서양화의 역사는 고대부터 현재까지의 전통을 이어가고 있습니다. 19 세기 중반이 될 때까지는 표현적이고 고전적인 생산 방식에 중점을 두었고, 그 후에는보다 현대적이고 추상적이며 개념적인 형태가 유리하게되었습니다.

서양화의 발전은 역사적으로 수세기 후반의 동양화와 유사합니다. 아프리카 미술, 이슬람 미술, 인도 미술, 중국 미술, 일본 미술은 서양 미술에 중대한 영향을 미치고, 그 반대도 마찬가지입니다.

제국주의, 사적, 시민 적, 종교적 후원을 처음 접한 서양화는 귀족 정치와 중산층에서 관객을 발견했다. 중세부터 르네상스 화가를 거쳐 교회와 부유 한 귀족을 위해 일했습니다. 바로크 시대부터 아티스트들은보다 교육 받고 번성 한 중산층의 사적인 커미션을 받았다. “예술을위한 예술”이라는 아이디어는 Francisco de Goya, John Constable, J. M. W. Turner와 같은 낭만주의 화가들의 작품에서 표현을 찾기 시작했습니다. 19 세기에 상업 갤러리가 설립되어 20 세기 후원을 계속했습니다.

서양화는 르네상스 시대에 유럽의 정점에 이르렀다. 드로잉, 원근법 사용, 야심 찬 건축, 태피스 트리, 스테인드 글라스, 조각품, 인쇄기 출현 전후의 세련미가 결합되었다. 발견의 깊이와 르네상스 시대의 혁신의 복잡성에 뒤이어 서양화의 풍부한 유산 (바로크 양식에서 현대 미술까지). 그림의 역사는 21 세기까지 계속됩니다.

사전 역사
그림의 역사는 시간이 지나면 선사 시대의 인간의 유물로 돌아가며 모든 문화에 이릅니다. 가장 오래된 것으로 알려진 그림은 프랑스의 그로테 초벳 (Grotte Chauvet)에 있으며, 일부 역사가들은 약 32,000 년 전의 것으로 주장합니다. 붉은 색 황토색과 검은 색 안료를 사용하여 새겨지고 칠해지며 말, 코뿔소, 사자, 버팔로, 매머드 또는 사람이 자주 사냥을합니다. 프랑스, 인도, 스페인, 포르투갈, 중국, 호주 등 세계 각국의 동굴 벽화의 예가 있습니다. 여러 다른 장소에서 그림이 발견 된 공통된 주제가 많이 있습니다. 목적을 보편성과 이미지를 만들었을 수도있는 충동의 유사성을 암시합니다. 이 그림들이 그 그림을 만든 사람들에게 갖는 의미에 대해 여러 가지 추측이있었습니다. 선사 시대의 남성들은 동물을 페인트하여 동물의 영혼이나 정신을 사로 잡아보다 쉽게 ​​사냥하거나 그림이 애니미즘 적 시각과 주변 자연에 대한 경의를 표출하거나 표현의 기본 욕구가 될 수 있습니다. 인간에게 타고난 존재이거나, 예술가들의 삶의 경험과 동그라미 구성원의 관련 이야기를 녹음 한 것일 수 있습니다.

양화

이집트, 그리스, 로마
고대 이집트는 건축과 조각의 전통이 강한 문명 (원래는 밝은 색으로 칠해 졌음)은 사원과 건물에 많은 벽화가 있고 파피루스 사본에 삽화가 삽화로 그려져 있습니다. 이집트의 벽화와 장식 그림은 종종 그래픽 적이기도하고 때로는 현실적인 것보다 더 상징적 인 경우도 있습니다. 이집트의 그림은 대칭이 일정한 특성 인 대담한 윤곽선과 평평한 실루엣으로 수치를 묘사합니다. 이집트의 그림은 이집트의 상형 문자라고 불리는 언어와 밀접한 관련이 있습니다. 채색 된 기호는 서면 언어의 첫 번째 형태에서 발견됩니다. 이집트 사람들은 또한 아마포에 페인트를 입었고, 오늘날 잔존물은 살아남습니다. 고대 이집트의 회화는 극도로 건조한 기후로 인해 생존했습니다. 고대 이집트인들은 고인의 잔물결을 즐겁게하기 위해 그림을 만들었습니다. 이 테마에는 사후 세계를 여행하거나 죽은 사람들을 지하 세계의 신들에게 소개하는 방어적인 신이 포함되었습니다. 그런 그림의 예로는 신들과 여신 Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris, Isis의 그림들이 있습니다. 일부 무덤 그림은 고인이 살아있을 때 영원히 계속하기를 원했던 활동을 보여줍니다. 새로운 왕국과 나중에, 죽은 자의 책은 묻힌 자에게 묻혔습니다. 그것은 내세에 대한 소개로 중요하게 여겨졌다.

중세
기독교의 부상은 스타일을 그리는 데 다른 정신과 목표를 부여했습니다. 비잔틴 미술은 6 세기에 설립되면 전통적 도상과 스타일을 유지하는 데 중점을두고 비잔틴 제국의 천년 동안 점차 진화했으며 그리스와 러시아 정교회 아이콘 그림의 전통이 점차 진화했다. 비잔틴 그림은 성스러운 감정을 가지고 있으며, 아이콘은 여전히 ​​신성한 계시의 표상으로 여겨져 있습니다. 프레스코 화가 많이 있었지만, 모자이크보다 살아남은 프레스코는 거의 없습니다. 비잔틴 미술은 현대 추상화와 비교되며 평면성과 고도의 양식화 된 인물 묘사 및 묘사에 비유됩니다. 비잔틴 미술의 일부 기간, 특히 10 세기 경의 소위 마케도니아 미술 (Macedonian art)은 접근 방식이보다 유연하다. 14 세기 초의 고고학 르네상스 시대의 프레스코 화는 이스탄불의 코라 교회에서 생존합니다.

르네상스와 매너리즘
르네상스 (르네상스)는 17 세기 중반부터 14 세기에 걸친 문화 운동으로, 유럽의 지적, 예술적 삶에 중대한 영향을 미친 과학의 진보와 함께 고전적 근원에 관한 연구를 예고했다. 저지대에서, 특히 현대 플랜더스에서, 15 세기 초반에 새로운 회화 방식이 제정되었습니다. 원고의 조명, 특히 림 부르 브라더스 (Limbourg Brothers)의 조명에 대한 발전의 발자취에서, 예술가들은 눈에 보이는 세계에서 유형에 매료되어 극도로 자연주의적인 방식으로 대상을 나타 내기 시작했다. 전통적으로 발명품이었던 유화의 채택은 얀 밴 아이크 (Jan van Eyck)에 의해 이루어 졌으므로이 자연주의를 묘사하는 데 새로운 가능성을 제시 할 수있었습니다. 오일 페인트의 매체는 이미 Melchior Broederlam의 작업에 사용되었지만 Jan van Eyck 및 Robert Campin과 같은 화가들은 새로운 용도로 사용하고 목표로 삼고있는 자연주의를 표현하기 위해 사용했습니다. 이 새로운 매체를 통해이시기의 화가들은 깊은 강렬한 색조로 더욱 풍부한 색상을 만들 수있었습니다.

도자기 같은 마감 처리로 빛나는 빛의 환상은 초기 Netherlandish 그림을 특징으로했으며 이탈리아에서 사용되는 온도 페인트의 무광택 표면과 큰 차이가있었습니다. 고대 그리스와 로마의 예술에서 크게 영향을받은 이탈리아 인 들과는 달리, 북부 인들은 조각상의 문학적 잔유물과 중세 시대의 필사본 (특히 자연주의)을 유지했다. 이시기의 가장 중요한 예술가는 얀 반 아이크 (Jan van Eyck)였습니다. 그의 작품은 지금은 초기 네덜란드 황실 화가 또는 플랑드르 프리미엄 (Flemish Primitives)으로 알려진 예술가들에 의해 제작 된 최고의 작품들입니다 (대부분의 예술가들은 현대 플랜더스 도시에서 활동적 이었기 때문에). 이시기의 첫 번째 화가는 현재 국제 고딕 예술을 따르는 로버트 캄 페인 (Robert Campin)으로 알려진 플레 마렐 (Flémalle)의 마스터였습니다. 이시기의 또 다른 중요한 화가는 Rogier van der Weyden으로, 인간의 감정과 드라마를 강조한 작품으로 15 세기의 가장 유명한 작품 중 하나 인 십자가에서 내려와 그리스도의 가장 유력한 네덜란드 화가였습니다. 큰 시련. 이시기의 다른 중요한 예술가로는 Hugo van der Goes (이탈리아에서의 영향력이 큰 작품), Dieric Bouts (Petrifus Christus, Hans Memling, Gerard David) 등이 있습니다. .

바로크 식과 로코코 식
바로크 화 (Baroque painting)는 바로크 문화 운동, 즉 절대주의와 반대 종교 개혁 또는 카톨릭 리바이벌과 종종 동일시되는 운동과 관련된다. 그러나 비 절대주의 국가와 개신교 국가에서 중요한 바로크 양식의 존재는 서유럽 전역에 확산 된 스타일로서 그 인기를 강조한다.

바로크 시대의 회화는 훌륭한 드라마, 풍부하고 깊은 색채, 강렬하고 밝은 색과 어두운 색채가 특징입니다. 바로크 미술은 르네상스 시대에 소중하게 여겨지 던 조용한 합리성 대신 감정과 열정을 불러 일으켰다. 1600 년경부터 17 세기까지 계속되는 동안 그림은 바로크 양식으로 특징 지어진다. 바로크 양식의 가장 위대한 화가 중에는 Caravaggio, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Velázquez, Poussin, Johannes Vermeer가 있습니다. Caravaggio는 높은 르네상스의 인본주의 화가의 상속인입니다. 삶에서 직접 그려지고 어두운 배경에 극적으로 노출 된 인간 모습에 대한 그의 현실적인 접근은 동시대 인들에게 충격을 주었고 회화의 역사에서 새로운 장을 열었습니다. 바로크 회화는 종종 조명 효과를 사용하여 장면을 극적으로 묘사합니다. 이것은 Rembrandt, Vermeer, Le Nain, La Tour 및 Jusepe de Ribera의 작품에서 볼 수 있습니다.

18 세기 동안, 로코코는 종종 경솔하고 에로틱 한 바로크 양식의 가벼운 확장을 따랐습니다. Rococo는 프랑스의 장식 예술과 인테리어 디자인 분야에서 최초로 개발되었습니다. 루이 15 세의 승계는 법원 예술가들과 일반적인 예술적 패션에 변화를 가져 왔습니다. 1730 년대는 Antoine Watteau와 François Boucher의 작품이 보여주는 프랑스의 Rococo 개발의 높이를 나타냅니다. Rococo는 여전히 복잡한 형태와 복잡한 패턴에 대한 바로크 식의 맛을 유지했지만,이 시점까지는 동양 디자인과 비대칭 작곡의 맛을 비롯하여 다양한 다양한 특성을 통합하기 시작했습니다.

로코코 스타일은 프랑스 예술가들과 새겨진 간행물들로 퍼졌습니다. 그것은 독일, 보헤미아, 오스트리아의 가톨릭 지역에서 쉽게 받아 들여졌으며 활기찬 독일 바로크 전통과 합병되었습니다. 독일 로코코는 특히 남쪽의 교회와 궁전에 열의를 갖고 있었고 Frederician Rococo는 프러시아 왕국에서 발전했습니다.

19 세기:
로코코가 등장한 후 18 세기 후반에, 건축에서, 그리고 David와 그의 상속인 Ingres와 같은 예술가들에 의해 가장 잘 표현되는 심각한 신 고전주의를 그렸다. 잉그레스의 작품은 이미 관능미의 대부분을 담고 있지만, 낭만주의를 특징 짓는 자발성은 없다.

19 세기 중반의 리얼리즘에 대한 주요한 힘은 구스타브 쿠르 베트 (Gustave Courbet)였습니다. 구스타브 쿠르 베트 (Gustave Courbet)는 평범한 사람들에 대한 비 일상화 된 그림이 관습에 익숙해지고 학문적 예술의 끝을 핥았지만 많은 젊은 예술가에게 영감을 불어 넣었습니다. Barbizon School의 수석 화가 인 Jean-François Millet도 농촌 생활의 경관과 풍경을 그렸습니다. Barbizon School과 관련이있는 것은 카밀 코로 (Camille Corot)로 낭만적이고 현실적인 정맥으로 그렸다. 그의 작품은 인상파를 예감하고 Johan Jongkind와 Eugène Boudin (야외에서 그림을 그리는 최초의 프랑스 조경가 중 한 명이 었음)의 그림도 마찬가지이다. 부딘은 젊은 클로드 모네 (Claude Monet)에 중요한 영향을 미쳤다. 1857 년 그는 공기 페인트 작업을 시작했다.

Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt, Edgar Degas와 같은 인상파 주의자들은 이전에 공개적으로 전시되었던 것보다 직접적인 접근 방식으로 작업했습니다. 그들은 현대 세계에 대한 개별화 된 반응에 찬성하여 우화와 내러티브를 피했으며, 때로는 준비 연구가 거의 또는 전혀 필요하지 않고 드로잉의 능숙함과 색채가 매우 강한 팔레트를 사용했습니다. 모네 (Monet), 피사로 (Pissarro), 시슬리 (Sisley)는 경관을 주요 주제로 삼았으며, 빛과 날씨의 과도기는 작업에서 중요한 역할을했습니다. 밋도 센츄리 (mid-century)에 의해 점점 인기를 얻은 연습에 따라, 그들은 야외에서 페인트 칠하기 위해 함께 시골로 모험을 가긴했지만, 스케치를 스튜디오에서 신중하게 완성 된 작품으로 개발하려는 전통적인 목적을 위해서가 아니 었습니다. 자연에서 직접 햇빛을 그려서, 세기의 시작부터 유효하게 된 생생한 합성 안료를 대담하게 사용함으로써 그들은 더 가볍고 밝은 그림을 개발했습니다.

폴 세잔 (Paul Cézanne)과 약간 더 젊은 빈센트 반 고흐 (Vincent van Gogh), 폴 고갱 (Paul Gauguin), 조르주 피에르 쥐라뜨 (Georges-Pierre Seurat)와 같은 포스트 인상파 작가들은 미술을 모더니즘의 최전선에 이르게했다. 고갱에 대해 인상파는 개인의 상징주의로 나아 갔다. Seurat는 인상파의 깨진 색깔을 프리즈 (frieze) 같은 구성으로 구성된 과학적 연구로 변형 시켰습니다. 그가 개발 한 회화 기술은 분파주의라고 불리며 Paul Signac과 같은 많은 추종자를 끌어 들였고 1880 년대 후반에 Pissarro는 몇 가지 방법을 채택했습니다. 반 고흐 (Van Gogh)의 페인트 응용에 대한 격렬한 방법은 색채의 웅장한 사용법과 결합되어 표현주의와 포비 즘, 그리고 자연 형태의 혁명적 추상을 가진 고전적 구성을 결합하고자하는 세바 넨은 20 세기 예술의 선구자로 여겨 질 것이라고 예측했다. .

19 세기 후반에는 상징주의 화가들로 이루어진 몇 군데 그룹이 있었는데, 그 중 일부는 20 세기 젊은 예술가들, 특히 Fauvists와 Surrealists와 공존했다. 그 중 Gustave Moreau, Odilon Redon, Chavannes Pierre Puvis, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler, Edvard Munch, Félicien Rops, Jan Toorop, Gustav Klimt 및 Mikhail Vrubel과 같은 러시아 상징가가있었습니다.

심벌리스트 화가들은 신화와 꿈의 이미지에 영혼의 시각적 언어를 채집하여 정적 인 정적 세계를 염두에 둔 회화 적 그림을 추구했습니다. 상징주의에 사용 된 상징은 주류 도상학의 익숙한 상징이 아니라 강렬한 개인적, 사적, 모호한 모호한 언급이다. 실제 스타일의 예술보다 더 철학적인 상징주의 화가들은 현대 아르누보 운동과 Les Nabis에 영향을 미쳤습니다. 꿈 같은 주제에 대한 탐구에서, 상징 주의자 화가들은 오늘날에도 여전히 세기와 문화에 걸쳐 발견됩니다. Bernard Delvaille은 René Magritte의 초현실주의를 “상징주의와 프로이드”라고 묘사했습니다.

20 세기
Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Seurat와 같은 화가들의 유산은 현대 미술의 발전에 필수적이었습니다. 20 세기 초 Henri Matisse와 조 큐스 Braque, André Derain, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck을 비롯한 여러 젊은 예술가들은 파리의 예술 세계를 “야생”, 다중 색상, 풍부한 표현의 풍경과 인물화로 혁명적으로 변화 시켰습니다 비평가가 Fauvism을 불렀다. 앙리 마티스 (The Henri Matisse)의 두 번째 버전 인 The Dance는 그의 경력과 현대 미술의 발전에 핵심 포인트를 의미합니다. 마티스의 초기 예술에 대한 초기의 매력을 반영합니다. 시원한 청녹색 배경에 대한 강렬한 따뜻한 색상과 춤추는 누드의 리드미컬 한 연속은 감정적 인 해방과 쾌락주의의 느낌을 전달합니다. 파블로 피카소 (Pablo Picasso)는 세잔 (Cézanne)의 생각에 입각 한 최초의 입체파 그림을 만들었습니다. 자연의 모든 묘사가 큐브, 구체 및 원뿔의 세 가지 고형물로 축소 될 수 있습니다. Les Demoiselles d’ Avignon (1907)의 그림으로 피카소는 아프리카의 부족 가면과 그 자신의 입체파 발명품을 연상케하는 다섯 명의 매춘부와 여성들을 격렬히 묘사 한 매춘 장면을 묘사하는 새롭고 과격한 그림을 만들었습니다. 입체파는 1908 년부터 1912 년까지 파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 조르주 브라케 (Georges Braque)가 공동으로 개발했으며, 파리 (1910)의 바이올린과 촛대가 여기에 표시됩니다. 큐비즘의 첫 번째 명확한 표현은 브라크 (Braque), 피카소 (Jean Metzinger), 알베르트 글레이즈 (Albert Gleizes), 페르난도 레거 (Fernand Léger), 앙리 르 포 코니에 (Henri Le Fauconnier) 및 로버트 델 로니 (Robert Delaunay) Juan Gris, Marcel Duchamp, Alexander Archipenko, Joseph Csaky 등이 곧 합류했습니다. Braque와 Picasso에서 행해지는 합성 입체파는 다른 질감, 표면, 콜라주 요소, 종이 콜라 및 여러 가지 병합 된 주제를 도입함으로써 특징 지워집니다.

Fauvism, Der Blaue Reiter, Die Brücke
Fauvism은 회화 적 특질을 강조한 20 세기 초반 예술가들과 회화 적 가치에 대한 깊은 색의 상상력이 풍부한 예술가들의 느슨한 그룹이었다. 운동 지도자들은 앙리 마티스 (Henri Matisse)와 안드레 데인 (André Derain)과 같은 친절한 라이벌이었습니다. 궁극적으로 마티스는 20 세기 피카소의 음과 양이되었습니다. Fauvist 화가는 Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, 네덜란드 화가 Kees van Dongen, 큐비즘의 파트너 인 Georges Braque 등이 있습니다.

표현주의, 상징주의, 미국 근대주의, 바우 하우스
표현주의와 상징주의는 서구, 동부 및 북부 유럽에서 이루어진 전위 예술의 대부분을 지배했던 20 세기 회화의 여러 관련 운동을 포함하는 광범위한 루 브릭입니다. 표현주의 작품은 주로 프랑스, ​​독일, 노르웨이, 러시아, 벨기에, 오스트리아에서 제 1 차 세계 대전과 제 2 차 세계 대전 사이에 주로 사용되었습니다. Fauvism, Die Brücke, Der Blaue Reiter는 표현주의와 상징주의 화가로 잘 알려진 그룹 중 세 곳입니다. Marc Chagall의 그림 인 I and the Village는 작가와 그의 기원 사이의 관계를 예술적 상징주의 어휘집과 함께 조사한 자서전 적 이야기를 전합니다. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Georges Rouault, Amedeo Modigliani 및 Marsden Hartley 및 Stuart Davis와 같은 일부 미국인 영향력있는 표현주의 화가로 여겨졌다. 알베르토 자코메티는 초현실주의 조각가로 일컬어졌지만 강렬한 표현주의 그림을 그렸다.

추상화의 개척자
바실리 칸딘 스키는 일반적으로 현대 추상 미술의 첫 번째 중요한 화가 중 한 사람으로 여겨진다. 초기 모더니스트였던 그는 현대의 신비주의 신학자들과 신학자들처럼 순수한 시각적 추상화가 소리와 음악에 대한 부수적 인 진동을 가졌다 고 이론화했다. 그들은 순수한 추상성이 순수한 영성을 표현할 수 있다고 주장했다. 그의 초기 추상화는 일반적으로 작곡가 VII의 예로서 음악 작곡가의 작품과 연결되어 있습니다. 칸딘스키 (Kandinsky)는 예술에서의 영성에 관한 그의 저서에서 추상 미술에 관한 그의 많은 이론을 포함했다. 초기 추상화의 다른 주요 개척자로는 스웨덴 화가 Hilma af Klint, 러시아 화가 Kazimir Malevich 및 스위스 화가 Paul Klee가 있습니다. Robert Delaunay는 순수 예술 추상과 입체파 사이의 연결 고리를 연상시키는 Orphism과 관련된 프랑스 화가였다. 추상적 인 그림에 대한 그의 주요 공헌은 그의 대담한 색 사용과 깊이와 음색에 대한 그의 실험을 참조하십시오.

다다와 초현실주의
Marcel Duchamp는 1913 년 New York City Armory Show를 계기로 국제적인 주목을받으며 Nude Descending a Staircase가 célèbre의 원인이되었습니다. 그는 계속해서 그녀의 학사, 심지어 대형 유리에 의해 벗겨진 신부를 만들었습니다. 대형 유리는 그림의 예술을 급진적 인 새로운 한계 인 파트 페인팅, 파트 콜라주, 파트 구성으로 푸시했습니다. Duchamp (누가 곧 체스를위한 예술을 포기할 것인가)는 제 1 차 세계 대전 중 스위스 취리히에서 시작된 Dada 운동과 밀접하게 관련되어 1916 년부터 1920 년 사이에 최고조에 달했다.이 운동은 주로 시각 예술, 문학 (시, 예술 선언 예술 이론), 연극 및 그래픽 디자인을 통해 반전 예술 정치 문화를 통해 예술의 지배적 인 기준에 대한 반전 정치 및 거부를 진전시킨다. Dada 운동과 관련된 다른 예술가로는 Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp 및 Sophie Taeuber-Arp가 있습니다. 뒤샹 (Duchamp)과 몇몇 다다 이스트 (Dadaist)는 1920 년대와 1930 년대에 유럽의 회화를 지배했던 초현실주의와 관련이있다.

Neue Sachlichkeit, 사회 현실주의, 지역주의, 미국 장면 그림, 상징주의
1920 년대와 1930 년대와 대공황이 진행되는 동안 유럽의 미술계는 초현실주의, 후기 입체파, 바우 하우스, 데스티 우르, 다다, 노이에 사크 리치 키트, 표현주의 등의 특징을 보였다. 앙리 마티스 (Henri Matisse)와 피에르 보나르 (Pierre Bonnard)와 같은 근대주의 색의 화가들에 의해 점령되었습니다.

추상적 표현주의
뉴욕시의 1940 년대는 한스 호프만 (Hans Hofmann)과 존 그레이엄 (John D. Graham)과 같은 미국의 훌륭한 교사를 통해 유럽 근대 주의자 (European Modernists)로부터 배운 교훈을 결합한 운동 인 미국 추상 표현주의의 승리를 예고했습니다. 미국 예술가들은 Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst 및 André Breton 그룹, Pierre Matisse의 갤러리, Peggy Guggenheim의 갤러리 The Century of The Century 등의 영향을 받았다.

사실주의, 조경, 바다 풍경, 인물, 정물, 풍경
1930 년대부터 1960 년대까지 미국과 유럽의 추상적 인 회화는 추상적 표현주의, 컬러 필드 회화, 포스트 화보 추상화, Op 아트, 단단한 회화, 미니멀 아트, 모양의 캔버스 페인팅 및 서정적 추상화와 같은 움직임으로 발전했습니다. 다른 예술가들은 1950 년대의 베이 지역 비유 운동과 1940 년대에서 1960 년대의 표현주의의 새로운 형태와 같은 다양한 새로운 맥락을 통해 이미지가 계속 가능하도록 추상에 대한 경향에 대한 반응으로 반응했습니다. 20 세기 전반에 걸쳐 많은 화가들이 현실주의를 실천했으며 현대의 주제와 함께 풍경과 비 유적 그림에서 표현적인 이미지를 사용했습니다. 그는 밀턴 에이버리, 존 D. 그레이엄, 페어 필드 포터, 에드워드 호퍼, 앤드류 와이어스, 버스터 스, 프란시스 베이컨, 프랭크 아우어 바흐, 루시안 프로이트, 레온 코소프, 필립 펄 슈타인, 빌렘 드 쿠닝, 아르 실 고르 키, 그레이스 하티 건, Robert De Niro, Sr., Elaine de Kooning.

팝 아트
1920 년대와 1930 년대 제랄드 머피 (Gerald Murphy), 스튜어트 데이비스 (Stuart Davis), 찰스 데 뮤트 (Charles Demuth)의 그림이 팝의 스타일과 주제를 예시하지만 미국의 팝 아트는 재스퍼 존스, 래리 리버스, 로버트 러센 베르그의 작품에서 큰 영향을 받았다. 미술.

아트 브룻, 뉴 리얼리즘, 베이 지역 비 유적 운동, 네오 다다, 포토 리얼리즘
1950 년대와 1960 년대 미국과 유럽의 추상 회화는 컬러 필드 페인팅, 포스트 회화 추상화, Op 아트, 단단한 회화, 미니멀 아트, 캔버스 페인팅, Lyrical Abstraction 및 추상 표현주의의 연속과 같은 움직임으로 진화했습니다. 다른 예술가들은 Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism에 의해 Court les rues, 1962에서 볼 수 있듯이 Art brut와 추상화 경향에 대한 반응으로 반응하여 이미지를 다양한 새로운 문맥을 통해 다시 등장시킬 수있었습니다. 팝 아트, 베이 지역 비 유적 운동 (가장 대표적인 사례는 Diebenkorn ‘s Cityscape I (풍경 1) (1963), 1970 년대 신 표현주의의 사례입니다.) Bay Area Figurative Movement of David Park, Elmer Bischoff, Nathan 올리베이라 (Oliveira)와 리처드 다이벤 콘 (Richard Diebenkorn)의 그림 인 <도시 풍경 1> (1963)은 전형적인 예로서 캘리포니아의 1950 년대와 1960 년대에 영향을받은 회원이었으며 젊은 화가들은 새롭고 급진적 인 방식으로 이미지 사용을 연습했다. , Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl 및 Vija Celmins는 1960 년대와 1980 년대 사이에 눈에 띄는 소수였습니다. 포터 (Porter)는 주로 독창적 인 표현주의 운동의 한가운데서 독창적 인 작품을 만들어내어 스스로 독학했습니다. 그의 주제는 주로 가족, 친구 및 동료 예술가의 풍경, 국내 인테리어 및 초상화였습니다.

기하학적 추상화, Op 아트, 하드 에지, 색 영역, 최소 예술, 새로운 사실주의
1960 년대와 1970 년대에는 다양한 스타일을 통해 미국에서 추상적 인 그림이 계속 개발되었습니다. 기하학적 인 추상화, Op 아트, 단단한 그림, 컬러 필드 페인팅, 최소한의 페인팅은 고급 추상 페인팅뿐만 아니라 몇 가지 다른 새로운 동작에 대한 몇 가지 상호 연관된 지침이었습니다. Morris Louis는 고급 Colorfield 페인팅의 중요한 개척자였으며, 그의 작업은 추상 표현주의, Colorfield painting 및 Minimal Art 간의 다리 역할을 할 수 있습니다. 두 명의 유력한 교사 인 Josef Albers와 Hans Hofmann은 색채와 공간의 고급 이론에 대한 새로운 세대의 미국 예술가를 소개했습니다. Albers는 Geometric abstractionist 화가이자 이론가로서의 그의 작업으로 가장 잘 기억됩니다. 가장 유명한 것으로는 Square to Homage를 구성하는 수 백장의 그림과 지문이 있습니다. 1949 년에 시작된이 엄격한 시리즈에서 Albers는 캔버스에 동심원으로 배열 된 평면 컬러 사각형과의 색채 상호 작용을 탐색했습니다. 미술과 교육에 관한 알버 (Albers)의 이론은 차세대 예술가들에게 조형 적이었다. 자신의 그림은 단단한 그림과 Op 아트의 기초를 형성합니다.

모양의 캔버스, 워싱턴 컬러 스쿨, 추상 환상주의, 서정적 추상화
컬러 필드 페인팅 (Color Field Painting)은 추상적 표현주의에서 멀어지는 미국 회화의 새로운 방향을 지향했습니다. 포스트 화가 추상화, Suprematism, 추상 표현주의, 하드 가장자리 그림 및 서정적 추상화와 관련하여, 컬러 필드 페인팅은 불필요한 수사학의 예술을 제거하고자했습니다. 한 명은 Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox 및 다른 사람들은 고도의 관절색과 심리적 인 색채를 사용했습니다. 일반적으로이 아티스트들은 눈에 띄는 이미지를 제거했습니다. 특정 예술가는 과거 또는 현재의 예술에 대한 언급을했지만, 일반적으로 컬러 필드 페인팅은 그 자체로서의 추상화를 제시합니다. 이 현대 미술의 방향을 추구하면서 예술가들은 각 그림을 하나의 응집력있는 모 놀리 식 이미지로 제시하고자했습니다. Gene Davis와 Kenneth Noland, Morris Louis 및 몇몇 다른 사람들은 1950 년대와 1960 년대의 Black, Gray에서 Washington, DC에서 Color Field painting을 만들기 시작한 Washington Color School 화가의 멤버였습니다. Beat은 큰 세로 줄무늬 그림과 Gene Davis의 작업에서 전형적입니다.

초술주의, 단색, 미니멀리즘, 포스트 미니멀리즘
미니멀리즘과 관련이있는 최초의 예술가 중 한 사람인 프랭크 스텔라 (Frank Stella)가 뉴욕 현대 미술관 (Museum of Modern Art)의 도로시 밀러 (Dorothy Miller)가 주최 한 1959 년 쇼 “16 명의 미국인”의 초기 “스트라이프”그림이 강조되었습니다. Stella의 줄무늬 그림의 줄무늬 폭은 전적으로 주관적이지는 않았지만 캔버스가 늘어져있는지지 섀시를 만드는 데 사용 된 목재의 크기에 의해 결정되었습니다. 쇼 카탈로그에서 Carl Andre는 “Art는 불필요한 것들을 배제하고 Frank Stella는 줄무늬를 그릴 필요가 있음을 알았습니다. 그의 그림에는 다른 것이 없습니다.” 이러한 환원 작품은 에너지가 가득차 있고 감정적으로 유린 된 빌렘 드 쿠닝이나 프란츠 클라인의 그림과는 현저한 대조를 이루었고 바넷 뉴맨 (Barnett Newman)과 마크 로스코 (Mark Rothko)의 덜 제스럴 한 색채 현장 그림으로 향했다.

신 표현주의
1960 년대 후반 추상 표현주의 화가 인 Philip Guston은 추상 표현주의에서 신 표현주의로의 전환을 이끌어내어 추상 표현주의의 소위 “순수 추상화”를 포기하고 다양한 개인 기호와 사물의 만화 풍의 렌더링에 찬성했다. 이 작품들은 표현의 이미지를 되살려는 새로운 세대의 화가에게 영감을주었습니다. 그의 회화, 흡연, 먹는 그림은 구 스톤의 재림의 예이다.
1970 년대 후반과 1980 년대 초반에 이탈리아, 독일, 프랑스 및 영국에서 거의 동시에 일어난 회화로 돌아 왔습니다. 이 운동은 Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre, Neo-expressionism, 런던 학교, 80 년대 후반의 Stuckists라고 각각 불립니다. 이 그림은 큰 형식, 자유로운 표현 표식, 형상, 신화와 상상력이 특징이었습니다. 이 장르의 모든 작품은 신 표현주의라고 명명되었습니다.

21 세기 현대 회화
20 세기와 21 세기에 걸쳐 근대 및 포스트 모더니즘 예술 형식의 출현과 함께 일반적으로 미술과 저 예술로 간주되는 것의 차이는 현대의 첨단 예술이 혼합하여 이러한 개념에 계속 도전하면서 점차 사라지기 시작했습니다 대중 문화와.

주류 그림은 예술적 다원주의에 찬성하여 포스트 모던 시대의 예술가들에 의해 거부되었다. 예술 평론가 아서 단토 (Arthur Danto)에 따르면, 무엇이든 태어나는 태도가있다. “계속되고있는 모든 것”, 결과적으로 “아무것도 일어나지 않는”증후군; 이것은 확고하고 명확한 방향과 예술적인 고속도로의 모든 차선이 가득 채워져있는 미적인 교통 체증을 만듭니다.