釜山ビエンナーレ2016 プロジェクト2 ハイブリッド化する地球、 議論する

釜山ビエンナーレ2016のテーマに関連するデザインコンセプト。混成地球、多数を議論することは、木の幹または根に見られる「年輪」に由来します。年輪は成長率に応じて形が異なりますが、最終的には文化的発展のように共通する1つの線があります。さまざまな地理的、歴史的、政治的状況でさまざまな文化が発達していますが、同時にE.I.を通じて「人類」の見地で成長しました。

地球のハイブリッド化、多数の議論
時間と空間を超えてネットワーキングを可能にするデジタル技術は、地球を単一のコミュニティに結び付け、世界を単一の市場に統合しました。スマートフォンにインストールされたアプリ内で、世界中の100億人が宗教、民族、および国境を越え、ネットワーク化されています。人類は現在、他の世代が経験したことのない「多数の世代」に住んでいます。

人類の過去、現在、未来の問題を議論するための多様な宗教、民族、国籍の芸術家や学者を集めたビエンナーレは、この世代の群衆にとって最も適切な展示形式です。文学、映画、その他の文化的領域とは異なり、これは芸術のジャンルとビエンナーレのプラットフォームを通じてのみ提供できるユニークなステージです。釜山ビエンナーレの「地球を混成し、多数を討議する」というテーマは、この概念とうまく調和しています。伝統と現代が混ざり合った「豊かだが貧しい」世界。人間と自然;東と西;アナログおよびデジタル;資本と技術。ハイブリッド化する地球とはそれは決して資本と技術に還元されてはならない場所であり、現実に直面する人類が抵抗と脱出を開始する場所です。

「Hybridizing Earth、Discussing Multitude」は、可能性について議論する場所です。市場の非効率性と人間の非合理性、および市場とそのシステムに対する芸術の脆弱性を反映する不便で苦痛の場所です。ウォルター・ベンジャミンの憂鬱のように、おそらく文明の文書は同時に野barさの文書でもあります。この釜山ビエンナーレが同じものになることを願っています。

ハイライト

リダアブドル
輸送中
リダ・アブドゥルは、出身国であるアフガニスタンに関連した作品で有名です。 35年間戦争を経験した土地で彼女を魅了した風景は廃ofの痕跡でした。彼女の作品(2008)は、カブールの郊外に設定されており、20年にわたる戦争のために景観が完全に荒廃しています。 5歳から9歳までの70人以上の子どもたちが作品に登場します。子どもたちは、crash落した爆撃機の胴体にあるすべての銃弾の穴を埋めて、戦争の残虐行為を希望と新しい未来に変えるためにkitのように飛ぶように引っ張ります。彼らがいる悲劇的で暴力的な状況にもかかわらず、子供たちは彼らの無実を通してそのような悲劇を中和しようとしています。別の作品(2013)は、写真用カメラ、300枚のパスポート写真と音声(美しいが痛々しいテキストを伝える声)で構成されています。声の存在または不在は、彼女の作品をより輝かせます。

リナ・バネルジー
エスニックとレースは長い髪を編んで、絡み合っています。この偽造品が私に小さな甘いケーキを作るのを見るために、それがどのように作られ、作られ、食べられ、日陰で食べられ、彼女の反射を汚し、汚しました。
リナ・バネルジーの作品は、散在する人々、陸地、海、空に住み、受粉する体を特徴としています。アーティストは主に、製本、配線、縫い付け、取り付けなどの手仕事を行っています。彼女は、お互いに実際には話せなかったために断片化され、互換性がなくなった接続部品や素材に没頭しています。彼女は以前から収集したものの衝動的に選択されたビットを接続することにより、新しく多様な美しさを再発見するために、審美的探求に挑戦し続けています。

彩ベンロン
救援
アヤ・ベン・ロンは、病気の身体の無意識の記憶、死と道徳の認識、そして社会史的文脈の痛みを可能な限り拡大します。彼女の作品はすべて、ベン・ロンが医療マニュアルやスケッチ、病気、治療を徹底的に研究してきた長年の経験に基づいています。ベンロンは、2つの分野のカテゴリ境界を超越しています。彼女の作品には明らかな死と痛みがありますが、感傷的な介入や死と病気の魅力は見当たりません。アヤ・ベン・ロンは感情的な距離を保ち、極度のユーモアのセンスを使用して、社会史的文脈で可​​能な限り医療処置を探求します。

チョ・ヒョンソブ
モダンストア
ルネサンス、すべての創造、近代化は、韓国で70年代および80年代に公の言葉や政治スローガンとして使用されたお気に入りの言葉でした。かつて全国民に愛されていたこれらの言葉は、今では田舎の看板にしか見られない珍しい光景になっています。復活できないように見える「ルネッサンスストア」から、あらゆる種類のクリエーションを提供するには十分に大きくないように見える「オールクリエーションストア」から、まったくモダンではないように見える「モダンストア」まで、時間の欲求のキーワードが知覚される可能性があります。貧困、衰退、不在を伴う時代の豊かさに対する強い欲求は、皮肉と非合理性の影のように現在につながります。チョ・ヒョンソプは、私たちが記憶の断片やその境界で失った価値と理想について詳しく述べています。

チェ・キチャン
長く走れますか
<長く走れます>(2016)は、KISWIRE Suyeong工場に残った古い壁の表面に304の穴を開けることから始まります。これらの穴は、使用されなくなった古いスペースと新しく形成されたスペースをつないで、過去の鈍い機能と新しい期待に満ちた未来の交換を可能にする光の橋としての役割を果たします。これらの穴は「消失したオブジェクトまたはそれらの一部が回収された」または「破棄されて保存されていないが、保存の意味が薄れています」で満たされています。

チェ・サングロク
モル・エンドゲーム作戦
アーティストのチェ・サングロクは、デジタル技術と新しいメディアを使用して、現代の社会的、文化的、歴史的景観と出来事を壮大なものに変えることに取り組んでいます。彼の作品(2016)は、高解像度の2Dアニメーションです。 70年代に韓国に侵入するために北朝鮮によって作られた地下トンネルをモチーフに作成されたアニメーションは、多様で複雑な方法で現代のイベントにつながる単一の個人的かつ社会的なパノラマを形成します。この作品は、私たちの文明内で起こっている野andと腐敗のシーンと記憶を単一のフレームに並べて組み合わせています。時間と空間を超えて接続、作成、破壊、再起動するシーンは、時間軸とゲームの形で巧みに組み合わされ、再構築されます。

ケレン・シター
バラ園
<ローズガーデン>(2014)は、テキサスのバーで行われる悲劇的な物語です。この作品は、ルイス・ブニュエルのシュルレアリスム映画「黄金時代」(1930)の歴史的作品と言えるでしょう。バーの名前は、海兵隊の募集ポスターに書かれた「私たちはあなたにバラ園を約束しません」というスローガンから来たに違いありません。しかし、海兵隊によってその使用が無知に変更されたスローガンは、「バラ園を約束しなかった」という本から引用されたものです。これは、精巧なファンタジーで自分の世界を作った統合失調症の女性に関するものです。この作品は、ドラマチックなストーリーと軽快な構図のコントラストを重要なテーマとする映画であると考えることができます。多くのストーリーが独立して存在しますが、それらの独立したシーンはすべて重複しています。ブニュエルの映画のシーンのように、プロットは十分な説明なしに展開されます。会話は子供によって書かれているかのように非論理的であり、音声トラックは俳優の口の動きと一致しない場合があります。サウンドトラックは気分を変えますが、それらのいずれもシーンと調和していません。映画は別の現実のようです。

キリ・ダレナ
メブヤンの後
フィリピンの社会政治問題を扱うキリダレナは、アーティストであり社会活動家です。彼女の作品のタイトル(2016)は、米を使って生と死をコントロールするフィリピン神話の地下世界の女神です。メブヤンは、複数の胸を持つ姿で、生命の象徴である米粒でいっぱいの手で米を打ち、挽くためにテーブルに座っています。彼女の手から落ちた後の散らばった穀物は、「群衆と公衆の死の宣言」です。別のミンダナオンの部族であるマノボスでは、埋葬後にすべての参加者が炊かれた米から人間の姿を彫る儀式と儀式を行います。
2016年、フィリピン北部にあるコタバト県の農民は、エルニーニョのために極端な草案に直面しました。 6,000人以上の農民が、米の援助を求めるために、高速道路全体に人間のバリケードを形成しました。フィリピン政府は、放水銃と銃剣を使用した強制によって彼らを解散させるために武装警察を派遣しました。農民が強制的に解散され、死亡し、スコアが負傷した。
(2016)の635は、過去15年間にフィリピン政府当局によって殺された入居農家と人間活動家の数です。アーティストは、フィリピン神話の儀式を借りて、誤って殺された人々に敬意を表するために、635粒の14K金の米を作りました。

フォルケルト・デ・ジョン
通常通りのビジネス:「タワー」
フォルケルト・デ・ジョンは、心理的および身体的条件への強い興味から生じた表現力豊かな彫刻とインスタレーションで最も有名です。デジョンは、文化的なシンボルや歴史上の人物、そして彫刻が既存の物語を変える可能性について再検討することに関心を持っています。特に、デジョンの特徴的なスタイルは、キャンディー色のポリウレタンや発泡スチロールなどの断熱材を特異的に使用することによって形成されています。これは、単に反階層的なジェスチャーではありませんでした。これらの物質は汚染物質であり、環境への影響は根本的に有害です。釜山ビエンナーレ2016で展示されている作品は、チャールズダーウィンの「人間の降下」(1870年に公開)とアルバートカミュの「シシュフスの神話」のアイデアに基づいています。注目すべき(2008)は、黒焦げでバラバラにされた身体のグラフィック描写に矛盾を引き起こします-座っている、立っている、ひざまずいている、逆さまにぶら下がっていて、生きている死者のように空間を横切って伸びているインスタレーション(2008)では、類人猿から人間への進化ではなく、単に動きを描いています。 (2008)のピンクのフレームワークは、一連の歴史的出来事から取った断片である可能性があり、類人猿は道徳に対する不条理な試みである:「悪を聞かない、悪を聞かない、悪を見ない」。それは、人類が彼自身の独創性とユニークさから惑わされているという考えから際立っている作品である(2008)干支占星術の象徴的な意味から借りた2つの白い猿は、人間による自然の過小評価を表している。猿は、私たちが惑星地球の自然のサイクルを逃れ、制御することができると信じるようにプログラムされている方法に私たち自身の不条理を反映しています。代わりに、私たちはその一部であることを学び、私たちが脆弱で人間であるという事実を受け入れるべきです。

ファン・リージュン
2014-2015
Fang Lijunは、現代中国美術で最も影響力のあるアーティストの1人です。彼の絵画の「balげた」人物は、現代中国美術の最も古典的な象徴となり、彼の作品スタイルは、シニカルなリアリズムの範疇に入ると定義されています。シニカルなリアリズムは、当時の文化に対する抵抗でした。したがって、重くて深刻なテーマや急峻なスクリーンから脱却しようとする表現が支配的でした。 <2014-2015>(2015)は幅8メートルの絵画で、Fang Lijunの最近の主要作品の1つです。絵の中の多数の大きな赤ちゃんは、観客に背を向け、巨大な太陽に直面しています。太陽が放つ強い光は、原子核から放出される大量のエネルギーのようです。絵の中の赤ちゃんは、静かにシーンを見つめています。このような強烈でありながら静かな皮肉は、ファンリージュンの最近の作品で最も魅力的な部分です。近年、彼の作品は画面がますます大きくなる傾向を示しています。さらに、彼の過去の作品は主にbげた人物に関するものでしたが、最近の作品ではますます多くの赤ん坊の人物が取り上げられています。これは、2005年に彼が娘を得ることと密接に関連している可能性があります。娘の誕生は、彼の人生が父親の人生に変わり、無意識のうちに彼の個人的な生活に溶け込んだFang Lijunへの大きな変化だったに違いありませんワークスタイル。

ゾロ・フェイグル
潮のほぐし
ゾロ・フェイグルの作品は、動きとそのような動きによって残されたさまざまな痕跡で構成されています。彼の作品は、ロープに伝わる運動エネルギーと繰り返しパターンの組み合わせによって作成された強力かつエレガントなインスタレーションです。 <潮のほぐし>(2014)は、海の上昇と下降によって作られた創造物であり、海は海岸を形成し、海岸は海の形成に順番に貢献します。空間に広がる2本の太いロープは、海が岸に水を押し付けるように止まります。まるで出入りする潮の流れを模倣しているかのように、ロープは接触し、横に動き、そして再び緩む。 (2015)では、黒いフープがスチールパイプに沿って前後に動き、ある種の子供たちが遊ぶゲームのように端から端までくるくる回ってくるくる回っています。時々、フープはねじれたり曲がったりしながら激しく跳ね返り、突然完全に調和して優雅に踊ります。小さなフープは大きなフープを簡単に通り抜け、お互いの動きを絶え間なく中断し、互いにぶつかり、リズミカルな振り付けを作成します。 <ポッピー>(2012)巨大なターポリンが波のエレガントなダンスで広がり、カールは何とか壊れやすく繊細なケシの花に似ています。しかし、この催眠術をかけるダンスには魅力的な力が働いています。重力、摩擦、遠心力の間の積極的な戦いが現れます。

イベリス・ガルディア・フェラッティ
セルヴィッチ
『動きのない音、音のない画像はありません。これらの3つの要素は、絶望的に絡み合っている必要な共犯者です。 「イベリッセ」のパフォーマンス<セルヴィージ>(2016)は、中国の道教(武当山)と仏教(少林寺)の僧ksから武術、カンフー、鞭を3か月間習得したインスピレーションによって開発されました。白い壁に対する鞭の鞭打ちのパフォーマンスは、イベリッセに対する周期的な瞑想の仕事です。鞭の動きは音を出し、白い壁に黒い痕跡を残します。パフォーマンスは少なくとも3時間続き、時間が経つにつれて、壁に徐々に刻まれていくのは痕跡であり、動き、音、画像へのオマージュです。

プロビルグプタ
レクイエム
(2016)は、子供、少女、女性を性的奴隷として扱い、機械のように働かせることに対する非人道的な虐待を示しています。プロビル・グプタは、この仕事を通じて今日の性的奴隷に敬意を表しています。作品の裏にある鉄板には、a致された女性をofぶ花の名前が刻まれています。この視覚的に異常な仕事は、人間の残虐行為の比phor的な翻訳を提供します。 <私たちは同じボートにいる兄弟>(2012)は、インドのユダヤ人のディアスポラを反映しています。ヒンドゥー教徒、イスラム教徒、キリスト教徒が平和的に共存し、イスラム過激派の間でジストピアで幸せな生活を送っています。ユダヤ人のシナゴーグを管理する保護者は、第三世代のイスラム教徒です。映画では、スケルトン、オブジェクト、イスラエルからのフィードバックの構造が組み込まれたシーンを目撃できます。アーネスト・ヘミングウェイによって書かれた<老人と海>を参考書として持ち、コルカタの混雑した道路で平和に、そして脅かされずに共存しているユダヤ人とイスラム教徒の現実の状況に触発されました。

ホン・ウォンソク
ホン・ウォンソクの運転手サービス・プロジェクト-JOCYOUS EXPERIENCE、SOCAR
Hong Wonseokの(2016)は、いくつかのプロジェクトで構成されたパフォーマンス作品です。プロジェクトは、70年代および80年代の韓国・中国・日本の先住民族の自治的前衛を扱ったプロジェクト1と、90年代以降の釜山美術館とグローバルビエンナーレを扱ったプロジェクト2で構成されています。参加アーティスト、キュレーター、市民は、KISWIRE Suyeong工場を含む2つの展示ホール間をタクシーで移動し、韓国と世界、生活と文化、商業的可能性、国に関する質問と回答を交換します。アーティストは、自分の作品が、市場の非効率性、人間の非合理性、市場や制度に従属する芸術の根本的な脆弱性などが反映される不快で苦痛な場になることを望んでいます。 Hong Wonseokの(2016)は、このビエンナーレのテーマ「Hybridizing Earth Discussing Multitude」の縮図です。

HU Jieming
同期
Hu Jiemingの(2016)は、大規模な写真の撮影方法を取り入れたビデオ作品です。それは、時空を超えて旅する大勢の人々を撮影した作品です。大規模な写真の中の人々のアイデンティティは、混合された空間と時間で展開します。変化するさまざまなシーンには、あらゆる種類の物語が含まれています。映画の主題は遠い過去の写真から取られました。アーティストの友人から異なる時代の歴史上の人物まで、写真に写っている人々の範囲は非常に広範です。 Hu Jiemingは、特殊効果を使用して、写真の各人物の顔に動きを与えることで新しい物語を書きます。異なる空間と時間から来た写真の人々は、異なる身体的特徴を持っています。単一の空間と時間を介してそれらを一緒にコンパイルすることにより、アーティストは混血のアイデンティティと人生のさまざまな旅のそれぞれを表現しようとします。

サレ・フセイン
そして、私たちの周りのすべてが美しい
Saleh Huseinの(2016)は、インドネシアのイスラム社会主義の希望と夢への賛美歌である「Thahaja PASI」(PASIの光)に基づいた架空の作品です。 1966年の暴動の間、インドネシア政府は社会を保護するという名の下で共産主義または社会主義に関連するすべてのものを禁止しました。歌、作曲、賛美歌も禁止されたものに含まれていました。アーティストの作品は、政党が政治声明、統一メカニズム、または人々を制御または扇動するためのツールとして歌をどのように利用できるかを検証します。そうするために、芸術家は西洋文化(オーケストラと合唱団の金管楽器の部分)の使用を通してグローバル化に関するアラブ人の見方に反論します。この作品は「layartancep」(屋外映画上映)を再現します。これは、昔インドネシアで政治のプロパガンダツールとしてよく使用されていた一種の上映です。

Erdal INCI
タクシムスパイラル
マルチメディアアーティストErdalInciは、彼のビデオ作品を通してクローンの動きを実験します。アーティストは、光やその他のオブジェクトを運ぶ公共スペースを移動する催眠ビデオまたはGIFファイルを作成します。 Inciは影にすぎないように見えるか、光への露出に応じて完全に消えて、さらに神秘的で夢のようなビデオを作成します。 Inciは、記録されたパフォーマンスを複製し続けると、ビデオが永久に移動するという事実に注目しました。同じ動きのすべての時相は、1秒または2秒などの短時間で見ることができます。 Inciは、これにより視聴者が大勢の人々を演出する振付師や、形や色ではなく動きでフレームを埋めることができる画家のように考えることができると考えました。 ErdalInciは、伝統的な工芸品、ダンス、繰り返しで使用されるパターンに触発されました。彼の作品は、動き、パフォーマンス、および実際の環境の要約として説明できます。

チャン・ジェロック
別の風景
チャン・ジャロックは巨大な人工構造物と繊細な機械装置に魅了されました。したがって、彼の東洋の絵画は、まるですべての距離が機械的に測定されたかのように、定規のマーキングを使用して、平面図のように描かれています。彼らは、ブラシのストロークで打ち消される陽気なまたは鮮やかな絵画とはほど遠い。私たちが住んでいる世界は、機械と人工構造物でいっぱいです。アーティストは、機械の外観を滑らかに仕上げるだけではありません。彼の作品の機械や構造は、奇妙で恐ろしい解剖図のように見えます。

JIAアイリ
惑星からの隠者Ⅱ
中国の北東部は、中国の重工業の中心であると同時に、中国の近代史において数多くの歴史的イベントが開催された場所でもあります。北東部と北部地域は、中国の急速な経済成長を早期にもたらしましたが、80年代から90年代にかけて経済が衰退しました。その結果、重工業の工場の大部分が破産または閉鎖され、何百、何千もの工場労働者が仕事を変更または辞めることになりました。瞬く間に、過去の計画経済の下での絶対的平等主義は、パフォーマンスベースの市場経済に変換されます。社会が経験した工場労働者を含む不幸と荒廃は、時代の傷跡と痛みになりました。その特定の期間を徹底的に観察したJia Ailiの作品の最も顕著な部分は、「廃in」のシーンです。物事が「廃in」になっているような感覚を与えるために、Jia Ailiは機械と人々を彼の作品でぼんやりとぼやけさせます。これにより、視聴者は混chaとした環境と個人の孤独を想像して感じることができます。彼の絵画に表れた人々の生活はすべて時代の無力感を持ち、人間は巨大なスクリーンに対して弱くて疲れた存在としてのみ残されています。彼の作品は、私たちの過去を振り返り、現実を掴むことを余儀なくされる悲しい未来について語ります。ジャー・アイリの新作<惑星からの隠者>(2016)の舞台は無限に広く居心地の良いスクリーンを背景に設定されているにもかかわらず、彼の作品のすべてに一貫して存在する「廃in」の感覚残っています。

ジン・ヤンピン
バルーンヒットNO.1
アーティストのジン・ヤンピンは、モダニズムと社会主義の幻滅と嫌悪感を楽しんでおり、「Bクラスの絵画」を公然と作成しています。 「Bクラスの絵画」は、人類の精神が持つ普遍的な弱点と現代の人間の存在の根本的な脆弱性を攻撃するために、主流の価値と形を公然と歪曲し、打倒する傾向を説明しています。脱構築主義がスターリン主義の抑圧的な性質を非難し、新自由主義のメタディスコースを脱構築するかのように、芸術家は時代の中国美術の形式と内容の両方を攻撃します。ジン・ヤンピンは創造性と独創性を模倣し、作品の完成を追求しません。彼の作品は、不連続でランダムな断片的な方法で表現されています。ジン・ヤンピンの作品は「反周期哲学」であり、それが「Bクラスのアーティスト」が描く方法です。

リーナ・カラット
ハイフン付きの生活
(2015-2016)は、自然界で起こっている幻想的な突然変異の再構成です。さまざまな国を象徴するさまざまな種の鳥、動物、木、花が交配され、象徴的な方法でハイフンによって国間の紛争を結びつけます。 Reena Kallatは、人間以外の種を使用することで、何かの存在または絶滅が他の種に与える影響を表現する必要性を感じました。そのような作品のシリーズのモチーフは、電線から来ました。思考と情報を転送する電気ケーブルは、人々を結び付け、障壁などの有刺鉄線を変換する、手間のかかる織りの絡み合いを形成します。このような独立と相互依存の探求は、対立する自分自身、隣人、そしておそらくは国々の間の関係に光を投げかけます。それはまた、私たちの複雑な存在を構成する多くの異なる関係と境界を熟考させます。アーティストは長年同じコンテキストで作品を続けており、シドニーのキャンベルタウンアーツセンターで発表されたは、こうした一連の作品の始まりでした。仕事の焦点は、政治的に分割されたが歴史的に近い国に対する長年の関心から、インド-パキスタン、アイルランド-イングランド、イスラエル-パレスチナ、韓国などの分割された国の間の紛争および紛争の根源にある天然資源に拡大しました-北朝鮮、およびアメリカ-キューバ。

キム・ハクJ
欲望と宇宙の間
キム・ハクJは、「世界の群れの知性は本当に同情し、正しい方向に動いているのか?」という疑問を投げかけます。人類は歴史の各時期にその脆弱性の痕跡を残しています。欲望の歴史」。今日採用されている群知能によって表される形の最良の価値は、急速に発展している技術および宇宙における我々のその後の存在として定義することができます。アーティストは、そのような価値を獲得するための世界の知性の統合と、紛争の背後に隠された欲望の暗い影を表現しようとしています。偽の衛星が墓のように床と壁に設置され、衛星の翼に取り付けられた写真は、「資本主義の通貨資本の自由な流れを前提とする「統合失調症現象」と「欲望」の象徴的なコードを提示しますマシン」、Gilles DeleuzeとFelix Guattariが提案したデコードされたフローを前提とする唯一の社会。ロボットが広大な空間で寂しい散歩をしている様子と人間が壁の表面に映し出され、全体的に「暗示された」雰囲気を作り出しています。ポップミュージックのパイオニアであるデビッドボウイのエイリアンとのコミュニケーションに関する「宇宙の奇異」と10 CCの「私は恋をしていない」がクロスカットされて演奏されています。

クォン・サンクワン
闇の谷
クォン・サンクワンは、彼の作品で現代史に関連するシーンを展示しています。数十年前に起こった「No Gun Ri Massacre」という現代史の悲劇は、その場所からキャンバスに運ばれました。朝鮮戦争中に北朝鮮人民軍の侵略を避けていたアメリカ兵によって300人の避難民が殺害された史跡は、黒いカーテンのようにぶら下がっています。
多数の可能性から選択されたシーン、あいまいな写真は、何の対策も講じられずにかすんだ霧に覆われた重要な歴史的出来事を語っています。確かに、単純な事実がシーンに取り込まれますが、それを開かずに、見えないものを見せることによって、アーティストは暗い黒いカーテンを観客に任せて自分で持ち上げます。

イ・シーヒョン
Red-187間
リー・シーヒョンのscar色の風景は、まるで幻覚を引き起こすかのように、視覚的に非常に強い影響を与えます。作品は不自然で非現実的です。しかし、夢のようなファンタジーを押し進め、それらを詳しく見てみると、なじみのある非常にリアルな風景に出会うでしょう。私たちを取り巻く自然、建物、町、出来事が絵画を完全に占めています。彼の作品は写実的で美しいが、やや悲しみがある。これは、1つの絵に人生の4つの段階と、人間と自然が持つあらゆる種類の感情が含まれているためです。彼は節度のない人間に固有の暴力的な視点を明らかにし、自然に刻まれた歴史の傷を率直に示し、東洋と西洋、人間と自然についての新しい推論方法を示しています。彼の作品は、人間と自然の両方の傷を受け入れています。

リー・リーナム
ハイブリッド化する地球
現代の科学技術の発展は、文化と知覚の変化の間の交換をもたらしました。特に、人間によるメディアの使用により、政治、文化、技術が組み合わされた新しい形の芸術の実現が可能になりました。さらに、ポストモダニズムの観点から見ると、メディアはアバンギャルドよりもずっと連続的で革新的です。ビデオから始まったこの世紀の技術革命は、仮想現実と高度なデジタル技術の再現だけでなく、今日の仮想彫刻にもつながっています。新しいデジタルメディアにより、世界中の人々が過去、現在、未来の時間と空間を自由に移動できるようになりました。それは視覚とパラダイムの変化をもたらしました。
資本主義の発展とグローバル化によるさまざまな文化的要素の流入との交配を再現するメディアは、文化、歴史、社会現象、メディアの特性、メッセージなどのさまざまな要因間の相互作用によって作られました。メディアのハイブリッド化は、人種、言語、サイン、イメージ、文化などのメディアのキャリアを通じて新しいイデオロギーを作成しました。リー・リーナムは、メディアが地球の混成をどのように扱っているか、または地球の混成に代表される今日の現実を調査しようとしています。 VRを装着すると、3Dの漢字で満たされた仮想空間にいることに気付くでしょう。これは、文字や映画などのさまざまなメディアの混合によって影響を受ける人間の認知システムの視覚化です。 「文字」として長年の歴史を持つ漢字の画像がデータとして消える方法、デジタル空間のピクセルは主題の本質と価値に疑問を投げかけます。

李明
移動
李明は、パフォーマンスとビデオ作品を通じて、個人と社会の関係の中核を突き刺す研究を続けています。アーティスト自身がこの展覧会で発表された3つの作品に登場し、彼の体はアーティストの思考を表す優れた実用的なパラメーターになります。限られた時間のビデオ作品では、アーティストは身体を使って繰り返し運動を延々と続け、これは身体的および心理的に完全に燃え尽きるまで続きます。彼の作品に暗示されている彼の「強迫観念」は非常に魅力的です。 <361>(2014-2016)は、361個の使い捨てライターの破壊に関する映画です。このパフォーマンスのために、Li Mingは使い捨てライターとドキュメンタリーフィルム制作に関する文献を徹底的に研究しました。アーティストは、自己反映、特定の個人的な目標や社会的アイデンティティに起因する落胆がない場合でもコミュニティ全体がどのように機能するかについての研究を行ってきました。 (2014)は、合計8台のテレビと2台のシンクロナイザーで構成されています。 4台のテレビが1台のシンクロナイザーに接続され、8つのビデオが同時に再生されます。 (2011)は、4つのテレビ画面を十字形に配置しています。左右の画面には、自然の力と人工的な力に関するアーティストの考えが表示されます。この作品により、視聴者はアーティストの哲学とイデオロギーを理解できます。

ローラ・リマ
Ascenseur
ローラ・リマは自身が「イメージ」と呼んでいる作品を発表しました。リマの「イメージ」はパフォーマンスではなく、インスタレーションでも映画でもありません。アーティストが使用する「画像」は、視覚的な明瞭さと事実に基づく堅固さを蓄積した概念化された作品です。このような厳密に概念的なプロジェクトを象徴する作品の中で、は最もよく知られています。ローラリマの作品の一部は、観賞哲学の概念に関連しています。リマは、「装飾品は重要ではない」という従来の考え方に直接反対しています。彼女は、一般的かつ慣習的であると考えられる定義と概念をひねり、覆します。
Busan Biennale2016で発表された彼女の作品(2013、2016)がアジアで上映されるのは初めてです。この作品の前に立って、壁の下から手を伸ばして鍵のセットを模索している腕に直面しています。アーティストは、この腕は私たちにとって無頓着であると簡単に考える一方で、他の誰かのものでなければならないと考えていましたが、実際にはその腕は私たちのものであると考えました。この意味で、作品はプレゼンスと相互作用の最も基本的な形態に触れています。

LI信義
世界の中心
Liu Xinyiは、彼の作品を通じて、国際文化の衝突とその解決策に対する深い関心を示しています。展覧会に提出された彼の(2011)は、東西両方の多くの国がなぜ自分たちの国を中央に置いた世界地図を発行するのかという質問から始まり、回転する世界を人体の腰として投影することで、Li信義は、人間の排泄の出口を世界の中心にし、世界の絶対的な中心が存在しないことをユーモラスに表現しました。夜の金融センターの画像が単一の島を形成するために収集および編集された別の作品(2012)では、海洋都市の派手でありながら虚ろなmi気楼が目の前に現れます。このような夢のような風景は、変形して不必要な発展を積極的に推し進め、バブル経済の被災地となった中国社会を表しています。

ダナ・リクセンバーグ
宮廷
Dana Lixenbergの(1993-2015)プロジェクトは、ビデオ作品と広範な白黒写真のシリーズを組み合わせて、ロサンゼルス中南部の小さなコミュニティがどのように変化するかを追跡します。写真とビデオは、1992年4月のロドニー・キング暴動をきっかけにロサンゼルスを旅行中に慣れ親しんだ帝国裁判所の居住者との幅広い協力関係から生まれた作品です。 1993年から2015年の春までの22年間、Lixenbergはコミュニティの広範な肖像画を作成し、破壊の場所から目をそらして、災害が発生した場合にのみ注目の的となる人々の典型的な生活に目を向けました。 Imperial Courtsで作成された作品には、393枚の白黒写真、2015年にRoma Publicationsが発行した本、ループ上で実行される63分間の3チャンネルビデオ投影が含まれます。 Lixenbergの映画に収められた宮廷での生活は、ドラマや演劇から意味のない日常生活に至るまで、幅広いスペクトルを形成しています。それは、しばしば異常で極端なものとしてm笑されたアメリカの都市の日常生活の場面を含んでいます。帝国裁判所は、不変の都市景観を背景に設定され、コミュニティの継続性を生み出し、センセーショナル主義と光景に反対し、何よりも感性を選択します。このようなアプローチで作成された(1993-2015)は、22年間にわたってアフリカ系アメリカ人とラテンアメリカ人の生活をさまざまな方法で記録しました。

ザビエル・ルチェシ
イザベル
アーティストXavier Lucchesiは、カメラを使用せずに画像を表現しようとしました。そのために、ルッケシはカメラとはまったく異なる画像を作成できるカメラ以外の機器を使用しました。彼は、X線装置とスキャナーを使用して画像を作成しました。彼のイメージは、イメージ作成の最も一般的な方法に従っていませんが、光線がオブジェクトを通過することによって形成されます。オブジェクトの背後の領域の表面に向けられたX線ビームは、実際のオブジェクトの影を取り除きます。これが影であり、見ることができる「幻想」です。オブジェクトを通過する光線は、単に一方の端から他方への移動を意味するものではありません。光線が物体を通過するという事実は、物体の存在が明確に知られていることを意味します。これは、人の目をまっすぐ見つめ、魂を見通すようなものです。ルッケシは、ピカソの絵画などの傑作を作品に使用する際、作品の隠れた側面を明らかにせず、視覚的に劇的なシーンのみを表現しようとします。さらに、脳の力が、まだ明らかにされていないものや見られていないものをシミュレートして描画する脳の能力と一致する収束点があるという事実に焦点を当てています。

ザネレ・ムホリ
アバンダとヌランモレミの結婚式
アフリカの多くの国は同性愛嫌悪の法律を制定し、西部の同性愛者に対する偏見を表明しましたが、南アフリカ共和国は同性結婚を認める法律を制定することで彼らと区別しました。それでも、LGBTのアフリカ系アメリカ人(レズビアン、ゲイ、バイセクシュアル、トランスジェンダー、インターセクシュアルを含む性的マイノリティ)は、憎悪犯罪に苦しんでいます。彼らの間で特に脆弱な黒人レズビアンは、しばしば冷血な殺人の犠牲者になるか、彼らの周りの人々または彼らのいわゆる「友人」による「治療の口実の下でのレイプ」に苦しみます。 2013年、ムホリは南アフリカ共和国の黒人LGBTコミュニティの幸福と悲しみ、結婚式、葬儀を結び付けるイベントを記録しました。 ZaneleMuholiの写真インスタレーションは、悲しい出来事と幸せな出来事がどのように類似性を共有できるかを示しています。この作品は、個人のアイデンティティを表現するためのスペースの必要性を強調しています。

オ・ユンソク
隠された記憶-ハーブ1、2
(2016)シリーズの主なトピックは、「人間の隠された記憶に明らかにされた多面的な紛争、恐怖、恐怖」を癒すことです。私の作品は、隠された記憶と、心の病気、grみ、resみを治療する「バイオコード」によって動機付けられたものを作成する意欲を示しています。この作品には、花、ハーブ、テキストを提示することにより、現代人への花のオマージュの意味が含まれています。このシリーズは、主題や記憶を再現することで固定された画像や意味を提供するのではなく、記憶や主題から推測される宗教的な文章や自白のテキストを分解し、それらを再構成し、画像と組み合わせて抽象的なテキストではなく視覚化されたテキストを作成します。それらは、「読む」と「魅惑する」間のどこかで、観客との出会いを待つ存在になります。

OLTA
ウォーキングカスケード
OLTAは、多摩美術大学で絵画を専攻した6人の日本人アーティストによって2009年に結成されたグループです。私たちの日常生活は、メディアから送信されるビデオなどの膨大な量の情報で溢れています。 OLTAは、このようなデジタルメディアでの経験を(2016)の滝と比較しています。滝に到達する旅から、目の前のパノラマの景色、滝の音、温度、湿度、周囲の環境まで、あらゆる感​​覚を使って滝を受け入れます。これに関連して、「撮影された」ビデオはセカンダリーにしかできません。 OLTAは、新しい作品を通じて、情報の蓄積と変換を3つの方法で視覚化しようとします。アーティストの体をビデオの作成者として使用し、情報受信者の体を使用し、記録および記録するメディアを使用します。この展覧会では、OLTAは仏教の祈りを唱えながら踊る西日本の日本の仏教の伝統的な民俗舞踊家である六年念仏踊りに触発されたパフォーマンスを実行します。その形式と伝統はさまざまですが、ほとんどの場合、数人のグループが村のドアからドアへと訪問し、ドラム、ベル、パイプの音に合わせて一晩中踊ります。 OLTAのパフォーマンスでは、メンバーは自分の声や典型的な家で簡単に見つけられるオブジェクトで作られた楽器の音に合わせて踊ります。インスタレーションは、パフォーマンスの撮影、リピート、プレイ、観客の動きの組み合わせにより完成します。

オーラン
Bejing Opera Self Hybridization n°6
ORLANは自身の身体を素材として使用し、作品の視覚的なサポートを行っています。彼女は自分の体を議論や展示の場として使っています。彼女はボディーアートの先駆者であり、1989年の声明で定義されている「肉体芸術」の主要人物です。オーランの粘り強さと自由は彼女の作品の重要な部分です。彼女は、すべての作品で革新、疑問、破壊的な態度を堅持しています。 ORLANは、データへの基本的な変更を絶えず実装することで、「既製」の思考プロセスと慣習を破壊します。彼女は、社会的、政治的、自然の決定論、男性の排外主義、宗教、文化的分裂、人種差別などの支配的な種類に反対しています。 ORLANは、バロック時代の女性の身体と宗教的な図像だけでなく、コロンブスがアメリカ大陸を発見する前のインドと中国の文化を探求しています。同時に、彼女は最新の科学、生物学、およびコンピューターテクノロジーを使用して、物理的、感情的、仮想現実を調べます。彼女の最近のシリーズ作品(2014)で、ORLANは北京オペラのマスクをインタラクティブな技術に移植します。拡張現実のアプリケーションである「Augment」を使用することで、彼女はセルフハイブリダイゼーションとすべてのソースをQRコードに変換します。 ORLANは、女性が禁止されている北京オペラの観客のタブレットやスマートフォンにアバターを表示することで、アクロバットを披露します。観客はこれらの3Dアバターで写真を撮ることもできます。

ターニャ・オストジー
成功戦略/キュレーターシリーズ
Tanja Ostojicは、パフォーマンス、ビデオ、写真などのさまざまなメディアを使用して、多面的な研究を行い、ヨーロッパ社会とアート世界が直面する問題について質問する実践的なアーティストです。彼女の主要なプロジェクトの1つであるは、ジプシーとの強い絆を形成し、地元のコミュニティや活動家が議論に参加できるプラットフォームに植民地時代の傷をさらすことで、深い悲しみを共有し癒す場を準備します。特に、展覧会に提出される<裸の生活6>は、ジプシーの貧困生活、社会的および政治的排除、国外追放、人種差別、外国人嫌悪などの問題に対処するためのプレゼンテーション形式のパフォーマンスです。この仕事を通して、彼女は「今日の現代ヨーロッパ社会で特定の民族グループが政治的および社会的に常に人権をさらされ、奪われているのはどのように可能か」という倫理的疑問を投げかけています。

PAKシェンチュエン
視覚的経験のない旅行(#3)
<視覚的経験のない旅行(#3)>(2008)は、Pak Sheung Chuenの4泊5日のマレーシア旅行から始まります。彼は旅全体で目を閉じたり、目を隠したりしました。旅行中、彼はまだすべての観光を行っていて、多くの写真を撮りましたが、見る代わりに、彼は自分の体を使って周囲の感覚と経験をするだけでした。すべての画像は、ツアーグループの他のメンバーからの写真とビデオとともに、マレーシアの間接的な記憶と視覚的経験の唯一の参照となりました。写真は完全に暗い部屋で見せなければなりません。視聴者は、室内で画像をキャプチャするために、独自のフラッシュカメラを持ち込む必要があります。

パク・ジヘ
愛情
個人の価値を定義する基準は、社会的基準によって分類できます。言い換えれば、そのような価値が外部の影響によって受け入れられたり、不満を抱いたりするときに、対立が生じます。ただし、個人の欲求は、社会的基準によって規制されているため、少なくともある程度抑制されています。したがって、個々の欲求の形は異なる場合がありますが、そのような社会的圧力によって引き起こされる心理的不安はあらゆる関係に固有であり、そのような不安は複雑な方法で一人の個人を他方に接続します。これは、現代社会における暴力の継続という形で表現されています。私はそのような暴力を人間関係とその相互作用に関連する問題として認識し、それらをアートワークの形でレイアウトしようとします。関係についての熟考は、巨大な存在ではなく、愛、ロマンチックな関係、je、思いやり、そして個人の日常生活に最も近いものと密接に関連しています。最も近い関係は、他のどの関係よりもはるかに多くの習慣、神話、および形式に支配されている空間です。そのスペースは、2人の個人が出会うことで作られた会場のように思えるかもしれませんが、実際には、多数の概念や欲求が衝突、交換、妥協する複雑な会場であり、基本的な対立が休止している会場です。アーティストは、個人的な経験と現実の出来事を象徴的なオブジェクト、物語、おとぎ話と組み合わせることで、一方的な強迫観念、密接な関係の背後に隠された欲求、および関係の下にある暴力を捉えます。彼女は、関係における愛情や対立だけでなく、社会との関係を形成する隠れた皮肉、対立、不安が、水平時間と垂直時間が交差する交差点で交差する攻撃的な状況を作り出すことにより、非常に現実的で非現実的なビデオを制作します。

フン・チー・ペン
神ポンド釜山
1980年代の台湾でのギャンブルの流行の際に、小柄な神の像が特に人気になりました。勝者の数をうまく把握できなかった後、これらの多くは、所有者の膨らんだ非現実的な期待を満たせないときに犬がポンドに送られるように、虐待され、リサイクルセンターで放棄されました。このように、逆転のかなり異常な例と思われるものにおいて、人類は報復を恐れることなく、神々を罰するために自由を取りました。さらに、これらの神々は、簡単に操作可能なサイズで都合よく具体化されました。インスタレーション<神ポンド釜山>(2016)では、501人の神が空間全体を満たし、台湾の人形劇セットに囲まれたスクリーンを見ています。ビデオでは、犬が偶像化された船から放棄された遺体に至る神々の物語を語り、神のポンドとそれに対応する犬の類似点を思い出させます。ユビキタスな商品フェチと市場価値を知らない神聖なトーテムのどこかで、これらの小さな存在の蓄積は、彼らが最初に所有すると考えられていた大きな力と、価値のないキャストオフとしての現在の状態の両方を伝えました。

プシュパマラN
良い遺伝子-衛生
アーティストは、医療モデルを使用して、友人の助けを借りてさまざまな動きを実行します。宗教的な儀式に似た動きは、魅力的なマジックショーのような舞台で行われます。このビデオは、国民国家であるプシュパマラN.ポーズの概念に関する質問に答えるために作成された長期プロジェクトの一部です。ビデオでは、人類学、民族学、優生学の歴史を通じて理想的なコミュニティを作成することを目的とした政府のプロジェクトを取り上げています。彼女の作品では、彼女は自分で動きを実行し、「結果」としての役割と、探検の中心に位置する歴史の「エージェント」の役割を果たします。

ジョアンナ・ラジコフスカ
私の父はそのように私に触れたことはありません
ジョアンナ・ラジコフスカのビデオ作品「私の父は私に決して触れなかった」は、父と娘の間の壊れた関係に焦点を当てた説明です。アーティストは彼女の父親に彼女の顔を愛toするように頼みましたが、それはおそらく彼女が行った最初と最後の要求でした。彼女の父親は、第二次世界大戦中にアウシュヴィッツ強制収容所に送られてから最初に逃げてから、家族と妻を離れるまで、逃亡生活を送っていました。彼は小さな赤ちゃんのおむつを替えたり、小学校の入学式に出席したり、血液中毒のために入院したりしたこともありませんでした。彼は彼の妻が彼女の死への道を求めた彼自身の名前を無視するまで行きました。作品の日常生活の表面にある記憶の層を取り除くことで、アーティストは私たち全員が持っている過去の傷を優しく愛careします。

ロビン・ロード
月は眠っている
ロビンロードは、通常、石鹸、木炭、チョーク、水彩画などの一般的な素材を使用して、パフォーマンス、描画、およびビデオで美しい生活の叙事詩を表現します。社会的および政治的問題に幅広い関心を自分の方法で表現するアーティストは、主に作品を街路に置き、複雑な美学を強化して美しい壁画を作成します。展覧会に提出された彼のは、南アフリカの詩人ドン・マテラの詩から借りたもので、画面に響く弱くて弱い声を持つことで、彼は尋問室に投獄された経験を説明していますアパルトヘイトがピークに達した時間。目の前に広がる象徴的なイメージを見ている少年のストップモーションアニメーションを通じて、アーティストは力、アイデンティティ、自由、そして恵みを表現します。彼の別の作品「The Moon is Asleep」では、恋人が病気で亡くなる悲しみの日々を月のない夜と表現し、老人のナレーションとナレーションの最後の言葉「孤立」を通して悲しみと悲しみを伝えています。

シェン・シャオミン
美術史
シェンシャオミンは、コンセプチュアルアートとインスタレーションアートで活動する中国のアーティストです。彼の作品のほとんどは、美術史に存在するいくつかの問題の研究と考察に関連しています。同時に、彼は絶えず「オピニオンリーダー」のような現代社会の問題を明らかにし、批判しています。彼の最近の作品(2015)は、現在進行中の研究プロジェクトである大規模なインタラクティブインスタレーションです。 <美術史>(2015)は50のヘッドフォンと50のマイクで構成されています。芸術の定義に関するアーティストの研究の結果に関するナレーションはヘッドフォンから聞くことができ、声を聞いている聴衆はマイクで芸術の定義に関する考えについて話すことができます。ストーリーはコンピューターに渡され、キャラクターに変換され、印刷され、1つの本にまとめられます。これらの「共有ステートメント」はそのまま完成し、最終的にアーティストのアーカイブになります。シェン・シャオミンは、この作品を通じて、一般の人々の参加を奨励することで、芸術の定義を豊かにすることで、学者と批評家だけが入ることができる不可侵の領域と見なされる芸術の歴史を開き、編集し、拡大します。

カタリーナ・シーバリング
真夜中の太陽を見る(赤)
KATHARINA SIEVERDINGの作品は、地球が夜の暗闇で明るく輝く太陽を示しています。日没から日の出まで、太陽は確かにさまざまな色に満ちています。カタリーナ・シーバリングは、生物と宇宙との相互接続に焦点を当てています。このアーティストは、2010年にNASAによって打ち上げられた太陽動力学天文台から視覚情報を受け取り、それを芸術作品に変えました。この作品を通して、彼女は科学と生物政治のさまざまな側面を神聖な人間の存在と結び付けます。

ローマの署名者
砂、椅子、バケツ、水を使用した設置
Roman Signerが構築する芸術的なイベントは、プロセス、遊び、実験、そして不思議に基づいています。彼の素材は元素の物理現象であり、この芸術家の全作品に通ずるユーモアを考えると、さらに驚くべき観察です。これらの要素は、その素晴らしいユーモアの世界を示しています。アートの世界ではまだ発見されていない、非常に微妙なユーモアのブランドです。署名者の行動の静けさ、明快さ、軽さは私たちを感動させます。 70年代には、水が流れて椅子が椅子であることを実証するために正義に苦しんだ特定の芸術のトートロジー的な先導性が欠けています。署名者のジェスチャーは英雄的ではありませんが、サスペンスのドラマトゥルクとして現れ、爆発的な解放を引き起こし、心理感覚的な爆発さえ引き起こします。彼は独創的で個人主義的なアーティストの期待される役割を果たしていませんが、その驚くべき、疑いのない可能性を発見し、解放することでオブジェクトに注意を引き付けます。通常のスプレー缶とゴム長靴、自転車とキッチンチェアの可能性については知っていますが、知識の地平線とこの世界の物事との関係の両方がどれだけ制限されているかも学びます。

シニーク・スミス
ほこり、汚れなし
Shinique Smithの3つのパフォーマンス作品は、主にジェスチャー、オブジェクト、および概念的なインスピレーションについてです。彼女の作品は、占星術、錬金術、神話の叙情詩、都市交差点の動きに影響を受けました。アーティストゲーリーペノックとのコラボレーションで作成された(2015)は、スミスの壁画<セブンムーンジャンクション>の前で空撮および地上ビデオ撮影を使用して撮影されました。彼女の人生に影響を与えたアーティストの個人的な歴史と出来事に基づいて、パフォーマンスはスミスの絵画、大規模なインスタレーション、その他のパフォーマンス作品をカバーしています。彼女がどのように作品の制作や展示会のプレゼンテーションにうまく取り組んでいるかを示しています。彼女は幼い頃、「彼女が幼い頃、スーフィーの旋舞する教団を知ったので、無邪気に彼らのように踊ろうとした」と語っています。心が解放されるまで、ボルティモアのフードの裏庭でスピンします。」このスミスの経験は、壁画でダンサーの催眠術の動きを表現し、拡大するプロジェクトの出発点となりました。作品のダンサーは、パラソルや大きなシルクの服を着て作られたスミスの衣装を着ています。 KAIROS Dance Companyもスミスに似たアイデアを持っていましたが、彼女の洞察力の自発性に従い、既存の作品「Her」から抽出された動きの一部を追加することで、この魅力的でダイナミックなコラボレーション作品の作成に貢献しました。ゲイリー・ペノックのプロの編集技術と構成は、この作品でのスミスのアイデアの現れに完璧さを加えました。

ソン・ジョンヒ
エンクロージャー
ソン・ジョンヒは、粘土を使って彼女の奥深くに隠された夢を実現することに焦点を当てています。パブロ・ピカソがかつて「想像できるものはすべて本物だ」と言っていたように、彼女が表現している想像上の世界は、彼女が手で粘土を焼き、焼いた瞬間に本物になります。ソン・ジョンヒの作品のテーマは彼女の日常生活から来ました。白雪姫のようなおとぎ話を小さな子供たちに読み、ハッピーエンドをゆがめ、風刺することが彼女の作品のコンセプトになり、時が経つにつれて、彼女はあらゆる年齢や国から作品のさまざまな情報源を探しました。このようなストーリーは、アーティストの想像力の中断によって変容し、社会現象における歪みや風刺、批判のall話として機能します。ソン・ジョンヒの作品のすべてにある共通の感情は、同情、ユーモア、憧れ(resみ)、高騰です。人間への深い愛と愛情が彼女の作品に伝えられています。

ソン・キチョル
すでにここにいつものように平和的に存在しています。
海岸に流された子供たちの死体を見ると、私は自分の骨の中で、私たちは自由であるが完全に自由ではない世界に住んでいると感じています。領土の壁を越えて自由に移動できるものは、非生物です。そのような障壁は、領土、領土と生命、そして生命の間の目に見えない幽霊のように存在します。彼らは私たちを際限なく引き離し、真の敵対に立ち向かうことを不可能にします。この分離は、過去の南アフリカ共和国の悪名高い人種差別であるアパルトヘイトとは異なります。 <すでにここに平和的に存在している>(2016)は、未知の隣人との分離と私有財産権の保護を可能にする壁に設置された鉄棒の基本原理を視覚化します。そうすることで、幽霊のようなアパルトヘイトとの対立が可能になります。窓から災害から逃げる男のビデオと、根が燃え尽きる空中にぶら下がっている木、天秤のスケールの隠れた重さを明らかにする写真は、敵意の共存を可能にし、新しいそのような共存の残留物が維持されている現在の状況での生活。

スタジオCONTEXT
コクーン2
Studio CONTEXTは、デンマークのオーフス建築学校で始まり、世界中のさまざまな国の学生、建築家、市民が投入した献身と技術の組み合わせの結果を展示しています。 Studio CONTEXTは、地理的、歴史的、人類学的、社会的現象を反映した持続可能な建築と住宅を研究しています。また、多様な文化的要素が混在するデザインも検討します。釜山ビエンナーレ2016でStudio CONTEXTはプロジェクト(2015)を表示します。これは非常にユニークな素材である竹の木で作られた作品です。竹は、アジア諸国で何世紀にもわたって内装材や家庭用品を作るために使用されただけでなく、建築と設計の分野で有用な環境に優しい建築材料でもあります。竹の木と石で作られた最初の実験プロジェクトに続いて、(2015)は、教育的アプローチと機能、材料、構造に関する実験を通じて、パン文化コラボレーションの概念を引き出しました。すべての作品は、関連する地域の素材や気候に合わせて慎重に検討されており、地元住民との緊密な協力により形作られながら、実験的な性質が維持されました。 Cocoonプロジェクトは、スペース、建築、素材、竹の木の世界を探求する進行中のプロジェクトです。

田村悟
連絡先#2
「連絡先#2」は、単純ですが、オープンで誇張されたスイッチです。これは、電気から電力を供給してランプを点灯するためだけに設計されたデバイスです。接点は淡い火花を生成し、白熱灯と連動して点滅し、電気的な「接触」があることを物理的に証明します。白熱灯は火花を発する接点に対してのみ機能し、火花を発する接点は白熱灯をオンにすることのみです。作品のポイントは、この非常に即時の物理的存在であり、それはただ何度も行き来しています。田村悟は、意識的または無意識のうちに現実に立ち向かう方法を示しています。
私たちが住んでいる社会のすべてが何かになるわけではありません。すべての理由を見つけてそれを切望するのは、私たち人間だけです。資本主義社会に住む人間は、開発と成長の名のもとに無差別に自然を破壊し、互いに締め出し、人種、宗教、社会の違いを認識しない盲目的な信仰に基づいて対立を生み出します。これらはすべて人間の欲望のバリエーションです。芸術家は、芸術作品を作るときに目標を設定したり、何かを主張しようとはしません。それにもかかわらず、彼の作品は、現実と社会を見るレンズをリセットし、世俗的な苦しみを超えて存在する生き方を反映することを可能にします。

土屋信子
時間の始まり
土屋信子は人々の感情を刺激し、個人の世界に対する意識を喚起できる何かを創り出すよう努め、記憶と想像力の関係を明確に認識しようとします。彼女の作品は、さまざまな思考と、言語的、音楽的、論理的、機能的、官能的、経験的なもの、または定義できないものを使用して行われた決定の蓄積です。この作品を通して、アーティストは作品の構成要素を可能な限り最大限に圧縮して、均衡と不均衡の間の特定のポイントに到達しようとします。

ヤンガチ
オールドスパイス、ラングバージョン
ハン川。
広くて大きな家に登ります。すぐそこに、男の顔をした灰色オオカミが前進し、次々と人々を食べます。それは彼らの血を吸います。
巨大な家を登ると屋根が見えるようになり、正面には木でできた巨大な船が見えます。私が見ると、船は遊園地の海賊船のように前後に揺れ始めます。シュウク、シュウク。
それを知る前に、私は船の右端に座って見下ろしています。巨大な家から降りて、通りに沿って歩き始めます。
その後、起きます。

ユ・スングン
スペースの展示
ユ・スンフンは、釜山の地質史上、特別な歴史的背景により今日の都市空間に変わった釜山ビエンナーレ2016のメイン展示ホールに釜山の倉庫として建設されたスペースを使用することを検討します。 5ヶ月間、特定の場所での変化のプロセスが<空間の展示>(2016)のために記録されていたため、彼はこの地域と人間の問題に多くの関心を集めると信じています。彼の別の作品(2016)を通じて、彼は故郷の記憶と展示スペースを結びつけるつもりです。

ユン・ピルナム
手作りのファンタジー
小さな指紋がスマートフォンに接触すると、すべてが目の前に広がります。それらは目を通して見ることができ、心の中に見える世界です。小さなフレームに閉じ込められたあらゆる種類の浮遊する単語やテキストには、普遍的な力がありますが、簡単に浸透し、汚染され、消えてしまいます。黄色い塵が塵で世界を覆っているように、世界はテキストと画像でいっぱいです。私たちは外部からの光、音、味、タッチに注意を払っていますが、私たちの日常生活はバラバラになり、壊れたランプのように瞬きます。ある時点で、身体の動きと時間と労力を必要とする肉体労働は、その貴重な価値を失っています。今日の労働は、非常に疲労し、端末の干渉が遅れ、最終的に未完成のままになっているものです。心の目覚めでは体が重い重量になり、体の慣性で精神が騒音になります。それにもかかわらず、アーティストは、実際に世界を動かし、復元する力は肉体労働から来ると主張します。ユン・ピルナムは、動きを止めない肉体労働からプールされない日常生活の流れを追求すべきだと述べたいと思います。

カタリーナ・ZDJELAR
すべてがつもり
Katarina Zdjelarのビデオ(2008)は、ビートルズの歌「革命」を暗示しています。アーティストはノルウェーのロフォーテン諸島に移り、そこでアマチュア聖歌隊によって歌われます。彼らの子守luのようなコーラスの歌い方は、歌に不穏なほど批判的でないトーンを強要します。この作品は、ジョン・レノンが1968年に書いた歌詞の激変までの重要な距離と、歌の意味と作品に現れる中年の人々の間のイデオロギー的な距離の両方を明らかにしています。 Zdjelarのこの作品への関心は、物理的に不確実性を明らかにするプロセス、パフォーマンスを完璧にしようとする試み、および特異な声から集団を作り出すことにあります。主に個人の親密な存在に焦点を当てて、作品は曖昧なためらいの感覚で告発されます-自己を手放すことができない、またはその不完全さで個人であるか、または合併することを望まないことを示唆する準備共同声と感情。歌手と話し手は、歌う歌に距離感と冷たさを与えます。歌を歌いながら、彼らがもたらすものは希望よりも不吉に見えます。

ゼンハオ
2002年6月20日
Zeng Haoは、個人の心の状態、個人的な印象、キャンバスで感じた周囲の変化をキャプチャします。ベッド、クローゼット、ポット、内気なキャラクターの画像などの一般的なアイテムは、彼の絵画で見つけることができます。特に、5月の午前4時6分未満です。 1998年9月>(1998)は、彼の主要な作品のシリーズの1つであり、キャラクター、家族、電気などのさまざまな小道具を一見無関係な組み合わせで配置することにより、視聴者は作品の背後にある物語を想像することができます。 Zeng Haoによって描かれた家族や空間の写真は、推測するのが難しい曖昧な孤立感を暗示しており、完璧に見えますが、遠近感で描かれているので、ble屈感を呼び起こします。アーティストは、現代社会の人間関係と境界を定められた現実の脆弱な性質の比phorとして彼の作品を使用しているようです。

周文堂
ADHD
周文堂は、他の現代の中国の作品とは多少異なる視点を表現するために、芸術の概念的なスタイルとユーモラスな言語を使用しています。 (2015)は、直径2メートルを超える円形の設置工事です。インクは常に上部から噴出しており、表面に取り付けられた20以上の「フロントガラスワイパー」が繰り返して動き、噴出するインクを除去します。このような機械的な動きを通じて、アーティストは、日常生活で簡単に見つけることができる現代人の非自動制御特性、過度に反復的な動き、習慣を暗示しています。さらに、この作品は、データが際限なく機械的に生成されるインターネット時代の比expression的な表現であり、注意欠陥障害により徐々に鈍くなっている状態です。

釜山ビエンナーレ2016
釜山ビエンナーレは、釜山青少年ビエンナーレ、釜山海祭り、釜山野外彫刻シンポジウムなど、市内で開催された3つの異なる祭りを統合した包括的な芸術祭です。

アジアのアート拠点として長い歴史を持つ釜山は、この地域とその先のアートフェスティバルを開催するのに最適な場所です。このビエンナーレアートイベントは、理解しにくい現代美術の簡単な解釈を提示し、一般の人々がよりアクセスしやすくすることを目的としています。

このフェスティバルは、地元の人々が他の国の人々と交流し、互いにコミュニケーションをとる場として機能します。

釜山ビエンナーレは韓国の代表的な文化イベントとして定着し、最終的には世界的な評価を獲得します。

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