Lombard 르네상스는 밀라노와 그 영토를 다룹니다. 15 세기 중반 Visconti와 Sforza 사이의 권력이 통과됨에 따라 Lombard 국제 고딕 시즌과 새로운 인본주의 세계로의 전환이 실현되었습니다. 15 세기 후반에 롬바르디아의 예술적 이야기는 눈물도없이 개발되었으며, 영향은 점차 피렌체, 페라라 및 파두 안 방식과 관련되어 있으며 이전의 풍부한 문화에 대한 언급도 이어졌습니다. Bramante (1479)와 Leonardo da Vinci (1482)의 도착으로 밀라노는 이탈리아와 유럽의 장면에서 절대적인 예술적 서밋에 다다 랐고 예술적 전위와 고딕 양식의 기둥 사이의 동거 가능성을 보여주었습니다.

비스콘티
15 세기 전반기에 밀라노와 롬바르디아는 국제 고딕 양식이 뒤따른 이탈리아 지역이었습니다. 유럽에서는 롬바르디아의 표현이 귀중한 송장의 대상과 동의어 였기 때문에 무엇보다도 그 미니어처와 금세 공인을 언급했습니다 그것은 정교하고 정숙하고 세련된 취향의 표현이었습니다.

그러나 토스카나와 플랑드르의 예술적 선봉과의 접촉은 특히 명확한 상업적 및 왕조 적 관계의 네트워크 덕택에 꽤 빈번했다. 1386 년에 시작된 밀라노 대성당 건설에 프랑스, ​​부르고뉴, 독일 및 이탈리아 공예가들이 일하면서 대성당의 장식 장식물 건설에 없어서는 안될 조각품 학교에서 국제 스타일을 발전 시켰습니다. 이미 약 1435 년 Masolino는 바리 세 근처의 Castiglione Olona에서 일하면서 원근법 사용의 혁신을 보여 주었지만 새로운 메시지를 더 이해하기 쉽고 동화시킬 수있는 현지 비 유적 문화에 대한 관심으로 약화되었습니다.

프란체스코 스포르차 (1450-1466)
Ambrosian Republic (1447 – 1450)와 Filippo Maria Visconti의 죽음으로 시립 기관을 복원하려는 유토피아 시도 이후, Francesco Maria di Bianca Maria Visconti와 함께 Sforza 가족에게 권력이 통과하는 것은 거의 합법적 인 풍미를 가졌습니다 과거에 비해 명확한 상처없이 승계.

예술 분야에서도 프란체스코의 취향은 그의 후손의 대부분이 비 콘티의 호화롭고 화려하고 호화로운 기념일과 맞 섰다. 많은 “비스콘티”예술가들이 보니파시오 emb보 (Bonifacio Bembo)와 같은 커미션의 대상이었다. 그럼에도 불구하고 피렌체와의 동맹 및 파도바와 페라라와의 지속적인 접촉은 특히 광부와의 교류를 통해 르네상스 언어의 보급을 촉진했습니다.

건축물
그의 권력을 공고히하기 위해 프란체스코는 즉시 Visconti 가족의 밀라노 거주지 인 Porta Giovia 성의 재건축을 시작했습니다. 그러나 건축에서 가장 중요한 공약은 두오모 (Duomo)의 것이었고 솔라리 (Solari)의 건물은 여전히 ​​고딕 양식의 전통이나 롬바르디아 로마네스크 양식을 찾습니다.

필라레테
1451 년에 시작된 피렌체 필라테 호텔의 체류는 밀라노에서 르네상스가 처음으로 시작되었습니다. Piero de ‘Medici가 추천 한 예술가는 Sforza 법원을 정복 한 하이브리드 스타일 덕분에 중요한 커미션을 위임 받았습니다. 실제로, 그는 명확한 선을 옹호했지만 특정 장식적인 풍요 로움을 싫어하거나 브루넬레스키의 “명령 문법”을 극도의 엄격함으로 적용하지 않았다. 그는 성 탑, 베르가 모의 두오모 및 오스 페달레 마 죠레 건설을 위탁 받았다.

이 마지막 작업에서, 특히 그의 이미지를 홍보하는 새로운 왕자의 의지와 관련하여, 우리는 공간의 기능적 분할과 정기적 인 계획으로 설정된 기본 프로젝트의 엄격함과 불확실성 사이의 불평등을 분명히 읽을 수 있습니다 건물의 과도한 크기 때문에 주변 건물 패브릭 분과의 통합. 병원 공장은 직사각형이며, 중앙 안뜰은 그것을 두 개의 영역으로 나눕니다. 각 영역은 8 개의 큰 안뜰을 그려주는 2 개의 내부 직각 팔이 교차합니다. 브루넬레스키의 교훈에서 파생 된 안뜰 라운드 아치 계승의 리드미컬 한 순결은 테라코타 장식의 풍부함을 대조합니다 (비록 그들이 롬바드 연속 자의 대부분 때문 이었음에도 불구하고).

포 르 티나 리 예배당
좀 더 성숙한 르네상스 양식의 도시에 도착한 것은 밀라노의 은행 지점 메디치 (Medici) 대리인 인 Pigello Portinari의 커미션과 관련이 있습니다. 현재 잃어버린 메디치 은행의 좌석 건설 외에도 Pigello는 성 피터 순교자의 머리의 유물도 발견 된 Portinari Chapel이라는 이름을 지닌 Sant’Eustorgio에 가족 장례식 예배당을지었습니다.

이 구조는 피렌체의 산 로렌조 (San Lorenzo)에있는 Brunelleschiana Sagrestia Vecchia에서 영감을 얻었으며, 광장 칸에는 scarsella가 있고 16 개의 갈비뼈가있는 돔으로 덮여 있습니다. 장식의 일부 디테일은 천상의 프리즈 (frieze) 또는 돔의 펜던트 (pendentives)의 라운드와 같은 피렌체 모델에서 영감을 얻었지만 다른 사람들은 롬바르디아 원산지를 표시하면서 사라졌습니다. 이것은 돔, 테라코타 장식, 지적이 뾰족한 창문 또는 일반적인 장식의 풍부함을 보호하는 티 브리움입니다. 특히 내부는 경사 돔의 부유 한 태아, 드럼의 천사와의 프리즈, 벽 상단의 빈센조 포파 (Vincenzo Foppa)의 수많은 프레스코와 같은 장식의 활기찬 풍요 로움으로 인해 피렌체 모델에서 벗어납니다 .

도시 계획
프란체스코 스포르 차 (Francesco Sforza)의 도시 계획 연구는 중요한 구체적인 개입으로 해석되지는 않았지만 그럼에도 불구하고 완전히 이론화 된 최초의 이상적인 도시 스 포르진다 (Sforzinda)라는 단 하나의 프로젝트를 만들어 냈습니다. 이 도시는 건축 조약에서 Filarete에 의해 기술되었으며 Leon Battista Alberti와 다른 건축가들에 의해 묘사 된, 특히 도시 르네상스의 맥락에서 이전의 흩어져있는 징조, 즉 실용적이고 경험적인 접근을 무시한 지적 추상이 특징이다. 도시에는 우주의 심볼과 연결된 별 모양의 식물이 있었으며, 유기적 또는 내부 논리가없는 집계 건물이 포함되어있어 도로 네트워크에 구속받지 않고 대신 완전히 방사형으로 설정되었습니다.

그림
Francesco Sforza의 가장 중요한 그림 작품 중 하나는 1464 년부터 1468 년까지 Vincenzo Foppa에 의해 벽 상단 부분에 프레스코 화 된 Portinari Chapel과 연결되어 있습니다. 장식 상태는 우수한 상태로 의사의 4 라운드가 포함되어 있습니다. 펜 디펜 티브 교회, 돔 바닥에있는 oculi에있는 성도들의 여덟 흉상, 측벽에있는 성 피터 순교자의 이야기 4 개, 승리 아치에있는 두 개의 커다란 벽화. 아치형 천장, 각각 ‘성모 영보와 성모님의 가정’

화가는 실제 공간과 페인트 칠한 공간을 환상적으로 통합하기 위해 건축과의 관계를 특별히 중요하게 생각했습니다. 성자 이야기의 네 장면은 공통된 소실점을 가지며, 문자가있는 사람의 눈높이에 해당하는 수평선에서 (벽 중앙, 벽 중앙에있는) 외부에 배치됩니다 (Leon의 표시에 따라 Battista Alberti). 그러나 원래의 대기 감각에 대한 고전적인 기하학적 관점에서 벗어나 윤곽과 기하학적 강성을 약화시킵니다. 실제로 장면을 인간적으로 현실로 만듭니다. 또한, 단순하지만 효과적이고 이해할 수있는 내러티브의 취향이 일상적인 유형을 연상시키는 캐릭터와 함께 현실적인 장소로 설정되며,

후속 작품 인 Foppa에서도 필자는 연성 매체를 사용하고 어떤 경우 든 다른 요소에 비해 보조 매체를 사용합니다. 예를 들어, Bramante 파생의 공간 레이아웃이있는 Pala Bottigella (1480 – 1484)이지만, 다양한 유형의 인간 표현과 다양한 자료의 빛 굴절에 악센트가 배치 된 그림으로 포화되었습니다. 지적주의가없는 광학적 진리에 대한이 관심은 이후의 롬바드 그림의 가장 전형적인 특징 중 하나 였고, 또한 Leonardo da Vinci가 연구했습니다.

갈레아 조 마리아 스포르차 (1466-1476)
갈레아 조 마리아 스포르차 (Galeazzo Maria Sforza)는 확실히 고딕 기원의 호화 로움에 끌려 있었고 그의 커미션은 많은 일을하고 빨리 해보려는 욕구로 생겨난 것처럼 보였으므로 그의 흥미 가운데 물고기를 더 쉽게 구할 수있는 독창적이고 업데이트 된 비유적인 작품을 자극해서는 안되었다. 과거에. 법원의 수많은 요청을 충족시키기 위해 보니파시오 emb보 (Bonifacio Bembo)가 이끄는 카스텔로 스 포르 체스 코 (Castello Sforzesco)에서 예배당을 장식 한 사람들과 같이 양육되고 이질적인 예술가 그룹이 종종 형성되었습니다. 1473 년으로 거슬러 올라가는 그 프레스코 화에서, 비 유적 신물 술에 대한 냉정한 언급에도 불구하고 (성도들의 플라스틱 설정에서의 앤벨 세소 르의 공간적 특성에서와 같이), 여전히 황금 태블릿에는 고풍스러운 배경이 있습니다.

갈레아 조 마리아 스포르차 (Galeazzo Maria Sforza)에서 일했던 아티스트들은 결코 클라이언트와의 “대담 자”가 아니었지만 열망하는 공연자였습니다.

건축물
이시기의 가장 중요한 작품은 베르 가모 콜레로 니 예배당 (1470 – 1476)에서 최초의 절정을 선사 한 강세와 함께 이미 Ospedale Maggiore에서 있었던 부분처럼 풍부한 장식으로 르네상스 건축을 다루는 취향을 발전 시켰습니다. )와 지오 바니 안토니오 아마데오 (Giovanni Antonio Amadeo)의 다른 작품들과 함께 Certosa di Pavia (1491 년부터)의 외관에서 두 번째.

Colleoni 채플은 Brunelleschi의 오래된 성직자를 다시 인수 한 식물과 더불어 condottiere Bartolomeo Colleoni를위한 묘소로 건축되었다. 그 계획은 사실 정사각형이며, 팔각형의 쐐기 모양의 쐐기 모양의 돔과 작은 돔으로 덮인 제단이있는 가려움증이 그 위에 자리 잡고 있습니다. 그러나 구조적 선명도는 회화 적 모티프, 특히 흰색 / 분홍색 / 자주색 3 색과 로젠 지의 모티프를 사용하여 외관상 특히 풍부 해졌습니다.

Gian Galeazzo Visconti가 시작한 1396 년에 시작된 Certosa di Pavia는 15 세기 중반에야 정체되어 오랜 정체와 갑작 스레 오랜 기간 밀라노 제국의 가족의 운명을 따라갔습니다 가속, 예술적 파노라마의 가장 현대적인 제안을 환영합니다. 그들은 원래 Guiniforte와 Giovanni Solari를 차지했는데, 원래의 계획 (3 개의 둥근 천장과 간단한 벽돌 벽돌로 된 라틴 십자가에서의 계획)을 유지하고, 멍청한 부분 만 풍부하게했으며, 클로저 클로저는 transept 무기에서도 반복되었습니다. 화려한 아치형 테라코타로 장식 된 둥근 아치가있는 두 개의 큰 회랑은 오스 페달레 마 죠레 (Ospedale Maggiore)를 연상케하며 인테리어는 밀라노 대성당을 분명하게 인용합니다.

조각
또한 조각에서 기간의 가장 뜻 깊은 건축 위치는 Certosa di Pavia이었다. 파사드의 장식에 관련된 수많은 조각가들이 모두 확인되지는 않았지만 페라라와 브라만테의 영향을 받았습니다. 예를 들어, Cristoforo Mantegazza에 기인 한 조상 퇴학 (약 1475 년)의 구제에서 그래픽 인장, 예리한 각도, 부자연스럽고 불균형 한 인물 스크랩 및 격렬한 chiaroscue와 큰 표현력과 독창성의 결과를 알 수 있습니다. 조반니 안토니오 아마데오 스테이 드 (Giovanni Antonio Amadeoinstead)의 나사로 부활 (약 1474)에서,이 건축물은보다 깊이있는 건축물을 사용하여 건축물의 깊이를 강조하고 다소 윤곽이 새겨 져 있습니다.

Ludovico il Moro (1480-1500)
루 도비 코 일 모로 (Ludovico il Moro) 시절, 15 세기의 지난 20 년 동안 밀라노 제국의 예술적 생산은 연속성과 혁신 사이에서 계속되었습니다. 화려 함과 과시로의 경향은 특히 특별 법정 축하 행사에서 절정에 이르렀습니다.

Urbino와 Florence와 같은 센터에서 각각 온 Donato Bramante (1477 년)와 Leonardo da Vinci (1482 년)와 같은 두 위대한 주인의 도착과 함께, Lombard 문화는 르네상스 감각에서 급진적 인 변화를 겪었지만, 이전 기간의 개통 덕분에 이미 뉴스를받을 준비가 된 토지 덕분입니다. 두 사람은 Lombard 법원에 완벽하게 통합 될 수 있었고, 동시에 활발하고 유익한 교환을 기반으로 예술가와 고객의 관계를 새롭게 할 수있었습니다.

이시기에 기록 된 예술은 롬바드 예술가와 두 명의 외국 혁신가 사이의 상호 영향력을 나타내며, 종종 병행이나 교차를하고있다.

건축물
그의 전임자와 비교하여 루 도비 코 (Ludovico)는 도시의 명성과 결과적으로 그 왕자에 대한 정치적 중요성에 대한 새로운 인식 덕분에 위대한 건축물을 재개하게 만들었다. 주인들 사이의 유익한 교류가 소비 된 가장 중요한 작품들 중에는 본질적으로 밀라노의 두오모 (Duomo) 밀라노의 티비오 (Tiburio) 인 Vigevano의 성 및 광장 인 Pavia 성당이있었습니다. 자극하는 것은 Bramante의 연구에 활력을 불어 넣고 Leonardo를 매료시키고 복잡성이 증가하는 솔루션으로 코드의 페이지를 채우는 중앙 계획이있는 건물에 대한 연구입니다.

때로는 전통적인 스타일이 계속해서 르네상스 시대의 장식적인 풍성함으로 꾸며졌습니다. 이 맛의 주된 업적은 Certosa di Pavia의 외관이었습니다. Giovanni Antonio Amadeo가 1491 년에 시작하여 첫 번째 처마 장식에 도착했으며 Benedetto Briosco가 완성했습니다. 두 개의 겹치는 사각 줄무늬가있는 다소 엄격한 설정은 수직 기둥, 다양한 모양의 개구부, 로지아 및 무엇보다도 다색 대리석으로 된 부조와 모티프로 인해 매우 놀랍습니다.

밀라노의 브란 메테
Bradante가 Ludovico il Moro를 위해 측정 된 최초의 작품들 중에는 San Satiro (1479-1482 년경) 근처의 Santa Maria 교회의 재건축이 있었는데, 중앙 공간의 문제가 이미 나타났습니다. 센트 앤드 레아 델 알베르티 (San’Andrea dell ‘Alberti)의 모델을 연상시키는 도장을 한 거대한 통 모양의 둥근 천장으로 둘러싸인 중앙 본당과 트렌 세프 (transept) 팔 사이에 동일한 진폭으로 3 개의 둥근 천장이있는 길이 방향 몸체가 설계되었습니다. 팔의 교차점에는 뚜렷한 Bramante 모티브가있는 돔이 있지만 전체를 조화 시키려면 capocroce의 폭이 충분하지 않아 위험에 처하게됩니다. capocroce를 확장 할 수 없기 때문에 환상적으로 길쭉한 가짜 장래 탈출구를 만들었습니다 치장 벽토로 깊이 1m 미만의 공간에 환상의 골동품 금고가 있습니다.

Bramante가 자신을 위해 헌신 한 또 다른 주요 프로젝트는 Guiniforte Solari가 완성한 10 편의 작품에도 불구하고 변형 된 Santa Maria delle Grazie 트리뷴의 재구성이었습니다. Moro는 도미니카 성당에 기념비적 인 외모를 부여하고 싶었습니다. 자신의 가족의 매장 장소. 반 암흑에 잠긴 솔라리 (Solari)가 지은 성채는 반구형 돔으로 덮인 팔의 교차점에있는 기념비적 인 트리뷴 (tribune)에 의해 조명을 받았다. Bramante는 또한 두 개의 큰 측면 apses 및 3 분의 1을 합창단과 함께 축사와 함께 축에 추가했습니다. 공간의 질서 정연한 스캐닝은 돔을 은폐하는 티 브리움에서 최고점에 달하는 볼륨의 인터 로킹 (interlocking)

그림
베아트리체 데스테 (Beatrice d’ Este)와의 결혼식에서 루도비코 (Ludovico)는 카스텔로 스 포르 체스 코 (Castello Sforzesco)에서 장식 된 살라 델라 발라 (Sala della Balla)를 사각 광장에서 사용 가능한 모든 롬바드 마스터를 프리셋했다. Bernardino Butinone과 Bernardo Zenale과 같은 주인들과 함께 밀라노에 도착한 중소 규모의 주인공들이 역사적인 예술 연구에 거의 알려지지 않았기 때문에 밀집된 장비와 부자를 신속하게 설치해야했습니다. 정치적 의미에서 그렇지만 광범위한 질적 진동은 클라이언트의 관심사 중 마지막 인 것처럼 보인다.

Bergognone
1488 년과 1495 년 사이에 롬바르디아 화가 인 베르 고 그네 (Bergognone)는 Certosa di Pavia의 장식을 돌 보았다. 그의 작품은 빈첸조 포파 (Finca Foppa)에서 영감을 얻었으나 리구 리안 (Rigurian)의 접촉에 의해 아마 걸러진 강한 플랑드르 (Flemish) 악센트를 보여줍니다. 이 특성은 소위 말하는 Madonna del Certosino (1488 – 1490)와 같이 셀에있는 승려의 헌신을 목표로 한 작은 형식의 테이블에서 특히 분명합니다. 빛의 가치가 조용하고 조금은 불투명 한 색상으로 우세합니다. 나중에 예술가는 chiaroscuro 구절을 강조하고 Leonardo와 Bramante가 도입 한 혁신을 고수하는 진주 색 톤을 버렸다. 성 캐서린의 신비한 결혼 (약 1490 년)에서, 무대 건축은 인물의 물결 모양의 윤곽선이 있음에도 불구하고, 낮아진 관점의 관점을 영리하게 사용하는 것과 관련이있다.

부이 욘과 제 날레
당시의 Lombard 워크샵은 일반적으로 집단 작업 관행에 따라 조직되었으며 점차 현지의 전통을 지닌 하이브리드로 번역 된 가장 현대적인 혁신으로 점차 투자되었습니다. 훌륭한 사례는 Bernardino Butinone과 Bernardo Zenale di Treviglio 간의 연계로, 중요한위원회에서의 작업에서 교사와 학생으로 (아마도 단순히 관련 예술가로서) 각각 협력했을 것입니다. Treviglio 산 마르 티노 (San Martino) 교회의 Polittico di San Martino (1481-1485)에서 조화로운 결과를 향한 개인 스타일의 균질화와 함께 동등한 노동 분업을 보여줍니다. 빈첸조 포파 (Vincenzo Foppa)에서 영감을 얻은 관점 레이아웃은 또한 프레임과 Pala di San Zeno di Mantegna (1457-1459)에서 파생 된 페인트 건축물 사이의 환영을 반영합니다. 피규어가 깔끔하게 비틀어 진 가짜 포르 티코와 그러나 원근법은 엄격한 기하학적 구조가 아닌 광학 편의 수단과 연결되어 있으며 단일 소실점 (San Martino의 중앙 테이블 중심에 위치)으로 수렴하지만 단축 단축의 정확한 비례는 없습니다. 깊이. 화환이나 난간과 같은 요소는 전경과 그 뒤에있는 인물을 향상시키고, 떼 지어 모여 들며, 황금 장식을 사용하는 heritagecourtly gothic와 연결됩니다. 그러나 단축 된 길이의 정확한 비례없이. 화환이나 난간과 같은 요소는 전경과 그 뒤에있는 인물을 향상시키고, 떼 지어 모여 들며, 황금 장식을 사용하는 heritagecourtly gothic와 연결됩니다. 그러나 단축 된 길이의 정확한 비례없이. 화환이나 난간과 같은 요소는 전경과 그 뒤에있는 인물을 향상시키고, 떼 지어 모여 들며, 황금 장식을 사용하는 heritagecourtly gothic와 연결됩니다.

Bramante 화가
Bramante는 화가였으며 밀란의 작가로 Visconti-Panigarola 가족의 소위 남성 인물들과 칼럼에서 그리스도와 함께 유명한 패널 (1480 년경)에 관한 인본주의적인 주제의 벽화를 저술했다. -1490). 후자의 경우 도시 문화에 대한 언급은 분명하다. 고통받는 구세주의 모습이 전경에서 거의 관객과 직접 접촉하고, 벌거 벗은 몸통과 고전적인 모델을 가지고있다. 특히 머리카락과 턱수염의 빨강과 파랑 빛에서 세세한 세부 묘사와 빛나는 반사에서.

레오나르도 다빈치의 첫 번째 숙박
Bramante와 마찬가지로 Leonardo da Vinci조차도 Sforza가 추진 한 활력있는 정책의 취업 기회에 의해 Lombardy에 매료되었습니다. 1482 년의 유명한 자기 발표 편지에서 예술가는 군대 및 토목 공학에서부터 유압학, 음악 및 예술에 이르기까지 ( “평화의시기에”행사 될 마지막 인용문) 자신의 능력을 열 가지로 열거했습니다.

그러나 처음에는 레오나르도가 자신의 과학적 관심사를 키우는 데 헌신하고 (다수의 코드는이 유익한시기로 거슬러 올라간다) 공산당에서 첫 번째 중요한위원회를 받았다. 그는 1483 년 그와 그의 형제 드 프레디 스 (San Francesco Grande)의 파괴 된 교회에서 그들의 제단에서 전시 될 삼부작을 물어 보았다. 레오나르도 (Leonardo)는 피라미드에 피규어가 놓여 있고, 기념비가 강하고, 외모와 제스처가 원형으로 움직이는 독창적 인 작품 인 Virgin of the Rocks의 중앙 테이블을 그렸습니다. 이 장면은 그늘진 동굴에 놓여 있습니다. 빛이 반사광과 착색 된 그림자 사이의 아주 미세한 변화로 바위의 개구부를 통해 필터링되며,

마침내 스포르차 (Sforza)의 원형에 들어선 레오나르도 (Leonardo)는 오랫동안 빛을 보지 못했던 승마 거상의 건설에 오랫동안 참여했습니다. 1494 년 루 도비 코 일 모로 (Ludovico il Moro)는 1498 년 레오나르도가 마지막 만찬을 만든 산타 마리아 델레 그라지 (Santa Maria del Grazie)의 작은 벽의 장식을 그에게 할당했다. 피렌체의 마기 걸린 (Magipainted)의 숭배와 마찬가지로 예술가는 깊은 의미를 조사했다 사도들 중 한 사람에 의한 배반에 관한 그리스도의 선포에 대한 반응과 “영혼의 움직임”을 연구하는 복음 에피소드의 내용. 감정은 장면의 한쪽 끝에서 다른 쪽 끝까지 사도들 사이에 격렬하게 퍼져서 인물들의 전통적인 대칭적인 정렬을 압도하고 3 대 3으로 묶었습니다. 그리스도는 중심부에서 고립되어 있었고 (육체적으로나 정신적으로 고독한) 배경과 원근감 상자의 밝은 구멍을 골라내는 것에도 감사드립니다. 실재 공간과 칠해진 공간은 사실상 환상적으로 연결되어 있습니다. 관람객의 실제 모습과 비슷한 빛을 사용하여, Bramante가 그 시대의 건축물에서 경험했던 것과 비슷한 절차를 통해 탁월한 관람객이 등장합니다.

벽의 취소와 비슷한 원리가 수도원 모티프의 엇갈린면으로 덮인 카스텔로 스 포르 체스 코 (Castello Sforzesco)의 살라 델레 아세 (Sala delle Asse) 장식에도 적용되었습니다.

일련의 초상화는 밀라노 법원에 거슬러 올라간다. 그 중에서 가장 유명한 것은 Ermine (1488-1490)과 함께있는 Lady이다. 거의 확실하게 모로 세실리아 갈레 라니 (Moro Cecilia Gallerani)의 가장 좋아하는 이미지인데, 직접적인 빛에 휩싸인 그의 이미지는 흉상과 머리가 나선형으로 움직여서 어두운 배경에서 나오며 여성의 은총을 강화하고 단단한 세팅으로 확실히 깨집니다. 15 세기 “인문주의”초상화의

16 세기 초반
Ludovico il Moro의 몰락으로 인해 예술가의 디아스포라에 대한 모든 예술적 커미션이 갑자기 중단되었습니다. 그럼에도 불구하고, 회복은 비교적 빨랐으며, 밀라노와 연결된 지역의 분위기는 여전히 활발하게 유지되었습니다. 주요 사건은 1501 년 1513 년까지 레오나르도 다 빈치가 돌아온 사건입니다.

1525 년 파비아 전투가 있기 전까지 밀라노 공국 영토 내의 정치 상황은 수많은 무력 충돌로 불확실성을 지니고 스페인의 우세가 인정되었다.

레오나르도의 두 번째 숙박
그것은 1506 년부터 Leonardo가 루이 12 세의 일원으로 입국 한 것을 요구 한 Charles de Amboise와 같은 프랑스 총독이었습니다. 이듬해 1508 년 7 월부터 밀라노로 돌아 오는 것을 마침내 약속 한 레오나르도를 요구 한 것은 바로 왕 자신이었습니다. 밀라노에서의 두 번째 체류는 매우 격렬한시기였습니다. 그는 Sant’Anna, Virgin 및 Child를 버즈 오브 록스의 두 번째 버전 인 드 프레디 스 (De Predis)와의 협력을 통해 완성 된 어린 양은 지질 학적 문제, 수로 및 도시 계획을 돌 보았다. 그 중에서도 그는 프랑스의 도시 정복을 설계 한 Gian Giacomo Trivulzio를 기리며 승마 동상을위한 프로젝트를 연구했습니다.

Leonardesques
레오나르도 (Leonardo)가 제작 한 저명한 사례는 많은 학생들 (직접 및 간접), 즉 “레오나르도”(Boltraffio, Andrea Solario, Cesare da Sesto 및 Bernardino Luini)가 수집 한 것입니다. 따라서 세기 초에 레오나르도 스타일과 연결된 공작령의 조화가있었습니다.

이 예술가의 한계는 재능이 있지만 주인의 스타일을 결정하거나 자신의 스타일을 극복 할 수있는 능력을 갖추지 못한 채 결정을 내 렸습니다. 이 화가들의 가장 중요한 장점은 베니스의 조반니 아고 스 티노 다 로디 (Giovanni Agostino da Lodi)와 이태리 남부와 로마의 체사레 다 세 스토 (Cesare da Sesto) [18]와 같이 자신의 여행을 통해 레오나르도의 혁신적인 스타일을 그 통로에서 벗어난 지역에서도 널리 퍼뜨린 것입니다.

가장 잘 알려진 그룹은 베르나르 디노 루니 (Bernardino Luini)인데 베르나르 디노 루이니 (Bernardino Luini)는 리오나르도 (Leonardo)의 예를 몇 가지 작품, 특히 나무 위의 작품에서만 고집합니다. 산 안나 (Sant’Anna), 버진 (Virgin), 아이 (Leonardo) 작은 어린 양. 세기의 세 번째 십년 동안 베네치아 작품들과의 만남과 개인 성숙은 밀라노의 마 죠레 수도원에서 열린 San Maurizio 교회에서와 마찬가지로 유쾌한 서사적 정맥으로 프레스코 화의 순환에서 중요한 결과를 이룰 수있었습니다. 사로 노 (Saronno)의 마돈나 데이 미라 콜리 (Madonna dei Miracoli), 루가노의 산타 마리아 데 글리 안젤리 (Santa Maria degli Angeli) 또한 Monza 근처의 Pelucca (현재 Pinacoteca di Brera에서)의 Villa Rabia에있는 인본주의적인 사이클이 흥미 롭습니다.

브란 티노
지배적 인 Leonardesque 작풍에 유일한 주목할만한 예외는 Bramanteino로 알려져있는 Bartolomeo Suardi의 활동 그가 Bramante 학교에 훈련하기 때문에이었다. 그의 작품은 형태의 기하학적 단순화, 차가운 색채, 그래픽 기호 및 감정의 애처로운 억양과 함께 기념비적 인 훌륭한 금욕 생활을합니다.

세기 초반에 그의 작품은 확고한 시각을 보여준 다음 Thyssen-Bornemisza Museum의 고통스런 그리스도와 같이 더 명쾌하게 경건한 주제에 집중합니다. 그는 밀라노 총독 인 지안 지아코모 트리 발치 오 (Gian Giacomo Trivulzio)의 호의를 받았으며, 그의 작품이 라파엘로를위한 공간을 만들기 위해 곧 파괴되었지만, 줄리오 2 세가 바티칸 룸을 장식하라고 명령 한 1508 년에 명성의 절정에 이르렀다.

로마에서 그는 브레라의 십자가 처형이나 피나 코 테카 암브로시 아나의 마돈나 델레 토리 (Torri)와 같은 그의 귀환에 관한 작품에서 볼 수 있듯이, 건축에 의해 장식 된 장면을위한 취향을 개발했습니다. 위대한 명성은 Trivulzio에 의해 위임 된 달과 함께 태피스트리의주기를위한 만화의 창조에 의해 수집되었고 플레 미쉬의 사용없이 이탈리아에서 생산 된 태피스트리 사이클의 첫 번째 예인 Vigevano 제조소에 의해 1504 년에서 1509 년 사이에 실행되었습니다 노동자들. 20 대 초반에 그의 스타일은 Gaudenzio Ferrari와의 접촉에서 더욱 발전되어, Locarno 인근의 Orselina에있는 Madonna del Sasso의 성역을 이집트로 비행하는 풍경에서 볼 수있는 현실주의를 강조하게했습니다 ( 1520-1522).

가우 덴 지오 페라리
로마에서 Bramantino의 가능성이있는 가우 덴 지오 페라리 (Gaudenzio Ferrari)는 16 세기 초기의 롬바르드 (Lombard) 장면의 또 다른 위대한 주인공이었다. 그의 훈련은 15 세기 후반의 롬바드 대가 (Foppa, Zenale, Bramante, 특히 Leonardo)의 예를 기반으로 하였지만, Perugino, Raphael (Stanza della Segnatura 시대부터), Dürer, 판화를 통해 알려졌다.

이러한 모든 자극은 Varallo (1513)의 Santa Maria delle Grazie 교회의 거대한 가로 벽에있는 그리스도 이야기의 벽화와 같은 장대 한 작품에서 결합됩니다. 그 성공은 화가이자 조각가로서의 헌신을 보장합니다. 초기 복합 단지 인 성산에서 그는 1517 년부터 1528 년까지 열심히 일했습니다.

그 후 30 대에 Vercelli (San Cristoforo 교회의 Magdalene 이야기와 Virgin의 이야기)와 Saronno (기적의 축복받은 성모의 성소 천막에있는 음악가들의 영광)에서 일했습니다. 그의 경력은 밀라노에서 끝났습니다.

베르 가모와 브레시아
16 세기 초반 베르 가모와 브레시아의 국경 마을은 외국 화가, 특히 베네치아 인들에게 우선적으로 중요성을 두는 현지 주인들의 충동에 따라 주목할만한 예술적 발전의 혜택을 얻었습니다. Serenissima 영토의 마지막 전초 기지는 밀라노 또는 베니스에서 두 번째 도시가 번갈아 가며 진행되는 두 번째 도시이며 인접한 곳과 예술 분야의 일부 기능에 의해 결합되어 있습니다.

이 지역의 르네상스는 밀란의 지배적 인 레오나르드에서 자발적으로 떠난 빈첸조 포파 (Vincenzo Foppa)와 같은 예술가들의 체류와 함께 16 세기의 두 번째 10 년 중반에 도달했습니다. 베르가 모에서는 Gaudenzio Ferrari와 특히 Lorenzo Lotto (1513 년부터)가 거기에 정착하면서 품질의 도약이 일어났습니다. 후자는 문화적이며 부유 한 고객의 지원을 받아 매우 밝은 팔레트, 때로는 부도덕 한 구성상의 자유와 긴장된 심리 특성으로 작품을 특징 짓는 한반도의 가장 중요한 중심에서 지배적 인 언어로부터 자유로운 차원을 발전시킬 수있었습니다 캐릭터의 마틴 넨 고 (Martinengo) 나 샌 버나 디노 (San Bernardino)와 같은 커다란 칼날과 더불어 도상 신화의 벽화의 사이클 외에도,

브레시아에서 1522 년 티치 아노 (Tiziano)가 폴리 빈치 아 베르 돌 디 (Polyptych Averoldi)를 만나면 롬바르디아와 베네치아의 문화적 뿌리를 융합시킴으로써 한반도의 예술적 전경에서 매우 독창적 인 결과를 얻은 현지 화가들과 거의 동시대에 “라” Romanino, Moretto 및 Savoldo가 있습니다.

16 세기 후반
세기 후반부에는 카를로 보로메오 (Carlo Borromeo)와 반혁명 (Counter-Reformation)이 자리 잡고 있습니다. 1564 년에 대주교는 건축과 예술에 대한 “지침”을 부르고 Pellegrino Tibaldi에서 그의 지침에 대한 최고의 통역자를 찾았습니다.

16 세기 후반 롬바르드 (Lombard)의 주요 인물은 최초의 화가 인 Giovan Paolo Lomazzo이며 실명 후에는 논문입니다. 지역 전통을 높이는 그의 작업은 Vasari의 “tosco-centrism”에 대한 답으로 나타나며 그는 예술 표현과 특이한 주제에주의를 환기시켰다.