데코라고도하는 아르 데코는 1 차 대전 직전에 프랑스에서 최초로 등장한 시각 예술, 건축 및 디자인 스타일입니다. 아트 데코는 건물, 가구, 보석, 패션, 자동차, 영화관, 기차 디자인에 영향을 미쳤습니다. , 해양 라이너 및 라디오 및 진공 청소기와 같은 일상 물체가 포함됩니다. 1925 년 파리에서 개최 된 Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (국제 장식 현대 예술 전시회)에서 예술 데코 라티프 (Art Décoratifs)의 약자로 불리는이 이름은 모더니스트 스타일을 훌륭한 장인 정신과 풍부한 재료로 결합했습니다. 전성기 동안, 아르 데코는 사치, 매력, 열정, 사회 및 기술 진보에 대한 신념을 나타 냈습니다.

1920 년대와 1930 년대 유럽과 미국에서 널리 보급 된 장식 예술 양식에 적용되는 기술 용어. Exposition Internationale des에서 인기있는 스타일에서 파생되었습니다. 1925 년 파리에서 개최 된 Arts Décoratifs et Industriels Modernes는 20 세기 초의 장식 예술에 대한 관심이 다시 부활했던 1960 년대 후반 이후로만 사용되었습니다. 그 이후 ‘아트 데코’라는 용어는 전쟁 기간 동안 생산 된 다양한 작품과 독일 바우 하우스 (Bauhaus)의 작품까지도 포함됩니다. 그러나 아르 데코는 근본적으로 프랑스 출신 이었기 때문에이 용어는 프랑스 저작물과 프랑스가 직접적으로 영향을받은 국가의 예술 작품에만 적용되어야합니다.

아르 데코는 여러 가지 스타일의 조각 술이었고 때로는 모순이었고 현대적인 욕망으로 단합되었습니다. 처음부터 아르 데코는 대담한 기하학적 형태의 큐비즘에 영향을 받았다. Fauvism과 Ballets Russes의 밝은 색; 루이 필립 (Louis Philippe)과 루이 16 세 (Louis XVI) 시대의 가구에 대한 업데이트 된 장인 정신. 중국, 일본, 인도, 페르시아, 고대 이집트 및 마야 예술의 이국적인 스타일. 그것은 흑단과 상아와 같은 희귀하고 값 비싼 재료와 절묘한 장인 정신을 특징으로했습니다. 크라이슬러 빌딩과 1920 년대와 1930 년대에 지어진 뉴욕의 다른 고층 빌딩들은 아르 데코 양식의 기념물입니다.

1930 년대 대공황 당시, 아르 데코 스타일은 더욱 정복되었습니다. 크롬 도금, 스테인레스 스틸 및 플라스틱을 포함한 새로운 재료가 도착했습니다. Streamline Moderne이라고 불리는 세련된 스타일의 스타일이 1930 년대에 나타났습니다. 그것은 커브 형태와 매끄럽고 연마 된 표면을 특징으로했습니다. 아르 데코는 최초의 진정한 국제 스타일 중 하나이지만, 제 2 차 세계 대전의 시작과 엄격하게 기능적이고 꾸밈없는 스타일의 모더니즘과 국제 건축 양식의 등장으로 그 지배력은 끝났습니다.

이름 지정
아르 데코는 1925 년 파리에서 개최 된 Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes에서 Art Deco라는 명칭을 붙 였지만 Art Deco를 특징 짓는 다양한 스타일은 이미 제 1 차 세계 대전 이전에 파리와 브뤼셀에서 출품되었습니다.

Arts décoratifs라는 용어는 1858 년 프랑스에서 처음 사용되었습니다. Bulletin de la Société française de photographie에 게시되었습니다.

1868 년 르 피가로 (Le Figaro) 신문은 오페라 극장 (Théâtre de l’ Opéra)을 위해 만들어진 무대 풍경을위한 오브제와 관련하여 ‘오브제 데 아트 데코 라티프 (objets d’ art décoratifs)’라는 용어를 사용했습니다.

1875 년 가구 디자이너, 섬유, 보석 및 유리 디자이너 및 기타 장인들이 공식적으로 프랑스 정부의 예술가 자격을 부여 받았다. 이에 따라 1766 년 루이 16 세 (King Louis Lu XVI)에 의해 창립 된 École royale gratuite de dessin (Royal Free School of Design)은 예술과 관련된 공예가와 장인을 양성하기 위해 National Arts School of Decorative Arts (l’ École nationale des arts 데코레이션). 그것은 1927 년에 ENSAD (에콜 국립 예술가 협회)의 현재 이름을 사용했습니다.

1925 년 박람회에서 건축가 르 코르뷔지에 (Le Corbusier)는 “1925 Expo : Arts Déco”란 제목으로 L ‘Esprit Nouveau라는 잡지에 대한 전시회에 대한 일련의 기사를 집필하여 “L’ art décoratif d’ aujourd” 후이 “(장식 미술 오늘). 이 책은 박람회에서 다채롭고 호화로운 물건의 과도한 부분에 대한 강렬한 공격이었습니다. 그리고 가구와 같은 실용적인 물건에는 전혀 장식이 있어야한다는 생각에. 그의 결론은 “현대 장식은 장식이 없다”는 것이다.

Le Corbusier가 기사와 책에서 사용했던 속기 제목 인 “Arts Deco”는 1966 년 Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau라고 불리는이 주제에 대한 최초의 현대 전시 제목으로 채택되었습니다. 1920 년대와 1930 년대의 주요 스타일의 아르 데코 (Art déco)라는 용어는 1966 년 11 월 12 일 런던의 힐러리 겔슨 (Hillary Gelson)이 1966 년에 발표 한 신문 기사에서 전시물의 다양한 스타일을 설명하는 데 사용되었습니다.

역사가 Bevis Hillier가 20 세기와 30 년대의 아트 데코 스타일에 대한 최초의 주요 학술지를 출간했을 때 아트 데코는 1968 년에 광범위하게 적용되는 문체 라벨로서 통화를 획득했습니다. 힐리 어는이 용어가 이미 예술 상인들에 의해 사용되고 있었고, The Times (1966 년 11 월 2 일)와 Elle 지 (1967 년 11 월)의 “Les Arts Déco”라는 에세이를 이전 사용 사례로 인용했다. 1971 년, Hillier는 Minneapolis Institute of Arts에서 전시회를 주최했으며, 그의 저서 ‘The World of Art Deco’에서 자세히 설명합니다.

태생

장식 예술가 협회 (1901-1913)
아르 데코의 출현은 19 세기 후반까지 단순히 장인으로 간주되었던 장식 예술가의 지위 상승과 밀접하게 관련되어있었습니다. “Arts décoratifs”라는 용어는 1875 년에 발명되어 가구, 직물 및 기타 장식의 공식 지위를 디자이너에게 부여합니다. Société des artistes décorateurs (장식 예술가 협회), 또는 SAD는 1901 년에 설립되었으며, 장식 예술가에게는 화가 및 조각가와 같은 저작자의 권리가 부여되었습니다. 비슷한 움직임이 이탈리아에서 발생했습니다. 1902 년 이탈리아 토리노에서 장식 예술에 전적으로 헌정 된 최초의 국제 전시회 인 토포 (Artisizione international d’ d’ Arte)의 장식 모던 아가 개최되었습니다. Arts et décoration과 L’ Art décoratif moderne를 비롯하여 장식 예술에 대한 몇 가지 새로운 잡지가 파리에서 창설되었습니다. 장식 예술 섹션은 Sociéte des artistes français의 연례 살롱에 소개되었으며 나중에 Salon d’ automne에서 소개되었습니다. 프랑스 민족주의 또한 장식 예술의 부활에 기여했다. 프랑스 디자이너들은 덜 비싼 독일 가구의 수출 증가로 인해 어려움을 겪었습니다. 1911 년, SAD는 1912 년에 장식 예술의 새로운 국제 박람회를 개최 할 것을 제안했습니다. 이전 스타일의 사본은 허용 될 수 없습니다. 현대 작품 만. 전시회는 1914 년까지 연기되었으며, 전쟁으로 인해 1925 년까지 연기되어 데코 (Déco)로 알려진 모든 가족 스타일에 이름을 올렸습니다.

파리 백화점과 패션 디자이너 또한 아트 데코의 부상에서 중요한 역할을했습니다. 수하물 제조 회사 인 루이비통,은 제품 회사 인 Christofle, 유리 디자이너 René Lalique, 보석상 인 Louis Cartier 및 Boucheron 등이 모두 현대적인 스타일의 제품을 디자인하기 시작했습니다. 백화점은 1900 년부터 디자인 스튜디오에서 일하기 위해 장식용 아티스트를 모집했습니다. 1912 년 Salon d’ Automne의 장식은 백화점 인 Printemps에 위임되었습니다. 같은 해 Printemps는 “Primavera”라는 워크샵을 만들었습니다. 1920 년 프리마 베라는 300 명이 넘는 예술가를 고용했습니다. 스타일은 루이 14 세, 루이 16 세, 특히 Louis Süe가 제작 한 루이 필립 가구와 프리마 베라 워크샵의 업데이트 된 버전에서부터 Au Louvre 백화점의 워크숍의보다 현대적인 양식까지 다양했습니다. Émile-Jacques Ruhlmann과 Paul Foliot를 비롯한 다른 디자이너들은 대량 생산을 거부하고 각 조각을 손으로 직접 만들어야한다고 주장했습니다. 초기 아르 데코 양식은 흑단, 상아 및 실크와 같은 고급스럽고 이국적인 소재, 매우 밝은 색상과 스타일이 지정된 모티프, 특히 모든 색상의 꽃 바구니와 부케를 모더니스트 스타일로 표현했습니다.

샹젤리제 거리 (1910-1913)
Auguste Perret의 Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)는 파리에서 완성 된 최초의 상징적 인 아르 데코 건물이었습니다. 이전에는 철근 콘크리트가 산업 및 아파트 건물에만 사용되었으며 Perret는 1903 년에서 04 년에 파리의 벤자민 프랭클린 (Benjamin Franklin) 거리에 최초의 현대 철근 콘크리트 아파트 건물을 건설했습니다. 다른 중요한 아트 데코 건축가 인 앙리 소비 바지 (Andri Sauvage)는 1904 년 7 rue Trétaigne (1904)에서 또 다른 건축물을 건축했습니다. 1908 년부터 1910 년까지 21 세의 르 코르뷔지에 (Le Corbusier)는 콘크리트 건축 기술을 배우면서 페렛의 사무실에서 기안자로 일했습니다. Perret의 건물은 깨끗한 직사각형 형태, 기하학 장식 및 직선, Art Deco의 미래 상표였습니다. 극장의 장식도 혁명적이었습니다. 외관은 Antoine Bourdelle의 Art Deco 조각상, Maurice Denis의 돔, Édouard Vuillard의 그림, Art Deco 커튼 Ker-Xavier Roussel로 장식되었습니다. 극장은 Ballets Russes의 첫 공연의 많은 장소로 유명해졌습니다. Perret and Sauvage는 1920 년대 파리의 아트 데코 건축가가되었습니다.

Salon d’ Automne (1912-1913)
1910 년과 1914 년 사이에 탄생 한 아트 데코는 가구 장식품, 카펫, 스크린, 벽지 및 직물에 자주 등장하는 꽃 무늬 디자인의 밝은 색상과 종종 충돌하는 색상을 특징으로하는 색상의 폭발물이었습니다. Maurice Dufrene의 의자와 탁자, Paul Follot의 밝은 고블린 카펫을 비롯한 다양한 화려한 작품이 1912 년 Salon des artistes décorateurs에서 상영되었습니다. 1912-1913 년 디자이너 Alfred Karbowsky는 미술 수집가 Jacques Doucet의 사냥 여관 용 앵무새 디자인으로 꽃 의자를 만들었습니다. 가구 디자이너 Louis Süe와 André Mare는 화려한 직물을 흑단과 상아 등의 이국적인 고가의 재료와 결합시킨 아뜨리에 프랑세즈의 이름으로 1912 년 전시회에 첫 모습을 보였습니다. 제 1 차 세계 대전 후에 그들은 프랑스의 대서양 라이너의 일류 살롱과 캐빈을위한 가구를 생산하는 프랑스의 가장 유명한 인테리어 디자인 회사 중 하나가되었습니다.

아르 데코의 생생한 컬러는 1 차 세계 대전 직전에 파리에서 센세이션을 일으킨 Lelets Bakst의 이국적인 세트 디자인을 비롯한 여러 출처에서 나왔습니다. 일부 색상은 Henri가 이끄는 초기 Fauvism 운동에서 영감을 받았습니다 마티스; 소니아 델라 네이 (Sonia Delaunay)와 같은 화가들의 오르 뿌즘 (Orphism)에 의한 다른 작품들; 나비스 (Nabis)로 알려진 운동에 의한 다른 것들과 벽난로 스크린과 다른 장식물을 디자인 한 상징주의 화가 Odilon Redon의 작품에서. 밝은 색상은 아르 데코 패션과 인테리어 디자인에 모두 영향을 준 패션 디자이너 Paul Poiret의 작품의 특징이었습니다.

큐비 스트 하우스 (1912)
큐비즘 (Cubism)으로 알려진 예술 스타일은 1907 년에서 1912 년 사이 프랑스에서 나타나 아르 데코의 발전에 영향을 미쳤습니다. 폴 세잔 (Paul Cézanne)의 영향을받은 큐 비스트 (Cubist)는 실린더, 구체, 콘 (cone) 등 기하학적 요소에 대한 형태의 단순화에 관심을 보였다.

1912 년에, d’ d’ Or의 예술가들은 피카소와 Braque의 분석적인 입체주의보다는 일반 대중에게 상당히 접근하기 쉬운 작품을 전시했다. 입체파 어휘는 패션, 가구 및 실내 디자이너를 유치하려고 태어났습니다.

André Vera의 1912 년 저서에서. L’ Art décoratif 저널에 실린 Le Nouveau 스타일은 아르누보 양식 (비대칭, 다색 및 그림 같은)의 거부를 표명하고 단순한 volontaire, symétrie manifeste, l’ ordre et l’ harmonie, 결국에는 아트 데코 내에서 일반적인; 시간이 지남에 따라 데코 스타일은 종종 매우 화려하고 단순합니다.

1912 년 Salon d’ Automne의 Art Décoratif 섹션에는 La Maison Cubiste라는 건축물이 전시되었습니다. 외관은 Raymond Duchamp-Villon에 의해 디자인되었습니다. 집 장식은 1912 년 Atlelier Français라는 회사를 결성 한 Louis Süe와 André Mare의 회사가 맡았습니다. La Maison Cubiste는 외관, 계단, 단철 난간 동자, 침실, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger 및 Roger de La Fresnaye의 그림이 달린 살롱 부르주아 (Salon Bourgeois). 살롱에서 수천 명의 관중이 본격적인 모델을 통과했습니다.

Duchamp-Villon에 의해 디자인 된 집의 외관은 현대 표준에 의해 매우 과격하지 않았습니다. 상인방과 페디먼트는 프리즘 모양 이었지만 그렇지 않은 경우에는 그 시대의 평범한 집과 닮았습니다. 객실은 Mare가 네오 루이 (Neo-Louis) 16 세 및 루이 필립 (Louis-Philippe) 스타일의 의자 및 소파로 장식했으며, 소파와 입체파 그림을 함께 담을 수있는 다양한 각도로 업데이트 된 소파가 있습니다. 비평가 인 에밀 세데 인 (Emile Sedeyn)은 잡지 Art & Décoration에서 Mare의 작품에 대해 다음과 같이 설명했다. “그는 그가 어디 에나 꽃을 뿌리므로 심플함에 당황하지 않습니다. 그가 찾는 효과는 분명히 그림과 화려 함 중 하나입니다. 입체파 요소는 그림에 의해 제공되었습니다. 그것의 참기에도 불구하고, 설치는 그것의 성공을 위해 도운 극단적으로 과격한 것과 같이 몇몇 비평가에 의해 공격되었다. 이 건축물 설치는 1913 년 Armory Show, 뉴욕, 시카고 및 보스턴에서 전시되었습니다. 이 전시회에 크게 감사 드리며, “입체파”라는 용어는 여성의 이발에서부터 의상 공연, 연극 공연에 이르기까지 현대에 적용되기 시작했습니다.

Deco가 많은 다른 방향으로 나뉘었을 때조차도 Cubist 스타일은 Art Deco에서 계속되었습니다. 1927 년 큐브스트 조셉 Csaky, 자크 Lipchitz, 루이 Marcoussis, 앙리 로렌스, 조각가 구스타브 Miklos, 그리고 다른 사람은 건축가 폴 Ruaud에 의해 설계된 스튜디오 하우스, 후회 생 제임스, Neuilly- 쉬르 – 센느의 장식에 협력하고 프랑스 패션 디자이너 Jacques Doucet이 소유하고 있습니다. Henri Matisse의 Post-Impressionist 아트와 큐비 스트 페인팅 (피카소의 스튜디오에서 직접 구입 한 Les Demoiselles d’ Avignon 포함)의 수집가이기도합니다. Laurens는 분수를 디자인했고 Csaky는 Doucet의 계단을 설계했으며 Lipchitz는 벽난로 벽을 만들고 Marcoussis는 입방체 깔개를 만들었습니다.

입체파 예술가들 외에도 Doucet은 다른 Deco 인테리어 디자이너들을 데리고 장식을 조직 한 Pierre Legrain과 Paul Iribe, Marcel Coard, André Groult, Eileen Grey, Rose Adler 등의 가구를 제공했습니다. . 장식은 아프리카 예술에서 영감을 얻은 마카 사 흑단으로 만든 거대한 조각과 모로코 가죽, 악어 가죽과 뱀 가죽으로 덮힌 가구 및 아프리카 디자인에서 가져온 패턴을 포함합니다.

영향
아르 데코는 하나의 스타일이 아니었지만 때로는 모순 된 스타일이 모여있었습니다. 건축술에서, 아트 데코는 1895 년과 1900 년 사이에 유럽에서 번성했던 스타일 인 아르누보 (Art Nouveau)에 대한 후계자이자 반응이었습니다. 그리고 유럽과 미국 건축에서 우세했던 보 예술과 신고전주의를 점차적으로 대체했습니다. 1905 년 유진 잔디 세트 (Eugène Grasset)는 Éléments Rectilignes의 작곡가 작곡가 인 Méthode de Composition Ornementale을 썼으며, 기하학적 요소, 형태, 모티프 및 그 변형의 장식적인 (장식적인)면을 체계적으로 탐구했다. 몇 년 전 파리에서 인기가 많은 헥터 가이 마드 (Hector Guimard)의 누보 (Nouveau) 스타일. Grasset은 삼각형과 사각형과 같은 다양한 간단한 기하학적 모양이 모든 구성 준비의 기본이라고 주장했습니다. 오귀스트 페레 (Auguste Perret)와 앙리 소비 바지 (Henri Sauvage), 특히 샹젤리제 극장 (Theater des Champs-Elysees)의 철근 콘크리트 건물은 전 세계적으로 복사 된 새로운 형태의 건축 및 장식을 제공했습니다.

장식에서는 많은 다양한 스타일이 빌려와 아르 데코에 의해 사용되었습니다. 전 세계에서 온 근대 전 (前) 현대 미술을 비롯하여 루브르 박물관 (Musée du Louvre), 로망 박물관 (Musée de l’ Homme) 및 프랑스 국립 예술당 (Afrique et d’ Océanie)에서 관측 가능합니다. 폼페이 (Pompeii), 트로이 (Troy)의 발굴과 18 세기 파라오 투탄카멘 (Pharaoh Tutankhamun)의 무덤으로 인해 고고학에 인기가있었습니다. 예술가와 디자이너는 고대 이집트, 메소포타미아, 그리스, 로마, 아시아, 메소 아메리카 및 오세아니아에서 기계 시대 요소를 모티프로 통합했습니다.

빌린 다른 스타일로는 러시아의 Constructivism과 Italian Futurism, Orphism, Functionalism, Modernism 등이 있습니다. 아르 데코는 또한 아트 데코 텍스타일, 벽지 및 페인트 도자기 디자인에 영감을 불어 넣은 앙리 마티스 (Henri Matisse)와 안드레 드라 인 (André Derain)의 작품에서 파비 샴 (Fauvism)의 충돌 색상과 디자인을 사용했습니다. 기하학적 디자인, 쉐브론, 지그재그, 꽃 모양의 꽃다발을 주제로 한이시기의 하이 패션 어휘에서 아이디어를 얻었습니다. 그것은 이집트학의 발견과 동양과 아프리카 예술에 대한 관심 증가에 영향을 받았다. 1925 년 이후로 비행선, 자동차 및 해양 라이너와 같은 새로운 기계에 대한 열정에 영감을받은 경우가 많았으며 1930 년이 흐름에 따라 현대화라는 스타일이 탄생했습니다.

고급 스러움과 근대성의 스타일
아르 데코는 럭셔리와 모던리티와 관련이 있습니다. 그것은 매우 비싼 재료와 절묘한 장인 정신을 현대적 형태로 결합했습니다. 아르 데코에 대해서는 값이 쌌습니다. 상아 및은 상감 세공품과 아르 데코 보석류가 다이아몬드와 백금, 옥 및 기타 귀중한 재료가 결합 된 가구가 포함되어 있습니다. 스타일은 바다 라이너, 디럭스 기차 및 고층 건물의 일류 살롱을 장식하는 데 사용되었습니다. 그것은 1920 년대 후반과 1930 년대의 위대한 영화 궁전을 꾸미기 위해 전 세계에서 사용되었습니다. 나중에, 대공황 후에, 작풍은 변화하고 더 냉담하게되었다.

아트 데코의 호화로운 스타일의 좋은 예는 1922 ~ 25 년 사이에 제작 된 Armand-Albert Ratau (1882-1938)가 디자인 한 패션 디자이너 Jeanne Lanvin의 내실입니다. 그것은 1965 년에 철거 된 16 Rue Barbet de Jouy에있는 그녀의 집에 위치해있었습니다.이 방은 파리의 장식 미술관에서 재구성되었습니다. 벽은 치장 용 벽토에 조각 된 밑받침 아래에 성형 된 램 비스로 덮여 있습니다. 골방에는 대리석 기둥이 있고 기둥이 있고 기둥이 조각되어 있습니다. 바닥은 흰색과 검은 색 대리석으로되어 있고 캐비닛에는 장식용 물체가 파란색 실크의 배경에 표시됩니다. 그녀의 욕실에는 sienna 대리석으로 만든 욕조와 세면대가 있었고 조각 된 치장 벽토와 청동 장식으로되어 있습니다.

1928 년이되면 가죽 클럽 의자가 더 깊어 져서 스타일이 더욱 편안해졌습니다. 1928-30 년 브루클린 박물관 (Brooklyn Museum)에있는 미국 사업가에게 알라 빈 (Alavoine)이라는 파리 사무소가 디자인 한 연구는 독특한 미국적인 특징을 가지고있었습니다. 금주의 금지 기간에 지어 졌기 때문에 알코올을 제공하는 것이 금지되어 있었으며, 패널 뒤에 비밀 바가 숨겨져있었습니다.

1930 년대에이 스타일은 다소 단순화되었지만 여전히 사치 스러웠습니다. 1932 년 데코레이터 Paul Ruoud가 Suzanne Talbot의 Glass Salon을 만들었습니다. 그것은 은색과 흑색 래커의 추상적 인 패턴의 패널, 그리고 동물 가죽의 구색, 은색 유리 슬라브의 바닥, 아일린 그레이의 뱀 모양의 안락 의자와 두 개의 관 모양의 안락 의자를 특징으로했습니다.

현대 장식 및 공예품 국제 전시회 (1925)
스타일의 정점을 표시하고 그 이름을 부여한 행사는 1925 년 4 월에서 10 월까지 파리에서 열린 현대 장식 및 공예품 전시회였습니다. 이것은 프랑스 정부가 공식 후원했으며, 오른쪽 은행의 그랜드 팔레 (Grand Palais)에서 레 뱅크 (Left Invalides)에 이르는 앙코르 (Isleides)와 세느 (Seine) 강둑을 따라 55 에이커의 파리. 도시의 가장 큰 홀인 그랜드 팔레 (Grand Palais)는 참가국의 장식 예술품으로 가득했습니다. 영국, 이탈리아, 스페인, 폴란드, 체코 슬로바키아, 벨기에, 일본, 새로운 소비에트 연방 등 20 개국 15,000 명의 전시 업체가 있었지만 전쟁과 미국의 긴장 때문에 독일을 초청하지는 않았고 목적을 오해 하였다. 전시회 참가가 거부되었습니다. 그것의 7 달 달리는 도중 16 백만인에 의해 방문되었다. 전시회의 규칙은 모든 작업이 현대적이어야한다고 요구했다. 역사적인 스타일은 허용되지 않았습니다. 전시회의 주 목적은 고급 가구, 도자기, 유리, 금속 작업, 섬유 및 기타 장식 제품의 프랑스 제조업체를 홍보하는 것이 었습니다. 제품을 더 홍보하기 위해 모든 주요 파리 백화점 및 주요 디자이너들이 자체 파빌리온을 운영했습니다. 박람회는 상아와 이국적인 숲을 포함하여 아프리카와 아시아의 프랑스 식민지에서 제품을 홍보하는 데있어 부차적 인 목적이있었습니다.

Hôtel du Riche Collectionneur는 박람회에서 인기있는 명소였습니다. Emile-Jacques Ruhlmann의 새로운 가구 디자인은 물론 Art Deco 패브릭, 카페트 및 Jean Dupas의 그림을 전시했습니다. 인테리어 디자인은 Art Nouveau와는 다른 대칭과 기하학적 형태의 원리를 따르고 밝은 색감과 모던 스타일의 엄격한 기능과 차별화되는 고급 스러우면서도 값 비싼 재료를 사용합니다. 파빌리온의 대부분은 화려하게 꾸며지고 손으로 만든 고급 가구로 채워지는 반면, 르 코르뷔지에 (Le Corbusier)가 운영하는 잡지에 의해 지어진 두 개의 파빌리온 인 소비에트 연방 (Soviet Union)과 파빌리온 두 누누 에스프리 (Pavilion du Nouveau Esprit)의 파빌리온은 엄숙한 스타일로 건축되었습니다. 일반 흰색 벽 및 장식 없음; 그들은 모더니스트 건축의 초기 사례 중 하나였습니다.

고층 빌딩
미국의 고층 건물은 아르 데코 양식의 정상을 채웠다. 그들은 세계에서 가장 크고 가장 잘 알려진 현대적인 건물이되었습니다. 그들은 높이, 모양, 색깔, 야간의 극적인 조명을 통해 건축업자의 명성을 보여주기 위해 고안되었습니다. 신고전주의 스타일의 첫 뉴욕 마천루 인 울 워스 빌딩 (Woolworth Building)은 1913 년에 완성되었으며, 미국 전화 및 전신 건물 (1924)에는 이온 및 도리스 칼럼과 프리즈가있는 고전적인 도리스 하이포 스타일이 있습니다. Raymond Hood (1924)의 American Radiator Building은 고딕과 데코의 현대적인 요소를 건물의 디자인에 결합했습니다. 석탄을 상징하는 건물의 정면에있는 검은 벽돌은 단단함에 대한 아이디어를주고 건물에 견고한 건물을주기 위해 선정되었습니다. 외관의 다른 부분은 금 벽돌 (불을 상징)으로 덮여 있었고 입구는 대리석과 검은 색 거울로 장식되었습니다. 또 다른 초기 아르 데코 마천루는 1929 년에 개장 한 디트로이트 가디언 빌딩 (Detroit ‘s Guardian Building)이었습니다. 모더니스트 Wirt C. Rowland가 디자인 한이 건물은 스테인레스 스틸을 장식 요소로 사용하고 최초로 전통적인 장식품 대신 유색 인종 디자인을 광범위하게 사용했습니다.

뉴욕의 스카이 라인은 윌리엄 밴 앨런 (William Van Alen)이 디자인 한 맨해튼의 크라이슬러 빌딩 (1930 년 완공 됨)에 의해 근본적으로 바뀌 었습니다. 그것은 크라이슬러 자동차를위한 거대한 77 층의 거대한 광고였다. 상단에는 스테인레스 스틸 첨탑이 있으며, 스테인레스 스틸 라디에이터 캡 장식의 형태로 데코 “gargoyles”로 장식되었습니다. 거리의 위 33 층에있는 타워 바닥에는 다채로운 아르 데코 프리즈가 장식되어 있었고, 로비에는 아트 데코 심볼과 현대성을 표현한 이미지가 장식되어있었습니다.

크라이슬러 빌딩은 뉴욕의 스카이 라인을 완전히 바꾼 Raymond Hood (1933)의 William F. Lamb (1931)과 Rockefeller Center의 RCA Building (현재 Comcast Building)의 Empire State Building이 뒤 따랐습니다. 건물의 꼭대기에는 아르 데코 크라운과 첨탑이 스테인리스 스틸로 덮여 있으며, 크라이슬러 빌딩의 경우에는 아르 데코 (Army and Lobbies)가 아르 데코 (Art Deco) 조각으로 화려하게 꾸며졌지만 라디에이터 장식품을 모델로 한 아르 데코 가르고 일 (Art Deco gargoyles) 도자기 및 디자인. 비슷한 건물은 비록 키가 크지는 않지만 시카고와 다른 미국의 대도시에 곧 나타났습니다. 크라이슬러 빌딩은 엠파이어 스테이트 빌딩에 의해 조금 더 호화로운 데코 양식으로 높이를 곧 능가했습니다. 록펠러 센터 (Rockefeller Center)에는 새로운 디자인 요소가 추가되었습니다. 중앙에 분수대가있는 개방형 광장 주변에 몇 개의 고층 빌딩이 있습니다.

늦은 아트 데코
1925 년에는 두 개의 다른 경쟁 학교가 Art Deco 내에 공존했습니다. 장식 예술가 협회를 설립 한 전통 주의자들입니다. 가구 디자이너 Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, 조각가 Antoine Bourdelle 및 디자이너 Paul Poiret가 포함되어 있습니다. 그들은 현대의 형태와 전통적인 장인 정신 및 값 비싼 재료를 결합했습니다. 다른 한편으로는 현대인들이 점점 더 과거를 거부하고 새로운 기술의 발전, 단순함, 장식 부족, 저렴한 재료 및 대량 생산을 기반으로 한 스타일을 원했습니다. 모더니스트들은 1929 년 프랑스 현대 예술가 협회를 창설했다. 그 멤버로는 건축가 인 Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier, 그리고 소비에트 연방의 Konstantin Melnikov가있다. 아일랜드 디자이너 Eileen Gray, 프랑스 디자이너 Sonia Delaunay, 보석상 Jean Fouquet 및 Jean Puiforcat. 그들은 부유층을 위해서만 만들어진 전통적인 아르 데코 양식을 맹렬히 공격했으며, 잘 건축 된 건물은 모든 사람들이 이용할 수 있어야한다고 주장했고, 그 형태는 기능을 따라야한다고 주장했다. 물건이나 건물의 아름다움은 그 기능을 수행하기에 완벽하게 맞는지 여부에있었습니다. 현대의 산업 방법은 가구와 건물이 손으로 만들어지지 않고 대량 생산 될 수 있음을 의미했습니다.

아르 데코의 실내 디자이너 Paul Follot은 Art Deco를 다음과 같이 변호했습니다. “인간은 절대로 없어서는 안될 필수 요소이며, 불필요한 요소는 항상 필요하다는 것을 알고 있습니다. 그렇지 않다면 음악, 꽃, 그리고 향수 ..! ” 그러나 르 코르뷔지에 (Le Corbusier)는 근대 건축에 대한 훌륭한 홍보 담당자였습니다. 그는 집이 단순히 “살기위한 기계”라고 말했고, 아르 데코는 과거이고 모더니즘은 미래라고 끊임없이 주장했습니다. 르 코르뷔지에의 아이디어는 건축 학교에서 점차 채택되었고, 아르 데코의 미학은 포기되었습니다. 아트 데코를 처음부터 대중적으로 사용했던 동일한 기능, 장인 정신, 풍부한 소재 및 장식품 덕분에 그 인기가 감소했습니다. 대공황은 1929 년 미국에서 시작되어 곧 유럽에 도착하여 가구 및 미술품을 구입할 수있는 부유 한 고객의 수를 크게 줄였습니다. 우울증 경제 환경에서 새로운 마천루를 건설 할 준비가 된 회사는 거의 없었습니다. Ruhlmann 회사조차도 개별 수공품이 아닌 일련의 가구를 생산하는 데 의존했습니다. 새로운 스타일로 파리에 지어진 마지막 건물은 오귀스트 페레 (현재 프랑스 경제 사회 환경 협의회)의 공공 저작물 박물관과 루이 – 히 폴리 테크 보일로, 자크 카르 루 및 레옹 아제 마의 팔레 드 샤이요, 팔레 1937 년 파리 국제 박람회의 도쿄; 그들은 알버트 스피어 (Albert Speer)가 디자인 한 나치 독일 (Nazi Germany)의 장대 한 거대한 파빌리온을 보았습니다. 스탈린 소련의 똑같이 웅장한 사회주의 – 현실주의 파빌리온에 직면했습니다.

2 차 세계 대전 후 지배적 인 건축 스타일은 Le Corbusier와 Mies Van der Rohe가 개척 한 International Style이되었습니다. 소수의 아르 데코 호텔이 제 2 차 세계 대전 이후 마이애미 비치에 지어졌지만 다른 곳에서는 스타일이 크게 사라졌습니다. 산업 디자인에서는 자동차 스타일링과 쥬크 박스와 같은 제품에 계속해서 사용되었습니다. 1960 년대에 베를린 힐리에 (Bevis Hillier) 같은 건축 사학자들의 저서 덕분에 겸손한 학업 부흥을 경험했습니다. 1970 년대 미국과 유럽에서 아트 데코 건축물의 최고의 사례를 보존하기위한 노력이 이루어졌으며 많은 건물이 복원되고 용도가 변경되었습니다. 아르 데코와 같이 1980 년대에 처음 등장한 포스트 모더니즘 아키텍처는 종종 순전히 장식적인 기능을 포함합니다. 데코는 계속 디자이너에게 영감을 주며 현대 패션, 보석 및 세면 용품에 자주 사용됩니다.