La storia della pittura occidentale rappresenta una tradizione continua, seppure perturbata, dall’antichità fino ai giorni nostri. Fino alla metà del 19 ° secolo si occupava principalmente di modi di produzione rappresentativi e classici, dopo di che le forme più moderne, astratte e concettuali ottenevano un favore.

Gli sviluppi nella pittura occidentale sono storicamente paralleli a quelli della pittura orientale, in generale alcuni secoli dopo. L’arte africana, l’arte islamica, l’arte indiana, l’arte cinese e l’arte giapponese hanno avuto un’influenza significativa sull’arte occidentale e, infine, viceversa.

Inizialmente al servizio di mecenatismo imperiale, privato, civico e religioso, la pittura occidentale in seguito trovò il pubblico nell’aristocrazia e nella classe media. Dal Medioevo attraverso i pittori del Rinascimento ha lavorato per la chiesa e una ricca aristocrazia. A partire dal periodo barocco gli artisti hanno ricevuto commissioni private da una classe media più istruita e prospera. L’idea di “arte per l’arte” cominciò a trovare espressione nell’opera dei pittori romantici come Francisco de Goya, John Constable e J. M. W. Turner. Durante il 19 ° secolo le gallerie commerciali si sono affermate e hanno continuato a fornire il patrocinio nel 20 ° secolo.

La pittura occidentale raggiunse il suo apice in Europa durante il Rinascimento, in concomitanza con la raffinatezza del disegno, l’uso della prospettiva, l’architettura ambiziosa, gli arazzi, le vetrate, la scultura e il periodo precedente e successivo all’avvento della tipografia. Seguendo la profondità della scoperta e la complessità delle innovazioni del Rinascimento, il ricco patrimonio della pittura occidentale (dal barocco all’arte contemporanea). La storia della pittura continua nel XXI secolo.

Preistoria
La storia della pittura si estende indietro nel tempo ai manufatti degli uomini preistorici e abbraccia tutte le culture. I dipinti più antichi conosciuti sono alla Grotte Chauvet in Francia, sostenuti da alcuni storici per avere circa 32.000 anni. Sono incisi e dipinti usando ocra rossa e pigmento nero e mostrano cavalli, rinoceronti, leoni, bufali, mammut o esseri umani che spesso cacciano. Ci sono esempi di pitture rupestri in tutto il mondo, in Francia, India, Spagna, Portogallo, Cina, Australia, ecc. Ci sono molti temi comuni in tutti i diversi luoghi in cui sono stati trovati i dipinti; implicando l’universalità di scopo e somiglianza degli impulsi che potrebbero aver creato l’immaginario. Varie congetture sono state fatte sul significato che questi dipinti hanno avuto per le persone che li hanno creati. Gli uomini preistorici possono aver dipinto animali per “catturare” la loro anima o spirito per cacciarli più facilmente, oppure i dipinti possono rappresentare una visione animista e un omaggio alla natura circostante, oppure possono essere il risultato di un’esigenza fondamentale dell’espressione che è innato per gli esseri umani, o possono essere le registrazioni delle esperienze di vita degli artisti e delle storie collegate dai membri della loro cerchia.

Pittura occidentale

Egitto, Grecia e Roma
L’antico Egitto, una civiltà con forti tradizioni di architettura e scultura (entrambe originariamente dipinte con colori vivaci), aveva molti dipinti murali nei templi e negli edifici e dipinse illustrazioni su manoscritti di papiro. La pittura murale egiziana e la pittura decorativa sono spesso grafiche, a volte più simboliche che realistiche. La pittura egizia raffigura figure in grassetto e sagoma piatta, in cui la simmetria è una caratteristica costante. La pittura egiziana ha una stretta connessione con il suo linguaggio scritto, chiamato geroglifici egizi. I simboli dipinti si trovano tra le prime forme di linguaggio scritto. Gli egiziani dipingevano anche di lino, di cui sopravvivono ancora i resti. Dipinti antichi egiziani sopravvissuti a causa del clima estremamente secco. Gli antichi egizi hanno creato dipinti per rendere l’aldilà dei defunti un luogo piacevole. I temi includevano il viaggio nel mondo ultraterreno o le loro divinità protettrici che introducevano i morti agli dei del mondo sotterraneo. Alcuni esempi di tali dipinti sono dipinti degli dei e delle dee Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris e Isis. Alcune pitture tombali mostrano le attività in cui i defunti erano coinvolti quando erano vivi e desideravano continuare a farlo per l’eternità. Nel Nuovo Regno e in seguito, il Libro dei morti fu sepolto con la persona sepolta. Era considerato importante per un’introduzione all’aldilà.

Medioevo
L’ascesa del cristianesimo ha impresso uno spirito diverso e mira a dipingere stili. L’arte bizantina, una volta stabilito il suo stile dal VI secolo, pose grande enfasi sul mantenimento dell’iconografia e dello stile tradizionali, e gradualmente si evolse durante i mille anni dell’impero bizantino e le tradizioni viventi dell’iconografia greca e russa ortodossa. La pittura bizantina ha un sentimento ieratico e le icone erano e sono ancora viste come una rappresentazione della rivelazione divina. C’erano molti affreschi, ma meno di questi sono sopravvissuti dei mosaici. L’arte bizantina è stata paragonata all’astrazione contemporanea, alla sua planarità e alle raffigurazioni altamente stilizzate di figure e paesaggi. Alcuni periodi dell’arte bizantina, in particolare la cosiddetta arte macedone del 10 ° secolo, sono più flessibili nell’approccio. Gli affreschi del Paleologo rinascimentale del primo quattordicesimo secolo sopravvivono nella chiesa di Chora a Istanbul.

Rinascimento e manierismo
Il Rinascimento (il francese per la “rinascita”), un movimento culturale che oscilla tra il 14 ° e la metà del 17 ° secolo, ha annunciato lo studio delle fonti classiche, nonché i progressi della scienza che hanno profondamente influenzato la vita intellettuale e artistica europea. Nei Paesi Bassi, specialmente nelle Fiandre dei nostri giorni, un nuovo modo di dipingere fu stabilito all’inizio del XV secolo. Sulle orme degli sviluppi fatti nell’illuminazione dei manoscritti, in particolare dai fratelli Limbourg, gli artisti sono rimasti affascinati dal tangibile nel mondo visibile e hanno iniziato a rappresentare oggetti in modo estremamente naturalistico. L’adozione della pittura ad olio la cui invenzione fu tradizionalmente, ma erroneamente, attribuita a Jan van Eyck, rese possibile una nuova verosimiglianza nel dipingere questo naturalismo. Il mezzo di pittura ad olio era già presente nel lavoro di Melchior Broederlam, ma pittori come Jan van Eyck e Robert Campin portarono il suo uso a nuove altezze e lo impiegarono per rappresentare il naturalismo a cui miravano. Con questo nuovo mezzo i pittori di questo periodo sono stati in grado di creare colori più ricchi con una tonalità intensa e profonda.

L’illusione di una luce brillante con una finitura simile alla porcellana caratterizzava la pittura dei primi Paesi Bassi e costituiva una grande differenza per la superficie opaca della pittura a tempera usata in Italia. A differenza degli italiani, le cui opere attingevano pesantemente dall’arte della Grecia antica e di Roma, i nordici conservarono un residuo stilistico della scultura e dei manoscritti miniati del Medioevo (in particolare il suo naturalismo). L’artista più importante di questo periodo fu Jan van Eyck, il cui lavoro è tra i migliori realizzati da artisti che sono ora conosciuti come primi pittori olandesi o primitivi fiamminghi (poiché la maggior parte degli artisti erano attivi nelle città delle Fiandre moderne). Il primo pittore di questo periodo fu il Maestro di Flémalle, oggi identificato come Robert Campin, la cui opera segue l’arte del gotico internazionale. Un altro importante pittore di questo periodo fu Rogier van der Weyden, le cui composizioni accentuarono l’emozione umana e il dramma, dimostrato ad esempio nella sua Discesa dalla Croce, che si colloca tra le opere più famose del XV secolo e fu la più influente pittura neerlandese di Cristo crocifissione. Altri importanti artisti di questo periodo sono Hugo van der Goes (il cui lavoro ha avuto grande influenza in Italia), Dieric Bouts (che fu tra i primi pittori del nord a dimostrare l’uso di un unico punto di fuga), Petrus Christus, Hans Memling e Gerard David .

Barocco e Rococò
La pittura barocca è associata al movimento culturale barocco, un movimento spesso identificato con l’assolutismo e la controriforma o la rinascita cattolica; l’esistenza di un’importante pittura barocca in stati non assolutisti e protestanti sottolinea, tuttavia, la sua popolarità, poiché lo stile si diffuse in tutta l’Europa occidentale.

La pittura barocca è caratterizzata da un grande dramma, colori intensi, intensi e luci intense e ombre scure. L’arte barocca aveva lo scopo di evocare emozioni e passioni invece della calma razionalità che era stata apprezzata durante il Rinascimento. Durante il periodo che inizia intorno al 1600 e continua per tutto il XVII secolo, la pittura è caratterizzata come barocca. Tra i più grandi pittori del barocco ci sono Caravaggio, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Velázquez, Poussin e Johannes Vermeer. Caravaggio è un erede della pittura umanista del Rinascimento. Il suo approccio realistico alla figura umana, dipinto direttamente dalla vita e drammaticamente illuminato da uno sfondo scuro, scioccò i suoi contemporanei e aprì un nuovo capitolo nella storia della pittura. La pittura barocca spesso drammatizza le scene usando effetti di luce; questo può essere visto nelle opere di Rembrandt, Vermeer, Le Nain, La Tour e Jusepe de Ribera.

Durante il XVIII secolo, il rococò seguì come un’estensione più leggera del barocco, spesso frivola ed erotica. Il rococò si sviluppò prima nelle arti decorative e nell’interior design in Francia. La successione di Luigi XV portò un cambiamento negli artisti di corte e nella moda artistica generale. Gli anni 1730 rappresentarono l’apice dello sviluppo del Rococò in Francia, esemplificato dalle opere di Antoine Watteau e François Boucher. Il rococò manteneva ancora il gusto barocco per forme complesse e motivi intricati, ma a questo punto aveva cominciato ad integrare una varietà di caratteristiche diverse, tra cui il gusto per i disegni orientali e le composizioni asimmetriche.

Lo stile rococò si diffuse con artisti francesi e pubblicazioni incise. Venne prontamente accolto nelle parti cattoliche della Germania, della Boemia e dell’Austria, dove fu fuso con le vivaci tradizioni barocche tedesche. Il rococò tedesco fu applicato con entusiasmo a chiese e palazzi, in particolare nel sud, mentre il rococò di Federico si sviluppò nel regno di Prussia.

19esimo secolo:
Dopo il Rococò nacque nel tardo XVIII secolo, in architettura, e poi nel dipingere il severo neoclassicismo, meglio rappresentato da artisti come David e il suo erede Ingres. Il lavoro di Ingres contiene già molta della sensualità, ma nessuna della spontaneità, quella di caratterizzare il Romanticismo.

Una forza importante nella svolta verso il Realismo a metà del secolo fu Gustave Courbet, i cui dipinti non ottimizzati di gente comune offendevano i telespettatori abituati agli argomenti convenzionali e al leccato traguardo dell’arte accademica, ma ispirarono molti artisti più giovani. Anche il pittore principale della scuola di Barbizon, Jean-François Millet, ha dipinto paesaggi e scene di vita contadina. Liberamente associato alla scuola di Barbizon c’era Camille Corot, che dipingeva in una vena romantica e realistica; la sua opera prefigura l’impressionismo, così come i dipinti di Johan Jongkind e Eugène Boudin (che fu uno dei primi pittori paesaggisti francesi a dipingere all’aperto). Boudin esercitò un’influenza importante sul giovane Claude Monet, che nel 1857 presentò alla pittura plein air.

Nell’ultimo terzo del secolo impressionisti come Édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt e Edgar Degas hanno lavorato in un approccio più diretto di quanto non fosse stato esposto in precedenza. Rifiutarono allegoria e narrativa a favore di risposte individualizzate al mondo moderno, a volte dipinte con poco o nessun studio preparatorio, basandosi sulla destrezza del disegno e su una tavolozza altamente cromatica. Monet, Pissarro e Sisley hanno usato il paesaggio come loro principale motivo, la transitorietà della luce e le condizioni atmosferiche hanno giocato un ruolo importante nel loro lavoro. Seguendo una pratica che era diventata sempre più popolare verso la metà del secolo, spesso si avventuravano in campagna insieme per dipingere all’aperto, ma non per lo scopo tradizionale di fare schizzi da sviluppare in lavori accuratamente rifiniti in studio. Dipingendo alla luce del sole direttamente dalla natura e facendo un uso audace dei pigmenti sintetici vivaci che erano diventati disponibili dall’inizio del secolo, hanno sviluppato un modo di dipingere più leggero e luminoso.

I post-impressionisti come Paul Cézanne e il leggermente più giovane Vincent van Gogh, Paul Gauguin e Georges-Pierre Seurat hanno portato l’arte al limite del modernismo. Per Gauguin l’impressionismo ha lasciato il posto a un simbolismo personale. Seurat ha trasformato il colore spezzato dell’impressionismo in uno studio ottico scientifico, strutturato su composizioni di tipo fregio. La tecnica pittorica da lui sviluppata, denominata Divisionism, attirò molti seguaci come Paul Signac e per alcuni anni, alla fine degli anni Ottanta, Pissarro adottò alcuni dei suoi metodi. Il turbolento metodo di applicazione pittorica di Van Gogh, associato a un uso sonoro del colore, predisse l’espressionismo e il fauvismo, e Cézanne, desiderando unire la composizione classica con un’astrazione rivoluzionaria di forme naturali, verrebbe visto come un precursore dell’arte del XX secolo .

Alla fine del XIX secolo c’erano anche molti gruppi di pittori simbolisti, piuttosto dissimili, le cui opere erano in risonanza con i giovani artisti del XX secolo, specialmente con i fauve e i surrealisti. Tra questi c’erano Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Ferdinand Hodler, Edvard Munch, Félicien Rops, Jan Toorop e Gustav Klimt, e i simbolisti russi come Mikhail Vrubel.

I pittori simbolisti minarono la mitologia e le immagini dei sogni per un linguaggio visivo dell’anima, alla ricerca di dipinti evocativi che portarono alla mente un mondo statico di silenzio. I simboli usati nel simbolismo non sono gli emblemi familiari dell’iconografia mainstream, ma riferimenti intensamente personali, privati, oscuri e ambigui. Più una filosofia che un vero e proprio stile artistico, i pittori simbolisti influenzarono il movimento Art Nouveau contemporaneo e Les Nabis. Nella loro esplorazione di soggetti onirici, i pittori simbolisti si trovano attraverso secoli e culture, come lo sono ancora oggi; Bernard Delvaille ha descritto il surrealismo di René Magritte come “Symbolism plus Freud”.

20 ° secolo
L’eredità di pittori come Van Gogh, Cézanne, Gauguin e Seurat era essenziale per lo sviluppo dell’arte moderna. All’inizio del XX secolo Henri Matisse e molti altri giovani artisti tra cui il pre-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck hanno rivoluzionato il mondo artistico parigino con paesaggi selvaggi, multicolori, espressivi e quadri che i critici chiamavano il fauvismo. La seconda versione di Henri Matisse di The Dance rappresenta un punto chiave nella sua carriera e nello sviluppo della pittura moderna. Riflette il fascino incipiente di Matisse con l’arte primitiva: i colori caldi intensi contro il fresco sfondo blu-verde e la successione ritmata dei nudi danzanti trasmettono i sentimenti di liberazione emotiva ed edonismo. Pablo Picasso ha realizzato i suoi primi dipinti cubisti basati sull’idea di Cézanne secondo cui ogni rappresentazione della natura può essere ridotta a tre solidi: cubo, sfera e cono. Con il dipinto Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso ha creato un quadro nuovo e radicale raffigurante una scena di bordello con cinque prostitute, donne dipinte violentemente, che ricordano maschere tribali africane e le sue stesse invenzioni cubiste. Il cubismo fu sviluppato congiuntamente tra il 1908 e il 1912 da Pablo Picasso e Georges Braque, il cui violino e candelabro, Parigi (1910) è mostrato qui. La prima chiara manifestazione del cubismo fu praticata da Braque, Picasso, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Henri Le Fauconnier e Robert Delaunay. Juan Gris, Marcel Duchamp, Alexander Archipenko, Joseph Csaky e altri si unirono presto. Il cubismo sintetico, praticato da Braque e Picasso, è caratterizzato dall’introduzione di diverse trame, superfici, elementi di collage, papier collé e una grande varietà di soggetti uniti.

Fauvismo, Der Blaue Reiter, Die Brücke
Il fauvismo era un ampio gruppo di artisti del primo Novecento le cui opere enfatizzavano le qualità pittoriche e l’uso immaginativo del colore profondo sui valori rappresentativi. I leader del movimento erano Henri Matisse e André Derain – amichevoli rivali di un tipo, ciascuno con i suoi seguaci. Alla fine, Matisse è diventato lo yang dello yin di Picasso nel 20 ° secolo. Tra i pittori fauvisti c’erano Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, il pittore olandese Kees van Dongen, e il socio di Picasso nel Cubismo, Georges Braque tra gli altri.

Espressionismo, Simbolismo, Modernismo americano, Bauhaus
L’espressionismo e il simbolismo sono grandi rubriche che coinvolgono diversi movimenti correlati nella pittura del XX secolo che ha dominato gran parte dell’arte d’avanguardia in Europa occidentale, orientale e settentrionale. Le opere espressioniste furono dipinte in gran parte tra la prima e la seconda guerra mondiale, principalmente in Francia, Germania, Norvegia, Russia, Belgio e Austria. Fauvismo, Die Brücke e Der Blaue Reiter sono tre dei gruppi più noti di pittori espressionisti e simbolisti. Il dipinto di Marc Chagall I and the Village racconta una storia autobiografica che esamina il rapporto tra l’artista e le sue origini, con un lessico di simbolismo artistico. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Georges Rouault, Amedeo Modigliani e alcuni americani all’estero come Marsden Hartley e Stuart Davis, furono considerati pittori espressionisti influenti. Sebbene Alberto Giacometti sia principalmente considerato uno scultore surrealista, ha realizzato anche intensi dipinti espressionisti.

Pionieri dell’astrazione
Wassily Kandinsky è generalmente considerato uno dei primi pittori importanti dell’arte moderna astratta. Come primo modernista, teorizzò come fecero gli occultisti e i teosofi contemporanei, che la pura astrazione visiva aveva vibrazioni corollarie con il suono e la musica. Hanno ipotizzato che la pura astrazione potesse esprimere pura spiritualità. Le sue prime astrazioni furono generalmente intitolate come l’esempio nella Composizione VII, creando un legame con il lavoro dei compositori di musica. Kandinsky incluse molte delle sue teorie sull’arte astratta nel suo libro Concerning the Spiritual in Art. Altri importanti pionieri dell’astrazione antica includono il pittore svedese Hilma af Klint, il pittore russo Kazimir Malevich e il pittore svizzero Paul Klee. Robert Delaunay era un artista francese associato all’orfismo (che ricorda un legame tra pura astrazione e cubismo). I suoi contributi chiave alla pittura astratta si riferiscono al suo audace uso del colore e alla sua sperimentazione di profondità e tono.

Dada e Surrealismo
Marcel Duchamp arrivò alla ribalta internazionale sulla scia del New York City Armory Show nel 1913, dove il suo Nude Descending a Staircase divenne una causa célèbre. Successivamente ha creato La sposa spogliata nuda dai suoi scapoli, anche, grande vetro. The Large Glass ha spinto l’arte della pittura a nuovi limiti radicali facendo parte della pittura, del collage parziale, della costruzione parziale. Duchamp (che presto rinunciò all’artigianato per gli scacchi) divenne strettamente associato al movimento Dada che ebbe inizio nella neutrale Zurigo, in Svizzera, durante la prima guerra mondiale e raggiunse il picco dal 1916 al 1920. Il movimento riguardava principalmente le arti visive, la letteratura (poesia, manifesti d’arte , teoria dell’arte), teatro e grafica per far avanzare la sua politica contro la guerra e il rifiuto degli standard prevalenti nell’arte attraverso opere culturali anti-artistiche. Altri artisti associati al movimento Dada comprendono Francis Picabia, Man Ray, Kurt Schwitters, Hannah Höch, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp e Sophie Taeuber-Arp. Duchamp e diversi dadaisti sono anche associati al Surrealismo, il movimento che ha dominato la pittura europea negli anni ’20 e ’30.

Neue Sachlichkeit, realismo sociale, regionalismo, pittura scena americana, simbolismo
Durante gli anni ’20 e ’30 e la Grande Depressione, la scena artistica europea era caratterizzata dal Surrealismo, il tardo cubismo, il Bauhaus, De Stijl, Dada, Neue Sachlichkeit ed Espressionismo; ed era occupato da magistrali pittori di colori modernisti come Henri Matisse e Pierre Bonnard.

Espressionismo astratto
Gli anni ’40 a New York annunciarono il trionfo dell’espressionismo astratto americano, un movimento che univa le lezioni apprese dai modernisti europei attraverso grandi maestri americani come Hans Hofmann e John D. Graham. Gli artisti americani hanno beneficiato della presenza di Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e del gruppo André Breton, della galleria di Pierre Matisse, della galleria di Peggy Guggenheim The Art of This Century e di altri fattori.

Realismo, Paesaggio, Paesaggio marino, Figurazione, Natura morta, Paesaggio urbano
Negli anni ’30 e negli anni ’60, la pittura astratta in America e in Europa si è evoluta in movimenti come l’espressionismo astratto, la pittura Color Field, l’astrazione post-pittore, l’Op art, la pittura hard-edge, l’arte minimale, la pittura su tela sagomata e l’astrazione lirica. Altri artisti reagirono come una risposta alla tendenza all’astrazione che consentiva di continuare le immagini attraverso vari nuovi contesti come il Movimento figurativo della Bay Area negli anni ’50 e le nuove forme di espressionismo dagli anni ’40 agli anni ’60. Nel corso del XX secolo molti pittori praticarono il realismo e utilizzarono immagini espressive nella pittura paesaggistica e figurativa con soggetti contemporanei. Includono artisti come Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Leon Kossoff, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr. ed Elaine de Kooning.

Pop Art
La pop art in America fu in gran parte inizialmente ispirata alle opere di Jasper Johns, Larry Rivers e Robert Rauschenberg, anche se i dipinti di Gerald Murphy, Stuart Davis e Charles Demuth negli anni ’20 e ’30 prefigurano lo stile e la materia del Pop. arte.

Art Brut, New Realism, Bay Figuration Movement, Neo-Dada, Fotorealismo
Durante gli anni ’50 e ’60, la pittura astratta in America e in Europa si è evoluta in movimenti come la pittura a colori, l’astrazione pittorica, l’op art, la pittura hard-edge, l’arte minimale, la pittura su tela sagomata, l’astrazione lirica e la continuazione dell’espressionismo astratto. Altri artisti hanno reagito come una risposta alla tendenza verso l’astrazione con Art brut, come visto in Court les rues, 1962, da Jean Dubuffet, Fluxus, Neo-Dada, New Realism, Photorealism, permettendo all’immagine di riemergere attraverso vari nuovi contesti come Pop art, il movimento figurativo della Bay Area (un primo esempio è Diebenkorn’s Cityscape I, (Landscape No. 1) (1963), e più tardi nel neoespressionismo degli anni ’70 Il movimento figurativo della Bay Area di cui David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira e Richard Diebenkorn, la cui pittura Cityscape 1 (1963) è un tipico esempio, furono membri influenti che fiorirono negli anni ’50 e ’60 in California.I pittori più giovani praticavano l’uso delle immagini in modi nuovi e radicali.Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Christo , Niki de Saint Phalle, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl e Vija Celmins sono stati alcuni tra i protagonisti degli anni ’60 e ’80. Porter era in gran parte autodidatta e produceva lavori di rappresentazione nel mezzo del movimento espressionista astratto. I suoi soggetti erano principalmente paesaggi, interni domestici e ritratti di familiari, amici e altri artisti.

Astrazione geometrica, Op Art, Hard-Edge, Color field, Minimal Art, New Realism
Durante gli anni ’60 e ’70 la pittura astratta continuò a svilupparsi in America attraverso vari stili. Astrazione geometrica, Op art, hard-edge painting, Color Field painting e minimal painting, erano alcune direzioni correlate per la pittura astratta avanzata e alcuni altri nuovi movimenti. Morris Louis è stato un pioniere importante nella pittura avanzata di Colorfield, la sua opera può fungere da ponte tra espressionismo astratto, pittura Colorfield e Minimal Art. Due influenti maestri, Josef Albers e Hans Hofmann, introdussero una nuova generazione di artisti americani nelle loro teorie avanzate sul colore e lo spazio. Albers è meglio ricordato per il suo lavoro di pittore e teorico astrattista geometrico. I più famosi di tutti sono le centinaia di dipinti e stampe che compongono la serie Homage to the Square. In questa serie rigorosa, iniziata nel 1949, Albers esplorò le interazioni cromatiche con quadrati colorati disposti in modo concentricamente sulla tela. Le teorie di Albers sull’arte e l’educazione erano formative per la prossima generazione di artisti. I suoi dipinti costituiscono il fondamento della pittura hard-edge e Op art.

Tela sagomata, Washington Color School, Illusionismo astratto, Astrazione lirica
La pittura di Field Color punta verso una nuova direzione nella pittura americana, lontano dall’espressionismo astratto. In relazione all’astrazione post-pittore, al suprematismo, all’espressionismo astratto, alla pittura hard-edge e all’astrazione lirica, la pittura Color Field ha cercato di liberare l’arte dalla retorica superflua. Artisti come Clyfford Still, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox e altri dipingono con un uso del colore altamente articolato e psicologico. In generale questi artisti hanno eliminato immagini riconoscibili. Alcuni artisti hanno fatto riferimenti all’arte passata o presente, ma in generale la pittura sul campo dei colori presenta l’astrazione come fine a se stessa. Nel perseguire questa direzione dell’arte moderna, gli artisti volevano presentare ogni dipinto come un’immagine monolitica e coesiva. Gene Davis insieme a Kenneth Noland, Morris Louis e molti altri è stato un membro dei pittori della Washington Colour School che ha iniziato a creare dipinti Color Field a Washington, DC negli anni ’50 e ’60, Black, Gray, Beat è un grande dipinto a strisce verticali e tipico del lavoro di Gene Davis.

Illusionismo astratto, monocromatico, minimalismo, postminimalismo
Uno dei primi artisti specificamente associati al Minimalismo fu Frank Stella, i cui primi dipinti “a strisce” furono messi in risalto nello spettacolo del 1959 “16 americani”, organizzato da Dorothy Miller al Museum of Modern Art di New York. Le larghezze delle strisce nei dipinti a strisce di Stella non erano del tutto soggettive, ma erano determinate dalle dimensioni del legname usato per costruire il telaio di supporto su cui era tesa la tela. Nel catalogo della mostra, Carl Andre ha osservato: “L’arte esclude il superfluo, Frank Stella ha ritenuto necessario dipingere strisce, non c’è nient’altro nella sua pittura”. Questi lavori riduttivi erano in netto contrasto con i dipinti pieni di energia e apparentemente carichi di emozioni di Willem de Kooning o di Franz Kline e si appoggiavano maggiormente a dipinti di campo coloristici meno gestuali di Barnett Newman e Mark Rothko.

Neo-espressionismo
Verso la fine degli anni ’60 il pittore espressionista astratto Philip Guston contribuì a condurre una transizione dall’espressionismo astratto al neoespressionismo nella pittura, abbandonando la cosiddetta “pura astrazione” dell’espressionismo astratto a favore di rendering più fumettistici di vari simboli e oggetti personali. Queste opere sono state di ispirazione per una nuova generazione di pittori interessati a un revival di immagini espressive. La sua pittura Painting, Smoking, Eating è un esempio del ritorno alla rappresentazione di Guston.
Tra la fine degli anni ’70 e l’inizio degli anni ’80, ci fu anche un ritorno alla pittura che avvenne quasi contemporaneamente in Italia, Germania, Francia e Gran Bretagna. Questi movimenti furono chiamati Transavantguardia, Neue Wilde, Figuration Libre, Neo-espressionismo, la scuola di Londra, e alla fine degli anni ’80 i Stuckisti rispettivamente. Questi dipinti erano caratterizzati da grandi formati, libera marcatura espressiva, figurazione, mito e immaginazione. Tutto il lavoro in questo genere è stato etichettato come neo-espressionismo.

Pittura contemporanea nel XXI secolo
Nel corso del XX secolo e del XXI secolo, con l’avvento delle forme d’arte moderna e postmoderna, le distinzioni tra ciò che è generalmente considerato le belle arti e le arti basse hanno iniziato a svanire, mentre l’arte contemporanea continua a sfidare questi concetti mescolando con cultura popolare.

La pittura tradizionale è stata rifiutata da artisti dell’era postmoderna a favore del pluralismo artistico. Secondo il critico d’arte Arthur Danto c’è un atteggiamento che va avanti; una sindrome da “tutto ciò che sta succedendo” e di conseguenza “nulla sta succedendo”; questo crea un ingorgo estetico senza direzione ferma e chiara e con ogni corsia dell’autostrada artistica piena di capacità.