuelle Informationen vom 2010 von der NASA ins Leben gerufenen Solar Dynamics Observatory und verwandelte sie in ein Kunstwerk. Durch diese Arbeit verbindet sie die verschiedenen Facetten von Wissenschaft und Biopolitik mit der heiligen menschlichen Existenz.

Römischer SIGNER
Installation mit Sand, Stühlen, Eimern und Wasser
Die künstlerischen Ereignisse, die Roman Signer für uns konstruiert, basieren auf Prozess, Spiel, Experiment und Staunen. Seine Materialien sind elementare physikalische Phänomene – Beobachtungen umso erstaunlicher angesichts des Humors, der das Oeuvre dieses Künstlers beeinflusst. Diese Elemente zeigen diese erstaunliche Welt des Humors. Es ist eine äußerst subtile Art von Humor, die von der Kunstwelt noch entdeckt werden muss. Die Gelassenheit, Klarheit und Leichtigkeit von Signers Handlungen beeindrucken uns. Ihnen fehlt die tautologische Bleisigkeit bestimmter Kunst in den siebziger Jahren, die sich aufrichtig quälte, um zu demonstrieren, dass Wasser fließt und ein Stuhl ein Stuhl ist. Signers Gesten sind nicht heroisch, obwohl er als Dramaturg der Spannung eine explosive Freisetzung verursacht, sogar eine psychosensuelle Detonation. Er erfüllt nicht die erwartete Rolle des genialen, individualistischen Künstlers, macht aber auf ein Objekt aufmerksam, indem er sein verblüffendes, ungeahntes Potenzial entdeckt und freisetzt. Wir kennen die Möglichkeiten gewöhnlicher Sprühdosen und Gummistiefel sowie Fahrräder und Küchenstühle, aber wir erfahren auch, wie begrenzt sowohl der Horizont unseres Wissens als auch unsere Beziehung zu den Dingen dieser Welt sind.

Shinique SMITH
Kein Staub, kein Fleck
Die drei Performance-Arbeiten von Shinique Smith handeln hauptsächlich von Gesten, Objekten und konzeptioneller Inspiration. Ihre Arbeiten wurden von Astrologie, Alchemie, mythischer Lyrik und Bewegungen städtischer Schnittpunkte beeinflusst. (2015) wurde in Zusammenarbeit mit dem Künstler Gary Pennock erstellt und vor Smiths Wandbild mit Luft- und Bodenvideografie gefilmt. Basierend auf der persönlichen Geschichte und den Ereignissen der Künstlerin, die ihr Leben beeinflusst haben, umfasst die Performance Smiths Gemälde, großformatige Installationen und andere Performance-Werke. Es zeigt, wie sie die Produktion von Werken und Ausstellungspräsentationen gut angeht. Sie beschreibt ihre Kindheit mit den Worten: „Als sie ein kleines Mädchen war, habe ich von den wirbelnden Sufi-Derwischen erfahren und in meiner Unschuld versucht, wie sie zu tanzen. Ich drehte mich im Hinterhof in der Motorhaube von Baltimore, bis mein Geist befreit war. “Diese Erfahrung von Smith diente als Ausgangspunkt für das Projekt, das die hypnotisierten Bewegungen von Tänzern in Wandmalereien zum Ausdruck bringt und erweitert. Die Tänzer in der Arbeit tragen Kostüme, die Smith aus Sonnenschirmen und großen Seidenkleidern hergestellt hat. Die KAIROS Dance Company, die ebenfalls eine ähnliche Idee wie Smith hatte, folgte der Spontaneität ihrer Einsicht und trug zur Schaffung dieser faszinierenden und dynamischen Zusammenarbeit bei, indem sie einige der Bewegungen hinzufügte, die aus ihrer bestehenden Arbeit „Her“ extrahiert wurden. Gary Pennocks professionelle Bearbeitungstechnologien und Kompositionen haben die Manifestation von Smiths Ideen in dieser Arbeit perfektioniert.

SOHN Junghee
Gehege
Sohn Junghee konzentriert sich darauf, die tief in ihr verborgenen Träume durch die Verwendung von Ton zu verwirklichen. Wie Pablo Picasso einmal sagte: „Alles, was Sie sich vorstellen können, ist real“, wird die imaginäre Welt, die sie ausdrückt, real, sobald sie Ton von Hand herstellt und backt. Das Thema von Sohn Junghees Werken kam aus ihrem täglichen Leben. Das Lesen von Märchen wie dem Schneewittchen für kleine Kinder, das Verzerren und Satirisieren von Happy Ends sind zum Konzept ihrer Werke geworden, und im Laufe der Zeit suchte sie nach verschiedenen Quellen für ihre Werke aus allen Altersgruppen und Ländern. Solche Geschichten wurden durch die Unterbrechung der Vorstellungskraft des Künstlers transformiert und wirken als Allegorie von Verzerrung oder Satire und Kritik an sozialen Phänomenen. Die gemeinsamen Gefühle, die in allen Werken von Sohn Junghee liegen, sind Sympathie, Humor, Sehnsucht (Ressentiments) und Hochfliegen. Tiefe Liebe und Zuneigung zu Menschen werden in ihren Werken vermittelt.

SONG Kicheol
Hier wie immer schon friedlich.
Wenn ich die Leichen von Kindern betrachte, die an die Küste gespült wurden, spüre ich in meinen Knochen, dass wir in einer freien, aber nicht völlig freien Welt leben. Diejenigen, die sich frei über territoriale Barrieren bewegen können, sind nicht lebende Dinge. Solche Barrieren existieren wie unsichtbare Geister zwischen Territorien, Territorium und Leben und Leben. Sie trennen uns endlos und behindern uns bei der Konfrontation mit den wirklichen Feindseligkeiten. Diese Trennung ist nicht dasselbe wie die Apartheid, die in der Vergangenheit die berüchtigte Rassentrennung der Republik Südafrika war. (2016) visualisiert die Grundprinzipien von Eisenstangen an den Wänden, die die Trennung mit unbekannten Nachbarn und den Schutz privater Eigentumsrechte ermöglichten. Auf diese Weise wird die Konfrontation mit der gespenstischen Apartheid ermöglicht. Ein Video eines Mannes, der durch ein Fenster vor einer Katastrophe flüchtet, und ein Baum, der mit verbrannten Wurzeln in der Luft hängt. Ein Foto, das das verborgene Gewicht der Waage eines Gleichgewichts enthüllt, ermöglicht das Zusammenleben von Feindseligkeiten und schafft Werke zur Organisation eines neuen Leben in der gegenwärtigen Situation, in der die Rückstände einer solchen Koexistenz erhalten bleiben.

Studio-KONTEXT
Kokon 2
Das Studio CONTEXT wurde an der Aarhus School of Architecture in Dänemark gegründet und zeigt die Ergebnisse einer Kombination aus Hingabe und Technologien von Studenten, Architekten und Bürgern aus verschiedenen Ländern der Welt. Studio CONTEXT untersucht nachhaltige Architektur und Wohnen, die geografische, historische, anthropologische und soziale Phänomene widerspiegeln. Es werden auch Entwürfe untersucht, in denen verschiedene kulturelle Elemente miteinander vermischt werden. In der Busan Biennale 2016 zeigt Studio CONTEXT das Projekt (2015), eine Arbeit aus einem ganz einzigartigen Material, Bambusbäumen. Bambusbäume wurden nicht nur jahrhundertelang in asiatischen Ländern zur Herstellung von Innenmaterialien und Haushaltsgegenständen verwendet, sondern sind auch nützliche umweltfreundliche Baumaterialien im Bereich Architektur und Design. Nach dem ersten experimentellen Projekt aus Bambusbäumen und Steinen hat (2015) das Konzept der pankulturellen Zusammenarbeit durch seinen pädagogischen Ansatz und Experimente zu Funktion, Material und Konstruktion herausgearbeitet. Alle Arbeiten wurden sorgfältig geprüft, um den Materialien und dem Klima der relevanten Regionen zu entsprechen, und ihr experimenteller Charakter wurde beibehalten, während sie durch enge Zusammenarbeit mit den Anwohnern gestaltet wurden. Das Cocoon-Projekt ist immer noch ein laufendes Projekt, das Raum, Architektur, Material und die Welt der Bambusbäume erforscht.

TAMURA Satoru
Kontaktstelle Nr. 2
„Point of Contact # 2“ ist einfach, aber ein offener, übertriebener Schalter. Es ist ein Gerät, das nur dafür ausgelegt ist, den Strom aus der Elektrizität zu liefern, um die Lampe anzuzünden. Der Kontaktpunkt erzeugt einen blassen Funken, Glühlampen in Verbindung damit blinken und es wird ein physikalischer Beweis dafür, dass es einen elektrischen „Kontakt“ gibt. Die Glühlampen arbeiten nur für den Funkenkontakt, und der Funkenkontakt dient nur zum Einschalten der Glühlampen. Der Punkt der Arbeit ist diese extrem unmittelbare physische Existenz, die nur herum und herum geht. Tamura Satoru zeigt uns, wie wir uns bewusst oder vielleicht unbewusst der Realität stellen können.
Nicht alles in der Gesellschaft, in der wir leben, existiert, um etwas zu werden. Es sind nur wir Menschen, die sich bemühen, Grund für alles zu finden und sie zu begehren. Menschen, die in einer kapitalistischen Gesellschaft leben, zerstören wahllos die Natur im Namen von Entwicklung und Wachstum, schließen sich gegenseitig aus und schaffen Konflikte, die auf einem blinden Glauben beruhen, der Unterschiede in Rasse, Religion und Gesellschaft nicht erkennt. Dies sind alles Variationen menschlicher Wünsche. Der Künstler legt kein Ziel fest und versucht nicht, etwas zu argumentieren, wenn er ein Kunstwerk macht. Seine Arbeit ermöglicht es uns jedoch, die Linsen, durch die wir die Realität und die Gesellschaft betrachten, zurückzusetzen und über Lebensweisen nachzudenken, die jenseits des weltlichen Leidens existieren.

Nobuko TSUCHIYA
Der Beginn der Zeit
Nobuko Tsuchiya stimuliert die Emotionen der Menschen, bemüht sich, etwas zu schaffen, das das Bewusstsein für die eigene Welt eines Individuums wecken kann, und versucht, die Beziehung zwischen Erinnerungen und Vorstellungen klar zu erkennen. Ihre Arbeiten sind Ansammlungen von Entscheidungen, die unter Verwendung einer Vielzahl von Gedanken und sprachlichen, musikalischen, logischen, funktionalen, sinnlichen und empirischen Dingen oder sogar etwas getroffen werden, das nicht definiert werden kann. Durch diese Arbeit versucht die Künstlerin, die Bestandteile ihrer Arbeiten so weit wie möglich zu komprimieren, so dass sie einen bestimmten Punkt zwischen Gleichgewicht und Ungleichgewicht erreichen.

Yangachi
Altes Gewürz, Lang Version
Han fluss.
Ich klettere auf ein breites und riesiges Haus. Genau dort macht sich ein grauer Wolf mit dem Gesicht eines Mannes auf den Weg und frisst die Menschen nacheinander auf. Es saugt ihr Blut.
Das Dach wird sichtbar, als ich auf das riesige Haus klettere, und vor mir sehe ich ein riesiges Schiff aus Holz. Während ich hinschaue, beginnt das Schiff wie ein Piratenschiff in einem Vergnügungspark hin und her zu zittern. Shuuuk, Shuuuk.
Bevor ich es weiß, sitze ich am rechten Ende des Schiffes und schaue nach unten. Ich klettere vom riesigen Haus herunter und gehe die Straße entlang.
Dann stehe ich auf.

YU Sunghoon
die Ausstellung des Raumes
Yu Sunghoon erwägt, einen als Lagerhaus in Busan errichteten Raum für die Hauptausstellungshalle der Busan Biennale 2016 zu nutzen, was in der geologischen Geschichte von Busan von großer Bedeutung ist, da er heute aufgrund seines besonderen historischen Hintergrunds in einen städtischen Raum umgewandelt wurde. Seit 5 Monaten ist der Prozess des Wandels an einem bestimmten Ort für (2016) aufgezeichnet worden. Er glaubt, dass dies großes Interesse an dieser Region und den menschlichen Angelegenheiten wecken wird. Mit seiner weiteren Arbeit (2016) will er die Verbindung zwischen den Erinnerungen seiner Heimatstadt und dem Ausstellungsraum herstellen.

YUN Pilnam
Handgemachte Fantasie
Wenn ein kleiner Fingerabdruck auf ein Smartphone trifft, entfaltet sich alles vor den Augen. Sie sind Welten, die durch die Augen sichtbar und im Geist sichtbar sind. Alle Arten von schwebenden Wörtern und Texten, die in einem kleinen Rahmen gefangen sind, haben universelle Kraft, aber sie werden leicht durchdrungen, verdorben und verblassen. So wie gelber Staub die Welt mit Staub bedeckt, ist die Welt voller Texte und Bilder. Während wir von außen auf Licht, Klang, Geschmack und Berührung achten, wird unser tägliches Leben in Stücke zerbrochen und blinkt wie eine kaputte Lampe. Irgendwann verliert Handarbeit, die Bewegung des Körpers sowie Zeit und Mühe erfordert, ihren kostbaren Wert. Die heutige Arbeit ist etwas, das sehr anstrengend geworden ist, sich in der Störung eines Terminals verzögert und schließlich unvollendet bleibt. Der Körper wird beim Erwachen des Geistes zu einem schweren Gewicht, und der Geist wird zu einem Trägheitsgeräusch des Körpers. Trotzdem argumentiert der Künstler, dass die Kraft, die die Welt tatsächlich bewegt und wiederherstellt, von Handarbeit herrührt. Yun Pilnam strebt danach zu erklären, dass wir den Fluss des täglichen Lebens suchen sollten, der sich nicht aus Handarbeit zusammensetzt, die niemals aufhört, sich zu bewegen.

Katarina ZDJELAR
Alles wird sein
Katarina Zdjelars Video (2008) spielt auf das Beatles-Lied „Revolution“ an, das der Künstler auf die Lofoten in Norwegen überträgt, wo es von einem Amateurchor gesungen wird. Ihre Wiegenlied-artige Art, den Chor zu singen, zwingt das Lied zu einem beunruhigend unkritischen Ton. Die Arbeit zeigt sowohl die kritische Distanz zu Umwälzungen in den Texten, die John Lennon 1968 schrieb, als auch die ideologische Distanz zwischen der Bedeutung des Liedes und den Menschen mittleren Alters, die in der Arbeit erscheinen. Zdjelars Interesse an dieser Arbeit liegt auch im Prozess der physischen Manifestation von Unsicherheiten, in den Versuchen, die eigene Leistung zu perfektionieren, sowie in der Produktion eines Kollektivs aus singulären Stimmen. Mit einem Fokus, der sich hauptsächlich auf die intime Präsenz des Einzelnen konzentriert, ist die Arbeit mit einem zweideutigen Gefühl des Zögerns aufgeladen – eine Zurückhaltung, die darauf hindeutet, dass man nicht loslassen und sich ausdrücken kann oder nicht bereit ist, entweder in seiner ganzen Unvollkommenheit individuell zu sein oder sich zu verschmelzen die gemeinsame Stimme und das Gefühl. Die Sänger-Sprecher geben dem Lied, das sie singen, ein Gefühl von Distanz und Kälte, und obwohl sie es spielen, scheint das, was sie vermitteln, eher bedrohlich als hoffnungsvoll.

ZENG Hao
20. Juni 2002
Zeng Hao fängt den Geisteszustand, den persönlichen Eindruck und die Umgebungsveränderungen eines Individuums ein, die er auf der Leinwand spürte. Allgemeine Gegenstände wie Bett, Schrank, Topf und Bilder von schüchternen Charakteren finden sich in seinen Gemälden. Insbesondere <04:06 Uhr im Mai. 9th, 1998> (1998) ist eine der Serien seiner Hauptwerke und ermöglicht es dem Betrachter, sich Geschichten hinter dem Werk vorzustellen, indem verschiedene Requisiten wie Charaktere, Familie und Elektrizität in einer scheinbar irrelevanten Kombination angeordnet werden. Die von Zeng Hao gezeichneten Bilder von Familien oder Räumen vermitteln das Gefühl einer mehrdeutigen Isolation, die schwer zu erraten ist, und obwohl sie perfekt aussehen, rufen sie das Gefühl der Trostlosigkeit hervor, wenn sie in der Perspektive gezeichnet werden. Es scheint, dass der Künstler seine Arbeit als Metapher für die Verletzlichkeit von Beziehungen und abgegrenzten Realitäten der heutigen modernen Gesellschaft verwendet.

ZHOU Wendou
ADHS
Zhou Wendou verwendet den konzeptuellen Schöpfungsstil und die humorvolle Sprache der Kunst, um eine Perspektive auszudrücken, die sich etwas von anderen zeitgenössischen chinesischen Werken unterscheidet. (2015) ist eine kreisförmige Installationsarbeit mit einem Durchmesser von mehr als 2 Metern. Die Tinte sprudelt ständig von oben heraus, und mehr als 20 auf der Oberfläche installierte Scheibenwischer führen wiederholte Bewegungen aus, um die sprudelnde Tinte zu entfernen. Durch solche mechanischen Bewegungen spielt der Künstler auf die nicht automatisch kontrollierten Eigenschaften der modernen Menschen an, die wir in unserem täglichen Leben leicht finden können, übermäßig sich wiederholende Bewegungen und Gewohnheiten. Darüber hinaus ist die Arbeit ein bildlicher Ausdruck des Internetzeitalters, in dem Daten endlos und mechanisch erzeugt werden, und des Zustands, aufgrund einer Aufmerksamkeitsdefizitstörung allmählich langweilig zu werden.

Busan Biennale 2016
Die Busan Biennale ist ein umfassendes Kunstfestival, das drei verschiedene Festivals in der Stadt integriert hat: die Busan Youth Biennale, das Busan Sea Festival und das Busan Outdoor Sculpture Symposium.

Busan hat eine lange Geschichte als Kunsthochburg in Asien und ist der perfekte Ort, um ein Kunstfestival für die Region und darüber hinaus auszurichten. Die Kunstveranstaltung der Biennale sollte eine leicht zu interpretierende, schwer verständliche zeitgenössische Kunst präsentieren und der Öffentlichkeit zugänglicher machen.

Das Festival dient als Arena, in der sich Einheimische mit Menschen aus anderen Ländern treffen und miteinander kommunizieren können.

Die Busan Biennale wird als repräsentatives Kulturereignis für Korea verankert sein und letztendlich eine weltweite Anerkennung erreichen.