L’art déco, parfois appelé Deco, est un style d’arts visuels, d’architecture et de design qui est apparu en France juste avant la Première Guerre mondiale. Art Déco a influencé la conception de bâtiments, meubles, bijoux, mode, voitures, cinémas, trains. , les paquebots et les objets de la vie quotidienne tels que les radios et les aspirateurs. Il a pris son nom, abréviation d’Arts Décoratifs, de l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) qui s’est tenue à Paris en 1925. Il combinait des styles modernistes avec un artisanat raffiné et des matériaux riches. À son apogée, Art déco représentait le luxe, le glamour, l’exubérance et la foi dans le progrès social et technologique.

Terme descriptif appliqué à un style d’arts décoratifs qui a été largement diffusé en Europe et aux États-Unis durant les années 1920 et 1930. Dérivé du style rendu populaire par l’Exposition Internationale des. Arts Décoratifs et Industriels Modernes qui s’est tenue à Paris en 1925, le terme a été utilisé seulement depuis la fin des années 1960, quand il y avait un regain d’intérêt pour les arts décoratifs du début du 20e siècle. Depuis lors, le terme «Art déco» une grande variété d’œuvres produites pendant l’entre-deux-guerres, et même celles du Bauhaus allemand. Mais l’Art Déco était essentiellement d’origine française, et le terme ne devrait donc s’appliquer qu’aux œuvres françaises et à celles des pays directement influencés par la France.

L’art déco était un pastiche de plusieurs styles différents, parfois contradictoires, unis par un désir d’être moderne. Dès ses débuts, l’Art déco a été influencé par les formes géométriques audacieuses du cubisme; les couleurs vives du fauvisme et des ballets russes; l’artisanat mis à jour du mobilier des époques de Louis Philippe et de Louis XVI; et les styles exotiques de la Chine et du Japon, de l’Inde, de la Perse, de l’Egypte ancienne et de l’art maya. Il a présenté des matériaux rares et coûteux, tels que l’ébène et l’ivoire, et l’artisanat exquis. Le Chrysler Building et d’autres gratte-ciel de New York construits dans les années 1920 et 1930 sont des monuments de style Art déco.

Dans les années 1930, pendant la Grande Dépression, le style Art déco est devenu plus modéré. De nouveaux matériaux sont arrivés, y compris le chromage, l’acier inoxydable et le plastique. Une forme plus élégante du style, appelé Streamline Moderne, est apparue dans les années 1930; il présentait des formes courbes et des surfaces lisses et polies. L’art déco est l’un des premiers styles véritablement internationaux, mais sa domination a pris fin avec le début de la Seconde Guerre mondiale et la montée des styles strictement fonctionnels et sans fioritures du modernisme et du style international d’architecture qui a suivi.

Appellation
Art Déco prend son nom, abréviation d’Arts Décoratifs, de l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes tenue à Paris en 1925, bien que les divers styles qui caractérisent Art Déco avaient déjà paru à Paris et à Bruxelles avant la Première Guerre mondiale.

Le terme arts décoratifs a été utilisé pour la première fois en France en 1858; publié dans le Bulletin de la Société française de photographie.

En 1868, le journal Le Figaro utilise le terme objets d’art décoratifs pour désigner des objets de décors créés pour le Théâtre de l’Opéra.

En 1875, les designers de meubles, les créateurs de textiles, de bijoux et de verreries et autres artisans se voient officiellement attribuer le statut d’artistes par le gouvernement français. En réponse à cela, l’École royale gratuite de dessin fondée en 1766 sous le roi Louis XVI pour former des artistes et des artisans dans les métiers d’art, a été rebaptisée École nationale des arts décoratifs (l’École). nationale des arts décoratifs). Il a pris son nom actuel d’ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs) en 1927.

Au cours de l’Exposition de 1925, l’architecte Le Corbusier rédige une série d’articles sur l’exposition de son magazine L’Esprit Nouveau sous le titre «1925 Expo: Arts Déco» qui sont regroupés dans un livre intitulé «L’art décoratif d’aujourd’hui». hui « (Art décoratif aujourd’hui). Le livre était une attaque énergique sur les excès des objets colorés et somptueux à l’exposition; et sur l’idée que des objets pratiques tels que des meubles devraient avoir n’importe quelle décoration; sa conclusion était que « la décoration moderne n’a pas de décoration ».

Le titre abrégé « Arts Deco » que Le Corbusier a utilisé dans les articles et le livre a été adapté en 1966 pour le titre de la première exposition moderne sur le sujet, appelé Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, qui couvrait la variété de grands styles dans les années 1920 et 1930. Le terme Art déco a ensuite été utilisé dans un article publié en 1966 par Hillary Gelson dans le Times (Londres, 12 novembre), décrivant les différents styles de l’exposition.

L’Art Déco a gagné en popularité en tant que label stylistique largement appliqué en 1968 lorsque l’historien Bevis Hillier a publié le premier livre académique majeur sur le style: Art Déco des années 20 et 30. Hillier a noté que le terme était déjà utilisé par les marchands d’art et cite le Times (2 novembre 1966) et un essai intitulé «Les Arts Déco» dans le magazine Elle (novembre 1967) comme exemples d’utilisation antérieure. En 1971, Hillier organise une exposition au Minneapolis Institute of Arts, qu’il détaille dans son livre intitulé The World of Art Deco.

Origines

Société des artistes décoratifs (1901-1913)
L’émergence de l’art déco était étroitement liée à la montée en puissance des artistes décoratifs, considérés jusqu’à la fin du XIXe siècle comme de simples artisans. Le terme «arts décoratifs» a été inventé en 1875, donnant aux concepteurs de meubles, textiles et autres décors un statut officiel. La Société des artistes décorateurs, ou SAD, a été fondée en 1901 et les artistes décoratifs ont reçu les mêmes droits d’auteur que les peintres et les sculpteurs. Un mouvement similaire s’est développé en Italie. La première exposition internationale entièrement consacrée aux arts décoratifs, l’Esposizione international d’art décoratif moderne, s’est tenue à Turin en 1902. Plusieurs nouveaux magazines consacrés aux arts décoratifs ont été fondés à Paris, notamment Arts et décoration et L’Art décoratif moderne. Des sections d’arts décoratifs ont été introduites dans les salons annuels de la Société des artistes français, et plus tard au Salon d’automne. Le nationalisme français a également joué un rôle dans la résurgence des arts décoratifs; Les designers français se sont sentis mis au défi par l’augmentation des exportations de meubles allemands moins chers. En 1911, le SAD proposa la tenue d’une grande exposition internationale d’arts décoratifs en 1912. Aucun exemplaire des styles anciens ne devait être autorisé; seulement des œuvres modernes. L’exposition a été reportée jusqu’en 1914, puis, à cause de la guerre, reportée jusqu’en 1925, date à laquelle elle a donné son nom à toute la famille des styles connus sous le nom de Déco.

Les grands magasins et créateurs de mode parisiens ont également joué un rôle important dans l’essor de l’Art Déco. Des entreprises établies comme le bagagiste Louis Vuitton, la firme d’argenterie Christofle, le verrier René Lalique, les bijoutiers Louis Cartier et Boucheron, qui ont tous commencé à concevoir des produits dans des styles plus modernes. À partir de 1900, les grands magasins ont recruté des artistes décoratifs pour travailler dans leurs studios de design. La décoration du Salon d’Automne 1912 avait été confiée au grand magasin Printemps. Au cours de la même année, le Printemps crée son propre atelier appelé « Primavera ». En 1920, Primavera emploie plus de trois cents artistes. Les styles vont des versions modernisées des meubles Louis XIV, Louis XVI et surtout Louis Philippe réalisés par Louis Süe et l’atelier Primavera aux formes plus modernes de l’atelier du grand magasin Au Louvre. D’autres designers, dont Émile-Jacques Ruhlmann et Paul Foliot, ont refusé d’utiliser la production de masse et ont insisté pour que chaque pièce soit fabriquée individuellement à la main. Le style art déco du début a présenté des matériaux luxueux et exotiques tels que l’ébène, l’ivoire et la soie, des couleurs très vives et des motifs stylisés, en particulier des paniers et des bouquets de fleurs de toutes les couleurs, donnant un look moderniste.

Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)
Le Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), d’Auguste Perret, fut le premier bâtiment Art Déco à Paris. Auparavant, le béton armé n’était utilisé que pour les bâtiments industriels et d’appartements, Perret avait construit le premier immeuble moderne en béton armé à Paris, rue Benjamin Franklin, en 1903-04. Henri Sauvage, un autre futur architecte Art Déco important, en construisit un autre en 1904 au 7 rue Trétaigne (1904). De 1908 à 1910, Le Corbusier, 21 ans, travaille comme dessinateur dans le bureau de Perret, apprenant les techniques de la construction en béton. Le bâtiment de Perret avait une forme rectangulaire propre, une décoration géométrique et des lignes droites, les futures marques d’art déco. Le décor du théâtre était aussi révolutionnaire; la façade était ornée de plaques de sculpture Art Déco d’Antoine Bourdelle, d’un dôme de Maurice Denis, de tableaux d’Édouard Vuillard et d’un rideau Art déco Ker-Xavier Roussel. Le théâtre est devenu célèbre en tant que lieu de nombreuses premières représentations des Ballets Russes. Perret et Sauvage sont devenus les principaux architectes Art Déco à Paris dans les années 1920.

Salon d’Automne (1912-1913)
À sa naissance entre 1910 et 1914, Art Déco était une explosion de couleurs, avec des teintes vives et souvent heurtées, souvent dans des motifs floraux, présentées dans des meubles rembourrés, des tapis, des écrans, des papiers peints et des tissus. De nombreuses œuvres colorées, dont des chaises et une table de Maurice Dufrene et un tapis Gobelin brillant de Paul Follot, ont été présentées au Salon des artistes décorateurs de 1912. En 1912-1913, le designer Alfred Karbowsky a réalisé une chaise à fleurs avec un motif de perroquet pour le pavillon de chasse du collectionneur d’art Jacques Doucet. Les designers de mobilier Louis Süe et André Mare ont fait leur première apparition à l’exposition de 1912, sous le nom de l’Atelier Française, combinant des tissus colorés avec des matériaux exotiques et coûteux, y compris l’ébène et l’ivoire. Après la Première Guerre mondiale, ils sont devenus l’une des plus importantes firmes françaises de design d’intérieur, produisant le mobilier des salons et des cabines de première classe des paquebots transatlantiques français.

Les couleurs vives de l’Art Déco sont venues de nombreuses sources, y compris les décors exotiques de Leon Bakst pour les Ballets Russes, qui ont fait sensation à Paris juste avant la Première Guerre mondiale. Certaines des couleurs ont été inspirées par le mouvement Fauvisme précédent dirigé par Henri. Matisse; d’autres par l’orphisme de peintres tels que Sonia Delaunay; d’autres par le mouvement connu sous le Nabis, et dans le travail du peintre symboliste Odilon Redon, qui a conçu des écrans de cheminée et d’autres objets décoratifs. Les couleurs vives sont une caractéristique du travail du couturier Paul Poiret, dont le travail a influencé à la fois la mode Art déco et le design d’intérieur.

Maison cubiste (1912)
Le style d’art connu sous le nom de cubisme est apparu en France entre 1907 et 1912, influençant le développement de l’art déco. Les cubistes, eux-mêmes sous l’influence de Paul Cézanne, s’intéressaient à la simplification des formes à leurs essentiels géométriques: le cylindre, la sphère, le cône.

En 1912, les artistes de la Section d’Or exposent des œuvres beaucoup plus accessibles au grand public que le cubisme analytique de Picasso et de Braque. Le vocabulaire cubiste était prêt à attirer la mode, le mobilier et les designers d’intérieur.

Dans les écrits de 1912 d’André Vera. Le style Le Nouveau, publié dans la revue L’Art décoratif, exprime le rejet des formes Art Nouveau (asymétriques, polychromes et pittoresques) et appelle à la sobriété volontaire, à la symétrie manifeste, à l’ordre et à l’harmonie, thèmes qui deviendront finalement commun au sein de l’Art Déco; mais avec le temps, le style Deco était souvent extrêmement coloré et tout sauf simple.

Dans la section Art Décoratif du Salon d’Automne de 1912, une installation architecturale a été exposée sous le nom de La Maison Cubiste. La façade a été conçue par Raymond Duchamp-Villon. La maison Louis Süe et André Mare, qui avaient fondé en 1912 une société appelée Atlelier Français, décoraient la maison. La Maison Cubiste était une installation meublée avec une façade, un escalier, des rampes en fer forgé, une chambre, un Salon-le Salon Bourgeois, où étaient accrochés les tableaux d’Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger et Roger de La Fresnaye. Des milliers de spectateurs au salon ont traversé le modèle grandeur nature.

La façade de la maison, conçue par Duchamp-Villon, n’était pas très radicale selon les normes modernes; les linteaux et les frontons avaient des formes prismatiques, mais sinon la façade ressemblait à une maison ordinaire de l’époque. Les chambres ont été meublées par Mare avec des fauteuils de style néo-Louis XVI et Louis-Philippe et des canapés qui ont été mis à jour avec des caractéristiques plus angulaires pour faire de l’ourlet avec les peintures cubistes. Le critique Emile Sedeyn a décrit le travail de Mare dans la revue Art et Décoration: «Il ne s’embarrasse pas de simplicité, car il multiplie les fleurs partout où elles peuvent être mises, l’effet qu’il recherche est évidemment celui du pittoresque et de la gaieté. L’élément cubiste a été fourni par les peintures. Malgré sa sobriété, l’installation a été attaquée par certains critiques comme extrêmement radicale, ce qui a contribué à son succès. Cette installation architecturale a ensuite été exposée au 1913 Armory Show, New York, Chicago et Boston. Grâce à l’exposition, le terme «cubiste» a commencé à s’appliquer à tout ce qui était moderne, des coupes de cheveux féminines aux vêtements en passant par les représentations théâtrales.

Le style cubiste a continué dans l’art déco, même si Deco s’est diversifié dans de nombreuses autres directions. En 1927, les cubistes Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, le sculpteur Gustave Miklos et d’autres collaborent à la décoration d’un Studio, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, conçu par l’architecte Paul Ruaud et propriété du créateur de mode français Jacques Doucet, également collectionneur d’art postimpressionniste d’Henri Matisse et de peintures cubistes (dont Les Demoiselles d’Avignon, qu’il a acheté directement à l’atelier de Picasso). Laurens a conçu la fontaine, Csaky a conçu l’escalier de Doucet, Lipchitz a fait le manteau de cheminée et Marcoussis a fait un tapis cubiste.

Outre les artistes cubistes, Doucet a fait appel à d’autres designers d’intérieur déco pour la décoration de la maison, dont Pierre Legrain, responsable de l’organisation de la décoration, Paul Iribe, Marcel Coard, André Groult, Eileen Gray et Rose Adler . Le décor incluait des pièces massives en ébène de macassar, inspirées de l’art africain, et des meubles recouverts de cuir marocain, de peau de crocodile et de peau de serpent, ainsi que des motifs de motifs africains.

Influences
L’Art Déco n’était pas un style unique, mais une collection de styles différents et parfois contradictoires. En architecture, l’Art Déco a été le successeur et la réaction contre l’Art nouveau, un style qui a prospéré en Europe entre 1895 et 1900, et a progressivement remplacé les Beaux-Arts et le néoclassique qui prédominaient dans l’architecture européenne et américaine. Eugène Grasset écrivit et publia en 1905 la Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, dans laquelle il explorait systématiquement les aspects décoratifs (ornementaux) des éléments géométriques, des formes, des motifs et de leurs variations, en contraste avec (et en contraste) l’art ondulé. Nouveau style d’Hector Guimard, si populaire à Paris quelques années plus tôt. Grasset a insisté sur le principe selon lequel diverses formes géométriques simples comme les triangles et les carrés sont à la base de tous les arrangements de composition. Les bâtiments en béton armé d’Auguste Perret et d’Henri Sauvage, et notamment le Théâtre des Champs-Elysées, offraient une nouvelle forme de construction et de décoration copiée dans le monde entier.

En décoration, de nombreux styles différents ont été empruntés et utilisés par Art Déco. Ils ont inclus l’art pré-moderne du monde entier et observable au Musée du Louvre, au Musée de l’Homme et au Musée national des Arts d’Afrique et d’Océanie. Il y avait aussi un intérêt populaire en archéologie en raison des fouilles à Pompéi, Troy, et la tombe de la 18ème dynastie Pharaon Toutankhamon. Des artistes et des designers ont intégré des motifs de l’Égypte ancienne, de la Mésopotamie, de la Grèce, de Rome, de l’Asie, de la Méso-Amérique et de l’Océanie avec des éléments de l’âge de la machine.

Les autres styles empruntés comprenaient le constructivisme russe et le futurisme italien, ainsi que l’orphisme, le fonctionnalisme et le modernisme en général. L’Art Déco a également utilisé les couleurs et les conceptions conflictuelles du fauvisme, notamment dans les œuvres d’Henri Matisse et d’André Derain, qui ont inspiré les créations de textiles art déco, de papier peint et de céramique peinte. Il a pris des idées du vocabulaire de haute couture de la période, qui a comporté des conceptions géométriques, des chevrons, des zigzags, et des bouquets stylisés de fleurs. Il a été influencé par les découvertes en égyptologie, et l’intérêt croissant pour l’Orient et l’art africain. À partir de 1925, il fut souvent inspiré par une passion pour les nouvelles machines, telles que les dirigeables, les automobiles et les paquebots. En 1930, cette influence donna naissance au style Streamline moderne.

Style de luxe et de modernité
L’art déco était associé à la fois au luxe et à la modernité; il combinait des matériaux très coûteux et un savoir-faire exquis mis dans des formes modernistes. Rien n’était bon marché à propos de l’Art déco: les meubles incluaient des incrustations d’ivoire et d’argent, et des bijoux Art déco combinaient des diamants avec du platine, du jade et d’autres matériaux précieux. Le style a été utilisé pour décorer les salons de première classe des paquebots, des trains de luxe et des gratte-ciel. Il a été utilisé dans le monde entier pour décorer les grands palais de cinéma de la fin des années 1920 et 1930. Plus tard, après la Grande Dépression, le style a changé et est devenu plus sobre.

Un bon exemple du style de luxe de l’Art déco est le boudoir de la créatrice de mode Jeanne Lanvin, conçu par Armand-Albert Rateau (1882-1938) réalisé entre 1922-25. Il était situé dans sa maison au 16 rue Barbet de Jouy, à Paris, qui fut démolie en 1965. La salle fut reconstruite au Musée des Arts Décoratifs de Paris. Les murs sont recouverts de lambris moulurés sous les bas-reliefs sculptés en stuc. L’alcôve est encadrée de colonnes de marbre surmontées de bases et d’un socle en bois sculpté. Le sol est en marbre blanc et noir, et dans les armoires des objets décoratifs sont étalés sur un fond de soie bleue. Sa salle de bain avait une baignoire et un lavabo en marbre de Sienne, avec un mur de stuc sculpté et des raccords en bronze.

En 1928, le style est devenu plus confortable, avec des fauteuils club en cuir profonds. L’étude conçue par l’entreprise parisienne Alavoine pour un homme d’affaires américain en 1928-1930, maintenant au Brooklyn Museum, avait une caractéristique américaine unique. Depuis qu’il a été construit pendant la prohibition, lorsque l’alcool était interdit, il comprenait une barre secrète cachée derrière les panneaux.

Dans les années 1930, le style avait été quelque peu simplifié, mais il était encore extravagant. En 1932, le décorateur Paul Ruoud réalise le Salon du verre pour Suzanne Talbot. Il comportait un fauteuil serpentin et deux fauteuils tubulaires d’Eileen Gray, un plancher de dalles en verre argenté mat, un panneau de motifs abstraits en laque argent et noir et un assortiment de peaux d’animaux.

Salon international des arts décoratifs et industriels modernes (1925)
L’événement qui a marqué le zénith du style et lui a donné son nom était l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes qui a eu lieu à Paris d’avril à octobre 1925. Il a été officiellement sponsorisé par le gouvernement français, et a couvert un site en Paris de 55 hectares, allant du Grand Palais sur la rive droite aux Invalides sur la rive gauche, et le long des berges de la Seine. Le Grand Palais, la plus grande salle de la ville, était rempli d’expositions d’arts décoratifs des pays participants. Il y avait 15 000 exposants de vingt pays différents, dont l’Angleterre, l’Italie, l’Espagne, la Pologne, la Tchécoslovaquie, la Belgique, le Japon et la nouvelle Union Soviétique, bien que l’Allemagne n’ait pas été invitée à cause des tensions après la guerre. l’exposition, a refusé de participer. Il a été visité par seize millions de personnes au cours de sa course de sept mois. Les règles de l’exposition exigeaient que tout travail soit moderne; aucun style historique n’a été autorisé. Le but principal de l’exposition était de promouvoir les fabricants français de meubles de luxe, de porcelaine, de verre, de métal, de textiles et d’autres produits décoratifs. Pour promouvoir davantage les produits, tous les grands magasins parisiens et les grands designers ont leurs propres pavillons. L’exposition avait un but secondaire dans la promotion des produits des colonies françaises en Afrique et en Asie, y compris l’ivoire et les bois exotiques.

L’Hôtel du Riche Collectionneur était une attraction populaire à l’Exposition; Il expose les nouveaux modèles de meubles d’Emile-Jacques Ruhlmann, ainsi que des tissus Art Déco, des tapis et un tableau de Jean Dupas. Le design intérieur a suivi les mêmes principes de symétrie et de formes géométriques qui le distinguent de l’Art Nouveau, et des couleurs vives, un artisanat raffiné, des matériaux rares et coûteux qui le distinguent des fonctionnalités strictes du style moderniste. Tandis que la plupart des pavillons étaient richement décorés et remplis de meubles de luxe faits à la main, deux pavillons, ceux de l’Union Soviétique et Pavillon du Nouveau Esprit, construits par le magazine de ce nom dirigé par Le Corbusier, ont été construits dans un style austère. murs blancs et sans décoration; ils étaient parmi les premiers exemples de l’architecture moderniste.

Grattes ciels
Les gratte-ciel américains ont marqué le sommet du style Art déco; ils sont devenus les bâtiments modernes les plus hauts et les plus reconnaissables du monde. Ils ont été conçus pour montrer le prestige de leurs constructeurs par leur taille, leur forme, leur couleur, et leur illumination dramatique la nuit. Le premier gratte-ciel new-yorkais, le Woolworth Building, en style néoclassique, fut achevé en 1913, et le American Telephone and Telegraph Building (1924) comportait des colonnes ioniques et doriques et un hypostyle dorique classique avec une frise. L’American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combine des éléments modernes gothiques et déco dans la conception du bâtiment. La brique noire sur la façade du bâtiment (symbolisant le charbon) a été choisie pour donner une idée de la solidité et donner au bâtiment une masse solide. D’autres parties de la façade étaient recouvertes de briques dorées (symbolisant le feu) et l’entrée était décorée de marbre et de miroirs noirs. Un autre gratte-ciel Art Déco fut le Guardian Building de Detroit, inauguré en 1929. Conçu par le moderniste Wirt C. Rowland, le bâtiment fut le premier à utiliser l’acier inoxydable comme élément décoratif et l’utilisation intensive de motifs colorés à la place des ornements traditionnels.

L’horizon de New York a été radicalement changé par le Chrysler Building à Manhattan (achevé en 1930), conçu par William Van Alen. C’était une publicité gigantesque de soixante-dix-sept étages pour les automobiles Chrysler. Le sommet a été couronné par une flèche en acier inoxydable, et a été décoré par déco « gargouilles » sous la forme de décorations de bouchon de radiateur en acier inoxydable. La base de la tour, trente-trois étages au-dessus de la rue, était décorée de frises colorées art déco, et le hall était décoré de symboles art déco et d’images exprimant la modernité.

Le bâtiment Chrysler a été suivi par l’Empire State Building par William F. Lamb (1931) et le RCA Building (maintenant le Comcast Building) au Rockefeller Center, par Raymond Hood (1933) qui ont complètement changé l’horizon de New York. Les toits des bâtiments étaient décorés de couronnes Art Déco et de flèches recouvertes d’acier inoxydable, et, dans le cas du Chrysler, de gargouilles Art déco aux ornements de radiateurs, tandis que les entrées et les halls étaient richement ornés de sculptures Art déco, céramique et design. Des bâtiments semblables, mais pas aussi grands, sont apparus bientôt à Chicago et dans d’autres grandes villes américaines. Le bâtiment Chrysler a été bientôt dépassé en hauteur par l’Empire State Building, dans un style déco légèrement moins somptueux. Rockefeller Center a ajouté un nouvel élément de design: plusieurs grands bâtiments regroupés autour d’une place ouverte, avec une fontaine au centre.

Art déco tardif
En 1925, deux écoles concurrentes différentes coexistent au sein de l’Art Déco: les traditionalistes, qui ont fondé la Société des Artistes Décoratifs; le créateur de mobilier Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, le sculpteur Antoine Bourdelle et le designer Paul Poiret; ils combinaient des formes modernes avec l’artisanat traditionnel et des matériaux coûteux. De l’autre côté se trouvaient les modernistes, qui rejetaient de plus en plus le passé et voulaient un style basé sur les progrès des nouvelles technologies, la simplicité, le manque de décoration, les matériaux peu coûteux et la production de masse. Les modernistes ont fondé leur propre organisation, l’Union française des artistes modernes, en 1929. Ses membres comprenaient les architectes Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier, et, en Union soviétique, Konstantin Melnikov; la créatrice irlandaise Eileen Gray et la créatrice française Sonia Delaunay, les bijoutiers Jean Fouquet et Jean Puiforcat. Ils ont violemment attaqué le style traditionnel de l’art déco, qui, selon eux, était créé uniquement pour les riches, et insisté sur le fait que des bâtiments bien construits devraient être disponibles pour tous, et que cette forme devrait suivre la fonction. La beauté d’un objet ou d’un bâtiment résidait dans le fait qu’il était parfaitement propre à remplir sa fonction. Les méthodes industrielles modernes signifiaient que les meubles et les bâtiments pouvaient être fabriqués en série et non fabriqués à la main.

L’architecte d’intérieur Art Déco Paul Follot a défendu l’Art Déco de cette manière: «Nous savons que l’homme ne se contente jamais de l’indispensable et que le superflu est toujours nécessaire … Sinon, il faudrait se débarrasser de la musique, des fleurs et parfums..! » Cependant, Le Corbusier était un publiciste brillant pour l’architecture moderniste; il a déclaré qu’une maison était simplement «une machine à vivre», et a inlassablement promu l’idée que l’Art déco était le passé et que le modernisme était l’avenir. Les idées de Le Corbusier ont été progressivement adoptées par les écoles d’architecture, et l’esthétique de l’Art déco a été abandonnée. Les mêmes caractéristiques qui ont fait la renommée de l’Art Déco au début, son artisanat, ses riches matériaux et son ornement, ont conduit à son déclin. La Grande Dépression qui a débuté aux États-Unis en 1929 et a atteint l’Europe peu après, a considérablement réduit le nombre de clients aisés qui pouvaient payer pour l’ameublement et les objets d’art. Dans le climat économique de la dépression, peu d’entreprises étaient prêtes à construire de nouveaux gratte-ciels. Même la firme Ruhlmann a eu recours à la production de meubles en série plutôt qu’à des articles individuels faits à la main. Les derniers bâtiments construits à Paris dans le nouveau style étaient le Musée des Travaux Publics d’Auguste Perret (devenu le Conseil Economique, Social et Environnemental français) et le Palais de Chaillot par Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu et Léon Azéma, et le Palais de Tokyo de l’Exposition internationale de Paris en 1937; ils regardaient le grandiose pavillon de l’Allemagne nazie, conçu par Albert Speer, qui faisait face au pavillon socialiste-réaliste tout aussi grandiose de l’Union soviétique de Staline.

Après la Seconde Guerre mondiale, le style architectural dominant devint le style international mis au point par Le Corbusier et Mies Van der Rohe. Une poignée d’hôtels Art déco ont été construits à Miami Beach après la Seconde Guerre mondiale, mais ailleurs le style a largement disparu, sauf dans le design industriel, où il a continué à être utilisé dans le style automobile et des produits tels que les juke-box. Dans les années 1960, il a connu une modeste reprise académique, en partie grâce aux écrits d’historiens de l’architecture tels que Bevis Hillier. Dans les années 1970, des efforts ont été faits aux États-Unis et en Europe pour préserver les meilleurs exemples d’architecture Art déco, et de nombreux bâtiments ont été restaurés et réaménagés. L’architecture postmoderne, apparue dans les années 1980, comme l’Art Déco, comporte souvent des éléments purement décoratifs. Deco continue d’inspirer les designers, et est souvent utilisé dans la mode contemporaine, des bijoux et des articles de toilette.