シリアル芸術（Serial art）は、同一の主題、テーマ、または一定の要素や可変要素または原則のシステムのシリーズ、繰り返し、およびバリエーションを通して美的効果を創出することを目指す現代美術のジャンルです。
連続画像は、1つの画像を多くの変形または形態で繰り返すことである。 現代美術と現代美術の中心的なアイデアです。 それにはいくつかの形があります。 肖像画は異なった色合いと背景で、ゴッホの作品「L’Arlésienne」とクロード・モネの「ルーアン大聖堂」のように微妙な変化を伴ってペイントすることができます。別のタイプは、同じテーマが日や季節の異なる時期にペイントされる場所です。例えばClaude Monet彼のPoplars、Haystacksで。 同じ被写体が異なるメディアや異なる姿勢でレンダリングされることもあります。そのため、完成した作業で画像が失われても、アンパインティングの方法はシリアル画像の一種とみなされる可能性があります。 所望の効果を求めて異なるレンズ等で複数の角度で角度を変化させた撮影が一般的である。 文学、特に詩でも使われています。
個々のオブジェクトは、ワークグループまたはバリエーションとは対照的に、サブジェクトによって緩やかに接続されるのではなく、いわゆるピクチャルールによって接続されます。 これらは、シリーズ内で詳細に実装されなければならない仕様です。 このシリーズのもう一つの特徴は、論理的に理論上は互換性のために無限に続くことができるということです。 絵のルールを実装することによって、個々の作品は個性を失い、理論的には交換可能です。 したがって、シリーズ全体のビューでのみコンテンツの観点からシリーズをキャプチャすることができます。 同時に、被験者は代表者自身から脱退する。
それはFrancisco GoyaによってLa maja desnudaとLa maja vestida（1797-1800）と共に使われました。 これは、研究が行われ、完成した作品を制作するたびに、古典芸術に見られる。 これは、レオナルド・ダ・ヴィンチ、ミケランジェロ、そして他の多くのクラシック・アーティストのための一般的なプラクティスでしたが、彼らの研究やスケッチのほとんどは生き残りませんでした。
既存の連載作品を持っている最初のアーティストは、概念的には直感的に描写ルールが実装され、単なる作品群を超えたシリーズが作成された、クロード・モネです。 この作品は抽象絵画の発展の出発点でもありました。なぜなら、描写されたものを表現することに重点を置くことは、オブザーバーが作品とは独立したものとして認識し、作品そのものの価値を。 その結果、時系列的な芸術は時には構成主義とコンクリートの技術を通して、絵の表現、色彩、形の基本要素に制限されていました。
例：
（1919年）、エルズワース・ケリー（1952年）、カール・オン（1966年）、ソル・ルーウィット（Cube）（1988/90）などがあります。