L’Art Deco, a volte indicato come Deco, è uno stile di arti visive, architettura e design che è apparso per la prima volta in Francia poco prima della Prima Guerra Mondiale. Art Deco ha influenzato la progettazione di edifici, mobili, gioielli, moda, automobili, cinema, treni , transatlantici e oggetti di uso quotidiano come radio e aspirapolvere. Ha preso il suo nome, abbreviazione di Arts Décoratifs, dall’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne) tenutasi a Parigi nel 1925. Ha unito stili modernisti con artigianato raffinato e materiali ricchi. Durante il suo periodo di massimo splendore, Art Deco rappresentava il lusso, il glamour, l’esuberanza e la fiducia nel progresso sociale e tecnologico.

Termine descrittivo applicato a uno stile di arti decorative ampiamente diffuso in Europa e negli Stati Uniti durante gli anni ’20 e ’30. Derivato dallo stile reso popolare dall’Exposition Internationale des. Arts Décoratifs et Industriels Modernes tenutasi a Parigi nel 1925, il termine è stato usato solo dalla fine degli anni ’60, quando ci fu un revival di interesse per le arti decorative del primo Novecento Da allora il termine ‘Art Deco’ è stato applicato a una grande varietà di opere prodotte durante gli anni tra le due guerre, e anche a quelle del Bauhaus tedesco. Ma l’Art Deco era essenzialmente di origine francese e il termine dovrebbe quindi essere applicato solo alle opere francesi e ai paesi direttamente influenzati dalla Francia.

L’Art Deco era un pastiche di molti stili diversi, a volte contraddittori, uniti dal desiderio di essere moderni. Fin dall’inizio, Art Deco è stato influenzato dalle forme geometriche audaci del cubismo; i colori vivaci del fauvismo e dei balletti russi; l’artigianato aggiornato dei mobili delle epoche di Luigi Filippo e Luigi XVI; e gli stili esotici della Cina e del Giappone, dell’India, della Persia, dell’antico Egitto e dell’arte Maya. Presenta materiali rari e costosi, come l’ebano e l’avorio, e l’arte squisita. Il Chrysler Building e altri grattacieli di New York costruiti negli anni ’20 e ’30 sono monumenti in stile Art Deco.

Negli anni ’30, durante la Grande Depressione, lo stile Art Deco divenne più sommesso. Sono arrivati ​​nuovi materiali, tra cui cromatura, acciaio inossidabile e plastica. Una forma più elegante dello stile, chiamata Streamline Moderne, apparve negli anni ’30; presentava forme curve e superfici lisce e levigate. L’Art Deco è uno dei primi stili veramente internazionali, ma il suo dominio si è concluso con l’inizio della seconda guerra mondiale e l’ascesa degli stili di modernismo rigorosamente funzionali e disadorni e dello stile internazionale di architettura che ne è seguito.

Naming
L’Art Deco ha preso il suo nome, abbreviazione di Arts Décoratifs, dalla Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes tenutasi a Parigi nel 1925, anche se i diversi stili che caratterizzano l’Art Deco erano già apparsi a Parigi e Bruxelles prima della prima guerra mondiale.

Il termine arts décoratifs fu usato per la prima volta in Francia nel 1858; pubblicato nel Bulletin de la Société française de photographie.

Nel 1868, il quotidiano Le Figaro usava il termine “oggettistica d’arte” rispetto agli oggetti scenici creati per il Théâtre de l’Opéra.

Nel 1875, i designer di mobili, i designer di tessuti, gioielli e vetro e altri artigiani furono ufficialmente riconosciuti dallo stato francese come artisti. In risposta a ciò, l’École royale gratuite de dessin (Royal Free School of Design) fondata nel 1766 sotto il re Luigi XVI per formare artisti e artigiani nelle arti legate alle belle arti, fu ribattezzata Scuola Nazionale di Arti Decorative (l’École nationale des arts décoratifs). Ha assunto il nome attuale di ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs) nel 1927.

Durante l’Esposizione del 1925 l’architetto Le Corbusier scrisse una serie di articoli sulla mostra per la sua rivista L’Esprit Nouveau con il titolo “1925 Expo: Arts Déco” che furono uniti in un libro, “L’art décoratif d’aujourd” hui “(Arte decorativa oggi). Il libro era un vivace attacco agli eccessi degli oggetti colorati e sontuosi dell’Esposizione; e sull’idea che oggetti pratici come i mobili dovrebbero avere qualsiasi decorazione; la sua conclusione era che “la decorazione moderna non ha decorazioni”.

Il titolo stenografico “Arts Deco” che Le Corbusier usò negli articoli e nel libro fu adattato nel 1966 per il titolo della prima mostra moderna sull’argomento, chiamata Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, che copriva la varietà dei principali stili negli anni ’20 e ’30. Il termine Art déco fu quindi utilizzato in un articolo di giornale del 1966 di Hillary Gelson sul Times (Londra, 12 novembre), descrivendo i diversi stili della mostra.

L’Art Deco ha guadagnato valuta come etichetta stilistica ampiamente applicata nel 1968 quando lo storico Bevis Hillier ha pubblicato il primo grande libro accademico sullo stile: Art Deco degli anni ’20 e ’30. Hillier notò che il termine era già utilizzato dai mercanti d’arte e cita The Times (2 novembre 1966) e un saggio intitolato “Les Arts Déco” nella rivista Elle (novembre 1967) come esempi di uso precedente. Nel 1971 Hillier organizzò una mostra al Minneapolis Institute of Arts, di cui dettagliava il suo libro su The World of Art Deco.

origini

Society of Decorative Artists (1901-1913)
L’emergere dell’Art Deco era strettamente legato all’aumento dello status di artisti decorativi, che fino alla fine del XIX secolo erano stati considerati semplicemente artigiani. Il termine “arts décoratifs” era stato inventato nel 1875, dando ai designer di mobili, tessuti e altre decorazioni lo status ufficiale. La Société des artistes décorateurs (Società di artisti decorativi), o SAD, fu fondata nel 1901 e gli artisti decorativi ricevettero gli stessi diritti di autore di pittori e scultori. Un movimento simile sviluppato in Italia. La prima esposizione internazionale interamente dedicata alle arti decorative, l’Esposizione internazionale d’Arte decorativa moderna, si tenne a Torino nel 1902. Diverse nuove riviste dedicate alle arti decorative furono fondate a Parigi, tra cui Arts et décoration e L’Art décoratif moderne. Le sezioni di arti decorative furono introdotte nei saloni annuali della Sociéte des artistes français, e più tardi nel Salon d’automne. Anche il nazionalismo francese ha avuto un ruolo nel risorgere delle arti decorative; I designer francesi si sentirono sfidati dalle crescenti esportazioni di arredi tedeschi meno costosi. Nel 1911, il SAD propose di tenere una nuova importante esposizione internazionale di arti decorative nel 1912. Non si potevano permettere copie di vecchi stili; solo opere moderne. La mostra fu rinviata al 1914, poi, a causa della guerra, rimandata al 1925, quando diede il nome all’intera famiglia di stili nota come Déco.

Anche i grandi magazzini e gli stilisti di Parigi hanno svolto un ruolo importante nella nascita di Art Déco. Aziende affermate come la valigeria Louis Vuitton, la ditta di argenteria Christofle, il designer di vetri René Lalique e i gioiellieri Louis Cartier e Boucheron, che hanno iniziato a progettare prodotti in stili più moderni. A partire dal 1900, i grandi magazzini avevano reclutato artisti decorativi per lavorare nei loro studi di design. La decorazione del Salon d’Automne del 1912 era stata affidata al grande magazzino Printemps. Nello stesso anno Printemps ha creato un proprio laboratorio chiamato “Primavera”. Nel 1920 la Primavera impiegò più di trecento artisti. Gli stili spaziavano dalle versioni aggiornate di Luigi XIV, Luigi XVI e in particolare di mobili di Luigi Filippo realizzati da Louis Süe e dal laboratorio Primavera a forme più moderne dal laboratorio del grande magazzino Au Louvre. Altri designer, tra cui Émile-Jacques Ruhlmann e Paul Foliot, hanno rifiutato di utilizzare la produzione in serie e hanno insistito affinché ogni pezzo fosse realizzato a mano individualmente. Il primo stile art deco presentava materiali lussuosi ed esotici come l’ebano, l’avorio e la seta, colori molto luminosi e motivi stilizzati, in particolare cesti e mazzi di fiori di tutti i colori, che conferiscono un aspetto modernista.

Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)
Il Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), di Auguste Perret è stato il primo edificio storico in stile Art Deco completato a Parigi. Precedentemente il cemento armato era stato utilizzato solo per edifici industriali e condominiali, Perret aveva costruito il primo moderno condominio in cemento armato a Parigi in rue Benjamin Franklin nel 1903-04. Henri Sauvage, un altro importante futuro architetto Art Deco, ne costruì un altro nel 1904 in rue Trétaigne (1904). Dal 1908 al 1910, Le Corbusier, 21 anni, ha lavorato come disegnatore nell’ufficio di Perret, imparando le tecniche di costruzione in cemento. L’edificio di Perret aveva una forma rettangolare pulita, decorazioni geometriche e linee rette, i futuri marchi dell’Art Deco. L’arredamento del teatro era anche rivoluzionario; la facciata era decorata con placche di scultura in stile Art Déco di Antoine Bourdelle, una cupola di Maurice Denis, dipinti di Édouard Vuillard e un sipario in stile Art Deco Ker-Xavier Roussel. Il teatro divenne famoso come sede di molte delle prime esibizioni dei Ballets Russes. Perret e Sauvage sono diventati i principali architetti Art Deco a Parigi negli anni ’20.

Salon d’Automne (1912-1913)
Alla sua nascita tra il 1910 e il 1914, Art Deco è stata un’esplosione di colori, con sfumature luminose e spesso contrastanti, spesso in disegni floreali, presentati in rivestimenti di mobili, tappeti, schermi, carta da parati e tessuti. Molte opere colorate, tra cui sedie e un tavolo di Maurice Dufrene e un brillante tappeto Gobelin di Paul Follot sono state presentate al Salon des artistes décorateurs del 1912. Nel 1912-1913 il designer Alfred Karbowsky realizzò una sedia floreale con un design a pappagallo per la casetta di caccia del collezionista d’arte Jacques Doucet. I designer di mobili Louis Süe e André Mare hanno fatto la loro prima apparizione alla mostra del 1912, con il nome dell’Atelier Française, combinando tessuti colorati con materiali esotici e costosi, tra cui l’ebano e l’avorio. Dopo la prima guerra mondiale diventarono una delle più importanti ditte di interior design francesi, producendo i mobili per i saloni e le cabine di prima classe dei transatlantici francesi.

I vivaci colori dell’Art Deco provenivano da molte fonti, tra cui le esotiche scenografie di Leon Bakst per i Ballets Russes, che suscitarono scalpore a Parigi poco prima della Prima Guerra Mondiale. Alcuni dei colori erano ispirati al movimento precedente del Fauvismo guidato da Henri Matisse; altri dall’Orfismo di pittori come Sonia Delaunay; altri dal movimento noto come Nabis, e nel lavoro del pittore simbolista Odilon Redon, che progettò schermi per caminetti e altri oggetti decorativi. I colori vivaci erano una caratteristica del lavoro dello stilista Paul Poiret, il cui lavoro ha influenzato sia la moda Art Deco che l’interior design.

Cubist House (1912)
Lo stile artistico noto come cubismo è apparso in Francia tra il 1907 e il 1912, influenzando lo sviluppo dell’Art Déco. I cubisti, essi stessi sotto l’influenza di Paul Cézanne, erano interessati alla semplificazione delle forme per i loro elementi essenziali geometrici: il cilindro, la sfera, il cono.

Nel 1912, gli artisti della Section d’Or espongono opere notevolmente più accessibili al grande pubblico rispetto al Cubismo analitico di Picasso e Braque. Il vocabolario cubista era pronto ad attrarre moda, arredamento e interior designer.

Negli scritti del 1912 di André Vera. Lo stile Le Nouveau, pubblicato sulla rivista L’Art décoratif, esprimeva il rifiuto delle forme Art Nouveau (asimmetriche, policrome e pittoresche) e richiedeva il semplice voluntary, symétrie manifeste, l’ordre et l’harmonie, temi che alla fine sarebbero diventati comune in Art Deco; sebbene con il tempo lo stile Deco fosse spesso estremamente colorato e tutt’altro che semplice.

Nella sezione Art Décoratif del Salon d’Automne del 1912, è stata esposta un’installazione architettonica conosciuta come La Maison Cubiste. La facciata è stata progettata da Raymond Duchamp-Villon. L’arredamento della casa era dello studio di Louis Süe e André Mare, che nel 1912 formò una società chiamata Atlétide Français. La Maison Cubiste era un’installazione arredata con una facciata, una scala, ringhiere in ferro battuto, una camera da letto, un salotto – il Salon Bourgeois, dove furono appesi dipinti di Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger e Roger de La Fresnaye. Migliaia di spettatori nel salone hanno attraversato il modello in scala reale.

La facciata della casa, progettata da Duchamp-Villon, non era molto radicale per gli standard moderni; gli architravi e i frontoni avevano forme prismatiche, ma per il resto la facciata assomigliava a una casa ordinaria del periodo. Le camere sono state arredate da Mare con sedie e divani in stile Luigi XVI e Luigi Filippo che sono stati aggiornati con caratteristiche più spigolose per fare da contorno ai dipinti cubisti. Il critico Emile Sedeyn ha descritto il lavoro di Mare nella rivista Art et Décoration: “Non si mette in imbarazzo con la semplicità, perché moltiplica i fiori ovunque possano essere messi, l’effetto che cerca è ovviamente di appariscenza e allegria. L’elemento cubista è stato fornito dai dipinti. Nonostante la sua docilità, l’installazione è stata attaccata da alcuni critici come estremamente radicale, cosa che ha contribuito al successo. Questa installazione architettonica fu successivamente esposta al 1913 Armory Show, New York, Chicago e Boston. Grazie in gran parte all’esposizione, il termine “cubista” cominciò ad essere applicato a qualsiasi cosa moderna, dai tagli alle donne, all’abbigliamento, alle rappresentazioni teatrali.

Lo stile cubista continuò in Art Deco, anche se Deco si estendeva in molte altre direzioni. Nel 1927, i cubisti Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, lo scultore Gustave Miklos e altri hanno collaborato alla decorazione di uno Studio House, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, progettato dall’architetto Paul Ruaud e di proprietà dello stilista francese Jacques Doucet, anche lui collezionista di opere post-impressioniste di Henri Matisse e di dipinti cubisti (tra cui Les Demoiselles d’Avignon, acquistate direttamente dallo studio di Picasso). Laurens disegnò la fontana, Csaky progettò la scala di Doucet, Lipchitz fece la mensola del caminetto e Marcoussis fece un tappeto cubista.

Oltre agli artisti cubisti, Doucet ha portato altri arredatori Deco per aiutare nella decorazione della casa, tra cui Pierre Legrain, che era responsabile dell’organizzazione delle decorazioni, e Paul Iribe, Marcel Coard, André Groult, Eileen Gray e Rose Adler per fornire mobili . L’arredamento comprendeva pezzi massicci di ebano macassar, ispirati all’arte africana, e mobili rivestiti in pelle del Marocco, pelle di coccodrillo e pelle di serpente, e motivi presi da disegni africani.

Influenze
L’Art Deco non era uno stile unico, ma una collezione di stili diversi e talvolta contraddittori. In architettura, Art Deco fu il successore e la reazione contro l’Art Nouveau, uno stile che fiorì in Europa tra il 1895 e il 1900, e gradualmente sostituì anche le Beaux-Arts e neoclassiche che erano predominanti nell’architettura europea e americana. Nel 1905 Eugène Grasset ha scritto e pubblicato Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, in cui ha esplorato sistematicamente gli aspetti decorativi (ornamentali) di elementi, forme, motivi e le loro variazioni geometriche, in contrasto con (e come una partenza da) l’Arte ondeggiante Stile Nouveau di Hector Guimard, così popolare a Parigi alcuni anni prima. Grasset ha sottolineato il principio secondo cui varie forme geometriche semplici come triangoli e quadrati sono la base di tutte le disposizioni compositive. Gli edifici in cemento armato di Auguste Perret e Henri Sauvage, e in particolare il Theatre des Champs-Elysees, offrivano una nuova forma di costruzione e decorazione, copiata in tutto il mondo.

Nella decorazione, molti stili differenti sono stati presi in prestito e utilizzati da Art Deco. Includevano l’arte pre-moderna di tutto il mondo e sono osservabili al Musée du Louvre, al Musée de l’Homme e al Musée national des Arts d’Afrique et d’Océanie. C’era anche un interesse popolare per l’archeologia a causa degli scavi a Pompei, Troia, e della tomba del diciottesimo faraone Tutankhamon. Artisti e designer hanno integrato i motivi dell’antico Egitto, Mesopotamia, Grecia, Roma, Asia, Mesoamerica e Oceania con elementi dell’Età della macchina.

Altri stili presi in prestito erano il costruttivismo russo e il futurismo italiano, oltre all’orfismo, al funzionalismo e al modernismo in generale. L’Art Deco utilizzava anche i colori contrastanti ei disegni del Fauvismo, in particolare nel lavoro di Henri Matisse e André Derain, ispirando i disegni di tessuti art deco, carta da parati e ceramiche dipinte. Ci sono volute idee dal vocabolario dell’alta moda del periodo, caratterizzato da disegni geometrici, galloni, zigzag e mazzi di fiori stilizzati. Fu influenzato dalle scoperte dell’Egittologia e dal crescente interesse per l’Oriente e l’arte africana. Dal 1925 in poi, è stato spesso ispirato dalla passione per le nuove macchine, come i dirigibili, le automobili e i transatlantici, e nel 1930 questa influenza ha portato allo stile chiamato streamline moderne.

Stile di lusso e modernità
L’Art Deco era associato al lusso e alla modernità; combinava materiali molto costosi e squisita maestria con forme moderniste. Nulla era a buon mercato per l’Art Deco: i mobili includevano intarsi in avorio e argento e pezzi di gioielli in stile Art Deco combinati con platino, giada e altri materiali preziosi. Lo stile era usato per decorare i saloni di prima classe di transatlantici, treni deluxe e grattacieli. Veniva usato in tutto il mondo per decorare i grandi palazzi cinematografici della fine degli anni ’20 e ’30. Più tardi, dopo la Grande Depressione, lo stile cambiò e divenne più sobrio.

Un buon esempio dello stile lussuoso dell’Art Deco è il boudoir della stilista Jeanne Lanvin, progettato da Armand-Albert Rateau (1882-1938) realizzato tra il 1922 e il 2525. Si trovava nella sua casa al 16 di rue Barbet de Jouy, a Parigi, che fu demolita nel 1965. La sala fu ricostruita nel Museo delle Arti Decorative di Parigi. Le pareti sono ricoperte da lamelle modanate sotto bassorilievi scolpiti in stucco. L’alcova è incorniciata da colonne di marmo su basi e un basamento di legno scolpito. Il pavimento è di marmo bianco e nero, e negli armadi oggetti decorativi sono esposti su uno sfondo di seta blu. Il suo bagno aveva una vasca e un lavabo in marmo di Siena, con un muro di stucco scolpito e accessori in bronzo.

Nel 1928 lo stile era diventato più confortevole, con poltrone da club in pelle. Lo studio progettato dallo studio parigino di Alavoine per un uomo d’affari americano nel 1928-30, ora nel Brooklyn Museum, aveva una caratteristica americana unica. Poiché è stato costruito durante il proibizionismo, quando era vietato servire alcolici, includeva una barra segreta nascosta dietro i pannelli.

Negli anni ’30, lo stile era stato un po ‘semplificato, ma era ancora stravagante. Nel 1932 il decoratore Paul Ruoud realizzò il Salon di vetro per Suzanne Talbot. Presenta una poltrona a serpentina e due poltrone tubolari di Eileen Gray, un pavimento di lastre di vetro argentato opaco, un pannello di motivi astratti in argento e lacca nera e un assortimento di pelli di animali.

Esposizione internazionale di arti decorative e industriali moderne (1925)
L’evento che ha segnato lo zenit dello stile e gli ha dato il nome è stato l’Esposizione Internazionale di Arti Decorative e Industriali Moderne che si è svolta a Parigi da aprile a ottobre del 1925. Questo è stato ufficialmente sponsorizzato dal governo francese e ha coperto un sito in Parigi di 55 acri, che va dal Grand Palais sulla riva destra a Les Invalides sulla riva sinistra e lungo le rive della Senna. Il Grand Palais, la sala più grande della città, era pieno di mostre di arti decorative provenienti dai paesi partecipanti. C’erano 15.000 espositori provenienti da venti paesi diversi, tra cui Inghilterra, Italia, Spagna, Polonia, Cecoslovacchia, Belgio, Giappone e la nuova Unione Sovietica, anche se la Germania non fu invitata a causa delle tensioni dopo la guerra e gli Stati Uniti, fraintendendo lo scopo di la mostra, ha rifiutato di partecipare. È stato visitato da sedici milioni di persone durante la sua corsa di sette mesi. Le regole della mostra richiedevano che tutto il lavoro fosse moderno; non sono ammessi stili storici. Lo scopo principale della mostra era quello di promuovere i produttori francesi di mobili di lusso, porcellana, vetro, lavori in metallo, tessuti e altri prodotti decorativi. Per promuovere ulteriormente i prodotti, tutti i principali grandi magazzini parigini e i maggiori designer hanno i propri padiglioni. L’Esposizione aveva uno scopo secondario nel promuovere prodotti provenienti da colonie francesi in Africa e in Asia, tra cui avorio e legni esotici.

L’Hôtel du Riche Collectionneur era un’attrazione popolare dell’Esposizione; mostrava i nuovi progetti di mobili di Emile-Jacques Ruhlmann, nonché tessuti Art Deco, tappeti e un dipinto di Jean Dupas. Il design degli interni ha seguito gli stessi principi di simmetria e forme geometriche che lo distinguono dall’Art Nouveau, e colori vivaci, materiali artigianali pregiati e rari che lo distinguono dalla rigida funzionalità dello stile modernista. Mentre la maggior parte dei padiglioni erano generosamente decorati e pieni di mobili di lusso fatti a mano, due padiglioni, quelli dell’Unione Sovietica e del Pavilion du Nouveau Esprit, costruiti dalla rivista di quel nome diretto da Le Corbusier, erano costruiti in uno stile austero con semplici pareti bianche e nessuna decorazione; erano tra i primi esempi di architettura modernista.

grattacieli
I grattacieli americani hanno segnato il vertice dello stile Art Deco; sono diventati gli edifici moderni più alti e più riconoscibili del mondo. Sono stati progettati per mostrare il prestigio dei loro costruttori attraverso la loro altezza, la loro forma, il loro colore e la loro illuminazione drammatica di notte. Il primo grattacielo newyorkese, il Woolworth Building, in stile neoclassico, fu completato nel 1913, e l’American Telephone and Telegraph Building (1924) aveva colonne ioniche e doriche e un classico ipostilo dorico con un fregio. L’American Radiator Building di Raymond Hood (1924) combinò elementi di stile gotico e moderno nel design dell’edificio. Il mattone nero sulla facciata dell’edificio (che simboleggia il carbone) è stato scelto per dare un’idea di solidità e per dare all’edificio una massa solida. Altre parti della facciata erano ricoperte di mattoni d’oro (a simboleggiare il fuoco), e l’entrata era decorata con specchi di marmo e neri. Un altro grattacielo in stile Art Déco era il Guardian Building di Detroit, inaugurato nel 1929. Progettato dal modernista Wirt C. Rowland, l’edificio fu il primo ad utilizzare l’acciaio inossidabile come elemento decorativo e l’uso estensivo di disegni colorati al posto degli ornamenti tradizionali.

Lo skyline di New York è stato radicalmente cambiato dal Chrysler Building di Manhattan (completato nel 1930), progettato da William Van Alen. Era una gigantesca pubblicità da settantasette piani per le automobili Chrysler. La sommità era coronata da una guglia in acciaio inossidabile ed era decorata con “gargoyle” decorativi sotto forma di decorazioni di calotte di radiatori in acciaio inossidabile. La base della torre, trentatré piani sopra la strada, era decorata con colorati fregi art déco e la hall era decorata con simboli art déco e immagini che esprimevano la modernità.

Il Chrysler Building fu seguito dall’Empire State Building di William F. Lamb (1931) e dal RCA Building (ora Comcast Building) nel Rockefeller Center, da Raymond Hood (1933) che insieme modificarono completamente lo skyline di New York. Le cime degli edifici erano decorate con corone Art Deco e guglie rivestite in acciaio inossidabile e, nel caso dell’edificio Chrysler, con gargoyle Art Deco modellati su ornamenti per radiatori, mentre gli ingressi e le lobby erano generosamente decorati con sculture in stile Art Deco, ceramica e design. Edifici simili, anche se non altrettanto alti, apparvero presto a Chicago e in altre grandi città americane. Il Chrysler Building fu presto superato in altezza dall’Empire State Building, in uno stile Deco leggermente meno lussuoso. Il Rockefeller Center ha aggiunto un nuovo elemento di design: diversi edifici alti raggruppati attorno a una piazza aperta, con una fontana al centro.

Tardo Art Deco
Nel 1925 coesistettero in Art Deco due diverse scuole concorrenti: i tradizionalisti, che avevano fondato la Society of Decorative Artists; incluso il designer di mobili Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, lo scultore Antoine Bourdelle e il designer Paul Poiret; combinavano forme moderne con artigianato tradizionale e materiali costosi. Dall’altra parte c’erano i modernisti, che rifiutavano sempre più il passato e desideravano uno stile basato sui progressi delle nuove tecnologie, sulla semplicità, sulla mancanza di decorazioni, sui materiali economici e sulla produzione di massa. I modernisti fondarono la loro organizzazione, l’Unione francese degli artisti moderni, nel 1929. I suoi membri comprendevano gli architetti Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier e, nell’Unione Sovietica, Konstantin Melnikov; la designer irlandese Eileen Gray e la designer francese Sonia Delaunay, i gioiellieri Jean Fouquet e Jean Puiforcat. Hanno attaccato ferocemente il tradizionale stile art deco, che hanno detto è stato creato solo per i ricchi, e ha insistito che gli edifici ben costruiti dovrebbero essere disponibili per tutti, e che la forma dovrebbe seguire la funzione. La bellezza di un oggetto o di un edificio risiedeva nel fatto che fosse perfettamente adatta a svolgere la sua funzione. I moderni metodi industriali significavano che i mobili e gli edifici potevano essere prodotti in serie, non fatti a mano.

L’architetto di interni Art Deco Paul Follot ha difeso l’Art Deco in questo modo: “Sappiamo che l’uomo non si accontenta mai di ciò che è indispensabile e che il superfluo è sempre necessario … Se così non fosse, dovremmo liberarci di musica, fiori e profumi ..!” Tuttavia, Le Corbusier era un brillante pubblicista per l’architettura modernista; affermava che una casa era semplicemente “una macchina in cui vivere” e promuoveva instancabilmente l’idea che l’Art Deco fosse il passato e che il modernismo fosse il futuro. Le idee di Le Corbusier furono gradualmente adottate dalle scuole di architettura e l’estetica dell’Art Déco fu abbandonata. Le stesse caratteristiche che hanno reso l’Art Deco popolare all’inizio, la sua maestria, i materiali ricchi e l’ornamento, hanno portato al suo declino. La Grande Depressione, che ebbe inizio negli Stati Uniti nel 1929, e raggiunse l’Europa poco dopo, ridusse notevolmente il numero di clienti facoltosi che potevano pagare gli arredi e gli oggetti d’arte. Nel clima economico della depressione, poche aziende erano pronte a costruire nuovi grattacieli. Anche la ditta Ruhlmann ha fatto ricorso alla produzione di mobili in serie, piuttosto che singoli oggetti fatti a mano. Gli ultimi edifici costruiti a Parigi nel nuovo stile erano il Museo dei lavori pubblici di Auguste Perret (ora il Consiglio economico, sociale e ambientale francese) e il Palais de Chaillot di Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu e Léon Azéma e il Palais de Tokyo dell’Esposizione Internazionale di Parigi del 1937; guardarono il grandioso padiglione della Germania nazista, progettato da Albert Speer, che si trovava di fronte l’altrettanto grandioso padiglione socialista-realista dell’Unione Sovietica di Stalin.

Dopo la seconda guerra mondiale, lo stile architettonico dominante divenne lo stile internazionale pioniere di Le Corbusier e Mies Van der Rohe. Una manciata di hotel in stile Art Deco sono stati costruiti a Miami Beach dopo la seconda guerra mondiale, ma altrove lo stile è in gran parte svanito, tranne nel design industriale, dove ha continuato ad essere utilizzato nello styling automobilistico e in prodotti come i juke box. Negli anni ’60 ha avuto un modesto risveglio accademico, grazie in parte agli scritti di storici dell’architettura come Bevis Hillier. Negli anni ’70 sono stati fatti sforzi negli Stati Uniti e in Europa per preservare i migliori esempi di architettura Art Deco e molti edifici sono stati restaurati e riutilizzati. L’architettura postmoderna, che è apparsa per la prima volta negli anni ’80, come l’Art Deco, spesso include elementi puramente decorativi. Deco continua a ispirare i designer, ed è spesso usato nella moda contemporanea, gioielli e articoli da toeletta.