Pintura ocidental

A história da pintura ocidental representa uma tradição contínua, embora perturbada, desde a antiguidade até a atualidade. Até meados do século XIX, ele se preocupava principalmente com os modos de produção representacional e clássico, após o que formas mais modernas, abstratas e conceituais ganharam aceitação.

Os desenvolvimentos na pintura ocidental historicamente são semelhantes aos da pintura oriental, em geral alguns séculos depois. A arte africana, a arte islâmica, a arte indiana, a arte chinesa e a arte japonesa tiveram uma influência significativa na arte ocidental e, eventualmente, vice-versa.

Inicialmente servindo ao patrocínio imperial, privado, cívico e religioso, a pintura ocidental encontrou depois audiências na aristocracia e na classe média. Desde a Idade Média até os pintores da Renascença, trabalhou para a igreja e para uma rica aristocracia. Começando com os artistas do período barroco, recebiam comissões privadas de uma classe média mais instruída e próspera. A idéia de “arte pela arte” começou a encontrar expressão no trabalho de pintores românticos como Francisco de Goya, John Constable e JMW Turner. Durante o século XIX, as galerias comerciais se estabeleceram e continuaram a fornecer patrocínio no século XX.

A pintura ocidental atingiu seu auge na Europa durante o Renascimento, em conjunto com o refinamento do desenho, o uso da perspectiva, a arquitetura ambiciosa, a tapeçaria, o vitral, a escultura e o período antes e depois do advento da imprensa. Seguindo a profundidade da descoberta e a complexidade das inovações do Renascimento, a rica herança da pintura ocidental (do barroco à arte contemporânea). A história da pintura continua no século XXI.

Pré-história
A história da pintura remonta ao tempo a artefatos de seres humanos pré-históricos e abrange todas as culturas. As mais antigas pinturas conhecidas estão na Grotte Chauvet na França, reivindicada por alguns historiadores como tendo cerca de 32.000 anos de idade. Eles são gravados e pintados usando ocre vermelho e pigmento preto e mostram cavalos, rinocerontes, leões, búfalos, mamutes ou seres humanos, muitas vezes caçando. Há exemplos de pinturas rupestres em todo o mundo – na França, na Índia, na Espanha, em Portugal, na China, na Austrália, etc. Há muitos temas comuns nos muitos lugares diferentes em que as pinturas foram encontradas; implicando a universalidade do propósito e a similaridade dos impulsos que poderiam ter criado a imagem. Várias conjecturas foram feitas quanto ao significado que essas pinturas tinham para as pessoas que as criaram. Os homens pré-históricos podem ter pintado animais para “pegar” sua alma ou espírito, a fim de caçá-los mais facilmente, ou as pinturas podem representar uma visão animista e uma homenagem à natureza circundante, ou podem ser o resultado de uma necessidade básica de expressão. inatas aos seres humanos, ou podem ser gravações das experiências de vida dos artistas e histórias relacionadas dos membros de seu círculo.

Pintura ocidental

Egito, Grécia e Roma
O antigo Egito, uma civilização com fortes tradições de arquitetura e escultura (ambas originalmente pintadas em cores vivas), tinha muitas pinturas murais em templos e edifícios, e pintava ilustrações em papiros manuscritos. A pintura de parede egípcia e a pintura decorativa são frequentemente gráficas, às vezes mais simbólicas do que realistas. A pintura egípcia retrata figuras em contorno arrojado e silhueta plana, nas quais a simetria é uma característica constante. A pintura egípcia tem estreita ligação com sua linguagem escrita – chamada hieróglifos egípcios. Símbolos pintados são encontrados entre as primeiras formas de linguagem escrita. Os egípcios também pintaram em linho, remanescentes dos quais sobrevivem hoje. Pinturas egípcias antigas sobreviveram devido ao clima extremamente seco. Os antigos egípcios criaram pinturas para tornar a vida após a morte do falecido um lugar agradável. Os temas incluíram jornada através do mundo posterior ou suas divindades protetoras, introduzindo os mortos aos deuses do submundo. Alguns exemplos de tais pinturas são pinturas dos deuses e deusas Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris e Isis. Algumas pinturas de túmulos mostram atividades nas quais os mortos estavam envolvidos quando estavam vivos e desejavam continuar fazendo para a eternidade. No Novo Reino e depois, o Livro dos Mortos foi enterrado com a pessoa sepultada. Foi considerado importante para uma introdução à vida após a morte.

Meia idade
A ascensão do cristianismo conferiu um espírito diferente e visou estilos de pintura. Arte bizantina, uma vez que seu estilo foi estabelecido pelo século 6, colocou grande ênfase na manutenção da iconografia tradicional e estilo, e gradualmente evoluiu durante os mil anos do Império Bizantino e as tradições vivas da iconografia grega e russa ortodoxa. A pintura bizantina tem um sentimento hierático e os ícones foram e ainda são vistos como uma representação da revelação divina. Havia muitos afrescos, mas menos deles sobreviveram do que os mosaicos. A arte bizantina tem sido comparada à abstração contemporânea, em sua planura e representações altamente estilizadas de figuras e paisagens. Alguns períodos da arte bizantina, especialmente a chamada arte macedônia do século X, são mais flexíveis na abordagem. Afrescos do Renascimento Paleólogo do início do século XIV sobrevivem na Igreja de Chora, em Istambul.

Renascimento e maneirismo
O Renascimento (francês para o “renascimento”), um movimento cultural que durou entre os séculos XIV e XVII, anunciava o estudo das fontes clássicas, assim como os avanços da ciência que influenciaram profundamente a vida intelectual e artística européia. Nos Países Baixos, especialmente na Flandres moderna, uma nova maneira de pintar foi estabelecida no início do século XV. Nos passos dos desenvolvimentos feitos na iluminação de manuscritos, especialmente pelos Irmãos Limbourg, os artistas ficaram fascinados pelo tangível no mundo visível e começaram a representar objetos de uma maneira extremamente naturalista. A adoção da pintura a óleo, cuja invenção foi tradicionalmente, mas erroneamente, creditada a Jan van Eyck, possibilitou uma nova verossimilhança ao retratar esse naturalismo. O meio de tinta a óleo já estava presente no trabalho de Melchior Broederlam, mas pintores como Jan van Eyck e Robert Campin levaram seu uso a novos patamares e o empregaram para representar o naturalismo que pretendiam. Com este novo meio os pintores deste período foram capazes de criar cores mais ricas com uma tonalidade intensa e profunda.

A ilusão de luz brilhante com um acabamento semelhante a porcelana caracterizou a pintura neerlandesa precoce e foi uma grande diferença para a superfície mate da tinta de têmpera usada na Itália. Ao contrário dos italianos, cujo trabalho se baseou fortemente na arte da Grécia e Roma antigas, os nortistas conservaram um resíduo estilístico da escultura e dos manuscritos iluminados da Idade Média (especialmente seu naturalismo). O artista mais importante desta época foi Jan van Eyck, cujo trabalho está entre os melhores feitos por artistas que hoje são conhecidos como pintores dos Países Baixos Primeiros ou primitivos flamengos (já que a maioria dos artistas atuava nas cidades da Flandres moderna). O primeiro pintor deste período foi o mestre de Flémalle, hoje identificado como Robert Campin, cuja obra segue a arte do gótico internacional. Outro pintor importante desse período foi Rogier van der Weyden, cujas composições enfatizavam a emoção humana e o drama, demonstrado, por exemplo, em seu Descent from the Cross, que ficou entre as obras mais famosas do século XV e foi a pintura neerlandesa mais influente de Cristo. crucificação. Outros artistas importantes deste período são Hugo van der Goes (cujo trabalho foi altamente influente na Itália), Dieric Bouts (que esteve entre os primeiros pintores do norte a demonstrar o uso de um único ponto de fuga), Petrus Christus, Hans Memling e Gerard David. .

Barroco e rococó
A pintura barroca está associada ao movimento cultural barroco, um movimento frequentemente identificado com o Absolutismo e a Contra-Reforma ou o Reavivamento Católico; A existência de importantes pinturas barrocas em estados não-absolutistas e protestantes também ressalta sua popularidade, já que o estilo se espalhou pela Europa Ocidental.

A pintura barroca é caracterizada por um grande drama, cores ricas e profundas e intensas sombras claras e escuras. A arte barroca pretendia evocar emoção e paixão, em vez da calma racionalidade valorizada durante a Renascença. Durante o período iniciado por volta de 1600 e continuando ao longo do século XVII, a pintura é caracterizada como barroca. Entre os maiores pintores do barroco estão Caravaggio, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Velázquez, Poussin e Johannes Vermeer. Caravaggio é um herdeiro da pintura humanista do Alto Renascimento. Sua abordagem realista da figura humana, pintada diretamente da vida e marcada dramaticamente contra um fundo escuro, chocou seus contemporâneos e abriu um novo capítulo na história da pintura. Pintura barroca muitas vezes dramatiza cenas usando efeitos de luz; isso pode ser visto nas obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain, La Tour e Jusepe de Ribera.

Durante o século XVIII, o rococó seguiu como uma extensão mais leve do barroco, muitas vezes frívola e erótica. A Rococo desenvolveu o primeiro em artes decorativas e design de interiores na França. A sucessão de Luís XV trouxe uma mudança nos artistas da corte e na moda artística geral. A década de 1730 representou o auge do desenvolvimento rococó na França, exemplificado pelas obras de Antoine Watteau e François Boucher. O rococó ainda mantinha o gosto barroco por formas complexas e padrões complexos, mas, a partir daí, começou a integrar uma variedade de características diversas, incluindo o gosto por desenhos orientais e composições assimétricas.

O estilo rococó espalhou-se com artistas franceses e publicações gravadas. Ele foi prontamente recebido nas partes católicas da Alemanha, Boêmia e Áustria, onde foi fundido com as tradições barrocas alemãs. Rococó alemão foi aplicado com entusiasmo a igrejas e palácios, particularmente no sul, enquanto Frederico Rococó desenvolvido no Reino da Prússia.

século 19:
Depois Rococó surgiu no final do século 18, na arquitetura, e depois na pintura neo-classicismo grave, melhor representado por artistas como David e seu herdeiro Ingres. O trabalho de Ingres já contém muito da sensualidade, mas nada da espontaneidade, que foi caracterizar o romantismo.

Uma força importante na virada para o realismo em meados do século foi Gustave Courbet, cujas pinturas sem valorização de pessoas comuns ofendiam os espectadores acostumados com o assunto convencional e o acabamento lúdico da arte acadêmica, mas inspiraram muitos artistas mais jovens. O principal pintor da Escola de Barbizon, Jean-François Millet, também pintou paisagens e cenas da vida camponesa. Vagamente associada à Escola Barbizon, estava Camille Corot, que pintava de forma romântica e realista; sua obra prefigura o impressionismo, assim como as pinturas de Johan Jongkind e Eugène Boudin (que foi um dos primeiros pintores paisagistas franceses a pintar ao ar livre). Boudin foi uma influência importante sobre o jovem Claude Monet, que em 1857 ele introduziu o plein air painting.

No último terço do século, impressionistas como Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt e Edgar Degas trabalharam em uma abordagem mais direta do que anteriormente haviam sido exibidos publicamente. Eles evitavam a alegoria e a narrativa em favor de respostas individualizadas ao mundo moderno, às vezes pintadas com pouco ou nenhum estudo preparatório, confiando na habilidade de desenhar e em uma paleta altamente cromática. Monet, Pissarro e Sisley usaram a paisagem como seu motivo principal, a transitoriedade da luz e do clima desempenhando um papel importante em seu trabalho. Seguindo uma prática que se tornara cada vez mais popular em meados do século, eles frequentemente se aventuravam pelo campo juntos para pintar ao ar livre, mas não com o propósito tradicional de fazer esboços serem desenvolvidos em obras cuidadosamente concluídas no estúdio. Pintando à luz do sol diretamente da natureza, e fazendo uso ousado dos vívidos pigmentos sintéticos que se tornaram disponíveis desde o começo do século, eles desenvolveram uma maneira mais clara e brilhante de pintar.

Os pós-impressionistas, como Paul Cézanne e Vincent van Gogh, Paul Gauguin e Georges-Pierre Seurat, levaram a arte ao limite do modernismo. Para Gauguin, o impressionismo deu lugar a um simbolismo pessoal. Seurat transformou a cor quebrada do Impressionismo em um estudo óptico científico, estruturado em composições semelhantes a frisos. A técnica de pintura que ele desenvolveu, chamada de divisionismo, atraiu muitos seguidores, como Paul Signac, e por alguns anos no final da década de 1880, Pissarro adotou alguns de seus métodos. O método turbulento de aplicação de pintura de Van Gogh, juntamente com o uso sonoro da cor, previu o expressionismo e o fauvismo, e Cézanne, desejando unir a composição clássica com uma abstração revolucionária das formas naturais, viria a ser vista como um precursor da arte do século XX. .

No final do século XIX havia também vários grupos bastante diferentes de pintores simbolistas cujos trabalhos ressoaram em artistas mais jovens do século XX, especialmente com os fauvistas e os surrealistas. Entre eles estavam Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler, Edvard Munch, Félicien Rops, Jan Toorop e Gustav Klimt e os simbolistas russos como Mikhail Vrubel.

Os pintores simbolistas exploraram a mitologia e a imaginação onírica para uma linguagem visual da alma, buscando pinturas evocativas que trouxessem à mente um mundo estático de silêncio. Os símbolos usados ​​no Simbolismo não são os emblemas familiares da iconografia convencional, mas referências intensamente pessoais, privadas, obscuras e ambíguas. Mais uma filosofia do que um estilo real de arte, os pintores simbolistas influenciaram o movimento contemporâneo da Art Nouveau e Les Nabis. Em sua exploração de temas oníricos, pintores simbolistas são encontrados através de séculos e culturas, como ainda são hoje; Bernard Delvaille descreveu o surrealismo de René Magritte como “Simbolismo mais Freud”.

século 20
A herança de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin e Seurat foi essencial para o desenvolvimento da arte moderna. No início do século XX, Henri Matisse e vários outros jovens artistas, incluindo o pré-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck revolucionaram o mundo da arte de Paris com paisagens “selvagens”, multi-coloridas, expressivas e pinturas de figuras. que os críticos chamavam de fauvismo. A segunda versão de Henri Matisse de The Dance significa um ponto-chave em sua carreira e no desenvolvimento da pintura moderna. Reflete o fascínio incipiente de Matisse com a arte primitiva: as intensas cores quentes contra o fundo azul esverdeado e a sucessão rítmica dos nus dançarinos transmitem as sensações de liberação emocional e hedonismo. Pablo Picasso fez suas primeiras pinturas cubistas baseadas na ideia de Cézanne de que toda a representação da natureza pode ser reduzida a três sólidos: cubo, esfera e cone. Com a pintura Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso criou uma nova e radical imagem retratando uma cena de bordel com cinco prostitutas, mulheres pintadas com violência, que lembram as máscaras tribais africanas e suas próprias invenções cubistas. O cubismo foi desenvolvido em conjunto de 1908 a 1912 por Pablo Picasso e Georges Braque, cujo Violino e Candelabro, Paris (1910) é mostrado aqui. A primeira manifestação clara do cubismo foi praticada por Braque, Picasso, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier e Robert Delaunay. Juan Gris, Marcel Duchamp, Alexander Archipenko, Joseph Csaky e outros logo se juntaram. O cubismo sintético, praticado por Braque e Picasso, caracteriza-se pela introdução de diferentes texturas, superfícies, elementos de colagem, papier collé e uma grande variedade de temas mesclados.

Fauvismo, Der Blaue Reiter, Die Brücke
O fauvismo era um agrupamento solto de artistas do início do século XX cujos trabalhos enfatizavam qualidades pictóricas e o uso imaginativo de cores profundas sobre os valores representacionais. Os líderes do movimento eram Henri Matisse e André Derain – rivais amigáveis, cada um com seus próprios seguidores. Em última análise, Matisse tornou-se o yang do yin de Picasso no século XX. Os pintores fauvistas incluíram Albert Marquet, Charles Camoin, Maurício de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, o pintor holandês Kees van Dongen e o sócio de Picasso no cubismo, Georges Braque entre outros.

Expressionismo, Simbolismo, Modernismo Americano, Bauhaus
Expressionismo e simbolismo são grandes rubricas que envolvem vários movimentos relacionados na pintura do século XX que dominaram grande parte da arte de vanguarda que está sendo feita na Europa Ocidental, Oriental e do Norte. Os trabalhos expressionistas foram pintados em grande parte entre a Primeira Guerra Mundial e a Segunda Guerra Mundial, principalmente na França, Alemanha, Noruega, Rússia, Bélgica e Áustria. Fauvismo, Die Brücke e Der Blaue Reiter são três dos grupos mais conhecidos de pintores expressionistas e simbolistas. A pintura de Marc Chagall, I and the Village, conta uma história autobiográfica que examina a relação entre o artista e suas origens, com um léxico do simbolismo artístico. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Georges Rouault, Amedeo Modigliani e alguns americanos no exterior, como Marsden Hartley e Stuart Davis, foram considerados pintores expressionistas influentes. Embora Alberto Giacometti seja considerado um escultor surrealista, ele também fez pinturas expressionistas intensas.

Pioneiros da abstração
Wassily Kandinsky é geralmente considerado um dos primeiros pintores importantes da arte abstrata moderna. Como um dos primeiros modernistas, ele teorizou, assim como ocultistas contemporâneos e teosofistas, que a abstração visual pura tinha vibrações corolárias com som e música. Eles propuseram que a abstração pura poderia expressar pura espiritualidade. Suas primeiras abstrações foram geralmente intituladas como o exemplo da Composição VII, fazendo conexão com o trabalho dos compositores de música. Kandinsky incluiu muitas de suas teorias sobre arte abstrata em seu livro Concerning the Spiritual in Art. Outros grandes pioneiros da abstração inicial incluem a pintora sueca Hilma af Klint, o pintor russo Kazimir Malevich e o pintor suíço Paul Klee. Robert Delaunay era um artista francês associado ao orfismo (reminiscente de um elo entre a pura abstração e o cubismo). Suas principais contribuições para a pintura abstrata referem-se ao uso ousado da cor e à experimentação de profundidade e tom.

Dada e Surrealismo
Marcel Duchamp ganhou proeminência internacional na esteira do New York City Armory Show em 1913, onde seu Nude Descending a Staircase se tornou uma causa célebre. Ele posteriormente criou The Bride Stripped Bare por seus solteiros, mesmo, grande vidro. O Grande Vidro levou a arte da pintura a novos limites radicais, sendo parte pintura, parte colagem, parte construção. Duchamp (que logo renunciou à arte para o xadrez) tornou-se estreitamente associado ao movimento Dada que começou na neutra Zurique, Suíça, durante a Primeira Guerra Mundial e atingiu o pico entre 1916 e 1920. O movimento envolveu principalmente artes visuais, literatura (poesia, arte manifestos , teoria da arte), teatro e design gráfico para avançar sua política anti-guerra e rejeição dos padrões vigentes na arte através de obras culturais anti-arte. Outros artistas associados ao movimento Dada incluem Francis Picabia, Ray Man, Kurt Schwitters, Hannah Hoch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp e Sophie Taeuber-Arp. Duchamp e vários dadaístas também estão associados ao surrealismo, o movimento que dominou a pintura européia nas décadas de 1920 e 1930.

Neue Sachlichkeit, Realismo social, regionalismo, Pintura de cena americana, Simbolismo
Durante os anos 1920 e 1930 e a Grande Depressão, o cenário artístico europeu foi caracterizado pelo surrealismo, o cubismo tardio, a Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit e Expressionismo; e foi ocupada por mestres pintores modernistas como Henri Matisse e Pierre Bonnard.

Expressionismo abstrato
A década de 1940 na cidade de Nova York anunciava o triunfo do expressionismo abstrato americano, um movimento que combinava lições aprendidas com modernistas europeus através de grandes professores na América, como Hans Hofmann e John D. Graham. Artistas americanos se beneficiaram da presença de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e do grupo André Breton, da galeria Pierre Matisse, e da galeria de Peggy Guggenheim, The Art of This Century, além de outros fatores.

Realismo, paisagem, seascape, figuração, ainda-vida, cityscape
Durante a década de 1930 até a década de 1960 como pintura abstrata na América e na Europa evoluiu para movimentos como expressionismo abstrato, pintura de campo de cor, abstração Post-painterly, Op art, pintura hard-edge, arte mínima, pintura de tela em forma e abstração lírica. Outros artistas reagiram como uma resposta à tendência à abstração, permitindo que as imagens continuassem através de vários novos contextos, como o Movimento Figurativo da Área da Baía, na década de 1950, e novas formas de expressionismo das décadas de 1940 a 1960. Ao longo do século XX, muitos pintores praticaram o realismo e usaram imagens expressivas na paisagem e pintura figurativa com temas contemporâneos. Eles incluem artistas tão variados como Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr. e Elaine de Kooning.

Arte pop
A arte pop na América foi em grande parte inicialmente inspirada nas obras de Jasper Johns, Larry Rivers e Robert Rauschenberg, embora as pinturas de Gerald Murphy, Stuart Davis e Charles Demuth durante as décadas de 1920 e 1930 prenunciam o estilo e o tema do pop. arte.

Art Brut, Novo Realismo, Movimento Figurativo da Área da Baía, Neo-Dada, Fotorrealismo
Durante as décadas de 1950 e 1960, a pintura abstrata na América e na Europa evoluiu para movimentos como a pintura Color Field, a abstração pós-pintura, a op art, a pintura hard-edge, a arte minimalista, a pintura em tela, a abstração lírica e a continuação do expressionismo abstrato. Outros artistas reagiram como uma resposta à tendência para a abstração com Art brut, como visto em Court les rues, 1962, por Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, Novo Realismo, Fotorealismo, permitindo que a imagem ressurgisse através de vários novos contextos como Pop art, Movimento Figurativo da Área da Baía (um excelente exemplo é a Paisagem Urbana I de Diebenkorn, (Paisagem No. 1) (1963), e mais tarde no Neo-expressionismo dos anos 70. O Movimento Figurativo da Área da Baía de quem David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira e Richard Diebenkorn, cuja pintura Cityscape 1 (1963) é um exemplo típico, foram os membros influentes que floresceram nos anos 1950 e 1960 na Califórnia, e pintores mais jovens praticaram o uso de imagens de maneiras novas e radicais.Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo , Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl e Vija Celmins foram alguns dos que se tornaram proeminentes entre as décadas de 1960 e 1980. Porter foi em grande parte autodidata, e produziu trabalho representacional no meio do movimento expressionista abstrato. Seus temas eram principalmente paisagens, interiores domésticos e retratos de familiares, amigos e colegas artistas.

Abstração Geométrica, Arte Op, Arte Dura, Novo Realismo, Hard-Edge, Color Field
Durante as décadas de 1960 e 1970, a pintura abstrata continuou a se desenvolver na América através de estilos variados. Abstração geométrica, Op art, pintura hard-edge, pintura Color Field e pintura mínima, foram algumas direções inter-relacionadas para a pintura abstrata avançada, bem como alguns outros novos movimentos. Morris Louis foi um importante pioneiro na avançada pintura Colorfield, seu trabalho pode servir como uma ponte entre expressionismo abstrato, Colorfield e Minimal Art. Dois professores influentes, Josef Albers e Hans Hofmann, introduziram uma nova geração de artistas americanos em suas avançadas teorias de cor e espaço. Albers é mais lembrado por seu trabalho como pintor e teórico abstracionista geométrico. O mais famoso de todos são as centenas de pinturas e gravuras que compõem a série Homage to the Square. Nesta série rigorosa, iniciada em 1949, Albers explorou interações cromáticas com quadrados coloridos planos dispostos concentricamente na tela. As teorias de Albers sobre arte e educação foram formativas para a próxima geração de artistas. Suas próprias pinturas formam a base da pintura de ponta e da arte Op.

Lona em forma, Escola de Cores Washington, Ilusionismo Abstrato, Abstração Lírica
A pintura Color Field apontou para uma nova direção na pintura americana, longe do expressionismo abstrato. Relacionado à abstração pós-pictórica, suprematismo, expressionismo abstrato, pintura hard-edge e abstração lírica, a pintura Color Field procurou livrar a arte da retórica supérflua. Artistas como Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Louis Morris, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox e outros pintaram com um uso altamente articulado e psicológico da cor. Em geral, esses artistas eliminaram imagens reconhecíveis. Certos artistas fizeram referências à arte do passado ou do presente, mas em geral a pintura do campo de cores apresenta a abstração como um fim em si mesmo. Na busca dessa direção da arte moderna, os artistas queriam apresentar cada pintura como uma imagem monolítica e coesa. Gene Davis, juntamente com Kenneth Noland, Morris Louis e vários outros, foi membro dos pintores da Washington Color School que começaram a criar pinturas Color Field em Washington, DC durante as décadas de 1950 e 1960. Black, Gray, Beat é uma grande pintura vertical e típico do trabalho de Gene Davis.

Ilusionismo Abstrato, Monocromático, Minimalismo, Pós-minimalismo
Um dos primeiros artistas especificamente associados ao Minimalismo foi Frank Stella, cujas primeiras pinturas de “tarja” foram destacadas no programa de 1959, “16 Americanos”, organizado por Dorothy Miller no Museum of Modern Art de Nova York. As larguras das listras nas pinturas de listras de Stella não eram inteiramente subjetivas, mas eram determinadas pelas dimensões da madeira usada para construir o chassi de suporte sobre o qual a tela era esticada. No catálogo da exposição, Carl Andre observou: “A arte exclui o desnecessário. Frank Stella achou necessário pintar listras. Não há mais nada em sua pintura”. Essas obras redutivas estavam em nítido contraste com as pinturas cheias de energia e aparentemente carregadas de emoção de Willem de Kooning ou Franz Kline e inclinavam-se mais para pinturas de campo colorísticas menos gestuais de Barnett Newman e Mark Rothko.

Neo-expressionismo
No final dos anos 1960, o pintor expressionista abstrato Philip Guston ajudou a conduzir uma transição do expressionismo abstrato para o neo-expressionismo na pintura, abandonando a chamada “abstração pura” do expressionismo abstrato em favor de representações mais cartunescas de vários símbolos e objetos pessoais. Essas obras foram inspiradoras para uma nova geração de pintores interessados ​​em reviver imagens expressivas. Sua pintura Painting, Smoking, Eating é um exemplo do retorno de Guston à representação.
No final dos anos 1970 e início dos anos 80, houve também um retorno à pintura que ocorreu quase simultaneamente na Itália, Alemanha, França e Grã-Bretanha. Esses movimentos foram chamados de Transavantguardia, Neue Wilde, Figuração Livre, Neo-expressionismo, a escola de Londres e, no final dos anos 80, os Stuckists, respectivamente. Estas pinturas caracterizavam-se por grandes formatos, marcações expressivas e livres, figuração, mito e imaginação. Todo o trabalho neste gênero passou a ser chamado de neo-expressionismo.

Pintura contemporânea no século 21
Ao longo do século 20 e no século 21, com o advento das formas de arte Moderna e Pós-moderna, as distinções entre o que é geralmente considerado como artes plásticas e artes baixas começaram a desaparecer, já que a alta arte contemporânea continua a desafiar esses conceitos misturando com a cultura popular.

A pintura mainstream foi rejeitada pelos artistas da era pós-moderna em favor do pluralismo artístico. Segundo o crítico de arte Arthur Danto, existe uma atitude que vale tudo; um “tudo acontecendo” e, consequentemente, “nada acontecendo” síndrome; isso cria um engarrafamento estético sem direção firme e clara e com cada faixa na superestrada artística lotada.