L’histoire de la peinture occidentale représente une tradition continue, quoique perturbée, depuis l’antiquité jusqu’à nos jours. Jusqu’au milieu du XIXe siècle, il était principalement axé sur les modes de production représentationnels et classiques, après quoi des formes plus modernes, abstraites et conceptuelles ont gagné la faveur.

Les développements de la peinture occidentale sont historiquement parallèles à ceux de la peinture orientale, en général quelques siècles plus tard. L’art africain, l’art islamique, l’art indien, l’art chinois et l’art japonais ont chacun eu une influence significative sur l’art occidental et, finalement, l’inverse.

Initialement au service du patronage impérial, privé, civique et religieux, la peinture occidentale a plus tard trouvé des audiences dans l’aristocratie et la classe moyenne. Du Moyen Âge à la Renaissance, les peintres travaillaient pour l’église et une riche aristocratie. À partir de l’époque baroque, les artistes ont reçu des commandes privées d’une classe moyenne plus éduquée et prospère. L’idée de « l’art pour l’art » a commencé à trouver son expression dans le travail des peintres romantiques comme Francisco de Goya, John Constable et JMW Turner. Au cours du 19ème siècle, des galeries commerciales se sont établies et ont continué à fournir du mécénat au 20ème siècle.

La peinture occidentale atteignit son apogée en Europe à la Renaissance, en même temps que le raffinement du dessin, l’utilisation de la perspective, l’architecture ambitieuse, la tapisserie, le vitrail, la sculpture et la période avant et après l’imprimerie. Suivant la profondeur de la découverte et la complexité des innovations de la Renaissance, le riche patrimoine de la peinture occidentale (du baroque à l’art contemporain). L’histoire de la peinture continue au 21ème siècle.

Préhistoire
L’histoire de la peinture remonte dans le temps aux artefacts des humains préhistoriques, et s’étend à toutes les cultures. Les plus anciennes peintures connues sont à la grotte Chauvet en France, selon certains historiens, il y a environ 32 000 ans. Ils sont gravés et peints à l’aide d’ocre rouge et de pigment noir et montrent des chevaux, des rhinocéros, des lions, des buffles, des mammouths ou des humains qui chassent souvent. Il y a des exemples de peintures rupestres partout dans le monde – en France, en Inde, en Espagne, au Portugal, en Chine, en Australie, etc. Il y a beaucoup de thèmes communs dans les nombreux endroits où les peintures ont été trouvées; impliquant l’universalité du but et la similitude des impulsions qui auraient pu créer l’imagerie. Diverses conjectures ont été faites quant à la signification de ces peintures pour les personnes qui les ont faites. Les hommes préhistoriques peuvent avoir peint des animaux pour «attraper» leur âme ou leur esprit afin de les chasser plus facilement, ou les peintures peuvent représenter une vision animiste et un hommage à la nature environnante, ou ils peuvent être le résultat d’un besoin fondamental d’expression qui est inné à des êtres humains, ou ils peuvent être des enregistrements des expériences de vie des artistes et des histoires connexes des membres de leur cercle.

Peinture occidentale

Egypte, Grèce et Rome
L’Egypte ancienne, une civilisation avec de fortes traditions d’architecture et de sculpture (toutes deux peintes à l’origine dans des couleurs vives), avait de nombreuses peintures murales dans les temples et les bâtiments, et des illustrations peintes sur des manuscrits de papyrus. La peinture murale égyptienne et la peinture décorative sont souvent graphiques, parfois plus symboliques que réalistes. La peinture égyptienne dépeint des figures en contour gras et une silhouette plate, dans laquelle la symétrie est une caractéristique constante. La peinture égyptienne a un lien étroit avec sa langue écrite, appelée hiéroglyphes égyptiens. Les symboles peints se trouvent parmi les premières formes de langage écrit. Les Egyptiens ont également peint sur le lin, dont les restes survivent aujourd’hui. Les peintures égyptiennes anciennes ont survécu en raison du climat extrêmement sec. Les anciens Égyptiens ont créé des peintures pour rendre l’au-delà du défunt un endroit agréable. Les thèmes inclus voyage à travers l’au-delà ou leurs divinités protectrices présentant les morts aux dieux des enfers. Quelques exemples de telles peintures sont des peintures des dieux et des déesses Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris et Isis. Certaines peintures de tombes montrent des activités dans lesquelles les défunts étaient impliqués quand ils étaient vivants et souhaitaient continuer à faire pour l’éternité. Dans le Nouvel Empire et plus tard, le Livre des Morts fut enterré avec la personne ensevelie. Il a été jugé important pour une introduction à l’au-delà.

Moyen Âge
La montée du christianisme a donné un esprit différent et vise à peindre des styles. L’art byzantin, une fois son style établi au VIe siècle, accorda une grande importance à la conservation de l’iconographie et du style traditionnels, et évolua progressivement au cours des mille ans de l’Empire byzantin et des traditions vivantes de l’iconographie grecque et orthodoxe. La peinture byzantine a un sentiment hiératique et les icônes étaient et sont toujours considérées comme une représentation de la révélation divine. Il y avait beaucoup de fresques, mais moins de celles-ci ont survécu que des mosaïques. L’art byzantin a été comparé à l’abstraction contemporaine, à sa platitude et à ses représentations très stylisées de figures et de paysages. Certaines périodes de l’art byzantin, en particulier l’art dit macédonien du Xe siècle, sont plus souples. Fresques de la Renaissance paléologue du début du 14ème siècle survivent dans l’église de Chora à Istanbul.

Renaissance et maniérisme
La Renaissance (le français pour «renaissance»), un mouvement culturel couvrant approximativement le 14e au milieu du 17ème siècle, a annoncé l’étude des sources classiques, aussi bien que les avances dans la science qui ont profondément influencé la vie intellectuelle et artistique européenne. Aux Pays-Bas, en particulier dans la Flandre moderne, une nouvelle manière de peindre a été établie au début du 15ème siècle. Dans la foulée des développements réalisés dans l’enluminure des manuscrits, notamment par les Frères Limbourg, les artistes ont été fascinés par le tangible dans le monde visible et ont commencé à représenter les objets d’une manière extrêmement naturaliste. L’adoption de la peinture à l’huile dont l’invention était traditionnellement, mais à tort, attribuée à Jan van Eyck, a rendu possible une nouvelle vraisemblance dans la description de ce naturalisme. Le médium de la peinture à l’huile était déjà présent dans l’œuvre de Melchior Broederlam, mais des peintres comme Jan van Eyck et Robert Campin portèrent son utilisation à de nouveaux sommets et l’employèrent pour représenter le naturalisme qu’ils visaient. Avec ce nouveau médium, les peintres de cette période étaient capables de créer des couleurs plus riches avec une tonalité profonde et intense.

L’illusion de la lumière rougeoyante avec une finition semblable à la porcelaine a caractérisé la peinture tôt de Netherlandish et était une différence importante à la surface mate de la peinture de tempera utilisée en Italie. Contrairement aux Italiens, dont l’œuvre s’inspire fortement de l’art de la Grèce antique et de Rome, les habitants du Nord conservent un résidu stylistique de la sculpture et des manuscrits enluminés du Moyen Age (surtout son naturalisme). L’artiste le plus important de cette période était Jan van Eyck, dont le travail se classe parmi les meilleurs artistes connus à présent sous le nom de Early Netherlandish peintres ou Primitifs flamands (puisque la plupart des artistes étaient actifs dans les villes de la Flandre moderne). Le premier peintre de cette période fut le maître de Flémalle, aujourd’hui identifié comme Robert Campin, dont l’œuvre suit l’art du gothique international. Un autre peintre important de cette période était Rogier van der Weyden, dont les compositions mettaient l’accent sur l’émotion humaine et le drame, par exemple dans sa Descente de Croix, qui figure parmi les œuvres les plus célèbres du XVe siècle. crucifixion. D’autres artistes importants de cette période sont Hugo van der Goes (dont le travail était très influent en Italie), Dieric Bouts (qui fut parmi les premiers peintres nordiques à démontrer l’utilisation d’un seul point de fuite), Petrus Christus, Hans Memling et Gerard David .

Baroque et Rococo
La peinture baroque est associée au mouvement culturel baroque, mouvement souvent identifié à l’absolutisme et à la contre-réforme ou au renouveau catholique; l’existence de la peinture baroque importante dans les états non-absolutistes et protestants souligne également sa popularité, alors que le style se répand dans toute l’Europe occidentale.

La peinture baroque est caractérisée par un grand drame, une couleur riche et profonde, et une intense lumière et des ombres sombres. L’art baroque était destiné à évoquer l’émotion et la passion au lieu de la rationalité calme qui avait été prisé à la Renaissance. Au cours de la période commençant vers 1600 et continuant tout au long du 17ème siècle, la peinture est caractérisée comme baroque. Caravage, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Vélasquez, Poussin et Johannes Vermeer figurent parmi les plus grands peintres du baroque. Caravage est un héritier de la peinture humaniste de la Haute Renaissance. Son approche réaliste de la figure humaine, peinte directement de la vie et dramatiquement éclairée sur un fond sombre, choqua ses contemporains et ouvrit un nouveau chapitre dans l’histoire de la peinture. La peinture baroque dramatise souvent les scènes en utilisant des effets de lumière; cela peut être vu dans les œuvres de Rembrandt, Vermeer, Le Nain, La Tour et Jusepe de Ribera.

Au cours du XVIIIe siècle, le rococo a suivi comme une extension plus légère du baroque, souvent frivole et érotique. Rococo s’est développé en premier dans les arts décoratifs et le design d’intérieur en France. La succession de Louis XV a apporté un changement dans les artistes de la cour et la mode artistique générale. Les années 1730 représentent l’apogée du développement rococo en France illustré par les œuvres d’Antoine Watteau et de François Boucher. Le rococo conservait le goût baroque pour les formes complexes et les motifs complexes, mais à ce stade, il avait commencé à intégrer une variété de caractéristiques diverses, y compris un goût pour les motifs orientaux et les compositions asymétriques.

Le style rococo se répand avec des artistes français et des publications gravées. Il a été facilement reçu dans les parties catholiques de l’Allemagne, de la Bohême et de l’Autriche, où il a été fusionné avec les traditions baroques allemandes animées. Le rococo allemand a été appliqué avec enthousiasme aux églises et aux palais, particulièrement dans le sud, alors que le rococo de Frederician s’est développé dans le royaume de la Prusse.

19ème siècle:
Après le Rococo surgit à la fin du XVIIIe siècle, en architecture, puis en peinture un néo-classicisme sévère, mieux représenté par des artistes tels que David et son héritier Ingres. Le travail d’Ingres contient déjà beaucoup de la sensualité, mais pas de la spontanéité, qui devait caractériser le romantisme.

Au milieu du siècle, Gustave Courbet fut une force majeure dans le virage vers le réalisme, dont les peintures non vulgarisées de gens ordinaires offensaient les spectateurs habitués à la matière conventionnelle et à la finition léchée de l’art académique, mais inspirèrent de nombreux jeunes artistes. Le peintre en chef de l’école de Barbizon, Jean-François Millet, a également peint des paysages et des scènes de la vie paysanne. Lâchement associé à l’école de Barbizon était Camille Corot, qui peignait à la fois dans une veine romantique et réaliste; son travail préfigure l’impressionnisme, tout comme les peintures de Johan Jongkind et Eugène Boudin (qui fut l’un des premiers paysagistes français à peindre à l’extérieur). Boudin eut une influence importante sur le jeune Claude Monet, qu’il introduisit en 1857 à la peinture en plein air.

Dans le dernier tiers du siècle, des impressionnistes comme Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt et Edgar Degas ont travaillé dans une approche plus directe que ce qui avait été précédemment exposé publiquement. Ils évitent l’allégorie et le récit en faveur de réponses individualisées au monde moderne, parfois peintes avec peu ou pas d’étude préparatoire, en s’appuyant sur l’habileté du dessin et une palette hautement chromatique. Monet, Pissarro et Sisley ont utilisé le paysage comme motif principal, le caractère éphémère de la lumière et du temps jouant un rôle majeur dans leur travail. Suivant une pratique qui était devenue de plus en plus populaire au milieu du siècle, ils se sont souvent aventurés dans la campagne pour peindre en plein air, mais pas dans le but traditionnel de transformer des croquis en œuvres soigneusement finies en studio. En peignant au soleil directement à partir de la nature, et en faisant un usage audacieux des pigments synthétiques vifs qui étaient devenus disponibles depuis le début du siècle, ils ont développé une manière de peinture plus légère et plus brillante.

Des postimpressionnistes tels que Paul Cézanne et Vincent van Gogh, Paul Gauguin et Georges-Pierre Seurat, un peu plus jeunes, ont conduit l’art à la limite du modernisme. Pour Gauguin, l’impressionnisme a cédé la place à un symbolisme personnel. Seurat a transformé la couleur cassée de l’impressionnisme en une étude optique scientifique, structurée sur des compositions en forme de frise. La technique de peinture qu’il développa, appelée divisionnisme, attira de nombreux adeptes comme Paul Signac, et pendant quelques années à la fin des années 1880, Pissarro adopta certaines de ses méthodes. La méthode turbulente d’application de la peinture de Van Gogh, associée à une utilisation sonore de la couleur, prédit l’expressionnisme et le fauvisme, et Cézanne, voulant unir la composition classique à une abstraction révolutionnaire des formes naturelles, deviendra un précurseur de l’art du XXe siècle. .

À la fin du XIXe siècle, il y avait aussi plusieurs groupes de peintres symbolistes, plutôt dissemblables, dont les œuvres ont fait écho aux jeunes artistes du XXe siècle, en particulier avec les fauves et les surréalistes. Parmi eux se trouvaient Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Fantôme-Latour, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler, Edvard Munch, Félicien Rops, Jan Toorop et Gustav Klimt, et les symbolistes russes tels que Mikhail Vrubel.

Les peintres symbolistes exploitaient la mythologie et imaginaient des rêves pour un langage visuel de l’âme, cherchant des peintures évocatrices qui évoquaient un monde de silence statique. Les symboles utilisés dans le symbolisme ne sont pas les emblèmes familiers de l’iconographie dominante mais des références intensément personnelles, privées, obscures et ambiguës. Plus une philosophie qu’un art actuel, les peintres symbolistes ont influencé le mouvement Art Nouveau contemporain et Les Nabis. Dans leur exploration de sujets oniriques, les peintres symbolistes se retrouvent à travers les siècles et les cultures, comme ils le sont encore aujourd’hui; Bernard Delvaille a décrit le surréalisme de René Magritte comme «Symbolisme plus Freud».

20ième siècle
L’héritage de peintres comme Van Gogh, Cézanne, Gauguin et Seurat était essentiel pour le développement de l’art moderne. Au début du XXe siècle, Henri Matisse et plusieurs autres jeunes artistes dont le pré-cubiste Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy et Maurice de Vlaminck ont ​​révolutionné le monde de l’art parisien avec des paysages et des peintures figuratives «sauvages», multicolores et expressives. que les critiques ont appelé le fauvisme. La deuxième version de La Danse d’Henri Matisse représente un point clé dans sa carrière et dans le développement de la peinture moderne. Il reflète la fascination naissante de Matisse pour l’art primitif: les couleurs chaudes et intenses contre le fond bleu-vert et la succession rythmée de nus dansants transmettent les sentiments de libération émotionnelle et d’hédonisme. Pablo Picasso a réalisé ses premières peintures cubistes à partir de l’idée de Cézanne selon laquelle toute représentation de la nature peut être réduite à trois solides: cube, sphère et cône. Avec la peinture Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso crée une nouvelle image radicale représentant une scène de bordel avec cinq prostituées, des femmes violemment peintes, qui rappellent les masques tribaux africains et ses propres inventions cubistes. Le cubisme a été développé conjointement de 1908 à 1912 par Pablo Picasso et Georges Braque, dont le Violon et le Chandelier, Paris (1910) est montré ici. La première manifestation claire du cubisme fut pratiquée par Braque, Picasso, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier et Robert Delaunay. Juan Gris, Marcel Duchamp, Alexandre Archipenko, Joseph Csaky et d’autres ont bientôt rejoint. Le cubisme synthétique, pratiqué par Braque et Picasso, se caractérise par l’introduction de différentes textures, surfaces, éléments de collage, papier collé et une grande variété de sujets fusionnés.

Fauvisme, Der Blaue Reiter, Die Brücke
Le fauvisme était un regroupement d’artistes du début du XXe siècle dont les œuvres mettaient l’accent sur les qualités picturales et l’utilisation imaginative de la couleur profonde par rapport aux valeurs représentatives. Les leaders du mouvement étaient Henri Matisse et André Derain – des rivaux sympathiques, chacun avec ses propres partisans. En fin de compte Matisse est devenu le yang au yin de Picasso au 20ème siècle. Les peintres fauves comprenaient Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, le peintre hollandais Kees van Dongen, et le partenaire de Picasso dans le cubisme, Georges Braque entre autres.

Expressionnisme, Symbolisme, Modernisme américain, Bauhaus
L’expressionnisme et le symbolisme sont de larges rubriques qui impliquent plusieurs mouvements liés dans la peinture du 20ème siècle qui ont dominé une grande partie de l’art d’avant-garde en Europe de l’Ouest, de l’Est et du Nord. Les œuvres expressionnistes ont été largement peintes entre la Première Guerre mondiale et la Seconde Guerre mondiale, principalement en France, en Allemagne, en Norvège, en Russie, en Belgique et en Autriche. Le fauvisme, Die Brücke et Der Blaue Reiter sont trois des groupes de peintres expressionnistes et symbolistes les plus connus. La peinture de Marc Chagall I et le Village raconte une histoire autobiographique qui examine la relation entre l’artiste et ses origines, avec un lexique du symbolisme artistique. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Georges Rouault, Amedeo Modigliani, et quelques Américains à l’étranger tels que Marsden Hartley et Stuart Davis, étaient considéré comme des peintres expressionnistes influents. Bien qu’Alberto Giacometti soit avant tout considéré comme un sculpteur surréaliste, il a également réalisé d’intenses peintures expressionnistes.

Pionniers de l’abstraction
Wassily Kandinsky est généralement considéré comme l’un des premiers peintres importants de l’art abstrait moderne. En tant qu’ancien moderniste, il a théorisé comme les occultistes et les théosophes contemporains, que la pure abstraction visuelle avait des vibrations corollaires avec le son et la musique. Ils ont postulé que l’abstraction pure pouvait exprimer la pure spiritualité. Ses premières abstractions étaient généralement intitulées comme l’exemple dans la composition VII, faisant le lien avec le travail des compositeurs de musique. Kandinsky a inclus plusieurs de ses théories sur l’art abstrait dans son livre concernant le spirituel dans l’art. D’autres grands pionniers de l’abstraction précoce incluent le peintre suédois Hilma af Klint, le peintre russe Kazimir Malevich et le peintre suisse Paul Klee. Robert Delaunay était un artiste français associé à l’orphisme (rappelant le lien entre l’abstraction pure et le cubisme). Ses contributions clés à la peinture abstraite se réfèrent à son utilisation audacieuse de la couleur et à son expérimentation de profondeur et de ton.

Dada et le surréalisme
Marcel Duchamp est devenu une figure internationale à la suite de l’Armory Show de New York en 1913, où son Nude Descending a Staircase est devenu une cause célèbre. Il a ensuite créé The Bride Stripped Bare par ses célibataires, même, grand verre. Le Grand Verre a poussé l’art de la peinture à de nouvelles limites radicales: peinture à la pièce, collage de pièces, construction de pièces. Duchamp (qui allait bientôt renoncer à l’art de jouer aux échecs) devint étroitement associé au mouvement Dada qui débuta à Zurich, en Suisse, pendant la Première Guerre mondiale et atteignit son apogée entre 1916 et 1920. Les arts visuels et littéraires (poésie, manifeste d’art) , théorie de l’art), le théâtre et le graphisme pour faire avancer sa politique anti-guerre et le rejet des normes dominantes dans l’art à travers des œuvres culturelles anti-art. Parmi les autres artistes associés au mouvement Dada figurent Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp et Sophie Taeuber-Arp. Duchamp et plusieurs dadaïstes sont également associés au surréalisme, mouvement qui a dominé la peinture européenne dans les années 1920 et 1930.

Neue Sachlichkeit, Réalisme social, régionalisme, Scène américaine, Symbolisme
Pendant les années 1920 et 1930 et la Grande Dépression, la scène artistique européenne a été caractérisée par le surréalisme, le cubisme tardif, le Bauhaus, le De Stijl, le Dada, le Neue Sachlichkeit et l’expressionnisme; et a été occupé par des peintres de couleurs modernistes magistraux comme Henri Matisse et Pierre Bonnard.

Expressionisme abstrait
Les années 1940 à New York annonçaient le triomphe de l’expressionnisme abstrait américain, un mouvement qui combinait les leçons apprises des modernistes européens par de grands enseignants en Amérique comme Hans Hofmann et John D. Graham. Les artistes américains ont bénéficié de la présence de Piet Mondrian, de Fernand Léger, de Max Ernst et du groupe André Breton, de la galerie de Pierre Matisse et de la galerie de Peggy Guggenheim L’Art de ce siècle, ainsi que d’autres facteurs.

Réalisme, Paysage, Paysage marin, Figuration, Nature morte, Paysage urbain
Pendant les années 1930 jusqu’aux années 1960, la peinture abstraite en Amérique et en Europe a évolué vers des mouvements tels que l’expressionnisme abstrait, la peinture couleur, l’abstraction post-picturale, l’art op, la peinture hard-edge, l’art minimaliste et l’abstraction lyrique. D’autres artistes réagissent comme une réponse à la tendance à l’abstraction qui permet à l’imagerie de continuer à travers de nouveaux contextes comme le Bay Area Figurative Movement dans les années 1950 et de nouvelles formes d’expressionnisme des années 1940 aux années 1960. Au cours du XXe siècle, de nombreux peintres pratiquèrent le réalisme et utilisèrent des images expressives dans le paysage et la peinture figurative avec des sujets contemporains. Ils comprennent des artistes aussi variés que Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr., et Elaine de Kooning.

Pop Art
Le Pop Art en Amérique était en grande partie inspiré par les œuvres de Jasper Johns, Larry Rivers et Robert Rauschenberg, bien que les peintures de Gerald Murphy, Stuart Davis et Charles Demuth dans les années 1920 et 1930 préfigurent le style et le sujet de Pop art.

Art Brut, Nouveau Réalisme, Mouvement Figuratif Bay Area, Néo-Dada, Photoréalisme
Au cours des années 1950 et 1960, la peinture abstraite en Amérique et en Europe évolue vers des mouvements tels que la peinture couleur, l’abstraction post-peintre, l’art op, la peinture hard-edge, l’art minimal, la peinture sur toile, l’abstraction lyrique et la continuation de l’expressionnisme abstrait. D’autres artistes réagissent comme une réponse à la tendance à l’abstraction avec Art brut, comme l’ont vu Jean Dubuffet, Fluxus, Néo-Dada, Nouveau réalisme, Photoréalisme, Court les rues, 1962, permettant à l’imagerie de réapparaître à travers de nouveaux contextes comme Pop art, le Bay Area Figurative Movement (un exemple typique est Cityscape I de Diebenkorn, (Paysage n ° 1) (1963), et plus tard dans le néo-expressionnisme des années 1970. Le mouvement figuratif de Bay Area dont David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira et Richard Diebenkorn dont le tableau Cityscape 1 (1963) est un exemple typique, étaient des membres influents qui ont prospéré dans les années 1950 et 1960 en Californie.Les jeunes peintres ont pratiqué l’utilisation de l’imagerie de façon nouvelle et radicale. Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Going, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl et Vija Celmins sont quelques-uns qui sont devenus célèbres entre les années 1960 et 1980. Porter était largement autodidacte et a produit un travail de représentation au sein du mouvement expressionniste abstrait. Ses sujets étaient principalement des paysages, des intérieurs domestiques et des portraits de famille, d’amis et d’autres artistes.

Abstraction géométrique, Op Art, Hard-Edge, Champ de couleur, Art Minimal, Nouveau Réalisme
Pendant les années 1960 et 1970, la peinture abstraite a continué à se développer en Amérique à travers des styles variés. L’abstraction géométrique, l’art d’op, la peinture hard-edge, la peinture de Field Color et la peinture minimale, étaient quelques directions interdépendantes pour la peinture abstraite avancée aussi bien que quelques autres nouveaux mouvements. Morris Louis était un pionnier important dans la peinture avancée de Colorfield, son travail peut servir de pont entre l’expressionnisme abstrait, la peinture de Colorfield, et l’art minimal. Deux professeurs influents, Josef Albers et Hans Hofmann, ont présenté une nouvelle génération d’artistes américains à leurs théories avancées de la couleur et de l’espace. On se souvient surtout d’Albers pour son travail de peintre et de théoricien abstractioniste géométrique. Les plus célèbres de tous sont les centaines de peintures et de gravures qui composent la série Hommage à la place. Dans cette série rigoureuse, commencée en 1949, Albers explore les interactions chromatiques avec des carrés de couleur plats disposés de manière concentrique sur la toile. Les théories d’Albers sur l’art et l’éducation ont été formatrices pour la prochaine génération d’artistes. Ses propres peintures forment la base de la peinture hard-edge et de l’op art.

Toile en forme, Washington Color School, Illusionnisme abstrait, Abstraction lyrique
La peinture de Field Color a pointé vers une nouvelle direction dans la peinture américaine, loin de l’expressionnisme abstrait. Lié à l’abstraction post-picturale, au suprématisme, à l’expressionnisme abstrait, à la peinture hard-edge et à l’abstraction lyrique, la peinture de Field Color cherche à débarrasser l’art de la rhétorique superflue. Des artistes comme Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Hélène Frankenthaler, Larry Zox, et d’autres peints avec une utilisation très articulée et psychologique de la couleur. En général, ces artistes ont éliminé l’imagerie reconnaissable. Certains artistes ont fait référence à l’art passé ou présent, mais en général, la peinture de terrain en couleur présente l’abstraction comme une fin en soi. En poursuivant cette direction de l’art moderne, les artistes voulaient présenter chaque peinture comme une image monolithique cohérente. Gene Davis avec Kenneth Noland, Morris Louis et plusieurs autres était un membre des peintres de Washington Color School qui ont commencé à créer des peintures de Field Color à Washington, DC dans les années 1950 et 1960, Black, Grey, Beat est une grande peinture verticale à rayures et typique du travail de Gene Davis.

Illusionnisme abstrait, Monochrome, Minimalisme, Postminimalisme
L’un des premiers artistes spécifiquement associés au minimalisme fut Frank Stella, dont les premières peintures «à rayures» furent mises en lumière dans le spectacle «16 Americans» de 1959, organisé par Dorothy Miller au Museum of Modern Art de New York. Les largeurs des bandes dans les peintures à rayures de Stella n’étaient pas entièrement subjectives, mais étaient déterminées par les dimensions du bois utilisé pour construire le châssis de soutien sur lequel la toile était tendue. Dans le catalogue du spectacle, Carl André a noté: «L’art exclut l’inutile: Frank Stella a jugé nécessaire de peindre des rayures, il n’y a rien d’autre dans sa peinture. Ces œuvres réductrices contrastaient fortement avec les tableaux remplis d’énergie et apparemment chargés d’émotion de Willem de Kooning ou de Franz Kline et se penchaient davantage vers des peintures de campagne coloristiques moins gestuelles de Barnett Newman et Mark Rothko.

Néo-expressionnisme
À la fin des années 1960, le peintre expressionniste abstrait Philip Guston a contribué à la transition de l’expressionnisme abstrait au néo-expressionnisme en peinture, abandonnant la soi-disant «abstraction pure» de l’expressionnisme abstrait au profit de divers symboles et objets personnels. Ces œuvres ont inspiré une nouvelle génération de peintres intéressés par une renaissance de l’imagerie expressive. Sa peinture Peinture, Tabac, Manger est un exemple du retour de Guston à la représentation.
À la fin des années 1970 et au début des années 1980, il y eut aussi un retour à la peinture presque simultanée en Italie, en Allemagne, en France et en Grande-Bretagne. Ces mouvements ont été appelés Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre, Néo-expressionnisme, l’école de Londres, et à la fin des années 80 les Stuckists respectivement. Ces peintures ont été caractérisées par de grands formats, la libre expression expressive, la figuration, le mythe et l’imagination. Tout le travail dans ce genre a été qualifié de néo-expressionnisme.

La peinture contemporaine au 21ème siècle
Avec l’avènement des formes d’art moderne et postmoderne, les distinctions entre ce que l’on considère généralement comme les beaux-arts et les arts médiatiques ont commencé à s’estomper au cours du XXe siècle et au XXIe siècle. avec la culture populaire.

La peinture traditionnelle a été rejetée par les artistes de l’ère postmoderne en faveur du pluralisme artistique. Selon le critique d’art Arthur Danto, il y a une attitude de n’importe quoi qui prévaut; un syndrome de «tout ce qui se passe» et, par conséquent, de «ne rien faire»; cela crée un embouteillage esthétique sans direction ferme et claire et avec chaque voie sur l’autoroute artistique rempli à pleine capacité.