연속 미술은 동일 주제, 주제 또는 상수 및 가변 요소 또는 원리의 시스템의 연속, 반복 및 변형을 통해 미적 효과를 창출하고자하는 현대 미술 장르입니다.
연속 이미지는 많은 변형 또는 형태로 하나의 이미지가 반복되는 것입니다. 현대 미술과 현대 미술의 중심 아이디어입니다. 그것은 여러 가지 형태를 취할 수 있습니다. 초상화는 Van Gogh의 L’ Arlésienne과 Claude Monet의 Rouen Cathedral에서와 같이 주제에 미묘한 변화가있는 다양한 색조와 배경으로 칠해질 수 있습니다. 또 다른 유형은 같은 날이 여러 날이나 계절의 다른 시간에 그려지는 곳입니다. Claude Monet 그의 포플러, 건초 더미에서. 동일한 주제가 다른 매체 및 다른 포즈로 렌더링 될 수 있으므로 완성 된 작업에서 이미지가 손실 되더라도 언더 페인팅의 실습은 연속 이미지의 한 형태로 간주 될 수 있습니다. 원하는 효과를 찾기 위해 다양한 렌즈 등으로 여러 각도에서 여러 노출을 찍는 것이 일반적인 사진입니다. 문학, 특히시에서 사용됩니다.
작업 그룹 또는 변형과 달리 개별 객체는 주제에 의해 느슨하게 연결되지 않고 소위 그림 규칙에 의해 연결됩니다. 이 시리즈 내에서 자세히 구현해야하는 사양입니다. 이 시리즈의 또 다른 특징은 이론적으로 이론적으로 이론적으로 상호 교환 가능성으로 인해 계속 될 수 있다는 것입니다. 회화 적 규칙을 구현함으로써 개개의 작업은 개성을 잃어 버리고 이론적으로 상호 교환이 가능하다. 따라서 시리즈는 전체보기에서만 내용으로 캡처 할 수 있습니다. 동시에 피험자는 표현 자체에서 철회합니다.
Francisco Goya는 La maja desnuda와 La maja vestida (1797-1800)와 함께 사용했습니다. 연구가 끝나고 완성 된 작품을 만들 때마다 클래식 아트에서 볼 수 있습니다. Leonardo da Vinci ‘, Michelangelo 및 대부분의 다른 클래식 아티스트들의 일반적인 연습 이었지만 대부분의 연구 및 스케치는 생존하지 못했습니다.
기존의 연속 된 삽화를 가진 최초의 예술가는 개념보다는 직관적으로 그림 규칙이 구현되고 단순한 작품 그룹을 뛰어 넘는 시리즈가 만들어 졌던 Claude Monet입니다. 이 작품은 또한 추상적 인 그림의 개발을위한 출발점이었습니다. 묘사 된 것에 대한 표현에 대한 강조는 관찰자가 주제와 무관 한 예술 작품을 쉽게 인식하고 작품 자체의 가치를 파악하기 쉬워 졌기 때문입니다 . 그 결과, 연속 예술은 때로는 구성주의와 구체화를 통해 회화 적 표현, 색 및 형태의 기본 요소로 제한되었습니다.
예:
그리드 (1919), 레드 옐로우 블루 화이트 (1952), 오늘의 카와 라 (1966 년), 솔 르윗의 큐브 (1988/90) 등이있다.