입체파 조각품은 입체파 회화와 병행하여 개발되었으며, 파리에서 1909 년경부터 입체파 입문 단계로 시작하여 1920 년대 초반까지 진화했다. 큐비 스트 (Cubist) 그림과 마찬가지로 입체파 조각은 폴 세잔 (Cézanne)의 칠한 물체를 구성 평면과 기하학적 인 고형물로 축소시키는 데 뿌리를두고 있습니다. 큐브, 구체, 원뿔 및 원뿔. 다른 방식으로 시각적으로 해석 될 수있는 대상의 단편과면을 제시하면 대상의 ‘구조를 드러내는’효과가있었습니다. 입체파 조각은 기본적으로 구형, 평평한 및 쌍곡선 표면의 관점에서 볼륨 또는 질량의 시점을 이동하여 비 유클리드 기하학 언어로 3 차원 객체를 동적으로 렌더링합니다.

역사
입체파와 같은 현대 운동에 대한 역사적 분석에서 조각품이 그림 뒤에 뒤따 랐음을 제안하는 경향이있었습니다. 입체파 운동의 개별 조각가에 대한 글은 흔히 발견되며, 입체파 조각에 관한 글은 그림을 전제로하고 조각품을 지원하는 역할 만합니다.

우리는 더 잘 알려져 있습니다, 페넬로페 커티스 (Penelope Curtis)는 “입체파 내에서 조각적인 것을 보는 것입니다. 큐비 스트 회화는 외부 세계의 거의 조각적인 번역이고 관련 조각은 큐비 스트 회화를 준 현실로 변환합니다.” 1910 년까지도 그림과 조각을 분리하려는 시도는 매우 어렵습니다. “화가가 자신의 목적을 위해 조각을 사용했다면 조각가도 새로운 자유를 개발했습니다”라고 Curtis는 말합니다. “우리는 조각가가 회화의 담론에서 가져온 것과 그 이유를 살펴 봐야합니다. 조각이 확장되고, 그림의 영토를 밀렵하는 과정을 시작하는 과정의 시작은 금세기에 꾸준히 더 눈에 띄게되었습니다. ”

점점 화가들은 그림에 대한 문제 해결의 조각 수단을 요구합니다. 예를 들어 1911 년 Braque의 종이 조각은 그림의 관용구를 명확히하고 풍성하게하기위한 것이었다. “이것은 커티스 (Curtis)에 따르면, 우리는 회화를 통해 조각품을 보았을뿐 아니라 화가를 조각품으로 보는 경향조차했다. 이는 주로 고갱, 드가, 마티스, 피카소를 화가로서 볼 때도 그렇다. 조각품이기도하지만, 조각품은 종종 조각품만큼 그림의 가치가 높기 때문에. ”

회화 란 망막으로 드러난 세계의 3 차원 입체감을 포착하고 2 차원 물체로서의주의를 그려서 묘사와 묘사를 모두 의미합니다. 피카소의 1909-10 여성 (페르난데 (Pernande) 대장)의 머리는 종종 최초 입체파 조각으로 간주됩니다. 그러나 커티스 (Curtis)는 “큐비즘이 조각에서보다 어떻게 3 차원을 표현할 것인가를 2 차원으로 보여준 그림에서 큐비주의가 더 흥미 롭다는 것을 주로 드러 냈습니다. 피카소의 한 여성의 머리는 1909 년 이후의 회화보다 덜 모험적이었다.

피카소의 1909-10 헤드는 얼굴과 머리카락을 구성하는 다양한 표면이 날카로운 각도로 만나게되는 불규칙한 파편으로 분해된다는 점에서 초기 입체파의 특징을 지니고있다. ‘큐빅 스 조각 (Cubist sculpture)’이라고 정의 할 수있는 것을 정의하기는 어렵지만, 헤드의 기본 볼륨을 실제적으로 읽을 수 없게 만듭니다. 이 패싯은 분명히 피카소의 1909-10 년 그림의 깨진 비행기의 2 차원에서 3 차원으로의 번역입니다.

미술 사학자 인 더글라스 쿠퍼 (Douglas Cooper)에 따르면, “최초의 진정한 입체파 조각품은 1909-10 년에 모델화 된 피카소의 인상적인 여성의 머리카락이었습니다. 당시 3 차원 적으로 비슷한 그림과 머리를 가진 비슷한 머리를 가지고있었습니다.”

입체파 화가 들과는 대조적으로 입체파 조각가들은 ‘시공간’에 대한 새로운 예술을 창안하지 않았다. 평평한 그림과는 달리 용적 성질의 높은 구호 조각은 절대로 하나의 시점으로 제한 될 수 없습니다. 그러므로 피터 콜린스 (Peter Collins)가 강조한 것처럼 회화와 같은 입체파 조각은 단일 관점에 국한되지 않는다고 말하기는 터무니 없습니다.

입체파 조각상의 개념은 조지 해드 해밀턴 (George Heard Hamilton)의 글에서 “역설적 인 것처럼 보일지 모른다.”라고 말하면서 “입체파 입체파의 상황은 입체적으로 보거나 표현하는 것이 이론적으로 불가능한 다차원 공간의 2 차원 표면에 대한 표현이기 때문” 실제 공간의 그림 그림에서 그것의 공간 실현으로 이동하려는 유혹은 저항 할 수없는 것으로 판명되었습니다. ”

이제 고전적인 소실점 관점에 의해 가정 된 시간의 한 순간에 포착 된 공간의 고정 좌표 사이의 1 대 1 관계에서 해방 된 입체파 조각가는 동시성의 개념을 자유롭게 탐구 할 수있게되었고, 연속적인 시간 간격에서 포착 된 공간에서의 위치는 예술의 단일 3 차원 작업 범위 내에서 묘사 될 수있다.

놀랍게도 놀랍게도 John Adkins Richardson은 다음과 같이 썼습니다. “[입체주의] 운동에 참여한 예술가들은 혁명을 일으켰을뿐만 아니라 그것을 능가했고, 다른 스타일의 놀라운 범위와 비평 성을 창출했으며, 심지어 새로운 것을 고안했습니다 조각과 도예에서의 형식과 기법 “을 포함한다.

“Cubists sculpture”는 더글라스 쿠퍼 (Douglas Cooper)가 썼다. “다른 경로를 따르기 때문에 회화와는 별도로 논의되어야한다.

“하지만 조각가와 화가는 키가 없거나 비례하지 않는 일을함으로써 타인의 작품이 평형을 잃는 경우가 드물지 않습니다.” (Arthur Jerome Eddy)

예술 사학자 크리스토퍼 그린 (Christopher Green)이 지적한 바와 같이, 사물이나 대상의 특징을 표현하기위한 분기점의 사용은 모든 입체파의 관행에서 중심적인 요소가되었으며, “입체파 예술은 지각 “. Jean Metzinger와 Albert Gleizes는 비평가 Maurice Raynal의 저서와 함께 1912 년 저서에서이 주장에 대한 강조에 가장 큰 책임이있다. Raynal은 Metzinger와 Gleizes가 말한 것처럼 다중성에 찬성하여 고전적 관점을 거부하는 것이 인상주의를 특징 짓는 ‘순간 성’과 틈을 나타냈다 고 주장했다. 마음은 이제 세계의 광학 탐사를 감독했습니다. 회화와 조각은 더 이상 단순히 눈을 통해 생성 된 감각을 기록하지 않습니다. 그러나 예술가와 관찰자 모두의 지성으로부터 나온 것이다. 이것은 세계 여러 측면을 탐구하는 모바일 및 동적 조사였습니다.

원시 입체파 조각
입체파 조각의 기원은 큐비스트 페인팅의 기원과 같이 다양합니다. 한 가지 출처가 아닌 다양한 영향, 실험 및 상황에서 기인합니다. 고대 이집트, 그리스, 아프리카만큼 뿌리가 내려진 원시 큐비스트 시대 (회화와 조각 모두를 그린)는 형상의 기하학을 특징으로합니다. 그것은 본질적으로 3 차원 적 형태로 1911 년 봄 큐리오 (Cubism)로 알려진 미술 운동의 실험적이고 탐구적인 첫 단계이다.

고전에서 현대 조각으로의 전환을 특징 짓는 영향은 다양한 예술적 움직임 (포스트 인상주의, 상징주의, 레 나비와 신 인상주의)에서부터 오귀스트 로댕, 아리스티드 마이 올, 앙투안 부르 델, 찰스 데스 피아 우 Edgar Degas, Paul Cézanne, Georges Seurat, Paul Gauguin (아프리카 미술, 이집트 미술, 고대 그리스 미술, 해양 미술, 아메리카 원주민 예술, 이베리아 도식 미술)

큐비즘이 출현하기 전에 예술가들은 르네상스 이후 예술에 내재 된 형식의 치료에 의문을 제기했다. 유진 드라크루아 (Eugène Delacroix)는 낭만 주의자였으며 귀스타브 쿠르 베트 (Gustave Courbet) 현실 주의자였으며 거의 ​​모든 인상주의 화가들이 고전주의를 즉각적인 감각에 사로 잡았다. 이 예술가들이 선호하는 역동적 인 표현은 정적 인 전통적인 표현 수단에 도전을 제기했습니다.

그의 1914 년 입체파와 포스트 인상주의에서 Arthur Jerome Eddy는 Auguste Rodin과 포스트 인상주의와 큐비즘에 대한 그의 관계를 언급한다.

진실은 우리가 꿈꾸는 것보다 위대한 회화에서 입체파가 더 많다는 것입니다. 큐비 스트의 낭비는 우리가 항상 이해하지 못한 채 느낀 아름다움에 우리의 눈을 열어주는 역할을합니다.

예를 들어, 윈 슬로우 호머 (Winslow Homer)의 가장 강한 것을 생각해보십시오. 강점은 작가가 장면과 사람들의 사진 재현에서 크게 벗어난 선과 덩어리로 인상을 주었던 크고 근본적인 방식에있다.

로댕의 청동은 큐비스트 조각에서 폭력적인 극단으로 밀려 난 자질과 같은 동일한 기본 자질을 보여줍니다. 그러나 우리가 눈을 깜빡이고 문지르면 이러한 극단적 인 극단, 매우 사치스러운 것이 결국 로댕의 작품에 대한 더 나은 이해와 감사로 끝난다는 것은 진실로 진실이 아닐까요?

그의 발자크는 심오한 의미에서 그의 가장 거대한 작품이며, 동시에 그의 가장 기본적인 것입니다. 그것의 단순함에서, 비행기와 대중의 사용에있어서, 그것은 단지 일러스트레이션의 목적으로 만 말할지도 모른다. 입체파. 입체파의 낭비가 없다. 순전히 포스트 인상주의입니다.

Paul Gauguin, 1894, Oviri (Sauvage), 부분적으로 윤기 나는 석기, 75 x 19 x 27 cm, 파리 오르세 미술관. Oviri의 테마는 죽음,야만, 야생입니다. Oviri는 그녀의 새끼에게서 생활을 분쇄하고있는 동안 죽은 그녀 늑대에 선다. Gauguin이 Odilon Redon에게 쓴 것처럼, 그것은 “죽음의 삶”의 문제입니다. 뒤에서 오비리는 오거 로댕의 발자크처럼 보입니다. 발자크는 창의성을 상징합니다.

몇 가지 요소가 표현 예술 형식에서 점차 추상적으로 변하는 것을 동원했다. 폴 세잔 (Paul Cézanne)의 작품과 실린더, 구체 및 원뿔에 대한 자연의 해석에서 가장 중요한 요소가 발견 될 것입니다. Cézanne은 기하학적 구조를 단순화하려는 경향 외에도 볼륨 및 공간 효과를 렌더링하는 데 관심이있었습니다. 그러나 Cézanne의 고전주의와의 차이점은 중첩 된 쉬프팅면, 겉으로보기에 임의의 윤곽선, 대비 및 값을 조합하여 평면 패싯 효과를 생성하는 표면 변형 (또는 변조)의 복잡한 처리에 가장 잘 요약 될 수 있습니다. 추후의 작품에서 Cézanne은 더 크고, 더 강하고, 더 임의적 인 패 시팅을 통해보다 역동적이고 점점 추상적 인 결과를 얻어보다 큰 자유를 얻습니다. 색상면이보다 공식적인 독립성을 획득함에 따라 정의 된 객체와 구조는 그 정체성을 잃기 시작합니다.

파리에서 일하는 전위 예술가들은 1904 년 Salon d’ Automne에서 회화를 회고 한 후 Cézanne과 관련하여 자신의 작품을 재평가하기 시작했으며 1905 년과 1906 년 Salon d’ Automne에서 그의 작품을 전시했다. 1907 년 사망 한 후 두 차례의 기념 회고전이있었습니다. 다양한 문화의 영향과 함께 세잔의 작품이 가져온 영향은 예술가들 (알렉산더 아르 키펜 코, 콘스탄틴 브랑 쿠시, 조르주 브라크, 조셉 챠시, 로버트 Delaunay, Henri le Fauconnier, Albert Gleizes, Fernand Léger, Jean Metzinger, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso)는 입체파의 다양한 형태로 전환했다.

그러나 입체파 화가들과 조각가들이 다중 관점의 사용과 비행기 측면에서의 형태의 묘사에 의해 생성 된 왜곡을 과장하여 극한은 Paul Cézanne의 늦은 작품으로, 예술가 간의 공식 전략과 관계에 근본적인 변화를 가져왔다. 그리고 Cézanne이 예상하지 못한 주제.

아프리카, 이집트, 그리스 및 이베리아 예술
아프리카 미술, 키 클라 데스 미술, 해양 미술, 미주 예술, 고대 이집트 예술, 이베리아 조각 및 이베리아 도식 예술 등 선사 시대 미술에 대한 노출이 증가하고 예술에 대한 노출이 증가했습니다. Paul Gauguin, Henri Matisse, André Derain, Henri Rousseau 및 Pablo Picasso와 같은 예술가는 이러한 문화에 의해 제작 된 예술 작품의 탁월한 힘과 문체 단순성에서 영감을 얻었습니다.

1906 년경, 피카소는 거트 루드 스타 인을 통해 마티스를 만났습니다. 두 예술가가 최근에 부족 예술, 이베리아 조각 및 아프리카 부족 마스크에 관심을 갖게되었습니다. 그들은 친근한 경쟁자가되었고, 자신의 경력을 통해 서로 경쟁하여 아마도 민족주의 예술의 영향을받은 1907 년까지 피카소가 새로운 시대에 들어서게되었습니다. 1907 년의 피카소 그림은 입체파의 선구자 인 Les Demoiselles d’ Avignon과 같은 원시 큐비즘으로 특징 지어졌습니다.

엘 그레코를 연상시키는 표현적인 특징과 함께 해부학 적 단순화를 도입 한 아프리카의 영향은 일반적으로 피카소의 입체파 입체파의 시작점으로 여겨진다. 그는 Palais du Trocadero의 민족 지학 박물관을 방문한 후 Les Demoiselles d’ Avignon의 연구를 시작했습니다. 그러나 그것이 전부는 아니 었습니다. 심벌리스트들의 영향을 제외하고 피에르 다이 스는 신화의 주제에 관한 클로드 레비 스트라우스의 사상과 작품에 관한 공식 입장에서 피카소의 입체주의를 탐구했다. 그리고 의심 할 여지없이 의심 할 바없이, Podoksik을 쓴다. 피카소의 원형 – 입체주의는 사건과 사물의 외형에서 나온 것이 아니라 심령의 가장 깊은 층으로부터의 위대한 정서적 본능적 감정에서왔다.

유럽의 예술가 (그리고 예술 수집가)는 원시적 인 표현의 속성으로 정의 된 그들의 문체 적 특징을 위해 다른 문화권의 대상을 고소했다. 고전적 관점의 부재, 단순한 외곽선과 모양, 상형 문자를 포함한 상징적 기호의 존재, 정서적 인 왜곡 및 생성 된 역동적 인 리듬 반복적 인 장식 패턴.

이것들은 피카소뿐만 아니라 원시 큐비스트 단계를 거친 파리 전위 예술가들의 많은 것을 끌어 당기는 아프리카, 오세아나, 미주 지역의 시각 예술에 깊은 인상을 심어주는 문체 적 속성이었습니다. 일부는 기하학적 추상화의 문제에 대해 더 깊이 파고 드는 반면, 큐빗 (Cubist)으로 알려지면서, 데인 (Derain)과 마티스 (Matisse)와 같은 다른 사람들은 다른 경로를 선택했습니다. 그리고 Brâncuşi와 Modigliani와 같은 다른 사람들은 입체파와 함께 전시했지만 입체파로 분류하는 것을 거부했습니다.

The Rise in Cubism Daniel Henry Kahnweiler는 아프리카 예술과 입체파 그림과 조각 사이의 유사점에 대해 썼습니다.

1913 년과 1914 년 브라케 (Braque)와 피카소 (Picasso)는 회화와 조각을 융합시킴으로써 회화에서 여전히 어느 정도까지 지속되어 왔던 치아 크로 셰로 (chiaroscuro)로서 색의 사용을 제거하려고 시도했다. 한 비행기가 어떻게 위의 두 번째 비행기 앞에 서있는지를 그림자를 통해 보여 주어야하는 대신 이제는 비행기를 서로 겹쳐 놓고 직접 관계를 설명 할 수 있습니다. 이 작업을 처음 시도하면 훨씬 뒤로 돌아갑니다. 피카소는 이미 1909 년에 그런 기업을 시작했지만 닫힌 형태의 한계 내에서 그 일을했기 때문에 실패 할 운명이었다. 그것은 일종의 착색 한 bas-relief를 가져왔다. 열린 평면 형태에서만이 회화와 조각의 결합이 이루어질 수있었습니다. 현재 편견에도 불구하고,이 노력은 두 예술의 협력을 통해 플라스틱 표현을 증가 따뜻하게 승인해야합니다; 조형 예술의 풍요 로움은 그로부터 생기는 것이 확실합니다. 립 차이츠 (Lipchitz), 로렌스 (Laurens), 아키펜 코 (archipenko)와 같은 많은 조각가들이이 조각 그림을 들고 발전시켜 왔습니다.

이 형식은 조형 예술의 역사에서 전혀 새로운 것이 아닙니다. 아이보리 코스트의 흑인들은 댄스 마스크에서 매우 유사한 표현 방식을 사용했습니다. 이들은 다음과 같이 구성됩니다. 완전히 평평한면이 얼굴의 아래 부분을 형성합니다. 이것에 높이 이마가 합쳐 지는데, 이마는 때때로 평평하고 때로는 약간 뒤쪽으로 구부러진 다. 코가 나무의 단순한 스트립으로 추가되는 동안, 두 개의 실린더가 약 8 센티미터로 돌출되어 눈을 형성하고, 약간 더 짧은 육면체가 입을 형성합니다. 원통과 정면의 정면이 칠해져 있고, 머리카락은 라피아로 표현되어있다. 양식이 아직 닫혀있는 것은 사실입니다. 그러나 그것은 “진짜”형식이 아니라 오히려 단단한 원시 시대의 힘의 형식적인 계획이다. 여기서도 우리는 형태의 도식과 “실제 세부 사항”(색칠 한 눈, 입 및 머리)을 자극으로 찾습니다. 구경꾼의 마음에있는 결과, 원하는 효과는 인간의 얼굴입니다. ”

페인팅과 마찬가지로 입체파 조각은 폴 Cézanne이 다양한 문화의 예술과 함께 구성 요소 평면과 기하학적 인 입체 (큐브, 구, 원통 및 원뿔)로 페인트 된 객체를 축소하는 데 기반을두고 있습니다. 1908 년 봄, 피카소는 입체적 형태의 표현과 공간에서의 2 차원 표면상의 위치에 대해 연구했다. “피카소는 콩고 조각상과 흡사 한 그림을 그렸다”고 칸 흐빌러는 썼다. “아직도 가장 단순한 형태의 생명체들.이 작품에 대한 그의 견해는 세잔느의 견해와 비슷하다.”

입체파 스타일
입체파의 다양한 스타일은 조르주 브라케 (Jorges Braque)와 파블로 피카소 (Pablo Picasso)의 공식 실험과 관련되어 있으며, 칸화 빌러 (Kahnweiler) 갤러리에서만 전시되었습니다. 그러나 입체파에 대한 또 다른 현대의 견해는 (Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Fernand Léger, Alexander Archipenko, Joseph Csaky) 공표 된 살롱 입체파에 대한 반응으로 어느 정도 형성되었다. 브라케 (Braque)와 피카소 (Picasso)와는 별개로 그들에게는 단지 부차적 인 것으로 간주됩니다. 입체파 그림과 마찬가지로 입체파 조각은 정의하기가 어렵습니다. 입체파는 일반적으로 스타일, 특정 집단의 예술 또는 특정 운동으로도 확실히 불릴 수는 없습니다. “다양한 예술 작품에 적용하여 널리 다른 작업을 포용합니다.” (크리스토퍼 그린)

몽 빠르 나스에서 일하는 아티스트 조각가는 비 유클리드 기하학의 언어를 신속하게 채택하여 관측점과 볼륨 또는 질량을 연속 곡선 또는 평평한면과면으로 이동하여 3 차원 객체를 렌더링했습니다. 알렉산더 아르 키펜 코 (Alexander Archipenko)의 1912 년 워킹 우먼 (Walking Woman)은 추상적 인 공허 (void)가있는 최초의 현대 조각, 즉 가운데에 구멍이있는 것으로 인용되었습니다. Archipenko를 따르는 Joseph Csaky는 큐비스트에 입사 한 최초의 조각가로서 1911 년부터 전시했습니다. 그들은 Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)에 합류했다. 그의 경력은 군 복무 중 사망했을 때 짧았으며, 1914 년에는 Jacques Lipchitz, Henri Laurens, 나중에 Ossip Zadkine이했다.

Herbert Read에 따르면, 이것은 대상의 “구조를 드러내거나”다른 방식으로 시각적으로 해석 될 대상의 단편과면을 제시하는 효과가 있습니다. 이 두 가지 효과는 모두 조각으로 옮깁니다. 예술가 자신이이 용어를 사용하지 않았지만 조각에서 “분석적 입체파”와 “합성 큐비즘”의 차이를 볼 수 있다고 Read (1964)는 말합니다. “피카소와 브라크의 분석 입체파에서, 평면의 기하학적 화는 표현 된 모티프의 공식적인 구조를 강조하는 것이고, Juan Gris의 합성 입체파에서 확실한 목적은 효과적인 형식적인 패턴을 만드는 것이다. 기하학적 화는이를위한 수단이다. ”

알렉산더 아르 키펜 코
Alexander Archipenko는 1908 년 파리에 도착했을 때 루브르 박물관에서 이집트인과 고대 그리스인을 연구했습니다. Barr에 따르면 그는 “입체파 조각상의 문제에 대해 진지하고 일관되게 일할 것”이라고 “처음”했습니다. “영웅”(1910)이라는 제목의 몸통은 피카소의 Les Demoiselles d’ Avignon과 같은 문체로 등장하지만 “정력적인 3 차원 비틀림에서는 완전히 입체파 그림과 무관합니다.” (Barr)

Joseph Csaky
Joseph Csaky는 1908 년 여름 자신의 헝가리에서 파리에 도착했습니다. 1908 년 가을, Csaky는 Cité Falguière에서 형제들과 함께 Brummer Gallery를 연 헝가리 인 Joseph Brummer와 스튜디오 공간을 공유했습니다. Brummer는 3 주 만에 Csaky가 진행하고있는 조각품 인 콩고 출신의 아프리카 조각품을 보여주었습니다. Brummer는 Csaky에게 파블로 피카소라는 이름의 스페인 인 파리의 다른 예술가가 ‘흑인’조각품의 정신으로 그림을 그렸다 고 말했다.

레이몬드 뒤샹 – 빌론
다양한 가봉 (Gabon) 조각의 마스크와 같은 토템 특성 사이에 약간의 비교가 가능하지만, 원시 예술은 Raymond Duchamp-Villon의 작업에서 볼 수있는 보수적 인 프랑스 감각을 훨씬 능가했습니다. 반면에 고딕 양식의 조각품은 아프리카의 미술품 인 Derain, Picasso, Braque 및 기타와 유사한 방식으로 인간 표현의 새로운 가능성을 표현하기위한 추진력을 Duchamp-Villon에 제공 한 것으로 보인다.

자크 립 치츠
Jacques Lipchitz (1911-1912)의 초기 조각품은 Aristide Maillol과 Charles Despiau의 전통에서 수행 된 전통적인 초상화와 인물 연구였습니다. 그는 흑인 조각에 대한 주기적 언급과 함께 1914 년 큐비즘으로 진보했다. 그의 1915 년 Baigneuse는 Gabun의 인물과 비교됩니다. 1916 년에 그의 인물은 1912-1915 년의 브람 쿠시 (Brâncuşi)의 조각보다 덜 추상적이었습니다. 1916 년 Lipchitz의 Baigneuse Assise (70.5cm)는 Csaky의 1913 년 Figure de Femme Debout을 연상케하며, 1913 년 봄에 Salon des Indépendants에서 파리에서 전시 된 1913 년 (Habillée 그림) (80cm)과 동일한 건축술 렌더링 어깨, 머리, 몸통, 하체의 두 피라미드, cylidrical 및 구형 기둥 armature. 피카소와 브라크의 작품 중 일부는 사실상 구별 할 수없는 것처럼 Csaky와 Lipchitz 조각품도 있고, Csaky의 Lipchitz 이전 작품은 3 년 전입니다.

앙리 로렌스
조셉 체시 (Joseph Csaky)의 원추형, 원통형 및 구형으로 구성된 1911-14 년의 조각상을 보면 얼마 지나지 않아 프랑스 조각가 인 앙리 로렌스 (Henri Laurens)가 2 차원 형태를 입체적으로 변형시킨 작품을 만들었습니다. 그는 1911 년 Braque를 만났고 1912 년 Salon de la Section d’ Or에서 전시했지만 조각가로서의 성숙한 활동은 다양한 재료를 실험 한 후 1915 년에 시작되었습니다.

움베르토 보치 오니
Umberto Boccioni는 Archipenko, Brâncuşi, Csaky 및 Duchamp-Villon의 작품을 연구 한 후 1913 년 파리에서 미래파 조각 작품을 전시했습니다. Boccioni의 배경은 미래 주의자들의 동료들과 마찬가지로 회화에 있었지만, 다른 사람들과 달리 미래주의의 주제와 대기면을 조각에 맞게 조정하는 데 박차를 가했다. 보치 오니에게있어서, 육체적 운동은 절대적 운동과는 반대되는 상대적인 것이다. 미래파는 현실을 추상화하려는 의도가 없었다. Boccioni는 “우리는 자연에 맞서지 않는다.”라고 말하면서, “현실주의와 자연주의의 결백 한 후기 불평등자가 믿는 것처럼, 그러나 예술에 대항하여, 즉 움직이지 않는 것에 대하여”Boccioni는 썼다. 회화에서 흔히 볼 수 있듯이 이것은 조각에서 다소 새로운 개념이었습니다. 보치 오니 (Boccioni)는 카탈로그의 서문에서 미래파 조각의 첫 번째 전시를 위해 다양한 재료의 활용과 윤곽선의 가장자리에 회색과 검은 색 페인트를 칠함으로써 조각의 정지 상태를 무너 뜨리려는 소원을 밝혔다 (chiaroscuro를 나타 내기 위해). 보치 오니 (Boccioni)는 그림 개념에 밀착하여 메르도 로쏘 (Medardo Rosso)를 공격했지만, 립시 오츠는 3 차원으로 번역 된 미래파 그림과 마찬가지로 보치 오니의 ‘독특한 형태’를 구호 개념으로 묘사했습니다.

콘스탄틴 브랑 쿠시
Constantin Brâncuşi의 작품들은 Archipenko, Csaky, Duchamp-Villon과 같은 원형 큐비스트와 관련이있는 심각한 평면 패싯이 없기 때문에 다른 것들과 상당히 다르다. 그러나 공통점은 단순화와 추상적 표현에 대한 경향이다.

제 1 차 세계 대전
1915 년 6 월 젊은 현대 조각가 앙리 가우디에 브레 스카 (Henri Gaudier-Brzeska)는 전쟁에서 목숨을 잃었습니다. 그의 죽음 직전에 그는 편지를 써 런던의 친구들에게 보냈다.

나는 2 개월 동안 싸워 왔고 이제 나는 삶의 강도를 측정 할 수있다.

우리의 작은 작품 속에서 예술적 감정을 찾는 것은 어리 석다.

조각에 대한 내 견해는 절대적으로 동일합니다.

그것은 의사 결정의 의지와 소용돌이입니다.

나는 단지 표면의 배열로부터 나의 감정을 이끌어 낼 것이다. 나는 그들이 정의한 나의 표면, 비행기 및 선의 배열에 의해 나의 감정을 표현할 것이다.

독일인들이 견고하게 자리 잡고있는이 언덕처럼, 완만 한 경사면이 일몰에서 긴 그림자를내는 토공사로 인해 부숴 졌기 때문에 전적으로 불쾌한 느낌을줍니다. 동상에서 무엇이든지 정의 할 수있게됩니다. 그것의 사면에 따르면, 무한대로 변화했다.

나는 실험을했다. 이틀 전 나는 적으로부터 모 제르 라이플을 집어 넣었다. 그 무거운, 다루기 힘든 모양은 강력한 잔인 함의 이미지로 나를 압도했다.

그것이 나를 기쁘게하든 불쾌하게하든 나는 오랫동안 의문의 여지가 있었다.

나는 그것을 좋아하지 않는다는 것을 알았다.

나는 엉덩이를 부러 뜨 렸고, 칼로 나는 디자인에 조각을 썼다. 나는 이것을 통해 내가 선호하는 더 부드러운 느낌의 순서를 표현하려고 노력했다.

그러나 나는 디자인이 선과 비행기의 아주 단순한 구성에서 (총이 가지고있는 것처럼) 효과가 있다는 것을 강조 할 것이다. (Gaudier-Brzeska, 1915)
입체 예술의 실험은 독특한 회화 적 솔루션으로 조각품을 그림의 세계로 가져 왔습니다. 1914 년에는 조각품이 그림에 더 가깝게 옮겨져 공식적인 실험이되어 다른 조각과 분리 할 수없는 것이 분명해졌습니다.

1920 년대 초에는 스웨덴 (Bror Hjorth 조각가), 프라하 (Gutfreund와 그의 공동 작업자 인 Emil Filla), 그리고 소련 예술계의 적어도 두 명의 헌신적 인 “Cubo-Futurist”조각가들이 스웨덴에서 완성되었다. 모스크바의 학교 Vkhutemas (Boris Korolev와 Vera Mukhina).

그 움직임은 약 1925 년에 그 과정을 거쳤지 만 조각주의에 대한 입체파 접근법은 구성주의, 순수주의, 미래주의, Die Brücke, De Stijl, Dada, Abstract art의 관련 발달에 근본적인 영향을 미치는만큼 끝나지 않았다. , 초현실주의 및 아르 데코.