Die Geschichte der abendländischen Malerei stellt eine ununterbrochene, wenn auch unterbrochene Tradition von der Antike bis zur Gegenwart dar. Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts beschäftigte man sich primär mit repräsentativen und klassischen Produktionsweisen, nach denen sich modernere, abstrakte und konzeptuelle Formen durchsetzten.

Die Entwicklungen in der westlichen Malerei gehen historisch mit denen in der östlichen Malerei, im Allgemeinen ein paar Jahrhunderte später, einher. Afrikanische Kunst, islamische Kunst, indische Kunst, chinesische Kunst und japanische Kunst hatten jeweils einen bedeutenden Einfluss auf die westliche Kunst und schließlich auch umgekehrt.

Die westliche Malerei, die anfänglich imperialistischen, privaten, bürgerlichen und religiösen Gönnern diente, fand später in der Aristokratie und der Mittelschicht ihr Publikum. Vom Mittelalter bis zur Renaissance arbeiteten Maler für die Kirche und eine wohlhabende Aristokratie. Beginnend mit dem Barock erhielten Künstler private Aufträge von einem gebildeten und wohlhabenden Mittelstand. Die Idee der „Kunst um der Kunst willen“ fand ihren Ausdruck in der Arbeit der romantischen Maler wie Francisco de Goya, John Constable und JMW Turner. Im 19. Jahrhundert wurden Handelsgalerien gegründet, die auch im 20. Jahrhundert die Schirmherrschaft übernahmen.

Die westliche Malerei erreichte ihren Höhepunkt in Europa während der Renaissance, in Verbindung mit der Verfeinerung der Zeichnung, dem Gebrauch der Perspektive, der ambitionierten Architektur, der Tapisserie, der Glasmalerei, der Skulptur und der Zeit vor und nach dem Aufkommen der Druckerpresse. Nach der Tiefe der Entdeckung und der Komplexität der Innovationen der Renaissance, das reiche Erbe der westlichen Malerei (vom Barock bis zur zeitgenössischen Kunst). Die Geschichte der Malerei setzt sich im 21. Jahrhundert fort.

Vorgeschichte
Die Geschichte der Malerei reicht bis in die Zeit zurück zu Artefakten von prähistorischen Menschen und umfasst alle Kulturen. Die ältesten bekannten Gemälde sind in der Grotte Chauvet in Frankreich, von einigen Historikern behauptet, dass sie etwa 32.000 Jahre alt sind. Sie sind graviert und bemalt mit rotem Ocker und schwarzem Pigment und zeigen Pferde, Nashörner, Löwen, Büffel, Mammuts oder oft jagende Menschen. Es gibt Beispiele von Höhlenmalereien auf der ganzen Welt – in Frankreich, Indien, Spanien, Portugal, China, Australien usw. Es gibt viele gemeinsame Themen an den vielen verschiedenen Orten, an denen die Bilder gefunden wurden; die Universalität des Zwecks und Ähnlichkeit der Impulse, die die Bildwelt geschaffen haben könnten. Über die Bedeutung dieser Bilder für die Menschen, die sie geschaffen haben, wurden verschiedene Vermutungen angestellt. Prähistorische Menschen mögen Tiere gemalt haben, um ihre Seele oder ihren Geist zu „fangen“, um sie leichter zu jagen, oder die Gemälde können eine animistische Vision und Hommage an die umgebende Natur darstellen, oder sie können das Ergebnis eines grundlegenden Ausdrucksbedürfnisses sein angeboren an die Menschen, oder sie können Aufnahmen der Lebenserfahrungen der Künstler und verwandter Geschichten von Mitgliedern ihres Kreises sein.

Westliche Malerei

Ägypten, Griechenland und Rom
Das alte Ägypten, eine Zivilisation mit starken Traditionen der Architektur und Skulptur (beide ursprünglich in leuchtenden Farben gemalt), hatte viele Wandmalereien in Tempeln und Gebäuden und malte Illustrationen auf Papyrushandschriften. Ägyptische Wandmalerei und dekorative Malerei ist oft grafisch, manchmal symbolischer als realistisch. Die ägyptische Malerei zeigt kühne Umrisse und flache Silhouetten, in denen die Symmetrie eine Konstante ist. Die ägyptische Malerei hat eine enge Verbindung mit ihrer geschriebenen Sprache – ägyptische Hieroglyphen genannt. Gemalte Symbole finden sich unter den ersten Formen geschriebener Sprache. Die Ägypter malten auch Leinen, deren Überreste bis heute erhalten sind. Alte ägyptische Gemälde haben aufgrund des extrem trockenen Klimas überlebt. Die alten Ägypter schufen Gemälde, um das Leben nach dem Tod eines Verstorbenen zu einem angenehmen Ort zu machen. Die Themen beinhalteten die Reise durch die Jenseitswelt oder ihre Schutzgottheiten, die den Göttern der Unterwelt die Toten vorstellten. Einige Beispiele solcher Gemälde sind Gemälde der Götter und Göttinnen Ra, Horus, Anubis, Nuss, Osiris und Isis. Einige Grabmalereien zeigen Aktivitäten, an denen die Verstorbenen zu Lebzeiten beteiligt waren und die sie für die Ewigkeit weiterführen wollten. Im Neuen Reich und später wurde das Totenbuch mit der begrabenen Person begraben. Es wurde für eine Einführung ins Jenseits als wichtig erachtet.

Mittelalter
Der Aufstieg des Christentums verlieh den Malstilen einen anderen Geist und Ziel. Die byzantinische Kunst, deren Stil im 6. Jahrhundert gegründet wurde, legte großen Wert auf die Bewahrung der traditionellen Ikonographie und des Stils und entwickelte sich allmählich während der tausend Jahre des byzantinischen Reiches und der lebendigen Traditionen der griechischen und russisch-orthodoxen Ikonenmalerei. Die byzantinische Malerei hat hieratische Gefühle und Ikonen wurden und werden immer noch als Repräsentation der göttlichen Offenbarung gesehen. Es gab viele Fresken, aber weniger als Mosaike. Byzantinische Kunst wurde in ihrer Flachheit und hochstilisierten Darstellungen von Figuren und Landschaften mit zeitgenössischer Abstraktion verglichen. Einige Perioden der byzantinischen Kunst, insbesondere die sogenannte mazedonische Kunst des 10. Jahrhunderts, sind flexibler. Fresken der paläologischen Renaissance des frühen 14. Jahrhunderts sind in der Chora-Kirche in Istanbul erhalten.

Renaissance und Manierismus
Die Renaissance (französisch für „Wiedergeburt“), eine kulturelle Bewegung, die sich ungefähr vom 14. bis zur Mitte des 17. Jahrhunderts erstreckte, läutete das Studium klassischer Quellen sowie Fortschritte in der Wissenschaft ein, die das europäische intellektuelle und künstlerische Leben tief beeinflussten. In den Niederlanden, besonders im heutigen Flandern, wurde zu Beginn des 15. Jahrhunderts eine neue Malweise geschaffen. Auf den Spuren der Entwicklungen, die bei der Illumination von Manuskripten vor allem bei den Gebrüdern Limbourg gemacht wurden, faszinierten Künstler das Greifbare in der sichtbaren Welt und begannen, Objekte auf äußerst naturalistische Weise darzustellen. Die Annahme des Ölgemäldes, dessen Erfindung traditionell, aber fälschlicherweise Jan van Eyck zugeschrieben wurde, ermöglichte eine neue Wahrscheinlichkeit, diesen Naturalismus darzustellen. Das Medium der Ölfarbe war bereits in der Arbeit von Melchior Broederlam vorhanden, aber Maler wie Jan van Eyck und Robert Campin brachten seine Verwendung zu neuen Höhen und verwendeten es, um den angestrebten Naturalismus darzustellen. Mit diesem neuen Medium waren die Maler dieser Zeit in der Lage, kräftigere Farben mit einer intensiven Tonalität zu schaffen.

Die Illusion von leuchtendem Licht mit einem Porzellan-ähnlichen Finish charakterisierte die frühe niederländische Malerei und war ein großer Unterschied zu der matten Oberfläche der in Italien verwendeten Tempera-Farbe. Im Gegensatz zu den Italienern, deren Werke stark von der Kunst des antiken Griechenlands und Roms inspiriert waren, behielten die Nordländer einen stilistischen Überrest der Skulpturen und illuminierten Handschriften des Mittelalters (besonders des Naturalismus). Der bedeutendste Künstler dieser Zeit war Jan van Eyck, dessen Werk zu den besten von Künstlern zählt, die heute als niederländische Maler oder flämische Primitive bekannt sind (da die meisten Künstler in den Städten des heutigen Flanderns tätig waren). Der erste Maler dieser Periode war der Meister von Flémalle, heute bekannt als Robert Campin, dessen Arbeiten der Kunst der internationalen Gotik folgen. Ein anderer bedeutender Maler dieser Zeit war Rogier van der Weyden, dessen Kompositionen menschliche Emotionen und Dramatik hervorhoben, wie zum Beispiel in seiner Kreuzabnahme, die zu den berühmtesten Werken des 15. Jahrhunderts zählt und das einflussreichste niederländische Gemälde Christi war Kreuzigung. Andere wichtige Künstler aus dieser Zeit sind Hugo van der Goes (dessen Werk in Italien sehr einflussreich war), Dieric Bouts (der als einer der ersten Maler des Nordens die Verwendung eines einzigen Fluchtpunktes demonstrierte), Petrus Christus, Hans Memling und Gerard David .

Barock und Rokoko
Die barocke Malerei ist mit der barocken Kulturbewegung verbunden, eine Bewegung, die oft mit dem Absolutismus und der Gegenreformation oder der Wiedergeburt der Katholiken identifiziert wurde. das Vorhandensein einer bedeutenden Barockmalerei in nicht-absolutistischen und protestantischen Staaten unterstreicht jedoch auch seine Popularität, da sich der Stil in ganz Westeuropa verbreitete.

Die Barockmalerei zeichnet sich durch großes Drama, reiche, tiefe Farbe und intensive helle und dunkle Schatten aus. Die barocke Kunst sollte anstelle der in der Renaissance geschätzten Ruhe Rationalität hervorrufen. In der Zeit um 1600 und im Laufe des 17. Jahrhunderts wird die Malerei als barock bezeichnet. Zu den größten Malern des Barock gehören Caravaggio, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Velázquez, Poussin und Johannes Vermeer. Caravaggio ist ein Erbe der humanistischen Malerei der Hochrenaissance. Seine realistische Annäherung an die menschliche Figur, direkt aus dem Leben gemalt und vor dunklem Hintergrund dramatisch beleuchtet, schockierte seine Zeitgenossen und eröffnete ein neues Kapitel in der Geschichte der Malerei. Barockmalerei dramatisiert oft Szenen mit Lichteffekten; Dies kann in Werken von Rembrandt, Vermeer, Le Nain, La Tour und Jusepe de Ribera gesehen werden.

Im 18. Jahrhundert folgte das Rokoko als leichtere Erweiterung des Barock, oft frivol und erotisch. Rokoko entwickelte sich zuerst in der dekorativen Kunst und Innenarchitektur in Frankreich. Die Nachfolge Ludwigs XV. Brachte eine Veränderung der Hofkünstler und der allgemeinen Kunstmode. Die 1730er Jahre stellten die Blütezeit der Rokoko-Entwicklung in Frankreich dar, am Beispiel der Werke von Antoine Watteau und François Boucher. Rokoko behielt immer noch den barocken Geschmack für komplexe Formen und komplizierte Muster, aber zu diesem Zeitpunkt hatte es begonnen, eine Vielzahl von verschiedenen Eigenschaften zu integrieren, einschließlich eines Geschmacks für orientalische Designs und asymmetrische Kompositionen.

Der Rokokostil verbreitete sich mit französischen Künstlern und gravierten Publikationen. Es wurde in den katholischen Teilen Deutschlands, Böhmens und Österreichs, wo es mit den lebhaften deutschen barocken Traditionen verschmolzen wurde, bereitwillig aufgenommen. Besonders im Süden wurde das deutsche Rokoko mit Begeisterung auf Kirchen und Paläste angewendet, während sich das friderizianische Rokoko im Königreich Preußen entwickelte.

19. Jahrhundert:
Nach dem Rokoko entstand im späten 18. Jahrhundert, in der Architektur, und dann in der Malerei strengen Neoklassizismus, am besten vertreten durch Künstler wie David und sein Erbe Ingres. Ingres Arbeit enthält schon viel von der Sinnlichkeit, aber nichts von der Spontaneität, die die Romantik charakterisieren sollte.

Eine wichtige Kraft in der Wende zum Realismus in der Mitte des Jahrhunderts war Gustave Courbet, dessen unidealisierte Gemälde von gewöhnlichen Menschen die an gewöhnliche Thematik gewöhnten und die akademische Kunst geleckten Zuschauer beleidigten, aber viele jüngere Künstler inspirierten. Der führende Maler der Schule von Barbizon, Jean-François Millet, malte auch Landschaften und Szenen des bäuerlichen Lebens. Mit der Schule von Barbizon war Camille Corot eng verbunden, der sowohl romantisch als auch realistisch zeichnete; Seine Arbeiten weisen auf den Impressionismus hin, ebenso wie die Gemälde von Johan Jongkind und Eugène Boudin (der als einer der ersten französischen Landschaftsmaler im Freien malte). Boudin war ein wichtiger Einfluss auf den jungen Claude Monet, den er 1857 in die Freilichtmalerei einführte.

Im zweiten Drittel des Jahrhunderts arbeiteten Impressionisten wie Édouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt und Edgar Degas direkter als bisher öffentlich. Sie verzichteten auf Allegorien und Erzählungen zugunsten individualisierter Antworten auf die moderne Welt, die manchmal mit wenig oder gar keiner Vorbereitungsarbeit gemalt wurden und sich auf die Geschicklichkeit des Zeichnens und eine hoch chromatische Palette stützen. Monet, Pissarro und Sisley verwendeten die Landschaft als ihr Hauptmotiv, wobei die Vergänglichkeit von Licht und Wetter eine wichtige Rolle in ihrer Arbeit spielte. Einer Praxis folgend, die seit Mitte des Jahrhunderts immer populärer wurde, wagten sie sich oft ins Freie hinaus, um im Freien zu malen, aber nicht für den traditionellen Zweck, Skizzen zu fertigen Arbeiten im Studio zu entwickeln. Indem sie im Sonnenlicht direkt aus der Natur malten und die seit Anfang des Jahrhunderts zur Verfügung stehenden lebhaften synthetischen Pigmente kühn verwendeten, entwickelten sie eine hellere und hellere Malweise.

Post-Impressionisten wie Paul Cézanne und der etwas jüngere Vincent van Gogh, Paul Gauguin und Georges-Pierre Seurat führten Kunst an den Rand der Moderne. Für Gauguin Impressionismus wich einer persönlichen Symbolik. Seurat transformierte die gebrochene Farbe des Impressionismus in eine wissenschaftliche optische Studie, die auf friesartigen Kompositionen strukturiert war. Die von ihm entwickelte Maltechnik, genannt Divisionism, zog viele Anhänger an, wie Paul Signac, und für einige Jahre in den späten 1880er Jahren übernahm Pissarro einige seiner Methoden. Van Goghs turbulente Methode des Farbauftrags, gepaart mit einer sonoren Farbgebung, prophezeite Expressionismus und Fauvismus, und Cézanne, der die klassische Komposition mit einer revolutionären Abstraktion natürlicher Formen verbinden wollte, würde als Vorläufer der Kunst des 20. Jahrhunderts gelten .

Im späten 19. Jahrhundert gab es auch einige, ziemlich unterschiedliche Gruppen von symbolistischen Malern, deren Werke mit jüngeren Künstlern des 20. Jahrhunderts, besonders mit den Fauves und den Surrealisten, in Resonanz traten. Unter ihnen waren Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler, Edvard Munch, Félicien Rops, Jan Toorop und Gustav Klimt und die russischen Symbolisten wie Mikhail Vrubel.

Symbolistische Maler meißelten Mythologie und Traumbilder für eine visuelle Sprache der Seele und suchten nach evokativen Bildern, die an eine statische Welt der Stille erinnerten. Die im Symbolismus verwendeten Symbole sind nicht die bekannten Embleme der Mainstream-Ikonographie, sondern sehr persönliche, private, obskure und mehrdeutige Bezüge. Die symbolistischen Maler waren mehr eine Philosophie als ein wirklicher Kunststil und beeinflussten die zeitgenössische Art-Nouveau-Bewegung und Les Nabis. In ihrer Erforschung traumhafter Subjekte finden sich symbolistische Maler über Jahrhunderte und Kulturen hinweg, wie sie heute noch sind; Bernard Delvaille hat René Magrittes Surrealismus als „Symbolismus plus Freud“ beschrieben.

20. Jahrhundert
Das Erbe von Malern wie Van Gogh, Cézanne, Gauguin und Seurat war wesentlich für die Entwicklung der modernen Kunst. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts revolutionierten Henri Matisse und einige andere junge Künstler wie der vorkubistische Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy und Maurice de Vlaminck die Pariser Kunstwelt mit „wilden“, vielfarbigen, expressiven Landschaften und Figurenbildern dass die Kritiker den Fauvismus nannten. Henri Matisse ‚zweite Version von The Dance bedeutet einen wichtigen Punkt in seiner Karriere und in der Entwicklung der modernen Malerei. Es spiegelt Matisse ‚beginnende Faszination für die primitive Kunst wider: Die intensiven warmen Farben vor dem kühlen blau-grünen Hintergrund und die rhythmische Abfolge tanzender Akte vermitteln Gefühle emotionaler Befreiung und Hedonismus. Pablo Picasso hat seine ersten kubistischen Gemälde basierend auf Cézannes Idee, dass alle Darstellungen der Natur auf drei Körper reduziert werden können: Würfel, Kugel und Kegel. Mit dem Gemälde Les Demoiselles d’Avignon (1907) schuf Picasso ein neues und radikales Bild einer Bordell-Szene mit fünf Prostituierten, gewaltsam gemalten Frauen, die an afrikanische Stammesmasken und eigene kubistische Erfindungen erinnern. Der Kubismus wurde von etwa 1908 bis 1912 gemeinsam von Pablo Picasso und Georges Braque entwickelt, dessen Violine und Leuchter, Paris (1910) hier gezeigt wird. Die erste klare Manifestation des Kubismus wurde von Braque, Picasso, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier und Robert Delaunay praktiziert. Juan Gris, Marcel Duchamp, Alexander Archipenko, Joseph Csaky und andere schlossen sich bald an. Der synthetische Kubismus, der von Braque und Picasso praktiziert wird, zeichnet sich durch die Einführung verschiedener Texturen, Oberflächen, Collagenelemente, Papier collé und einer großen Vielfalt von zusammenhängenden Themen aus.

Fauvismus, Der Blaue Reiter, Die Brücke
Der Fauvismus war eine lose Gruppe von Künstlern des frühen 20. Jahrhunderts, deren Werke die malerischen Qualitäten und den phantasievollen Gebrauch der tiefen Farbe gegenüber den repräsentativen Werten betonen. Die Führer der Bewegung waren Henri Matisse und André Derain – freundliche Rivalen einer Art, jeder mit seinen eigenen Anhängern. Letztendlich wurde Matisse das Ying zu Picassos Yin im 20. Jahrhundert. Fauvistische Maler wie Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, der niederländische Maler Kees van Dongen und Picassos Partner im Kubismus, Georges Braque ua.

Expressionismus, Symbolismus, amerikanische Moderne, Bauhaus
Expressionismus und Symbolismus sind breite Rubriken, die mehrere verwandte Bewegungen in der Malerei des 20. Jahrhunderts beinhalten, die einen Großteil der Avantgarde-Kunst beherrschten, die in West-, Ost- und Nordeuropa hergestellt wurde. Die expressionistischen Werke entstanden hauptsächlich zwischen dem Ersten und Zweiten Weltkrieg, hauptsächlich in Frankreich, Deutschland, Norwegen, Russland, Belgien und Österreich. Fauvismus, Die Brücke und Der Blaue Reiter sind drei der bekanntesten expressionistischen und symbolistischen Malergruppen. Marc Chagalls Gemälde I and the Village erzählt eine autobiografische Geschichte, die die Beziehung zwischen dem Künstler und seinen Ursprüngen mit einem Lexikon des künstlerischen Symbolismus untersucht. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Georges Rouault, Amedeo Modigliani, und einige Amerikaner im Ausland wie Marsden Hartley und Stuart Davis waren als einflussreiche expressionistische Maler betrachtet. Obwohl Alberto Giacometti vor allem als surrealistischer Bildhauer gilt, machte er auch intensiv expressionistische Bilder.

Pioniere der Abstraktion
Wassily Kandinsky gilt allgemein als einer der ersten bedeutenden Maler der modernen abstrakten Kunst. Als Theoretiker der frühen Moderne theoretisierte er, wie die zeitgenössischen Okkultisten und Theosophen, dass die reine visuelle Abstraktion mit Klang und Musik einhergeht. Sie postulierten, dass reine Abstraktion reine Spiritualität ausdrücken könne. Seine frühesten Abstraktionen wurden allgemein als das Beispiel in der Zusammensetzung VII betitelt, Verbindung zum Werk der Komponisten der Musik machend. Kandinsky hat in seinem Buch Über das Geistige in der Kunst viele seiner Theorien über abstrakte Kunst aufgenommen. Weitere wichtige Pioniere der frühen Abstraktion sind der schwedische Maler Hilma af Klint, der russische Maler Kasimir Malewitsch und der Schweizer Maler Paul Klee. Robert Delaunay war ein französischer Künstler, der mit Orphismus assoziiert wird (erinnert an eine Verbindung zwischen reiner Abstraktion und Kubismus). Seine wichtigsten Beiträge zur abstrakten Malerei beziehen sich auf seine mutige Verwendung von Farbe und sein Experimentieren mit Tiefe und Ton.

Dada und Surrealismus
Marcel Duchamp erlangte internationale Bekanntheit im Zuge der New York City Armoury Show im Jahr 1913, wo seine Nude Descending a Staircase zum Cause Célèbre wurde. Er schuf anschließend The Bride Stripped Bare von ihren Junggesellen, Even, Large Glass. Das Große Glas hat die Kunst des Malens zu radikalen neuen Grenzen geführt: Teilmalerei, Teilcollage, Teilkonstruktion. Duchamp (der bald darauf verzichten sollte, Kunst für Schach zu machen) verband sich eng mit der Dada-Bewegung, die während des Ersten Weltkrieges im neutralen Zürich begann und von 1916 bis 1920 ihren Höhepunkt erreichte. Die Bewegung bestand hauptsächlich aus bildender Kunst, Literatur (Poesie, Kunstausstellungen) , Kunsttheorie), Theater und Grafikdesign, um ihre Antikriegspolitik und die Ablehnung der herrschenden Standards in der Kunst durch Anti-Kunst-Kulturwerke voranzutreiben. Andere Künstler, die mit der Dada-Bewegung in Verbindung gebracht werden, sind Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp und Sophie Taeuber-Arp. Duchamp und einige Dadaisten werden auch mit dem Surrealismus in Verbindung gebracht, der Bewegung, die in den 1920er und 1930er Jahren die europäische Malerei dominierte.

Neue Sachlichkeit, Sozialer Realismus, Regionalismus, amerikanische Szenenmalerei, Symbolismus
Während der 1920er und 1930er Jahre und der Weltwirtschaftskrise war die europäische Kunstszene vom Surrealismus, dem späten Kubismus, dem Bauhaus, De Stijl, Dada, der Neuen Sachlichkeit und dem Expressionismus geprägt; und wurde von meisterhaften modernistischen Farbenmalern wie Henri Matisse und Pierre Bonnard besetzt.

Abstrakter Expressionismus
Die 1940er Jahre in New York City läuteten den Triumph des amerikanischen abstrakten Expressionismus ein, der die Lehren der europäischen Modernisten über große Lehrer in Amerika wie Hans Hofmann und John D. Graham verband. Amerikanische Künstler profitierten von der Anwesenheit von Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst und der André-Breton-Gruppe, der Galerie von Pierre Matisse und Peggy Guggenheims Galerie The Art of This Century sowie weiteren Faktoren.

Realismus, Landschaft, Seestück, Figuration, Stilleben, Stadtbild
Während der 1930er bis in die 1960er Jahre entwickelte sich die abstrakte Malerei in Amerika und Europa zu Bewegungen wie dem abstrakten Expressionismus, Farbfeldmalerei, Post-malerischer Abstraktion, Op-Art, Hard-Edge-Malerei, Minimal Art, geformter Leinwandmalerei und lyrischer Abstraktion. Andere Künstler reagierten als Reaktion auf die Tendenz zur Abstraktion, die es den Bildern ermöglichte, sich durch verschiedene neue Kontexte wie die Bay Area Figürliche Bewegung in den 1950er Jahren und neue Formen des Expressionismus von den 1940ern bis in die 1960er Jahre fortzusetzen. Während des 20. Jahrhunderts praktizierten viele Maler den Realismus und verwendeten expressive Bilder in der Landschafts- und figurativen Malerei mit zeitgenössischen Themen. Sie umfassen so unterschiedliche Künstler wie Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr. und Elaine de Kooning.

Pop-Art
Pop-Art in Amerika war zu einem großen Teil zunächst von den Werken von Jasper Johns, Larry Rivers und Robert Rauschenberg inspiriert, obwohl die Gemälde von Gerald Murphy, Stuart Davis und Charles Demuth in den 1920er und 1930er Jahren den Stil und das Thema des Pop vorwegnehmen Kunst.

Art Brut, Neuer Realismus, Bay Area Figurative Bewegung, Neo-Dada, Fotorealismus
In den 1950er und 1960er Jahren entwickelte sich die abstrakte Malerei in Amerika und Europa zu Bewegungen wie Farbfeldmalerei, Post-Malerei-Abstraktion, Op-Art, Hard-Edge-Malerei, Minimal Art, geformter Leinwandmalerei, lyrischer Abstraktion und der Fortsetzung des abstrakten Expressionismus. Andere Künstler reagierten als Reaktion auf die Tendenz zur Abstraktion mit Art brut, wie in Court les rues, 1962, von Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, Neuer Realismus, Fotorealismus, die Bilder durch verschiedene neue Kontexte wie z Pop Art, die Bay Area Figurative Bewegung (ein Paradebeispiel ist Diebenkorns Cityscape I, (Landscape No. 1) (1963) und später der Neo-Expressionismus der 1970er Jahre. Die Bay Area Figurative Bewegung von David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira und Richard Diebenkorn, deren Gemälde Cityscape 1 (1963) ein typisches Beispiel ist, waren einflussreiche Mitglieder, die in den 1950er und 1960er Jahren in Kalifornien blühten.Jugendliche Maler praktizierten die Bildsprache auf neue und radikale Art. Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo , Nikki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl und Vija Celmins waren einige, die zwischen den 1960er und den 1980er Jahren bekannt wurden Porter war weitgehend autodidaktisch und produzierte gegenständliche Arbeiten inmitten der abstrakten expressionistischen Bewegung. Seine Themen waren vor allem Landschaften, häusliche Interieurs und Porträts von Familie, Freunden und Künstlerkollegen.

Geometrische Abstraktion, Op Art, Hard-Edge, Farbfeld, Minimal Art, Neuer Realismus
In den 1960er und 1970er Jahren entwickelte sich die abstrakte Malerei in Amerika durch unterschiedliche Stile weiter. Geometrische Abstraktion, Op-Art, Hard-Edge-Malerei, Color-Field-Malerei und Minimal-Malerei, waren einige miteinander verbundene Richtungen für fortgeschrittene abstrakte Malerei sowie einige andere neue Bewegungen. Morris Louis war ein wichtiger Pionier in der fortgeschrittenen Colorfield-Malerei, sein Werk kann als Brücke zwischen dem Abstrakten Expressionismus, der Colorfield-Malerei und der Minimal Art dienen. Zwei einflussreiche Lehrer, Josef Albers und Hans Hofmann, führten eine neue Generation amerikanischer Künstler in ihre fortgeschrittenen Theorien von Farbe und Raum ein. Albers ist am besten für seine Arbeit als geometrischer Abstraktionist Maler und Theoretiker in Erinnerung. Am bekanntesten sind die Hunderte von Gemälden und Drucken, die die Serie Homage to the Square ausmachen. In dieser rigorosen Serie, die 1949 begann, erforschte Albers chromatische Wechselwirkungen mit konzentrisch auf der Leinwand angeordneten, flachen farbigen Quadraten. Albers ‚Theorien zu Kunst und Bildung waren prägend für die nächste Künstlergeneration. Seine eigenen Bilder bilden die Grundlage für Hard Edge-Malerei und Op-Art.

Geformte Leinwand, Washington-Farben-Schule, abstrakter Illusionismus, lyrische Abstraktion
Die Farbfeldmalerei wies auf eine neue Richtung in der amerikanischen Malerei hin, weg vom abstrakten Expressionismus. Im Zusammenhang mit der post-malerischen Abstraktion, dem Suprematismus, dem abstrakten Expressionismus, der Hard-Edge-Malerei und der lyrischen Abstraktion versuchte die Farbfeldmalerei die Kunst von überflüssiger Rhetorik zu befreien. Künstler wie Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox und andere malten mit einer sehr artikulierten und psychologischen Farbgebung. Im Allgemeinen eliminierten diese Künstler wiedererkennbare Bilder. Gewisse Künstler bezogen sich auf die Kunst der Vergangenheit oder der Gegenwart, aber im Allgemeinen stellt die Farbfeldmalerei Abstraktion als Selbstzweck dar. Um diese Richtung der modernen Kunst zu verfolgen, wollten Künstler jedes Bild als ein zusammenhängendes, monolithisches Bild präsentieren. Gene Davis zusammen mit Kenneth Noland, Morris Louis und mehreren anderen war ein Mitglied der Washington Color School Maler, die in den 1950er und 1960er Jahren begann, Farbfeld Gemälde in Washington, DC zu erstellen, Black, Grey, Beat ist eine große vertikale Streifen Malerei und typisch für Gene Davis Arbeit.

Abstrakter Illusionismus, Monochrom, Minimalismus, Postminimalism
Einer der ersten Künstler, die speziell mit dem Minimalismus in Verbindung gebracht wurden, war Frank Stella, dessen frühe „Streifen“ -Bilder in der Ausstellung „16 Americans“ von 1959 von Dorothy Miller im Museum of Modern Art in New York gezeigt wurden. Die Breite der Streifen in Stellas Streifenbildern war nicht ganz subjektiv, sondern wurde durch die Abmessungen des Bauholzes bestimmt, das für den Bau des tragenden Chassis verwendet wurde, auf dem die Leinwand gespannt war. Im Katalog der Ausstellung merkt Carl Andre an: „Kunst schließt das Unnötige aus. Frank Stella hat es für nötig befunden, Streifen zu streichen. Es gibt nichts anderes in seinem Gemälde.“ Diese reduktiven Arbeiten standen in scharfem Kontrast zu den energiegeladenen und scheinbar emotional aufgeladenen Gemälden von Willem de Kooning oder Franz Kline und lehnten sich eher an weniger gestische Farbfeldgemälde von Barnett Newman und Mark Rothko an.

Neo-Expressionismus
In den späten 1960er Jahren half der abstrakte expressionistische Maler Philip Guston, einen Übergang vom abstrakten Expressionismus zum Neoexpressionismus in der Malerei zu führen, indem er die sogenannte „reine Abstraktion“ des abstrakten Expressionismus zugunsten von mehr cartoonartigen Renderings verschiedener persönlicher Symbole und Objekte aufgab. Diese Werke inspirierten eine neue Generation von Künstlern, die sich für eine Wiederbelebung expressiver Bilder interessieren. Sein Gemälde Malerei, Rauchen, Essen ist ein Beispiel für Gustons Rückkehr zur Repräsentation.
In den späten 1970er und frühen 1980er Jahren gab es auch eine Rückkehr zur Malerei, die fast gleichzeitig in Italien, Deutschland, Frankreich und Großbritannien stattfand. Diese Bewegungen wurden Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre, Neo-Expressionismus, die Schule von London und in den späten 80er Jahren die Stuckisten genannt. Diese Malerei zeichnete sich durch große Formate, freie Ausdrucksmarkierung, Figuration, Mythos und Imagination aus. Alle Arbeiten in diesem Genre wurden als Neo-Expressionismus bezeichnet.

Zeitgenössische Malerei ins 21. Jahrhundert
Während des 20. Jahrhunderts und im 21. Jahrhundert, mit dem Aufkommen der modernen und postmodernen Kunstformen, begannen die Unterschiede zwischen dem, was allgemein als die schönen Künste und die niedrigen Künste angesehen wird, zu verblassen, während die zeitgenössische hohe Kunst weiterhin diese Konzepte durch Mischen herausfordert mit der populären Kultur.

Mainstream-Malerei wurde von Künstlern der postmodernen Ära zugunsten des künstlerischen Pluralismus abgelehnt. Laut Kunstkritiker Arthur Danto gibt es eine alles überwindende Haltung, die vorherrscht; ein „alles vor sich geht“ und folglich „nichts geht weiter“ -Syndrom; das schafft einen ästhetischen Stau ohne feste und klare Richtung und mit jeder Spur auf der Kunstautobahn.