동양화의 역사는 다양한 문화와 종교의 영향을 광범위하게 포함합니다. 동양화의 발전은 서양화의 발전과 역사적으로는 수 세기 전과 비슷합니다. 아프리카 미술, 유태인 미술, 이슬람 미술, 인도 미술, 중국 미술, 한국 미술, 일본 미술은 서양 미술에 큰 영향을 미쳤으며 그 반대도 마찬가지였다.

중국어 회화는 세계에서 가장 오래된 연속 예술적 전통 중 하나입니다. 가장 초기의 그림은 표현 적이 아니지만 장식 적이었다. 그들은 그림보다는 디자인 또는 디자인으로 이루어져 있었다. 이른 도기는 나선, 지그재그, 점 또는 동물로 그려졌다. 주전 (403-221 BC) 동안에 만 예술가들이 주변 세계를 대표하기 시작했습니다. 일본 화는 다양한 장르와 스타일을 포함하여 일본 미술에서 가장 오래되고 가장 세련된 작품 중 하나입니다. 일본 화의 역사는 일본 고유의 미학과 수입 된 아이디어의 적응 사이에서 오랜 역사를 지니고 있습니다. 독립된 형태의 한국화는 고조선 가을에 기원전 108 년 경에 시작되어 세계에서 가장 오래된 도시 중 하나입니다. 그시기의 작품은 한국 삼국 시대를 특징 짓는 다양한 스타일, 특히 고구려의 왕족의 무덤을 장식 한 회화와 벽화로 발전했다. 삼국 시대와 고려 왕조를 통틀어 한국화는 주로 한국식 풍경, 얼굴의 특징, 불교 중심의 주제, 한국 천문학의 급속한 발전으로 촉진 된 천문 관측에 중점을 두었다.

동아시아 그림
중국, 일본, 한국은 그림에 대한 강한 전통을 가지고 있는데, 이는 서예와 판화의 예술에 너무나 밀착되어있다. 극동 전통 회화는 물 기반 기법, 덜 현실주의, “우아하고”양식화 된 주제, 그래픽에 대한 묘사, 공백 (또는 음수 공간)의 중요성 및 인간의 모습 대신에 풍경에 대한 선호도를 특징으로합니다. 제목. 실크 나 종이 스크롤에서의 잉크와 색 이외에도, 옻칠에 칠한 금이 동양화 작품의 공통된 매체였습니다. 비록 실크가 과거에 그리기에 다소 비싼 매체 였지만, 한 법원 내시 (Cai Lun)가 1 세기 경에 종이를 발명 한 것은 값 싸고 널리 쓰이는 매체 였을뿐만 아니라 저렴하고 널리 퍼진 매체 (대중에게 더 쉽게 접근 할 수 있도록).

유교, 도교, 불교의 이데올로기는 동아시아 예술에서 중요한 역할을했다. 12 세기의 린 팅구 (Lin Tinggui)와 그의 Luohan Laundering (스미스 소니 언 프리어 미술관에 보관 됨)과 같은 중세 송 왕조의 화가들은 고전적인 중국 작품에 융합 된 불교 사상의 훌륭한 예입니다. 후자의 실크 그림 (링크에 제공된 이미지와 설명)에서 대머리가 된 불교도 인 루하 한 (Luohan)은 강의 옷을 씻는 실제적인 환경에서 묘사됩니다. 그러나 그림 자체는 시각적으로 놀랍습니다. Luohan은 흐릿하고 갈색이고 부드러운 나무가 우거진 환경과는 달리 밝고 불투명 한 색상으로 세부 묘사됩니다. 또한, 나무 꼭대기는 소용돌이 치는 안개 속에서 덮여있어 동아시아 미술에서 위에서 언급 한 일반적인 “부정적인 공간”을 제공합니다.

19 세기 후반의 반 고흐 (Van Gogh), 앙리 데 툴루즈 – 로트렉 (Henri de Toulouse-Lautrec)과 같은 포스트 인상파와 제임스 맥닐 휘슬러와 같은 색조 작가들은 호 쿠사이 1858) 그리고 그들에 의해 영향을 받았다.

중국어 회화
중국의 가장 오래 살아남은 예는 전국 시대 (481-221 BC)에 작품을 그린 것으로 바위, 벽돌 또는 돌 위에 실크 또는 무덤 벽화를 그렸다. 그들은 종종 단순한 형식화 된 형식과 다소 기초적인 기하학적 패턴에있었습니다. 그들은 종종 신화 창조물, 국내 장면, 노동 장면, 또는 법원에서 공무원으로 가득 찬 궁전 같은 장면을 묘사했습니다. 이 기간과 이후의 진나라 (BC 221 ~ 207 BC)와 한 왕조 (202 BC -220 AD)의 작품은 그 자체로 또는 더 개인적인 표현을위한 수단이 아닙니다. 오히려 삽화는 장례 의식, 신화 신의 묘사 또는 조상의 영혼을 상징하고 존중하기 위해 만들어졌습니다. 한 왕조 시대에는 법정 관리와 국내 장면의 실크에 그림이 그려져 있고, 말을 타고 사냥하는 장면이나 군사 퍼레이드. 테라코타 군대의 군인과 말 동상을 덮는 원래 색칠 한 색과 같은 인형이나 동상 같은 3 차원 입체 작품에 그림이 그려져있었습니다. 남경의 난징에있는 고대 동양 왕조 (316-420 AD)의 사회 문화적 분위기에서 회화는 유교 교습 관료와 귀족들의 공식적인 과거의 하나가되었다 (guqin zither, 기발한 서예 작문,시 작문 및 낭독). 회화는 예술적 자기 표현의 일반적인 형태가되었고,이 기간 동안 법원이나 엘리트 사회 회로의 화가들은 동료들에 의해 평가되고 평가 받았다.

고전 중국어 조경의 설립은 중국 역사의 가장 유명한 예술가 중 한 명인 동 카자흐스탄 (344 ~ 406 AD) 동 티 왕조 아티스트의 공인을 받았다. Kaizhi의 길쭉한 스크롤 장면처럼, 당나라 (618-907 AD) Wu Daozi와 같은 중국 예술가는 그의 80 명의 일곱 천상의 사람들과 같은 긴 수평 핸드 스크롤 (당나라 동안 매우 인기가있었습니다)에서 생생하고 매우 상세한 삽화를 그렸습니다. 당나라 시대의 회화 작품은 이상적인 조경 환경의 영향을 받았는데, 성격 상 단색뿐만 아니라 개체, 사람 또는 활동의 희소 한 양 (예 : Qianling Mausoleum의 Price Yide의 무덤 벽화)이 영향을 미쳤습니다. 또한 리얼리즘을 묘사하는 데 앞장 선 탁월한 조경 그림을 그린 초기 당나라 화가 Zhan Ziqian과 같은 인물도있었습니다. 그러나 조경 예술은 일반적으로 5 왕조와 10 세기 (907 ~ 960 년) 기간까지 성숙과 현실주의의 더 높은 수준에 도달하지 못했습니다. 이 시간 동안 Dong Yuan과 같은 예외적 인 풍경 화가 (그의 작품의 예를 보려면이 기사 참조)와 Gu Hongzhong 및 Han Xizai의 Night Revels와 같은보다 생생하고 현실적인 국내 장면을 묘사 한 사람들이있었습니다.

중국 송 왕조 (AD 960-1279)에서는 풍경 예술이 향상되었을뿐만 아니라 초상화 그림이 예전보다 더 표준화되고 정교 해졌고 (예 : 송 혜성), 고전 시대의 성숙기에 접어 들었다. 명나라 (AD 1368-1644). 13 세기 후반과 14 세기 전반기에 몽고 통제 원 왕조에 속한 중국인들은 (몽골이나 중앙 아시아의 다른 소수 민족을위한) 정부 고위직에 들어갈 수 없으며 제국주의 시험은 중단되었다. 당분간. 유안 시대가 중국 미술 작품에있어 가장 활기 차고 풍부한 시대 중 하나가됨에 따라 지금은 직업이 부족한 많은 유교 교육을받은 중국인들이 회화와 연극 예술로 변했습니다. 예를 들면, 송 왕조의 공무원이었던 Qian Xuan (1235-1305 AD)이 될 수 있지만, 애국심에서 유안 법원에 복무하기를 거부하고 그림에 헌신했습니다. 이시기의 훌륭한 미술품으로는 유네스코 세계 문화 유산으로 지정되어있는 1262 년 AD의 “Dachunyang Longevity Palace”또는 Yongle Palace의 풍부하고 상세한 그림 벽화가 있습니다. 궁전 안에서, 그림은 1000 평방 미터 이상의 면적을 차지하고 주로 도이주의 주제를 가지고있다. 송나라 시대에는 화가들이 소셜 클럽이나 모임에 모여 자신의 미술이나 다른 작품에 대한 토론을 가졌으며, 그 칭찬은 소중한 예술 작품을 거래하고 판매하기위한 설득으로 이어진다. 그러나 다른 화가들 사이에서 스타일과 취향의 차이를 보여주는 다른 예술에 대한 많은 가혹한 비평가들도있었습니다. 1088 년 광고에서 과학자이자 정치 가인 셴 쿠오 (Shen Kuo)는 한 때 Li Cheng의 작품을 썼다. 그는 Li Cheng을 다음과 같이 비판했다.

… 그 다음에 Li Cheng이있었습니다. 그는 산 아래에있는 파빌리온과 롯지, 건물, 탑 등을 묘사 할 때 항상 아래에서 보았 듯이 처마를 그리는 데 사용되었습니다. 그의 생각은 ‘평지에 서서 탑의 처마를 올려다 보는 사람이 그 서까래와 그 외팔보 처마의 서까래를 볼 수있는 것처럼 아래에서 위로보아야한다’는 것이었다. 이것은 모두 잘못입니다. 일반적으로 풍경을 그리는 적절한 방법은 큰 것의 관점에서 작은 것을 보는 것입니다. 정원에서 인공 산을 바라 보는 것처럼 (하나가 걷는 것처럼). 실제 산의 그림에 (Li의 방법)을 적용하여 밑에서 바라 보았을 때 한 번에 하나의 프로파일 만 볼 수 있고 수많은 슬로프와 프로파일의 부를 볼 수는 없습니다. 계곡과 협곡, 주거와 집이있는 차선과 안뜰에 있습니다. 우리가 산의 동쪽에 서 있다면 서쪽 부분은 먼 거리의 사라지는 경계에 있고 그 반대도 마찬가지입니다. 확실히 이것이 성공적인 회화라고 할 수는 없습니까? 리 씨는 ‘큰 것의 관점에서 작은 것을 보는 것’의 원리를 이해하지 못했습니다. 그는 정확하게 높이와 거리를 줄이는데 놀라운 것이었지만 건물의 각과 모서리에 그러한 중요성을 부여해야합니까?

중세 시대의 송나라부터 시작하여 생생한 자연의 장면을 묘사 한 많은 중국 화가들이 있었지만, 높은 수준의 양식, 신비로운 매력 및 초현실적 인 우아함이 사실주의 (예 : shan shui 스타일)보다 더 선호되었지만. 나중에 명나라 예술가들은이 노래 왕조를 배경으로, 특히 동물의 묘사 (예 : 오리, 백조, 참새, 호랑이 등)의 복잡한 색상 세부 사항 및 브러쉬 덤불 사이의 복잡한 세부 사항 및 사실감을 강조합니다. (훌륭한 예가 워싱턴 DC의 스미스 소니 언 박물관 (Smithsonian Museum)의 프리어 갤러리 (Freer Gallery)에 보관되어있는 익명의 명나라 (Ming Dynasty) 그림 새와 매화 (Birds and Plum Blossoms)가 될 것입니다. 많은 유명한 명나라 예술가가 있었다; Qiu Ying은 예술 작품의 국내 장면, 떠들썩한 궁전 같은 장면, 안개와 소용돌이 치는 구름에 둘러싸인 강 계곡과 산의 자연 경관을 활용하여 명나라 시대의 유명한 화가 (그의 일에서도 유명합니다)의 훌륭한 예입니다. 명나라에는 우 스쿨 (Wu School)과 체 학교 (Zhe School)와 같이 회화와 관련된 예술 학교도 다양했습니다.

고전 중국어 회화는 17 세기 초의 명나라 때와 같은 매우 현실적인 초상화 그림과 함께 초기 현대 청 왕조로 이어졌다. 강희 천황, 영정 천황, 건륭 천황의 초상화는 현실적인 중국 초상화 그림의 훌륭한 예입니다. Qianlong 통치 기간과 계속되는 19 세기 동안, 유럽의 바로크 스타일의 회화는 중국 초상화 그림에 눈에 띄는 영향을주었습니다. 특히 조명과 음영의 시각 효과가 그렸습니다. 마찬가지로 동아시아 회화와 다른 예술 작품 (예 : 도자기 및 칠기)은 16 세기 초기 접촉 이후 유럽에서 높은 평가를 받았다.

일본 그림
일본 화 (絵 画)는 다양한 장르와 스타일을 포함하여 일본 미술에서 가장 오래되고 가장 세련된 작품 중 하나입니다. 일반적으로 일본 미술과 마찬가지로 일본 화는 일본 고유의 미학과 수입 된 아이디어의 융합과 경쟁의 오랜 역사를 통해 발전했습니다. 19 세기와 20 세기 사이에 만들어진 풍경, 연극, 창녀 구역을 모티브로 한 일본 목판화 (woodcock print) (장작)의 장르이며 부동의 세계의 그림 인 우키요에 (浮世絵). 일본 목판 인쇄의 예술적 장르입니다. 에도 시대의 일본 판화는 19 세기 프랑스 그림에 막대한 영향을 미쳤다.

한국화
독립된 형태의 한국화는 고조선 가을에 기원전 108 년 경에 시작되어 세계에서 가장 오래된 도시 중 하나입니다. 그시기의 작품은 한국 삼국 시대를 특징 짓는 다양한 스타일, 특히 고구려의 왕족의 무덤을 장식 한 회화와 벽화로 발전했다. 삼국 시대와 고려 왕조를 통틀어 한국화는 주로 한국식 풍경, 얼굴의 특징, 불교 중심의 주제, 한국 천문학의 급속한 발전으로 촉진 된 천문 관측에 중점을 두었다. 조선 왕조 때까지는 유교 주제가 토착 적 측면과 조화하여 사용되는 한국화에서 뿌리를 내리기 시작했다.

한국 회화의 역사는 뽕나무 종이 또는 실크 같은 단색 작품을 사용하는 특징이 있습니다. 이 스타일은 “민화”, 또는 색채가 풍부한 화려한 민속 예술, 무덤 그림, 제례 및 축제 예술에서 두드러집니다.

남아시아 그림

인도 그림
인도의 회화는 역사적으로 종교 신들과 왕들을 중심으로 전개되었습니다. 인도 예술은 인도 대륙에 존재하는 여러 예술 학교의 총칭입니다. 그림은 Ajanta의 대형 프레스코에서 복잡한 Mughal 소형 그림, Tanjore 학교의 금속 장식 작품에 이르기까지 다양했습니다. Gandhar-Taxila의 그림은 서쪽의 페르시아 작품의 영향을받습니다. 동쪽의 회화 스타일은 주로 Nalanda 미술 학교 주변에서 개발되었습니다. 작품은 주로 인도 신화의 다양한 장면에서 영감을 얻습니다.

역사
가장 초기의 인도 그림은 선사 시대의 암벽화, Bhimbetka의 Rock Shelters와 같은 곳에서 발견 된 암각화이며, 일부는 기원전 5500 년 이상이었습니다. 그러한 작업은 수천년이 지난 후에도 계속되었고, 7 세기에 아잔타 (Ajanta)의 기둥이 새겨 져 마하 라 슈트 라 (Maharashtra) 주에서는 인도의 회화 작품을 잘 보여 주었고 주로 붉은 색과 오렌지색의 다양한 색조가 광물에서 유래되었습니다.

Maharashtra, India에있는 Ajanta Caves는 기원전 2 세기까지 거슬러 올라가며 불교도와 보편적 인 회화 예술의 걸작으로 여겨지는 그림과 조각이 포함 된 바위 절벽 동굴 기념물입니다.

마드 후니 회화
Madhubani 회화는 인도의 비하르 (Bihar)주의 Mithila 지역에서 실시되는 인도 회화의 스타일입니다. Madhubani 회화의 근원은 고대에서 가려져 있습니다.

라 우트 풋 페인팅
18 세기 인도의 라즈 푸 타나 (Rajputana) 왕실 법원에서 인도 회화의 스타일 인 라즈 푸트 페인팅 (Lajput painting)이 진화하고 번영했습니다. 각 라지 푸트 왕국은 별개의 스타일을 발전 시켰지만 특정 공통점이있었습니다. 라즈 푸트 회화는 라마야나와 마하바라타, 크리슈나의 삶, 아름다운 경관, 인간과 같은 많은 주제와 사건을 묘사합니다. 미니어처가 라지 푸트의 선호 된 매체 였지만 몇몇 원고에도 라즈 푸트 그림이 포함되어 있었고, 궁전의 벽, 요새의 내부 챔버, 하브, 특히 셰이크 하일 트 (Shekhawait)의 하벨에도 그림이 그려져 있었다.

특정 미네랄, 식물 소스, 조가비 껍질에서 추출한 색은 귀금속, 금 및은을 가공하여 파생되었습니다. 원하는 색상을 준비하는 데 시간이 오래 걸리는 경우가 있었으며 때로는 몇 주가 걸렸습니다. 사용 된 브러쉬는 매우 좋았습니다.

무굴 회화
무굴 회화 (Mughal painting)는 인도 회화의 특별한 스타일로, 일반적으로 책의 삽화와 미니어처로 한정되어 있으며, Mughal Empire 16-19 세기의 기간 동안 등장하고 개발되어 형상화되었습니다.

탄 조레 그림
Tanjore 회화는 타밀 나두의 탄 조르 (Tanjore) 마을 출신의 고전적인 남부 인도 그림의 중요한 형태입니다. 예술 형식은 9 세기 초로 거슬러 올라갑니다.이시기는 예술과 문학을 장려 한 Chola 통치자가 지배했습니다. 이 그림들은 우아함, 풍부한 색상 및 세심한주의로 유명합니다. 이 그림의 대부분은 힌두교의 신들과 힌두교 신화의 장면들입니다. 현대에서는이 그림들이 남 인도의 명절 행사에서 기념품으로 많이 팔리고 있습니다.

Tanjore 그림을 만드는 과정은 여러 단계로 이루어집니다. 첫 번째 단계는 기본 이미지의 예비 스케치를 만드는 단계입니다. 기초는 목제 기초에 풀칠 된 피복으로 이루어져있다. 그런 다음 초크 파우더 또는 산화 아연을 수용성 접착제와 혼합하여 받침에 도포합니다. 베이스를 더 매끄럽게 만들기 위해 때로는 부드러운 연마제가 사용됩니다. 드로잉이 끝난 후, 이미지의 주얼리 및 의복 장식은 준 보석으로 마무리됩니다. 끈이나 실은 또한 보석을 장식하는 데 사용됩니다. 이것의 위에, 금박은 풀칠된다. 마지막으로 염료는 그림의 인물에게 색을 더하기 위해 사용됩니다.

마드라스 학교
인도의 영국 통치 기간 동안, 왕관은 마드라스가 세계에서 가장 재능 있고 지적 예술가들 중 일부를 보유하고 있음을 발견했습니다. 영국인들이 마드라스 주변에 거대한 정착촌을 세우자 조지 타운은 런던의 왕가의 예술적 기대에 부응 할 수있는 기관을 설립하기로 결정되었습니다. 이것은 마드라스 학교로 알려지게되었습니다. 처음에는 전통적인 예술가들이 가구, 금속 작업 및 골동품의 절묘한 품종을 생산하기 위해 고용되었으며 그들의 작품은 여왕의 왕궁으로 보내졌습니다.

‘복사’가 가르침의 규범 인 벵골 학교와 달리 마드라스 학교는 새로운 스타일, 주장 및 추세를 ‘창조’하는 데 번성합니다.

벵골 학교
벵갈 예술 학교는 20 세기 초 영국 Raj 시절에 인도에서 번성했던 영향력있는 예술 양식이었습니다. 그것은 인도의 민족주의와 관련이 있었지만 많은 영국의 예술 행정가들에 의해서도 승진되고지지 받았다.

벵골 학교는 라자 라비 바르마 (Raja Ravi Varma)와 같은 인도 예술가와 영국 미술 학교에서 인도에서 이전에 홍보 된 학술 예술 스타일에 반하는 전위적인 민족주의 운동으로 나타났습니다. 영국의 미술 교사 인 Ernest Binfield Havel은 인도의 영적 사상이 서구에서 광범위하게 영향을 미침에 따라 학생들에게 Mughal의 모형을 모방하도록 격려하여 캘커타 예술 학교의 교수법을 개혁하려고 시도했습니다. 이것은 엄청난 논란을 불러 일으켰고 학생들이 파업을 당했고 현지 언론으로부터 불만이 제기되었다. 하벨은 시인 Rabindranath Tagore의 조카 인 Abanindranath Tagore의 지원을 받았다. Tagore는 Mughal art의 영향을받은 많은 작품을 그렸습니다. Mughal art는 Havel이 서구의 ‘유물론’과는 달리 인도의 명료 한 영적 자질을 표현한 것으로 여겨지는 스타일입니다. Tagore의 가장 유명한 그림 인 Bharat Mata (인도의 어머니)는 힌두교 신의 방식으로 4 개의 무기로 묘사 된 젊은 여성을 묘사하고 인도의 국가적 열망을 상징하는 대상을 들고 있습니다. Tagore는 나중에 범 아시아 주의적 예술 모델을 만들기위한 포부의 일환으로 일본 예술가들과의 관계를 발전 시키려고 시도했다.

인도에서의 벵골 학교의 영향력은 1920 년대 현대 주의적 아이디어의 확산과 함께 감소했습니다. 독립 이후의시기에 인도의 예술가들은 유럽 스타일에서 자유롭게 빌려와 인도의 주제와 자유롭게 융합하여 새로운 형태의 예술에 적응할 수있는 적응력을 보여주었습니다. Francis Newton Souza 나 Tyeb Mehta와 같은 예술가들이 그들의 접근 방식에서 더 서쪽 이었지만 Ganesh Pyne와 Maqbool Fida Husain과 같은 사람들이 철저히 토속적 인 작업 스타일을 개발했습니다. 인도의 시장 자유화 과정이 끝난 오늘날, 예술가들은 지금까지 인도에서는 볼 수 없었던 새로운 형태의 예술로 새롭게 부상하고있는 국제 예술계에 더 많은 노출을 경험하고 있습니다. Jitish Kallat는 1990 년대 후반에 그의 그림을 현대적이고 포괄적 인 정의의 범위를 넘어 명성을 얻었습니다. 그러나 새로운 세기의 인도 예술가들이 새로운 스타일, 주제 및 은유를 시도하는 동안, 지금까지 없었던 예술 분야에 진출한 비즈니스 하우스의 도움 없이는 그러한 빠른 인식을 얻지 못했을 것입니다 .

현대 인도 그림
Amrita Sher-Gil은 때때로 인도의 Frida Kahlo로 알려진 인도 화가였으며, 오늘날은 벵골 르네상스 시대의 전통과 비슷한 수준의 20 세기 인도의 중요한 여성 화가로 여겨졌다. 그녀는 인도에서 가장 비싼 여성 화가이기도합니다.

현재 그녀는 Nine Masters에 속해 있으며 1976 년과 1979 년 인도 고고학 조사에 의해 예술 보물로 선언되었으며 현재 뉴 델리의 National Gallery of Modern Art에서 100 점이 넘는 작품이 전시되었습니다.

식민지 시대에 서양의 영향은 인도 미술에 영향을주기 시작했습니다. 일부 예술가들은 서구의 작곡, 원근법 및 사실주의를 사용하여 인도 테마를 설명하는 스타일을 개발했습니다. Jamini Roy와 같은 사람들은 의식적으로 민속 예술에서 영감을 받았다.

1947 년 독립 당시 인도의 몇몇 미술 학교는 현대 기술과 아이디어에 대한 접근을 제공했습니다. 이 예술가들을 소개하기 위해 갤러리가 설립되었습니다. 현대 인도 예술은 일반적으로 서구 스타일의 영향을 보여 주지만, 종종 인도 테마와 이미지에서 영감을 얻습니다. 주요 예술가들은 처음에는 인도 디아스포라 (diaspora)들 사이에서뿐만 아니라 비 인도 청중들 사이에서도 국제적인 인정을 받기 시작했습니다.

1947 년 인도가 독립 한 직후에 설립 된 ‘진보적 예술가 그룹’은 탈식민 시대에 인도를 표현하는 새로운 방법을 수립하고자했다. 창시자는 6 명의 저명한 예술가 – K. H. Ara, S. K. Bakre, H. A. Gade, M.F. 후세인, S.H. Raza와 F. N. Souza는 1956 년에 해체되었지만 인디언 예술의 관용을 바꾸는데 큰 영향을 미쳤다. 1950 년대 거의 모든 인도의 주요 예술가들은이 그룹과 연관되어있었습니다. 오늘날 잘 알려진 사람들 중에는 발 차베드, 마니시 데이, 무쿨 데이, 브이 가이단데르, 램 쿠마르, 잿물 메타, 악바르 파담시가 있습니다. Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran 및 Bijon Choudhuri와 같은 다른 유명 화가들은 인도의 예술 문화를 풍성하게했습니다. 그들은 현대 인도 예술의 아이콘이되었습니다. Rai Anand Krishna 교수와 같은 미술 사학자들은 인도의 정신을 반영하는 현대 예술가들의 작품을 언급하기도합니다. Geeta Vadhera는 Sufi 생각, Upanishads 및 Bhagwad Geeta 같이 화초에 복잡한, 인도 영적 주제를 번역에있는 환호를 goted.

인도 미술은 1990 년대 초반부터 경제 자유화로 부양을 받았다. 다양한 분야의 예술가들이 이제 다양한 작업 스타일을 도입하기 시작했습니다. 자유화 이후 인도에서 많은 화가들은 추상 화가 Natvar Bhavsar, 비주얼 아티스트 Devajyoti Ray 및 조각가 Anish Kapoor와 같은 국제 미술 시장에 자신의 거대한 크기에 대한 관심을 얻은 거대한 포스트 미니멀주의 작품을 선보였습니다. 많은 미술관과 미술관이 인도 미술품 전시를 위해 미국과 유럽에서도 문을 열었습니다.

필리핀 그림
필리핀 그림은 전체적으로 동양적 뿌리가있는 서양 문화가 더 많지만 문화적 영향이 많은 것으로 볼 수 있습니다.

초기 필리핀 그림은 명성 높은 마 옹굴 항아리 (Manunggul Jar)와 같은 필리핀의 의식 도자기에 장식 된 빨간색 슬립 (물과 혼합 된 찰흙) 디자인에서 찾을 수 있습니다. 카타 얀, Sulu 및 Laurente Cave의 Sanga-sanga Cave에서 6000 년경에 발견 된 필리핀 도자기 제작의 증거가 발견되었습니다. 기원전 5000 년에 이르러서 도자기 제작이 전국 곳곳에서 이루어 졌음이 입증되었습니다. 초기 필리핀 인들은 자신의 캄보디아 이웃 사람들과 도자기 생산 기술이 널리 보급 된 아이스 에이지 개발의 일부인 태국인과 거의 동시에 도자기를 만들기 시작했습니다. 포르투갈어 탐험가가 Pintados 또는 Visayas의 ‘Painted People’이라고 불렀던 초기 필리핀 인의 문신 전통에 회화의 증거가 더 많이 나타나 있습니다. 식물상과 식물상을 참조하는 다양한 디자인이 다양한 색소 침착으로 몸을 장식합니다. 아마, 초기의 필리핀 인들이 오늘날까지 살아남은 가장 정교한 그림 중 일부는 나고 드래곤과 사리 마옥으로 잘 알려진 마라 나오의 예술과 건축물 중에서도 볼 수 있습니다. 또는 킹스 하우스.

필리핀 인들은 17 세기 스페인 시대의 유럽 전통에서 그림을 그리기 시작했습니다. 이 회화의 가장 초기는 교회의 프레스코 화, 성경의 근원으로부터의 종교적 이미지, 기독교 아이콘과 유럽 귀족을 특징으로하는 조각, 조각 및 석판 인쇄물이었다. 19 세기와 20 세기 사이의 회화와 조각의 대부분은 단 정치, 어둡고 가벼운 자질을 지닌 종교적, 정치적, 조경 적 작품이 섞여 나왔습니다. Damián Domingo와 같은 초기 모더니스트 화가들은 종교적, 세속적 인 회화와 관련이있었습니다. Juan Luna와 Félix Hidalgo의 예술은 정치적 성향의 경향을 보여주었습니다. 페르난도 아모 솔로 (Fernando Amorsolo)와 같은 예술가는 필리핀의 문화, 자연 및 조화를 묘사 한 그림을 만들기 위해 포스트 모더니즘을 사용했습니다. 페르난도 조벨 (Fernando Zóbel)과 같은 다른 예술가들은 그의 작업에 현실과 추상을 사용했습니다.

이슬람 그림
인간, 동물 또는 다른 비 유적 주제의 묘사는 회교도 문화 내에서 종교적으로 동기 부여 된 회화 (또는 조각) 전통이 없기 때문에 신자가 우상 숭배를하지 못하도록 이슬람교 내에서 금지되어 있습니다. 그림 활동은 기하학적 구성이나 꽃과 식물과 같은 패턴으로 주로 추상, 아라베스크로 축소되었습니다. 건축과 서예와 밀접하게 연결되어 코르 (Koran)와 다른 책의 텍스트 주변의 회교 사원 타일의 일루미네이션이나 널리 사용됩니다. 실제로 추상 미술은 현대 미술의 발명이 아니지만 수세기 전의 고전,야만 문화 및 비 서구 문화에 존재하며 본질적으로 장식 또는 적용된 예술입니다. 주목할만한 삽화가 M. C. Escher는이 기하학 및 패턴 기반 예술의 영향을 받았습니다. 아르누보 (Aubrey Beardsley와 건축가 안토니오 가우디)는 추상적 인 플로랄 패턴을 서구 예술에 다시 도입했습니다.

비 유적 시각화의 금기에도 불구하고 일부 무슬림 국가는 그림 자체가 아니라 서면으로 된 단어의 동반자로서 풍성한 그림의 전통을 키웠다. 페르시아의 미니어처로 널리 알려진이란이나 페르시아의 예술은 서사시 적 또는 낭만적 인 문학 작품의 삽화에 집중합니다. 페르시아의 삽화가들은 의도적으로 현실 세계의 생생한 환영을 만들지 않는 규칙을 준수하기 위해 이슬람 이전의 역사에서 익숙한 음영과 원근감을 사용하지 않았습니다. 그들의 목표는 세상을 그대로 묘사하는 것이 아니라 영원한 아름다움과 완벽한 질서의 이상적인 세계의 이미지를 창조하는 것이 었습니다.

현재 아랍 및 비 아랍 무슬림 국가의 미술 학생이나 전문 예술가의 그림은 서구 문화 예술의 경향과 동일한 경향을 띠고있다.

이란
동양의 역사 학자 바질 그레이 (Basil Grey)는 “이란은 그 종류가 뛰어난 세계에 특별히 독특한 예술을 제안했다”고 믿는다. 이란의로 레스 탄 (Lorestan) 지역에있는 동굴에는 동물과 사냥터의 이미지가 그려져있다. 파르 스 지방 (Fars Province)과 시알 크 (Sialk) 지방의 사람들은 적어도 5,000 년 이상 된 사람들입니다. 이란의 페인팅은 카멜레딘 베자드 (Jamaldin Behzad)와 같은 뛰어난 마스터들이 새로운 스타일의 회화를 탄생시킨 Tamerlane 시대에 절정에 이른 것으로 생각됩니다.

카자르 시대의 회화는 유럽의 영향과 사자 비드 (Rea Abbasi)가 소개 한 미니어처 사범 학교와 미 알리 (Mihr ‘Ali)의 고전 작품을 결합한 것입니다. 카말 올 몰크 (Kamal-ol-molk)와 같은 마스터들은 유럽의 영향력을이란에 더욱 밀어 넣었다. 카자르 (Qajar) 시대에 “커피 하우스 페인팅 (Coffee House painting)”이 등장했습니다. 이 작풍의 주제는 수시로 Shia 서사시와 같은 장면을 묘사 한 성격에서 수시로 종교적이었다.