Art Deco, a veces conocido como Deco, es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño que apareció por primera vez en Francia justo antes de la Primera Guerra Mundial. Art Deco influyó en el diseño de edificios, muebles, joyería, moda, automóviles, cines, trenes , transatlánticos y objetos cotidianos como radios y aspiradoras. Tomó su nombre, abreviatura de Arts Décoratifs, de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas celebrada en París en 1925. Combinó estilos modernistas con una fina artesanía y materiales ricos. Durante su apogeo, Art Deco representó el lujo, el glamour, la exuberancia y la fe en el progreso social y tecnológico.
Término descriptivo aplicado a un estilo de artes decorativas que se difundió ampliamente en Europa y EE. UU. Durante los años 1920 y 1930. Derivado del estilo popularizado por la Exposition Internationale des. Arts Décoratifs et Industriels Modernes se celebró en París en 1925, el término se ha utilizado solo desde finales de 1960, cuando hubo un resurgimiento del interés en las artes decorativas de principios del siglo XX. Desde entonces, el término «Art Deco» se ha aplicado a una gran variedad de obras producidas durante los años de entreguerras, e incluso a las de la Bauhaus alemana. Pero Art Deco era esencialmente de origen francés, y el término debería, por lo tanto, aplicarse solo a obras francesas y aquellas de países directamente influenciados por Francia.
Art Deco era un pastiche de muchos estilos diferentes, a veces contradictorios, unidos por el deseo de ser modernos. Desde su comienzo, Art Deco estuvo influenciado por las audaces formas geométricas del cubismo; los colores brillantes del Fauvismo y de los Ballets Russes; la artesanía actualizada de los muebles de las eras de Luis Felipe y Luis XVI; y los estilos exóticos de China y Japón, India, Persia, el antiguo Egipto y el arte maya. Contenía materiales raros y caros, como el ébano y el marfil, y una exquisita artesanía. El edificio Chrysler y otros rascacielos de Nueva York construidos durante los años 1920 y 1930 son monumentos del estilo Art Deco.
En la década de 1930, durante la Gran Depresión, el estilo Art Deco se volvió más tenue. Nuevos materiales llegaron, incluyendo cromado, acero inoxidable y plástico. Una forma más elegante del estilo, llamada Streamline Moderne, apareció en la década de 1930; presentaba formas curvas y superficies lisas y pulidas. Art Deco es uno de los primeros estilos verdaderamente internacionales, pero su dominio terminó con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y el surgimiento de los estilos estrictamente funcionales y sin adornos del modernismo y el Estilo Internacional de la arquitectura que siguió.
Nombrando
Art Deco tomó su nombre, abreviatura de Arts Décoratifs, de la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes celebrada en París en 1925, aunque los diversos estilos que caracterizan Art Deco ya habían aparecido en París y Bruselas antes de la Primera Guerra Mundial.
El término décoratifs de las artes fue utilizado por primera vez en Francia en 1858; publicado en el Bulletin de la Société française de photographie.
En 1868, el periódico Le Figaro utilizó el término objets d’art décoratifs con respecto a los objetos para escenarios escénicos creados para el Théâtre de l’Opéra.
En 1875, diseñadores de muebles, diseñadores de textiles, joyas y vidrio y otros artesanos recibieron oficialmente el estatuto de artistas por parte del gobierno francés. En respuesta a esto, la École royale gratuite de dessin (Escuela real de diseño libre) fundada en 1766 bajo el rey Luis XVI para formar artistas y artesanos en artesanías relacionadas con las bellas artes, pasó a llamarse Escuela Nacional de Artes Decorativas (l’École) nationale des arts décoratifs). Tomó su nombre actual de ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs) en 1927.
Durante la Exposición de 1925, el arquitecto Le Corbusier escribió una serie de artículos sobre la exposición de su revista L’Esprit Nouveau bajo el título «1925 Expo: Arts Déco» que se combinaron en un libro, «L’art décoratif d’aujourd» hui «(Arte decorativo hoy). El libro fue un ataque enérgico contra los excesos de los objetos coloridos y lujosos en la Exposición; y sobre la idea de que los objetos prácticos como los muebles deberían tener cualquier tipo de decoración; su conclusión fue que «la decoración moderna no tiene decoración».
El título abreviado «Arts Deco» que Le Corbusier usó en los artículos y el libro fue adaptado en 1966 para el título de la primera exposición moderna sobre el tema, llamada Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, que cubría la variedad de estilos principales en los años 1920 y 1930. El término Art Déco fue utilizado en un artículo periodístico de 1966 por Hillary Gelson en The Times (Londres, 12 de noviembre), describiendo los diferentes estilos en la exhibición.
Art Deco ganó popularidad como una etiqueta estilística ampliamente aplicada en 1968 cuando el historiador Bevis Hillier publicó el primer libro académico importante sobre el estilo: Art Deco de los años 20 y 30. Hillier señaló que el término ya estaba siendo utilizado por los comerciantes de arte y cita a The Times (2 de noviembre de 1966) y un ensayo llamado «Les Arts Déco» en la revista Elle (noviembre de 1967) como ejemplos de uso anterior. En 1971, Hillier organizó una exposición en el Minneapolis Institute of Arts, que detalla en su libro sobre ella, The World of Art Deco.
Orígenes
Sociedad de Artistas Decorativos (1901-1913)
La aparición del Art Deco estuvo estrechamente relacionada con el aumento del estatus de los artistas decorativos, que hasta fines del siglo XIX habían sido considerados simplemente como artesanos. El término «décoratifs de las artes» se había inventado en 1875, dando a los diseñadores de muebles, textiles y otra decoración el estado oficial. La Société des artistes décorateurs (Sociedad de artistas decorativos), o SAD, se fundó en 1901, y los artistas decorativos recibieron los mismos derechos de autor que los pintores y escultores. Un movimiento similar desarrollado en Italia. La primera exposición internacional dedicada íntegramente a las artes decorativas, la Esposizione international d’Arte decorative moderna, se celebró en Turín en 1902. En París se fundaron varias nuevas revistas dedicadas a las artes decorativas, entre ellas Arts et décoration y L’Art décoratif moderne. Las secciones de artes decorativas se introdujeron en los salones anuales de la Sociéte des artistes français, y más tarde en el Salon d’automne. El nacionalismo francés también jugó un papel en el resurgimiento de las artes decorativas; Los diseñadores franceses se sintieron desafiados por las crecientes exportaciones de muebles alemanes menos costosos. En 1911, el SAD propuso la celebración de una importante nueva exposición internacional de artes decorativas en 1912. No se permitían copias de estilos antiguos; solo obras modernas. La exposición se pospuso hasta 1914, luego, debido a la guerra, se pospuso hasta 1925, cuando dio su nombre a toda la familia de estilos conocidos como Déco.
Los grandes almacenes y diseñadores de moda de París también desempeñaron un papel importante en el auge de Art Déco. Firmas establecidas como el fabricante de equipaje Louis Vuitton, la firma de platería Christofle, el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron, quienes comenzaron a diseñar productos con estilos más modernos. A partir de 1900, las tiendas departamentales habían reclutado artistas decorativos para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salon d’Automne de 1912 había sido confiada a los grandes almacenes Printemps. Durante el mismo año, Printemps creó su propio taller llamado «Primavera». En 1920 Primavera empleó a más de trescientos artistas. Los estilos variaron desde las versiones actualizadas de Louis XIV, Louis XVI y especialmente los muebles de Louis Philippe realizados por Louis Süe y el taller de Primavera hasta las formas más modernas del taller de los grandes almacenes Au Louvre. Otros diseñadores, como Émile-Jacques Ruhlmann y Paul Foliot, se negaron a usar la producción en masa, e insistieron en que cada pieza se haga individualmente a mano. El estilo art déco temprano presentó materiales lujosos y exóticos como el ébano y el marfil y la seda, colores muy brillantes y motivos estilizados, en particular cestas y ramos de flores de todos los colores, dando un aspecto modernista.
Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)
El Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), de Auguste Perret, fue el primer edificio Art Deco construido en París. Anteriormente, el hormigón armado se había utilizado solo para edificios industriales y de apartamentos, Perret había construido el primer edificio moderno de apartamentos de hormigón armado en París en la rue Benjamin Franklin en 1903-04. Henri Sauvage, otro importante arquitecto futuro de Art Deco, construyó otro en 1904 en 7 rue Trétaigne (1904). De 1908 a 1910, Le Corbusier, de 21 años, trabajó como dibujante en la oficina de Perret, aprendiendo las técnicas de la construcción de hormigón. El edificio de Perret tenía una forma rectangular clara, una decoración geométrica y líneas rectas, las futuras marcas comerciales de Art Deco. La decoración del teatro también fue revolucionaria; la fachada estaba decorada con placas de escultura Art Deco de Antoine Bourdelle, una cúpula de Maurice Denis, pinturas de Édouard Vuillard y una cortina Art Déco Ker-Xavier Roussel. El teatro se hizo famoso como sede de muchas de las primeras representaciones de los Ballets Russes. Perret y Sauvage se convirtieron en los principales arquitectos Art Deco en París en la década de 1920.
Salon d’Automne (1912-1913)
En su nacimiento entre 1910 y 1914, Art Deco fue una explosión de colores, con tonos brillantes y a menudo chocantes, con frecuencia en diseños florales, presentados en tapicería de muebles, alfombras, pantallas, papel pintado y telas. En el Salon des artistes décorateurs de 1912 se presentaron muchas obras coloridas, como sillas y una mesa de Maurice Dufrene y una alfombra Gobelin brillante de Paul Follot. En 1912-1913, el diseñador Alfred Karbowsky hizo una silla floral con un diseño de loro para el pabellón de caza del coleccionista de arte Jacques Doucet. Los diseñadores de muebles Louis Süe y André Mare hicieron su primera aparición en la exposición de 1912, bajo el nombre de Atelier Française, combinando telas coloridas con materiales exóticos y caros, como el ébano y el marfil. Después de la Primera Guerra Mundial se convirtieron en una de las firmas francesas de diseño de interiores más importantes, produciendo los muebles para los salones y cabinas de primera clase de los transatlánticos transatlánticos franceses.
Los vívidos colores del Art Deco provienen de muchas fuentes, incluidos los diseños exóticos de Leon Bakst para los Ballets Russes, que causaron sensación en París justo antes de la Primera Guerra Mundial. Algunos de los colores fueron inspirados por el movimiento Fauvismo anterior dirigido por Henri. Matisse; otros por el orfismo de pintores como Sonia Delaunay; otros por el movimiento conocido como Nabis, y en el trabajo del pintor simbolista Odilon Redon, quien diseñó pantallas de chimenea y otros objetos decorativos. Los colores brillantes fueron una característica de la obra del diseñador de moda Paul Poiret, cuyo trabajo influyó tanto en la moda Art Deco como en el diseño de interiores.
Casa cubista (1912)
El estilo de arte conocido como Cubismo apareció en Francia entre 1907 y 1912, influyendo en el desarrollo del Art Deco. Los cubistas, ellos mismos bajo la influencia de Paul Cézanne, estaban interesados en la simplificación de las formas a sus elementos geométricos esenciales: el cilindro, la esfera, el cono.
En 1912, los artistas de la Section d’Or expusieron obras considerablemente más accesibles para el público en general que el cubismo analítico de Picasso y Braque. El vocabulario cubista estaba destinado a atraer la moda, los muebles y los diseñadores de interiores.
En los escritos de 1912 de André Vera. El estilo de Le Nouveau, publicado en la revista L’Art décoratif, expresó el rechazo de las formas Art Nouveau (asimétricas, policromas y pintorescas) y pidió simplicité volontaire, symétrie manifeste, l’ordre et l’harmonie, temas que eventualmente se convertirían en común dentro de Art Deco; aunque con el tiempo el estilo Deco a menudo era extremadamente colorido y cualquier cosa menos simple.
En la sección Art Décoratif del Salon d’Automne de 1912, se exhibió una instalación arquitectónica conocida como La Maison Cubiste. La fachada fue diseñada por Raymond Duchamp-Villon. La decoración de la casa fue realizada por la firma de Louis Süe y André Mare, que había formado una compañía llamada Atlelier Français en 1912. La Maison Cubiste era una instalación amueblada con una fachada, una escalera, barandillas de hierro forjado, un dormitorio, sala de estar: el Salón Bourgeois, donde se colgaron cuadros de Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger y Roger de La Fresnaye. Miles de espectadores en el salón pasaron por el modelo a escala real.
La fachada de la casa, diseñada por Duchamp-Villon, no era muy radical según los estándares modernos; los dinteles y frontones tenían formas prismáticas, pero por lo demás, la fachada se parecía a una casa ordinaria de la época. Las habitaciones fueron amuebladas por Mare con sillas y sofás de estilo neo-Luis XVI y Louis-Philippe, que se actualizaron con características más angulosas para hacer que el dobladillo se combinara con las pinturas cubistas. El crítico Emile Sedeyn describió el trabajo de Mare en la revista Art et Décoration: «No se avergüenza a sí mismo con sencillez, ya que multiplica las flores donde puedan ponerlas. El efecto que busca es obviamente pintoresco y alegre. Lo logra». El elemento cubista fue proporcionado por las pinturas. A pesar de su mansedumbre, la instalación fue atacada por algunos críticos como extremadamente radical, lo que ayudó a su éxito. Esta instalación arquitectónica fue exhibida posteriormente en 1913 Armory Show, Nueva York, Chicago y Boston. Gracias en gran medida a la exposición, el término «cubista» comenzó a aplicarse a cualquier cosa moderna, desde cortes de pelo de las mujeres hasta vestimenta y representaciones teatrales.
El estilo cubista continuó dentro de Art Deco, incluso cuando Deco se ramificó en muchas otras direcciones. En 1927, los cubistas Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, el escultor Gustave Miklos y otros colaboraron en la decoración de un Studio House, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, diseñado por el arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet, también coleccionista de arte postimpresionista de Henri Matisse y pinturas cubistas (incluidas Les Demoiselles d’Avignon, que compró directamente del estudio de Picasso). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñó la escalera de Doucet, Lipchitz hizo la repisa de la chimenea y Marcoussis hizo una alfombra cubista.
Además de los artistas cubistas, Doucet trajo a otros diseñadores de interiores Deco para ayudar en la decoración de la casa, incluyendo a Pierre Legrain, que estaba a cargo de la organización de la decoración, y Paul Iribe, Marcel Coard, André Groult, Eileen Gray y Rose Adler para proporcionar muebles . La decoración incluye piezas macizas hechas de ébano de Makassar, inspiradas en el arte africano, y muebles cubiertos con cuero de Marruecos, piel de cocodrilo y piel de serpiente, y diseños tomados de diseños africanos.
Influencias
Art Deco no era un estilo único, sino una colección de estilos diferentes y a veces contradictorios. En arquitectura, Art Deco fue el sucesor y la reacción contra el Art Nouveau, un estilo que floreció en Europa entre 1895 y 1900, y también reemplazó gradualmente a las Bellas Artes y el neoclásico que predominaban en la arquitectura europea y estadounidense. En 1905 Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, en el que exploró sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de los elementos geométricos, formas, motivos y sus variaciones, en contraste con (y como una desviación) del arte ondulante. Estilo Nouveau de Hector Guimard, tan popular en París unos años antes. Grasset enfatizó el principio de que varias formas geométricas simples como triángulos y cuadrados son la base de todos los arreglos compositivos. Los edificios de hormigón armado de Auguste Perret y Henri Sauvage, y particularmente el Teatro de los Campos Elíseos, ofrecieron una nueva forma de construcción y decoración que fue copiada en todo el mundo.
En decoración, muchos estilos diferentes fueron prestados y utilizados por Art Deco. Incluyeron arte premoderno de todo el mundo y observables en el Museo del Louvre, el Museo del Hombre y el Museo Nacional de las Artes de África y Océano. También hubo un interés popular en la arqueología debido a las excavaciones en Pompeya, Troya y la tumba de la dinastía XVIII, el faraón Tutankamón. Artistas y diseñadores integraron motivos del antiguo Egipto, Mesopotamia, Grecia, Roma, Asia, Mesoamérica y Oceanía con elementos de Machine Age.
Otros estilos prestados incluyen el constructivismo ruso y el futurismo italiano, así como el orfismo, el funcionalismo y el modernismo en general. Art Deco también usó los colores y diseños del Fauvismo, especialmente en el trabajo de Henri Matisse y André Derain, inspiró los diseños de textiles art déco, papel tapiz y cerámica pintada. Tomó ideas del vocabulario de alta costura de la época, que presentaba diseños geométricos, galones, zigzags y estilizados ramos de flores. Fue influenciado por descubrimientos en egiptología, y creciente interés en el Oriente y en el arte africano. Desde 1925 en adelante, a menudo se inspiró en la pasión por las nuevas máquinas, como aeronaves, automóviles y transatlánticos, y en 1930 esta influencia dio como resultado el estilo llamado aerodinámico moderno.
Estilo de lujo y modernidad
Art Deco se asoció con el lujo y la modernidad; combinó materiales muy costosos y exquisita artesanía puesta en formas modernistas. Nada era barato en Art Deco: los muebles incluían incrustaciones de marfil y plata, y piezas de diamantes combinados de jean Art Deco con platino, jade y otros materiales preciosos. El estilo se utilizó para decorar los salones de primera clase de transatlánticos, trenes de lujo y rascacielos. Fue utilizado en todo el mundo para decorar los grandes palacios de cine de finales de los años 1920 y 1930. Más tarde, después de la Gran Depresión, el estilo cambió y se volvió más sobrio.
Un buen ejemplo del estilo de lujo de Art Deco es el tocador de la diseñadora de moda Jeanne Lanvin, diseñado por Armand-Albert Rateau (1882-1938) realizado entre 1922-25. Estaba ubicado en su casa de 16 rue Barbet de Jouy, en París, que fue demolida en 1965. La sala fue reconstruida en el Museo de Artes Decorativas de París. Las paredes están cubiertas con lambris moldeadas debajo de bajorrelieves esculpidos en estuco. La alcoba está enmarcada con columnas de mármol con bases y un zócalo de madera esculpida. El piso es de mármol blanco y negro, y en los gabinetes se muestran objetos decorativos sobre un fondo de seda azul. Su baño tenía una bañera y un lavabo hechos de mármol de siena, con una pared de estuco tallado y herrajes de bronce.
En 1928 el estilo se había vuelto más cómodo, con sillas de cuero de club profundo. El estudio diseñado por la firma de Alavoine en París para un empresario estadounidense en 1928-30, ahora en el Museo de Brooklyn, tenía una característica estadounidense única. Como se construyó durante la Prohibición, cuando se prohibía el consumo de alcohol, incluía una barra secreta escondida detrás de los paneles.
En la década de 1930, el estilo se había simplificado un poco, pero todavía era extravagante. En 1932, el decorador Paul Ruoud hizo el Glass Salon para Suzanne Talbot. Presentaba un sillón serpentino y dos sillones tubulares de Eileen Gray, un piso de losas plateadas de vidrio plateado, un panel de patrones abstractos en laca plateada y negra, y una variedad de pieles de animales.
Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas (1925)
El evento que marcó el cenit del estilo y le dio su nombre fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas que tuvo lugar en París de abril a octubre de 1925. Esto fue patrocinado oficialmente por el gobierno francés, y cubrió un sitio en París de 55 acres, que va desde el Grand Palais en la orilla derecha a Les Invalides en la orilla izquierda, y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, la sala más grande de la ciudad, se llenó de exhibiciones de artes decorativas de los países participantes. Hubo 15,000 expositores de veinte países diferentes, incluyendo Inglaterra, Italia, España, Polonia, Checoslovaquia, Bélgica, Japón y la nueva Unión Soviética, aunque Alemania no fue invitada debido a las tensiones después de la guerra y los Estados Unidos, entendiendo mal el propósito de la exhibición, se negó a participar. Fue visitado por dieciséis millones de personas durante su carrera de siete meses. Las reglas de la exhibición requerían que todo el trabajo fuera moderno; no se permitieron estilos históricos. El objetivo principal de la Exhibición era promover a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, vidrio, metalurgia, textiles y otros productos decorativos. Para promover aún más los productos, todos los grandes almacenes y grandes diseñadores de París tenían sus propios pabellones. La Exposición tenía un propósito secundario en la promoción de productos de colonias francesas en África y Asia, incluyendo marfil y maderas exóticas.
El Hôtel du Riche Collectionneur fue una atracción popular en la Exposición; mostró los nuevos diseños de muebles de Emile-Jacques Ruhlmann, así como telas Art Déco, alfombras y una pintura de Jean Dupas. El diseño interior siguió los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo diferencian del Art Nouveau, y los colores brillantes, la artesanía fina, materiales raros y costosos que lo diferencian de la estricta funcionalidad del estilo modernista. Mientras que la mayoría de los pabellones estaban lujosamente decorados y llenos de muebles de lujo hechos a mano, dos pabellones, los de la Unión Soviética y Pavilion du Nouveau Esprit, construidos por la revista de ese nombre dirigida por Le Corbusier, fueron construidos en un estilo austero con paredes blancas y sin decoración; se encontraban entre los primeros ejemplos de arquitectura modernista.
Rascacielos
Los rascacielos estadounidenses marcaron la cima del estilo Art Deco; se convirtieron en los edificios modernos más altos y reconocibles del mundo. Fueron diseñados para mostrar el prestigio de sus constructores a través de su altura, su forma, su color y su dramática iluminación por la noche. El primer rascacielos de Nueva York, el Woolworth Building, en estilo neoclásico, se completó en 1913, y el American Telephone and Telegraph Building (1924) tenía columnas iónicas y dóricas y un hipóstilo dórico clásico con un friso. El American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinó elementos modernos góticos y deco en el diseño del edificio. El ladrillo negro en la fachada del edificio (que simboliza el carbón) fue seleccionado para dar una idea de la solidez y para dar al edificio una masa sólida. Otras partes de la fachada estaban cubiertas de ladrillos de oro (que simbolizaban el fuego), y la entrada estaba decorada con mármol y espejos negros. Otro de los primeros rascacielos Art Deco fue Detroit’s Guardian Building, inaugurado en 1929. Diseñado por la modernista Wirt C. Rowland, el edificio fue el primero en emplear acero inoxidable como elemento decorativo y el uso extensivo de diseños de colores en lugar de adornos tradicionales.
El horizonte de Nueva York fue cambiado radicalmente por el edificio Chrysler en Manhattan (terminado en 1930), diseñado por William Van Alen. Era un anuncio gigante de setenta y siete pisos para automóviles Chrysler. La parte superior estaba coronada por una aguja de acero inoxidable, y estaba decorada con «gárgolas» decorativas en forma de adornos de tapa de radiador de acero inoxidable. La base de la torre, treinta y tres pisos por encima de la calle, estaba decorada con coloridos frisos art decó, y el vestíbulo estaba decorado con símbolos art decó e imágenes que expresaban modernidad.
El edificio Chrysler fue seguido por el Empire State Building por William F. Lamb (1931) y el edificio RCA (ahora el edificio Comcast) en el Rockefeller Center, por Raymond Hood (1933), que juntos cambiaron completamente el horizonte de Nueva York. La parte superior de los edificios estaba decorada con coronas y agujas art déco cubiertas de acero inoxidable y, en el caso del edificio Chrysler, con gárgolas art déco inspiradas en adornos de radiadores, mientras que las entradas y los vestíbulos estaban lujosamente decorados con esculturas Art Deco. cerámica y diseño. Edificios similares, aunque no tan altos, pronto aparecieron en Chicago y otras grandes ciudades estadounidenses. El Edificio Chrysler pronto fue superado en altura por el Empire State Building, en un estilo Deco un poco menos lujoso. El Centro Rockefeller agregó un nuevo elemento de diseño: varios edificios altos agrupados alrededor de una plaza abierta, con una fuente en el centro.
Art déco tardío
En 1925, dos escuelas competidoras diferentes coexistían dentro del Art Deco: los tradicionalistas, que habían fundado la Sociedad de Artistas Decorativos; incluía al diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret; combinaron formas modernas con artesanía tradicional y materiales costosos. Por otro lado estaban los modernistas, que rechazaban cada vez más el pasado y querían un estilo basado en los avances en las nuevas tecnologías, la simplicidad, la falta de decoración, los materiales baratos y la producción en masa. Los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa de Artistas Modernos, en 1929. Sus miembros incluían a los arquitectos Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov; la diseñadora irlandesa Eileen Gray y la diseñadora francesa Sonia Delaunay, los joyeros Jean Fouquet y Jean Puiforcat. Atacaron ferozmente el estilo art decó tradicional, que según dijeron fue creado solo para los ricos, e insistieron en que los edificios bien construidos deberían estar disponibles para todos, y esa forma debería seguir a la función. La belleza de un objeto o edificio residía en si era perfecto para cumplir su función. Los métodos industriales modernos significaban que los muebles y los edificios podían producirse en masa, no hechos a mano.
El diseñador de interiores Art Deco Paul Follot defendió Art Deco de esta manera: «Sabemos que el hombre nunca se contenta con lo indispensable y que lo superfluo siempre se necesita … Si no, tendríamos que deshacernos de la música, las flores y perfumes …! » Sin embargo, Le Corbusier fue un brillante publicista de la arquitectura modernista; afirmó que una casa era simplemente «una máquina para vivir», y promovió incansablemente la idea de que Art Deco era el pasado y el modernismo era el futuro. Las escuelas de arquitectura adoptaron gradualmente las ideas de Le Corbusier, y la estética de Art Deco fue abandonada. Las mismas características que hicieron popular Art Deco en un principio, su artesanía, materiales ricos y adornos, llevaron a su declive. La Gran Depresión que comenzó en los Estados Unidos en 1929 y llegó a Europa poco después, redujo en gran medida la cantidad de clientes adinerados que podían pagar por el mobiliario y los objetos de arte. En el clima económico de la Depresión, pocas compañías estaban listas para construir nuevos rascacielos. Incluso la firma Ruhlmann recurrió a la producción de muebles en serie, en lugar de artículos hechos a mano individualmente. Los últimos edificios construidos en París en el nuevo estilo fueron el Museo de Obras Públicas de Auguste Perret (ahora el Consejo Económico, Social y Ambiental de Francia) y el Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu y Léon Azéma, y el Palais de Tokio de la Exposición Internacional de París de 1937; contemplaron el grandioso pabellón de la Alemania nazi, diseñado por Albert Speer, que se enfrentaba al igualmente grandioso pabellón socialista-realista de la Unión Soviética de Stalin.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el estilo arquitectónico dominante se convirtió en el Estilo Internacional iniciado por Le Corbusier y Mies Van der Rohe. Un puñado de hoteles Art Deco se construyeron en Miami Beach después de la Segunda Guerra Mundial, pero en otros lugares el estilo se desvaneció en gran parte, excepto en el diseño industrial, donde continuó siendo utilizado en el diseño de automóviles y productos como cajas de discos. En la década de 1960, experimentó un renacimiento académico modesto, gracias en parte a las escrituras de historiadores arquitectónicos como Bevis Hillier. En la década de 1970 se hicieron esfuerzos en los Estados Unidos y Europa para preservar los mejores ejemplos de la arquitectura Art Deco, y muchos edificios fueron restaurados y reutilizados. La arquitectura posmoderna, que apareció por primera vez en la década de 1980, como Art Deco, a menudo incluye características puramente decorativas. Deco continúa inspirando a los diseñadores, y se utiliza a menudo en la moda contemporánea, joyas y artículos de tocador.