현대의 의미에서 코미디는 특히 극장, TV, 영화, 스탠드 업 코미디 또는 기타 엔터테인먼트 매체에서 웃음을 유발하여 유머러스하거나 재미있는 모든 담론 또는 저작물을 말합니다. 기간의 근원은 고대 그리스에서있다. 아테네 민주주의에서 유권자의 여론은 극장에서 만화 시인들이 수행 한 정치적 풍자에 영향을 받았다. 그리스 희극의 연극 장르는 재미있는 공포와 갈등 속에서 서로에 대해 두 그룹 또는 사회가 빠져 나오는 극적인 공연으로 묘사 될 수 있습니다. Northrop Frye는이 두 반대면을 “청소년의 사회”와 “늙은의 사회”로 묘사했습니다. 개정 된 견해는 상대적으로 힘없는 청년과 그의 희망에 장애가되는 사회적 협약 사이의 투쟁으로서 코미디의 본질적인 특징을 특징 짓는다. 이 투쟁에서 청년은 자신의 사회적 권위의 결여로 인해 압박당하는 것으로 이해되며, 웃음을 불러 일으키는 극적 아이러니를 창출하는 계략에 의존하지 않고 선택의 여지가 거의 없습니다.
풍자와 정치 풍자는 사람이나 사회 제도를 어리 석거나 부패한 것으로 묘사하는 코미디를 사용하여 관객을 유머의 대상에서 멀어지게 만듭니다. 패러디 (Parody)는 인기있는 장르와 형식을 뒤엎고, 반드시 그 형식을 비난하지 않고 비평합니다.
다른 형태의 코미디에는 인간 행동이나 인간 본성의 어두운 측면을 포함하는 유머의 한 형태로 특징 지어지는 기괴하고 놀랄만 한 상황이나 등장 인물 및 유머에서 유머를 이끌어내는 스크류 볼 코미디가 포함됩니다. 마찬가지로 유화 유머, 성적 유머 및 경마 유머는 사회적 관습이나 금기를 희극 방식으로 위반함으로써 희극을 만듭니다. 매너 코미디는 일반적으로 사회의 특정 부분 (일반적으로 상류 사회)을 취하고 유머를 사용하여 회원들의 행동 및 매너리즘을 모방하거나 풍자합니다. 낭만주의 희극은 유머러스 한 용어로 싹 트는 로맨스를 묘사하고 사랑에 빠지는 사람들의 약점에 초점을 맞춘 인기 장르입니다.
역사
그리스 – 고대 그리스 희극의 시작
기원전 6 세기로 돌아간 코미디와 비극. 서기와 기원전 5 세기. AD, Dionysus의 숭배와 관련된 종교적 기원을 가지고 있습니다.
“이 예배가 겨울의 슬픔을 축하하거나 장엄한 봄의 각성을 축하하기 위해 장례 희생이나 행복의 장엄함을 가져옴에 따라 성스러운 의식이 눈물의 드라마 나 기쁨의 비극으로 바뀌는 것을 볼 수있었습니다. 술취한 악당들의 행진과 팬과 사티스의 행렬은 마을을 통해 그들의 종교적인 카니발을 이끌었고, 축제의 라이센스를 사용하여 군중에게 전달 된 풍자적 인 아포스트로피의 찬송가를 중단 시켰습니다. 조금씩 조금씩이 라치들의 간극은 더욱 극적으로 이어집니다 농담을하는 사람들은 공격받은 캐릭터를 연기함으로써 풍자를 더 자극적으로 만든다.이 엔터테인먼트는 희극 풍자극의 장면으로 변한다. 이것은 코미디의 탄생지였다. ”
이러한 공연은 국가가 주최 한 파티에서 열립니다. 1 년에 두 번씩, 그들은 선발 된 세 명의 작가 사이의 경쟁에 시민들을 모은다. 의식의 3 일 동안, 이들은 각각 여러 조각을 나타냅니다. 따라서 대중은 아침부터 저녁 시간까지 약 15 번의 공연에 참석합니다. 극장을 보는이 방법은 특정 축제를 제외하고 우리가 현재 가지고있는 것과는 아주 다릅니다.
이 표현의 위치는 넓은 공간의 시청자를 수용 할 수있는 야외 건물입니다. 그 앞에는 신이 보이는 발코니가있는 장면이 있습니다. 또한 Dionysus 전용의 제단이 있고 (그리고 따라서 합창단을 위해 예약 된) 원형 공간 인 오케스트라 구덩이가 있습니다 (그러므로 배우와 “함께”위치하고 그들과 분리되어 있음).
합창단은 쇼 (노래)의 서정적 부분을 담당하는 합창단의 일정 수로 구성됩니다. 그는 배우 (주인공)의 시작에서 동행했고, 우리는 두 명의 다른 사람을 추가했습니다 : 중년부와 삼키기. 극장의 진화와 함께 서정적 인 부분은 대화에 찬성하여 줄어들었다.
그 당시에는 가면을 쓰고 모든 역할을 남성이 가지고 있습니다. 배우의 얼굴에는 미묘한 심리학과 감정의 뉘앙스가 톤과 제스처로 전달되지 않습니다. 배우들은 청중이 다양한 역할을 구별하는 데 도움이되는 색채가 풍부한 튜닉을 착용합니다. 그리스 연극은 프롤로그, 합창단 입구 ( “파로 도스”), 합창단의 찬송가에 의한 에피소드, 마지막으로 합창단 ( “엑소 디스”)의 종료 등의 특정 순간으로 구성됩니다. ).
코메디에서 문학의 시작
이솝 우화는 이솝에 기인 한 산문 중 우화의 집합을 가리키며 BC 7 세기 말과 6 세기 초에 살았던 그리스 작가이다. 광고. 그는 흑해 근처의 트라 스 출신이었다.
이솝 우화는 산문이고 간결했으며 라 폰테인은 Phèdre, Avianus, Charles Perrault와 같은 구절을 사용하여 가장 유명한 fabulists만을 지명했습니다.
페리클레스 시대의 아테네 코미디
5 세기 BC. 시인 크라 티노 스는 아테네 전체 민주주의 시대에 페리 클레스 (Pericles)의 세기 동안 정치적 반대의 제도로 올드 코미디 (Old Comedy)를 창안했다. 따라서 Old Comedy를 통해 극장은 트리뷴으로 변형됩니다.
우리가 Cratinos, Phrynichos the Comic, Eupolis, Pherecrates, Plato 만화, Crates, Phormis 등 다른 많은 것들을 보존하지 않았다면 우리는이 환상적인 드라마에 대한 충분한 아이디어를 줄 수있는 Aristophanes의 11 가지 조각을 가지고 있습니다 상상력과 시가 가득합니다.
이 조각들은 그러한 다양한 대상을 받아들이고 Thucydides의 역사보다 더 나은 아마 시대의 사건과 함께 강하게 어울려 그 당시의 아테네의 상황을 우리에게 알게합니다. ”
그러나 페리클레스의 세기가 끝나갈 무렵, 아테네의 자유와 낡은 희극은 사라지는 경향이 있습니다. 성격을 떠나기로 비난 한 정치에서 제외하고, 그녀는 사생활에서 새로운 문제를 추구하고, 인간의 열정, 횡단 및 유머러스의 일반적인 풍자에 붙인다. 그러나이 변태는 하루 안에 이루어지지 않습니다. 올드 코미디와 뉴 코미디 사이에는 미디엄 코미디라고 불리는 안티 펀, 유 블로스, 알렉시스의 전환기가 아주 분주했다. 시칠리아 장면처럼 신화의 에피소드를 위장하는 재미가있다. 이탈리아의 대중 코미디 (Commedia dell’arte에서 나중에 발견 될 것입니다)
마케도니아 군주 시대의 새로운 코미디
새로운 희극 (Nea라고도 함)은 기원전 5 세기 후반에 시작됩니다. 광고. 위대한 시인 인 메 낭더 (Menander)는 마침내 마케도니아 군주국이 마술과 성격의 진정한 희극을이 스케치에서 마침내 가져 왔을 때까지 우리가 오늘날 그것을 생각할 때가 거의 없었다.
Diphile과 Philemon은 Comedie Nouvelle의 주요 저자 인 Menander와 함께있었습니다.
도리 코미디
이 다른 종류의 그리스 희극은 메가 라 (Megara), 스파르타 (Sparta)와 같은 다양한 도리 안 도시에서 발전했습니다 … 도리안 코미디는 Epicharme, Phormis 및 Dinoloque의 세 시인으로 대표됩니다. 그것은 아테네의 희극과 같이 민주적 인 것이 아니었다. 두 명의 왕인 겔론과 히론에 의해 보호 받았다. 아테네의 구 코미디를 구별하는 정치 풍자의 정신에 이질적인 존재였다. 그것은 철학적 인 중력의 특성을 가지고 강 대한 사람들의 존경을 유지했다. 철학적 토론은 매우 중요했습니다.
로마 코미디
아테네와 마찬가지로 로마 극장에는 종교적 차원이 있습니다.이 표현은 바커스의 종파와 관련이 있습니다. 아테네와 마찬가지로 정치적 차원도 존재한다. 왜냐하면 연극이 경기 도중 또는 중요한 의식이 진행되는 동안 사람들을 모으기 때문이다. 노래, 춤, 음악은 여전히 텍스트와 함께 표시됩니다 – 극장은 “전체 쇼”입니다.
액세서리는 그리스 극장보다 더 많습니다. 무대 커튼이 나타나고, 의상이 때로는 호화로 우며 기계가 자랍니다. 마스크는 항상 존재합니다.
무대에서는 현대 감각의 “장식”이 없습니다. 몇 개의 문, 집 또는 궁전을 의미하며 때때로 신상품을 말하는 신을 드러내는 기계이기도합니다. 따라서 “deus ex machina”라는 표현이 사용됩니다.
로마 제국, 광대극, Atellane, 인기있는 호의를 누리고 Commedia dell’arte (마스크를 Commedia dell’arte의 현재 가면과 매우 유사하게 만든)에 있던 마스크 된 배우가 수행했습니다. 신 아테네 희극이 사용되기 전에 존재했다. 게다가, 로마 매너 (코마 디에고 토가 타, toga에서 연주 됨)의 그림에 헌정 된 코미디는 결코 아테네의 성공에 도달하지 못했습니다.
그리스 코미디 (New Athenian Comedy)는 Livius Andronicus (280 BC-204)가 가져 왔습니다. 계몽 된 인구는 그리스 희곡보다 더 많은 것을 원했다. 새로운 코미디는 로마로 수출되며, 코미디 팔리 아타 (iii)는 코리 디아 팔리 아타 (그리스의 드레스, 팔륨)를 착용하고 Plautus와 Terence에 의해 광범위하게 채택됩니다. 실제로 Plaute와 Terence (몰리에르 (Molière)를 포함하여 때때로 영감을 받았다)에서 보관 한 모든 조각은 그리스 코미디의 번역 일뿐입니다.
BC 12 월 82 일에 시작된 실라 (Sylla) 독재 정권 이래, 아테네는 마임으로 대체되었다. Plautus의 희극은 독일의 침략 때까지 제국 전역에서 재생되는 것을 중단하지 않았습니다.
따라서 연극 장르의 코미디는 유럽에서 로마 제국의 고대 유물로 발전했으며 로마 제국의 극장들이 비극을 겪었습니다.
로마 희극, 문학
그리스에서, 우화는 로마로 전달됩니다. Horace는 일부 비평가들이 Jean de La Fontaine의 버전보다 우월하다고 생각하는 Town Rat과 Field Rat (Satires, II)의 현저한 적응을 제안합니다. 그는 이솝과 마찬가지로 파키드러스가 뒤따를 것이며, 그는 투르크 인에서 태어 났으며 아우구스투스에 의해 해방되기 전에 노예가되었다. 우리는 그에게 6 권의 우화를 빚졌으며 그 중 첫 번째 책은 늑대와 어린 양으로 시작됩니다. 이 모음집은 전적으로 구절로 쓰여졌 고, Phèdre는 그 우화를 진정한 시적인 장르로 만들 것입니다. 그는 이솝을 라틴어로 번역하는 데 만족하지 않고, 원래 수집 한 126 개의 우화 중에서 이솝에서 절반을 직접 빌려 왔습니다. 이 우화가 일생 동안 영광을 얻지 못하더라도, Phèdre는 에뮬레이션 할 것입니다.
시인 바 브리 어스 (Phéridrus와 함께 헬라 시대의 로마 시대 현대인)는 그리스어로 된 esopic 우화를 다시 쓰고 구절을 그 안에 넣습니다. 그는 123 개의 우화로 이루어진 두 개의 콜렉션으로 알려져 있습니다.
우화의 유행은 그레코 – 로마 세계에서 자랍니다. 그리스 저자 루시앙 데 사모 세 (Lucien de Samosate) (120-180)의 우화에 대한 다양한 언급이 있는데, 특히 라 폰테인 (La Fontaine)과 플로리안 (Florian)을 비롯한 많은 우화에 대한 본질적 인 주제와 공통적 인 주제를 반대하는 춤추기 원숭이 6. 5 세기 로마의 시인 아비 아누 (Avianus)는 파예드라 (Phaedra)의 42 편의 적응을 허락했으나 다른 곳에서는 증명되지 않은 많은 사람들이 잘 구성되어있다. 그의 현대 그리스어 Aphthonios 산문에서 40 우화의 컬렉션을 떠났다.
라틴계 섹터를 통해 이솝 우화는 중세 시대를지나 수많은 후계자에게 영감을 불어 넣을 것입니다.
중세 유럽의 코미디
고대 문화의 붕괴 이후 중세 시대는 “코미디”라는 단어를 무시하고 많은 형태의 만화 영화를 재창조합니다. 극장은 거리 (거리 극장)에서 미스테리, 우화, 농담, 수줍음 또는 마임의 형태로 연주됩니다. 이 장르 중 일부는 고대 아테네와 같은 장르의 생존에 다소 영향을받습니다.
실제로 요술쟁이들의 전통과 성직자들 사이에서의 패러디 픽 엔터테인먼트의 맛은 중세 시대에 다양한 풍자적, 교훈적인 성격으로 표현되었습니다.
악마, 종교적 신비에 포함되어있다.
인기있는 일상 생활 (농부, 여성, 성직자, 고귀한 사람 등)의 특징 인 짧은 농담과 전통적 도덕의 배경에 대한 단순한 상황
(15 세기와 16 세기에 나타나는) soties는 “어리석은”(시간 전에 광대의 일종)과 풍자의 모든 자유를 사용합니다.
12 세기부터 부르주아 계급 (도시 주민)은 자신의 문학 작품을 가지고있다. 그것은 본질적으로 장난스럽고 그림 같은 것이지만, 실제로는 현실적입니다. 우리는 여전히 본질적으로 우화 (Estula, Greyhound and Serpent, Three Blind Compiègne), Reynard the Fox 그리고 나중에는 괴팍한 인물 (15 세기 Pathein의 Farce).
13 세기에이 극장은 마을의 녹색 또는 마을에서 공연됩니다. 관중은 “부르주아”(자치구의 주민)이며, 영주의 법원은 토너먼트, 발레 등의 쇼를 선호합니다.
14 세기와 15 세기에 쇼는 유료화됩니다. 결과적으로, 극장은 주 광장에서보다는 폐쇄 된 공간에서 점점 더 자주 연주됩니다. 중세 시대에 사용 된 세트는 거의 없었습니다. 때로는 장소를 나타내는 징후에 만족합니다. 그러나 “특수 효과”를 창출하기 위해 기계가 개발되고 있습니다.
중세 시대의 항상 Bouffon의 역할은 사람들을 웃게 만드는 것입니다. 그들은 즐겁게하고,가 use을 사용하며 때로는 조언자입니다. 가장 잘 알려진 왕과 영주의 바보입니다. 게다가, 15 세기 François Ier는 미친 학교를 만들었습니다.
휴머니즘 속의 프랑스 코메디
15 세기에 Rabelais는 Gargantua가 그의 작품에서 거친 말을 사용한 최초의 저자가되었다고 썼다. Pantagruel (1532)과 Gargantua (1534)와 같은 그의 주요 작품은 자이언트의 거장 캐릭터, 영웅 – 만화 패러디, 서사시와 기사의 로맨스를 담고 있지만 사실적이고 풍자적이며 철학적 인 소설은 현대 소설의 첫 번째 형태 중 하나로 간주됩니다.
1456 년에서 1460 년까지 희귀 한 코미디 작품 중 하나 인 ‘파셀린의 연극’이 발매되었습니다. 항상 15 세기는 남성의 사악함과 덕목과 사회의 결점을 나타내는 비 유적 인물을 특징으로하는 도덕성을 나타냅니다.
16 세기에 학자들은 인본주의적인 희극을 만들어 중세의 전통을 지키고 라틴 코미디의 근원으로 돌아 간다. 휴머니스트 코미디는 프랑스 연극 역사상 최초의 “정규 코미디”입니다. 이 이름은 로마 코미디의 모방으로 구성된 코미디를 의미하며, 현재의 어휘에 포함 된 “코미디”와 같은 용어로 지정된 시간의 농담, 젖꼭지, 모랄 리미트 및 기타 연극 게임과는 대조적으로 정식 규칙을 존중합니다. (그리고 1588 년에서 1594 년까지 파리 의회의 명령에 의해이 이름 아래에서 모두 금지 될 것입니다).
더욱이, Stuffing of Morality와 Sottie가 태어났다. Sottie는 특히 루이 12 세의 통치 아래 올드 아테네 코메디를 연상케한다.
16 세기 중반부터 프랑스의 쇠퇴에 빠져 든 어두운 희극
16 세기 중반, 신비 (즉, 가장 권위있는 연극 장르)가 금지됩니다. 실제로 교회는 믿음이 배우가 아닌 배우의 사업이되어야한다고 믿습니다. (극장은 현실에 대해 거짓말한다고 그를 비난하는 교회에 의해 블랙리스트에 올라 있습니다.) 따라서 약간의 저항에도 불구하고 극장은 쇠퇴하고있다. 이 예술의 재정의가 다시 일관성을 유지할 때까지 기다릴 필요가 있습니다.
르네상스 시대의 유럽 희극
르네상스 시대에 유럽 전역의 작가들은 극장과 적절한 라틴 코미디의 출처로 돌아가고 싶었습니다. “코미디”라는 용어는 라틴 코미디에서 영감을 얻은 코미디이며 공식 규칙을 존중하며 다양한 형태의 중세 코미디를 반대합니다.
15 세기 (이탈리아에서) 첫 번째 모델은 코미디 “일반”에 등장했으며, 16 세기에는 Aretino, Machiavelli (Mandrake) 및 Trissino가 뒤를 따랐다. 조만간 브루노 (Giordano Bruno, 샹들리에)와 루 자테 (Ruzzante)와 함께 이탈리아 희극이 눈에 띄고, 파두 안 방언으로 인기있는 장면을 연상케하며 코미디 델 발트의 즉흥 연주에서 그의 스타일을 찾습니다.
이탈리아 코미디
16 세기 이탈리아의 희극은 규칙적인 코미디를 대신하는 코미디 델라 르테 (Commedia dell’arte)를 보았다. 그 영향은 연극 기술의 진화에 상당한 영향을 미칠 것이다.
셰익스피어와 엘리자베스 시대 코미디
16 세기 말 영국의 코미디 Elizabethan은 셰익스피어가 지배적 이었지만, Ben Jonson, Francis Beaumont, Thomas Fletcher, Thomas Middlek, Thomas Dekker에서도 성공했습니다.
Elizabethan 희극은 현대 희극과 아주 다른 의미가있었습니다. 셰익스피어의 코미디는 해피 엔딩이 있으며 일반적으로 결혼하지 않은 캐릭터와 결혼하고 셰익스피어의 다른 부분보다 가볍고 스타일이 좋습니다.
스페인 희극
스페인 황금 시대 (스페인어의 Siglo de Oro)는 16 세기에서 17 세기까지 유럽의 스페인 문화 영향 기간입니다. 스페인과 라틴 아메리카의 스페인어권 국가에서 큰 문학 예술적 활력의시기입니다
16 세기 말의 스페인 희극 (주로 코메디어)은 세르반테스, 로페 데 베가, 칼데론 드 라 바르카, 모레토 카바나, 페르난도 데 로자 스와 함께 모든 종류의 음모를 구현하고 페드로 데 알라 콘과 함께 “코미디 (1652 년에 거짓말 쟁이와 함께) 피에르 코르네유 (Pierre Corneille)에게 직접적인 영감을 줄 것입니다.
스페인의 희극은 인간 마음의 진실보다는 오히려 음모에 대한 낭만적 인 관심으로 상상력을 사로 잡고 있습니다. 특성은 사라지고 지배적 인 열정에 흡수됩니다. 상상력이 우세하고 열정도 있습니다.
극장은 소설의 개연성과 인물의 진실에 대해 불안합니다. 사랑에 빠진 젊은 사랑의 라이더와 젊은 두 사람이 상연됩니다. 그들은 모든 종류의 장애, 유연하지 못한 부모, 질투하는 수호자, 치열한 라이벌, 계급의 거리로 구분됩니다. 복잡한 음모의 사건을 통해, 우리는 호기심 많은 관심과 함께 두 연인이 합류하려고 노력하는 노력과 노력을 따릅니다.
많은 사람들이 스페인어로 쓰인 가장 위대한 작품으로 여겨지는 돈키호테 (Don Quixote)는 유럽에서 처음으로 발표 된 소설 중 하나입니다. 이 소설은 작가가 살고있는 세상과 마찬가지로 미구엘 데 세르반테스 (Miguel de Cervantes)도 중세와 근대의 경계에 있습니다. 두 번째 책은 저자가 사망하기 1 년 전인 1615 년에 출판됩니다. 돈키호테 (Don Quixote)는 중세 소설이자 기사 적 소설이며, 당시 초기 시대의 소설이다. 이 책은 중세 풍자를 모방 한 것이 었으며 스페인 사회의 사회 구조에 대한 비판은 터무니없는 삶을 살았다. 돈 키호테 (Don Quixote)는 문학사에서 중요한 이정표이며, 우리가 제공하는 해석은 여러 가지 순수한 만화 풍자, 사회적 풍자, 정치 분석입니다.
현대 세르반테스, 드라마로 유명한 극작가 로페 데 베가이 (특히 그 나라의 역사에 근거한 사람들). 그가 쓴 수많은 희곡에서 루퍼 데 베가 (Lope de Vega)는 예전의 도덕적 플레이를 유머러스하고 냉소적 인 작품으로 변형시킨 만화 방식 인 세르반테스 (Cervantes)를 채택했습니다. 그의 주요 목표는 청중을 산만하게하는 것입니다. 그가 도덕적 요소, 코미디, 드라마, 그리고 대중적인 천재를 만들어내는 혼합물은 그를 셰익스피어의 사촌으로 만든다. 그는 셰익스피어를 종종 비교 대상으로 삼는다. 사회의 비평가로서 로페 데 베가 (Lope de Vega)는 귀족 사회, 기사단, 예의 범절을 포함하여 세르반테스를 좋아합니다.이 두 작가는 Francisco Zurbarán의 금욕주의에 대한 예술적 대안을 구성합니다. 로페드 베가의 “외투와 검”조각, 모험, 낭만적 인 음모와 희극이 문학적 상속인 인 Pedro Calderón de la Barca에게 영향을줍니다.
17 세기 영국의 희극
Charles II는 Restoration의 코미디를 즐겼습니다.
유신의 희극은 18 세기 초반까지 영국의 유신 (1660 년) 이래로 쓰여진 희극의 종류를 가리킨다. Cromwell의 청교도 정권이 18 년간 공공 연극 공연을 금지 한 후, 1660 년에 극장을 재개하면 영어 극장이 재 탄생합니다. 이 기간의 시작 부분이 찰스 2 세의 왕좌에 가입함으로써 완벽하게 정의된다면 그 종료일은 다소 모호합니다. 그럼에도 불구하고 Charles Iin 1685의 죽음을 훨씬 능가한다. 엄격한 의미에서 Restoration의 종말을 의미하며, Jacques II와 William III 그리고 심지어 Anne의 통치에 침범한다.
17 세기 프랑스의 희극 재개
17 세기 초반의 클래식 극장 구현
프랑스에서는 17 세기 초에 몇 가지 진기함이 나타납니다. 사실, 코미디언의 직업은 비록 그것이 교회에 의해 경멸되고 의견의 일부분을 차지할지라도 점점 더 매료됩니다. 그리고 마침내 여성들이 무대에 올 수 있습니다.
1629 년 Pierre Corneille의 Melite가 등장합니다. 그는 30 년 만에 그가 묘사 할 연극 대사에 대한 비판적 마음과 가슴 아픈 마음에 기초한 코미디가 아닌 “로맨틱 코미디”의 새로운 형태와 “만화 작품”의 초판을 요구했습니다. 극단과 이탈리아 희극으로 알려진 희극 형태와는 거리가 먼 “정직한 사람들의 대화”.
1630 년에이 극장은 리슐리외 (Richelieu)의 공식 미술로 인정받습니다. 그리고 Richelieu 추기경의 고문 인 John Chaplain의 연극에 대한 편지에서 1630 년에 3 단위의 규칙이 추천되었다. 시간의 연극 언어의 많은 부분을 재조정하여 나중에 클래식 극장이라고 불리는 것에 특징이 있습니다. 그들은 1634 년에 Jean de Mairet, Sophonisbe의 걸작으로 소개되었습니다.
1640 년경부터 1656 년경까지 프랑스에서는 망토와 칼의 희극이 유행했습니다. 그것은 용감한 tragi-comedy로 대체 될 것입니다.
Aubignac의 대 수도 원장은 중요한 역할을합니다. 왜냐하면 1657 년 Theatre 14의 Practice에서 그는 고대 극장과 동시대 극장을 분석하고 3 대 규칙에 따라 고전 극장의 기초를 구성하는 원리를 그리기 때문입니다. 예를 들어, 대중에게 충격을주지 않을 무대 만을 대표하는 것을 명심해야한다.
고전주의가 지배하는 금세기에는 연극 장르의 구분이 분명합니다. 비극과 코미디는 저자가 존중해야하는 고유 한 특성을 지니고 있습니다. (어떤 형태는 “혼합”되어 있습니다 : Cid, Pierre Corneille는 비극입니다.) 비극에 관해서는, 프랑스 고전 희극은 3 개 단위의 규칙을 따라야한다.
코미디, 루이 14 세
17 세기에 후원자로 활동하는 왕 법원 루이 14 세에서 몰리에르는 1661 년 장 – 밥티스트 룰리의 코미디 발레로 발명했으며 그는 1662 년 아내를위한 학교에서 연극을 자주 사용합니다.
성직자가 대다수의 연극에 적대하고 배우가 파문 당해야한다고 생각하더라도 Corneille과 Molière는 스스로를 강탈 할 수 있습니다. Corneille는 비극의 글쓰기로, Molière (비극에 대한 그의 선호에도 불구하고)는 희곡으로 바뀌었다. 몰리에르 대신에 모든 것을 쓰신 코르네유가 아니라면 (몰리에르의 부작용을보십시오).
이탈리아와 스페인이 문학 르네상스를 앞질렀던 라 프랑스는 모델로 삼기 시작했다. 이것은 몰리 에르가 처음에 차별화되기 전에하는 일이다. ( “몰리에르는 이탈리아와 스페인의 장면에서 그의 첫 코미디의 캔버스와 등장 인물들과 오랜 시간을 빌려 본다.”
광대역과 Commedia dell’arte (비행 의사에게서 발견 될 것입니다)에 의해 영감을받은 후에, Molière는 1662 년에 여성 학교에서 Comédie de caractère를 재창조했습니다 (우리는 George Dandin의 캐릭터 희극을 발견 할 것입니다. 또는 혼란스런 마리, The Misanthrope, Miser …), 1666 년에 의사의 관습에 따른 코모디를 재발 명했다. 그래서, 몰리에르는 코미디 극장을 독자적인 권리로, 더 이상 하위로 만들지 않았다. – 비극과 비교되는 게 게.
로맨틱 코미디
La Fontaine의 Fables는 중세 프랑스의 전통, 만화 이야기, 풍자적 인 사회적 관습을 이어가고 있습니다. 그의 배우는 동물의 애정 표현입니다. 로마 Renart와 마찬가지로 “Raven and Fox”의 일화를 도덕적으로 도덕적으로 묘사하거나 Marie de 프랑스에서 “늑대와 어린 양”의 첫 번째 버전을 찾습니다.
La Fontaine은 이솝 우화 (예 : “The Cicada and the Ant”), Phèdre, Abstémius뿐만 아니라 Livy의 호레이스 텍스트 ( “팔다리와 팔다리”)와 같은 고대 텍스트의 번역 및 개작 작업도 수행했습니다. 히포 크라 테스 ( “Democritus and Abderitians”) 외 다수의 문자들은 고전적인 라틴어와 그리스 문화의 합계를 구성하고 심지어 인도 전통의 두 번째 컬렉션에서도 열립니다.
18 세기까지 유럽 전역에 영향
몰리에르 (Molière)에 의해 강요 된 매너와 캐릭터의 코미디는 유럽 전역의 모델로, 심지어 영국 작가들에게도 도움이되었다. 그는 윌리엄 콩그레브의 코미디를위한 엘리자베스 시대의 연극과 경의를 버리고 극장 전체에 영향을 미쳤다. 18 세기의 일부인 유럽의 희극 (스페인의 모라틴, 이탈리아의 카를로 골드 니).
18 세기 프랑스의 희극
프랑스의 18 세기에 Marivaux와 Beaumarchais와 같은 저작권 극장이 등장합니다. 계몽주의에서는 17 세기에 필수적으로 인정 된 “부대”는 (Boileau에 따라, 다른 사람들에게) 그 부분에 대한 더 큰 진실성을 부여하기 위해 저자가 원상태로 돌리려하는 족쇄로 서서히 나타납니다. 또한, 계몽 철학자들은 성직자와 극장에 대한 권위 주의적 태도에 대해 강력하게 반대합니다. “자유로운 영혼”은 극장이 무고한 엔터테인먼트뿐 아니라 교육 수단이라고 믿습니다. Voltaire와 Diderot는 악과 미덕의 표현은 사람들에게 “계몽 할”수 있습니다. 계몽주의의 이번 세기는 풍자 (프랑스의 알랭 르네 레시 지, 영국의 셰리 던)와 감정의 분석 (마리 보)을 봅니다.
Marivaux에서 캐릭터는 더 이상 만화 유형이나 비극적 인 영웅이 아니지만 개인은 자신의 정체성에 대한 질문으로 어려움을 겪고 있습니다. 따라서 여러 코미디 (예 : Double Inconstancy)에서 등장 인물은 자신의 신분을 약속 된대로 숨기고 자신의 발레 (또는 그 다음) 의상을가집니다. 모든 사람들은 가면으로 그의 약속을 알고 싶어하지만, 그 자신도이 게임 마스크에서 발견했습니다. 마리 보 (Marivaux)의 언어는 영웅들 사이의 유혹의 순간과 자신의 감정에 따라 인물의 심문을 다시 말합니다 : 그것은 “marivaudage”입니다.
데니스 드로드가 희극 “진지한”에 경의를 표한 반면, Nivelle de La Chaussée, 희극 “눈물을 흘리며”, 또는 감동적이고 낭만적 인 코미디와 Gotthold Ephraim Lessing을 통해이 감각의 시대를 기분 좋게 만들어 낸다. 부르주아 드라마에 상응하는 미셸 진 세 데인 (Michel Jean Sedaine).
세비야의 이발사 (Barber of Seville) 또는 피가로의 결혼 (the Marriage of Figaro)과 함께하는 보마르 마세 (Beaumarchais)는 주차 대행사의 성격을 결정적으로 중요시합니다. 예를 들어, Scapin, Sganarelle 등으로 Molière에서 이미 중요한 인사 였지만 그는 정의와 사회 평등에 대한 주장을 가지고있는 Beaumarchais에 있습니다. Beaumarchais는 프랑스 혁명의 선구자이기 때문에 자신의 연극 인 Le Mariage de Figaro에 다음과 같이 요약되어 있습니다. “비난 할 자유가 없다면 칭찬할만한 찬사가 없습니다.”그는 영화 <보마르 카스 (Beaumarchais)>에서 열렬한 찬사를 보냅니다. (withFabrice Luchini).
이탈리아 극장과 Commedia dell’arte에서 물려받은 박람회의 극장 (즉흥 희극과 광대극)은 코메디 오페라로 변형되어 Comédie-Ballet을 상속합니다.
19 세기 프랑스의 희극
19 세기에는 17 세기의 규칙 (단위, 타당성)이 영구히 포기되었습니다. 낭만주의의 저자들은 또 다른 연극을 원한다. 그들은 더 이상 타당성이없는 스타일로 역사와 힘을 준비 할 수있는 유형의 조각을 원합니다. 빅토르 위고 (Victor Hugo)는 유닛을 “우리”로 말하며 도발적으로 다음과 같이 선언합니다. “나는이 위대한 바보 같은 알렉산드리아를 탈구했다.”
또 다른 낭만적 인 저자 인 알프레드 드 무셋 (Alfred de Musset)은 자신의 작품을 표현할만큼 충분히 빨리 포기한다는 점에서 구별된다. Venetian Night가 실패하자 그는 드라마와 코미디를 썼다. 산문을 통해 젊은 사람들을 기괴하고 권위주의적인 옛 인물들과 여러 세트로 혼합하여 무대에 올리기가 어려웠다. Musset이있는 극장은 볼 수있는 것 이상으로 읽고 상상할 수 있도록 만들어졌습니다.
19 세기 초 마임과 판토마임, 그리고 인형극 (꼭두각시)이 박람회 현장에서 재건되고 현재 형태로 획득되었습니다. 제 2 제국 아래, 박람회의 극장은 대극장에서 보드빌에서 최종 변신을하게됩니다 (영화 The Children of Paradise에서 공물이있을 것입니다). 코믹 극장의 이러한 비 문학 레퍼토리에 직면 한 코메디 프랑세즈는 여전히 아주 젊다. 연극의 기준에 대한 존중을 부과하여 상징적으로 전통을 보장하는 중요한 기관이된다.
러시아 코메디 벨 에포크
러시아 극장 Belle Epoque (19 세기 말에서 20 세기 초)는 “진지한”만화 장면에 의존합니다. 따라서 체 호프 (Chekhov)의 희곡에서 불쌍한 인물들의 갤러리와 함께 썩어가는 사회의 그림은 그로테스크와 비극 사이에서 끊임없이 진동한다.
20 세기의 희극
제 1 차 세계 대전의 충격과 20 세기 초반의 파시즘의 부상 이후 코미디와 비극이 고대 신화처럼 나타난다는 비극 (Cocteau, Jean Anouilh, Jean Giraudoux)이 나타납니다.
극장의 다각화 장르
20 세기에 극장은 다양한 채널을 빌려 왔는데, 오늘날 저자들은 여전히 발굴하고 다양 화하고 있습니다.
어떤 부분은 17 세기에 이미 존재했던 예절의 희극의 맥락에서 계속되고 Georges Feydeau와 Eugène Labiche (보드빌의 저자)와 함께 19 세기 말에 새로운 성공을 보았습니다.
동시에 “전복”의 극장이 나타납니다. Ubu 왕과 함께 Alfred Jarry는 쇼크 한 작품을 선물합니다 (첫 번째 라인은 “Merdre!”입니다). 다다 운동이나 초현실주의와 어느 정도 근접한이 극장은 인간의 거의 추상적이지 않은 표현을 선호하는 인물의 심리를 거부합니다.
제 2 차 세계 대전에서, 어리석은 사람 (Eugène Ionesco, Samuel Beckett)의 연극이 등장합니다. 고대 재 작성에 따르면, 목표는 동일한 영웅, 동일한 주제를 취하고 그들을 약화 시키며 신화를 파괴하는 것입니다. 코믹 레지스터의 비극적 인 기록에서. 그들은 작품에서 연극 인물, 연극 (Ionescothus는 “만화는 비극의 반대편”이라고 단언합니다)과 언어 그 자체에 대해 질문합니다. 외침과 겉으로보기에는 의미없는 대답은 인류에 대한 우스꽝스럽고 무서운 이미지를주기 위해 서로 따라갑니다. The scene often takes place in a climate of disaster but the comic mixes to overcome the absurd. The characters often have exaggerated reactions.
The boulevard theater, after the Boulevard du Crime was destroyed in 1862 (and that “thereafter, the theater encloses itself in buildings and only addresses a small elite”), becomes again the theater of street after the Second World War.
Literature Comedy
Marcel Proust, in In Search of Lost Time, which is not a comic novel in itself, uses different forms of comedy:
Comic character and gestures: M me Verdurin embodies the caricature of false friendliness, a parody of culture and distinction, and Madame de Cambremer…
Comic of situation: the grandfather of the Narrator wishes for his grandson a recommendation when he goes to cure in Balbec… without success… Mr. Legrandin uses various strategies to divert the conversation of the grandfather.
Comic of words: Zeugma: Madame Verdurin speaking to the familiar of the little clan in the tone of Christ…
New forms of comedy
In the 20th century, the comedy diversified into music (Musical), in film (Film Comic), in television, and in new theatrical forms (Sketch, Stand-up and new forms of improvisation).