En un sentido moderno, la comedia se refiere a cualquier discurso o trabajo generalmente destinado a ser gracioso o divertido al inducir la risa, especialmente en el teatro, la televisión, el cine, la comedia de pie o cualquier otro medio de entretenimiento. Los orígenes del término se encuentran en la antigua Grecia. En la democracia ateniense, la opinión pública de los votantes fue influenciada por la sátira política realizada por los poetas cómicos en los teatros. El género teatral de la comedia griega puede describirse como una actuación dramática que enfrenta a dos grupos o sociedades uno contra el otro en un agon o conflicto divertido. Northrop Frye describió estos dos lados opuestos como una «Sociedad de la Juventud» y una «Sociedad del Viejo». Una visión revisada caracteriza el agon esencial de la comedia como una lucha entre un joven relativamente impotente y las convenciones sociales que obstaculizan sus esperanzas. En esta lucha, se entiende que el joven está limitado por su falta de autoridad social, y no le queda más remedio que recurrir a estratagemas que engendran una ironía muy dramática que provoca risa.
La sátira y la sátira política usan la comedia para retratar a las personas o las instituciones sociales como ridículas o corruptas, alejando a su audiencia del objeto de su humor. La Parodia subvierte los géneros y formas populares, criticando esas formas sin necesariamente condenarlas.
Otras formas de comedia incluyen la comedia screwball, que deriva su humor en gran parte de situaciones o personajes extraños, sorprendentes (e improbables), y la comedia negra, que se caracteriza por una forma de humor que incluye aspectos más oscuros del comportamiento humano o la naturaleza humana. De manera similar, el humor escatológico, el humor sexual y el humor racial crean una comedia al violar las convenciones sociales o los tabúes de manera cómica. Una comedia de modales generalmente toma como tema a una parte particular de la sociedad (generalmente la sociedad de clase alta) y usa el humor para parodiar o satirizar el comportamiento y los gestos de sus miembros. La comedia romántica es un género popular que describe el florecimiento del romance en términos cómicos y se centra en las debilidades de aquellos que se están enamorando.
Historia
Comienzos de la comedia en la antigüedad greco-romana
La comedia y la tragedia, cuya representación se remonta al siglo VI aC AD y el siglo V aC AD, tiene un origen religioso, relacionado con el culto de Dionisio.
«Como este culto trajo a su vez sacrificios fúnebres o solemnidades felices para celebrar el luto del invierno o el brillante despertar de la primavera. Se podía ver a su vez la ceremonia sagrada convertida en el drama de las lágrimas o la tragedia de la alegría. procesiones de villanos borrachos y disfrazados en Pans y Sátiros condujeron su carnaval religioso a través del pueblo, y usaron la licencia del festival, para interrumpir sus himnos de apóstrofos satíricos dirigidos a la multitud. Poco a poco, estos interludios de lazzis adquieren un aspecto más dramático. Los bromistas hacen que la sátira sea más picante, interpretando a los personajes que atacaron: este entretenimiento se convierte en escenas de caricatura. Este fue el lugar de nacimiento de Comedia «.
Estas representaciones tienen lugar en fiestas organizadas por el Estado. Dos veces al año, reúnen a los ciudadanos en torno a una competencia entre tres autores seleccionados de antemano. Durante los tres días de ceremonias, estos representan varias piezas cada uno. Por lo tanto, el público asiste a unas quince representaciones, desde la mañana hasta el anochecer. Esta forma de ver el teatro es bastante diferente de la que tenemos hoy, a excepción de ciertos festivales.
La ubicación de estas representaciones es un edificio al aire libre, capaz de acomodar a una gran audiencia, que ocupa las gradas. Frente a él está la escena, sobre la cual un balcón puede ver aparecer a los dioses. También hay un foso de orquesta, un espacio circular en el que hay un altar dedicado a Dionisio y reservado para el coro (por lo tanto ubicado tanto «con» los actores, y separado de ellos).
El coro se compone de un cierto número de coristas, que se hacen cargo de la parte lírica del espectáculo (la canción). Estuvo acompañado al principio de un actor (el protagonista) y luego agregamos otros dos: el deuteragonista y el tripartito. Con la evolución del teatro, la parte lírica ha disminuido, a favor del diálogo.
En ese momento, todos los roles están en manos de hombres, con máscaras: la cara del actor no expresa una psicología matizada y los matices de la emoción pasan por el tono y los gestos. Los actores usan túnicas coloridas, el color para ayudar al público a distinguir los diferentes roles. Las obras griegas se componen de un cierto número de «momentos» definidos: un prólogo, luego la entrada del coro («parodos»), luego episodios cortados por cantos del coro, finalmente la salida del coro («exodos») .).
Comienzos de la literatura en Comedia
Por las fábulas de Esopo denota un conjunto de fábulas en prosa atribuidas a Esopo, escritor griego que vivió a fines del siglo VII y principios del siglo VI a. ANUNCIO. Él era de Tracia, cerca del Mar Negro.
Las fábulas de Esopo fueron prosa y concisas, La Fontaine puso algunas en verso como Phèdre, Avianus y Charles Perrault, por nombrar solo a los fabuladores más famosos.
Comedia ateniense en la época de Pericles
En el siglo V antes de Cristo. Durante el siglo de Pericles, en plena democracia ateniense, el poeta Cratinos creó la Vieja Comedia como una institución de oposición política. Por lo tanto, con la vieja comedia, el teatro se transforma en una tribuna.
Si no hemos conservado nada de Cratinos, Phrynichos el Comic, Eupolis, Pherecrates, Platón el cómic, Crates, Phormis y tantos otros, por otro lado tenemos once piezas de Aristófanes que nos pueden dar una idea suficiente de este drama fantástico lleno de imaginación y poesía.
Estas piezas abarcan una variedad de objetos y se mezclan tan fuertemente con los acontecimientos de la época que, tal vez incluso mejor que la historia de Tucídides, nos hacen conscientes de la situación de Atenas en ese momento. »
Pero a medida que el siglo de Pericles llega a su fin, la libertad ateniense y la vieja comedia tienden a desaparecer. Excluida de la política, condenada a abstenerse de personalidades, busca en la vida privada un asunto nuevo, y se adhiere a la sátira general de las pasiones, los cruces y los humores de los humanos. Sin embargo, esta metamorfosis no se realiza en un día. Entre la vieja comedia y la nueva comedia hubo un período de transición indeciso, el de Antiphane, Eubulos, Alexis, que se llamó Medium Comedy, donde, al igual que la escena siciliana, nos divertimos para disfrazar los episodios de la mitología. Hemos permanecido en la comedia popular de Italia (que se encontrará más adelante en la Commedia dell’arte)
Nueva comedia bajo la monarquía macedónica
La nueva comedia (también conocida como Nea) comienza en la segunda mitad del siglo I a. ANUNCIO. Apenas fue hasta la monarquía macedónica que un gran poeta, Menander, finalmente sacó de estos bocetos la verdadera comedia de modales y carácter, tal como la concebimos hoy.
Diphile y Filemón fueron, junto con Menander, los principales autores de la Comedie Nouvelle.
La comedia dórica
Este otro tipo de comedia griega se desarrolló en varias ciudades de Dorian, como Megara, Sparta … La comedia de Dorian estuvo representada por tres poetas, Epicharme, Phormis y Dinoloque. No fue democrático, como la comedia ateniense: protegida por dos reyes, Gelon e Hieron, permaneció ajena a ese espíritu de sátira política que distingue a la Vieja comedia de Atenas. Retenía, con un carácter de gravedad filosófica, el respeto de los poderosos; y las discusiones filosóficas fueron muy importantes.
La comedia romana
Como en Atenas, el teatro romano tiene una dimensión religiosa: las representaciones están relacionadas con el culto de Baco. Al igual que en Atenas, la dimensión política está presente, ya que el teatro se juega durante los Juegos o durante ceremonias importantes que reúnen a la gente. Canto, baile y música aún acompañan el texto: el teatro es un «espectáculo total».
Los accesorios son más numerosos que en el teatro griego: aparece la cortina del escenario, los trajes a veces son suntuosos, la maquinaria crece. Las máscaras están siempre presentes.
En el escenario, no hay «decoración» en el sentido moderno: algunas puertas, que significan una casa o un palacio, y a veces una maquinaria para revelar a un dios que recita una diatriba; de ahí la expresión «deus ex machina».
En el Imperio Romano, la farsa, la Atellane, interpretada por actores enmascarados, que gozaban del favor popular y estaban en la fuente de la Commedia dell’arte (que hace que las máscaras sean muy similares a las máscaras actuales de la Commedia dell’arte), existió antes de que la Nueva comedia ateniense fuera traducida a su uso. Y, además, la comedia dedicada a la pintura de costumbres romanas (comoedia togata, toga) nunca alcanzó el éxito de la atellane.
La comedia griega (Nueva comedia ateniense) fue presentada por Livio Andrónico (280 aC – 204). La población ilustrada no quería nada más que juegos griegos. La nueva comedia se exporta a Roma, donde se adaptará al siglo iii como la comedia palliata (en la que los actores visten el vestido griego, el palio) y ampliamente tomada por Plauto y Terence. De hecho, todas las piezas que mantuvimos de Plaute y Terence (incluido Molière a veces se ha inspirado) son solo traducciones de comedias griegas.
Desde la dictadura de Sylla (que comenzó en diciembre del 82 aC), Atellane fue reemplazada por Mime. Las comedias de Plauto no cesaron de ser tocadas en todo el Imperio hasta la invasión de los alemanes.
Así, la comedia como género teatral se desarrolló en Europa en la antigüedad grecorromana, donde compartió con la tragedia los teatros construidos en el Imperio Romano.
La comedia romana, la literatura
Desde Grecia, la fábula pasa a Roma. Horace propone una notable adaptación de Town Rat y The Field Rat (Satires, II) que algunos críticos consideran superior a la versión de Jean de La Fontaine. Él será seguido por Fedro que, como Esopo, nació en Tracia y fue esclavo antes de ser liberado por Augusto. Le debemos seis libros de fábulas, el primero de los cuales se abre con El lobo y el cordero. Con esta colección escrita completamente en verso, Phèdre verdaderamente convertirá la fábula en un género poético por derecho propio. Él no se contenta con adaptar Esopo en latín, sino que también es original: de las 126 fábulas de su colección, menos de la mitad son tomadas directamente de Aesop. Incluso si estas fábulas no le atraen la gloria durante su vida, Phèdre emulará.
El poeta Babrius, un contemporáneo romano helenizado con Fedro, reescribe las fábulas esóficas en griego y las pone en verso. Lo conocen de dos colecciones, totalizando 123 fábulas.
La moda de la fábula crece en el mundo grecorromano. Hay varias referencias a fábulas en el autor griego Lucien de Samosate (120-180), especialmente el de los monos danzantes, que juega con la oposición entre lo innato y lo adquirido, tema común a muchas fábulas, incluso en La Fontaine y Florian 6. En el siglo ix, el poeta romano Avianus permitió 42 adaptaciones en su mayoría de Fedra, pero muchas de las que no están atestiguadas en otros lugares están bien construidas. Su contemporáneo, el griego Aphthonios, dejó una colección de 40 fábulas en prosa.
A través del sector latino, las fábulas de Esopo pasarán en la Edad Media e inspirarán a innumerables sucesores.
La comedia en la Edad Media en Europa
Después del colapso de la cultura antigua, la Edad Media, que ignora la palabra «comedia», reinventa muchas formas de teatro cómico. El teatro se juega en la calle (teatro de calle), en forma de misterios, fábulas, chistes, soties o incluso mimo. Algunos de estos géneros están más o menos inspirados por las supervivencias de géneros antiguos como el atellan.
De hecho, la tradición de los malabaristas y el sabor del entretenimiento paródico entre los clérigos se expresan en la Edad Media en una amplia variedad de piezas de carácter satírico y didáctico:
demonios, que están incluidos en los misterios religiosos
los chistes, que son piezas cortas que presentan tipos populares de la vida cotidiana (el campesino, la mujer, el sacerdote, el noble, etc.) y una situación simple en el trasfondo de la moral tradicional
los sotios (que aparecen en los siglos XV y XVI), centrados en el «tonto» (una especie de payaso antes de tiempo) y que usan todas las libertades de la sátira.
Desde el siglo XII, la burguesía (habitantes de la ciudad) tiene su propia literatura, verdadera sátira social antes de la letra. Es esencialmente travieso, pintoresco, pero a menudo realista. Todavía somos esencialmente fábulas (Estula, The Greyhound and the Serpent, The Three Blind Compiègne), Reynard the Fox y, más tarde, farsas (The Farce of Master Pathelin, siglo XV).
En el siglo XIII, el teatro juega en el pueblo verde o en la ciudad. Los espectadores son «burgueses» (habitantes del barrio), mientras que los tribunales de los señores prefieren los espectáculos de torneos, ballets, etc.
En el siglo 14 y el siglo 15, los espectáculos se vuelven cargables. Como resultado, el teatro se juega cada vez más en espacios cerrados en lugar de en la plaza principal. Pocos conjuntos se utilizan en la Edad Media: a veces estamos satisfechos con las señales que indican el lugar. Pero las maquinarias se están desarrollando para crear «efectos especiales».
Siempre en la Edad Media, el papel de Bouffon es hacer reír a las personas: entretienen, usan la insolencia y a veces son consejeros; los más conocidos son los tontos de reyes y señores. Además, el siglo 15, François I er, creó una escuela loca.
Comedia en Francia bajo el humanismo
En el siglo XV, Rabelais escribió a Gargantúa convirtiéndose en el primer autor que utilizó el burlesque en sus obras. Sus obras principales, como Pantagruel (1532) y Gargantua (1534), ambas crónicas, cuentos con sus personajes de gigantes, la parodia heroico-cómica, la épica y el romance de la caballería, pero que prefiguran también las realistas, satíricas y filosóficas novela, se consideran como una de las primeras formas de la novela moderna.
En los años 1456-1460 8 lanzó una de las raras piezas de comedia de la época The Farce of Master Pathelin. Siempre aparece en el siglo XV la Moralidad, con figuras alegóricas que representan los vicios y las virtudes de los hombres y los defectos de la sociedad
En el siglo 16, los estudiosos crean la comedia humanística, para oponerse a la tradición medieval de relleno y volver a las raíces de la comedia latina. Las comedias humanísticas son las primeras «comedias regulares» en la historia del teatro francés. Este nombre significa comedias compuestas en imitación de la comedia romana y que respetan las reglas formales, a diferencia de los chistes, sotties, moralidades y otros juegos teatrales de la época designados por el mismo término de «comedia», que incluía en el vocabulario actual todo feliz ejecuciones finales (y que estarán prohibidas bajo este nombre por edicto del Parlamento de París de 1588 a 1594).
Además, de la mezcla de Stuffing with Morality nace Sottie, que, bajo el reinado de Louis XII en particular, recuerda la antigua comedia ateniense, al menos por malicia y osadía de decirlo todo.
La comedia negra en declive en Francia desde mediados del siglo XVI
A mediados del siglo XVI, el misterio (es decir, el género teatral más prestigioso) está prohibido. De hecho, la Iglesia ahora cree que la fe debe ser asunto de los sabios, no de los actores (el teatro está en la lista negra de la Iglesia que lo acusa de mentir sobre la realidad). Por lo tanto, a pesar de cierta resistencia, el teatro se hunde en declive. Será necesario esperar a una redefinición de este arte para que vuelva a ser consecuente.
Comedia en Europa bajo el Renacimiento
Durante el Renacimiento, escritores de toda Europa quisieron regresar a las fuentes del teatro y la comedia latina apropiada. El término «comedia» es una comedia inspirada en la comedia latina, que respeta sus reglas formales y se opone a diversas formas de comedias medievales.
En el siglo 15 (en Italia), los primeros modelos aparecieron en la comedia «regular», seguido del siglo 16 por Aretino, Maquiavelo (Mandrake) y Trissino. Muy pronto, se destaca la comedia italiana, con Giordano Bruno (El Candelabro) y Ruzzante, que marca en dialecto popular escenas populares y encuentra su estilo en la improvisación de la commedia dell’arte.
Comedia italiana
La comedia italiana, del siglo XVI, ve aparecer la commedia dell’arte que suplanta la comedia regular; su influencia será considerable en la evolución de las técnicas teatrales.
Comedia de Shakespeare y Elizabethan
En Inglaterra, a finales del siglo XVI, la comedia isabelina, alimentada con observaciones, está dominada por Shakespeare, pero también tiene éxito en Ben Jonson, Francis Beaumont y John Fletcher, Thomas Middleton y Thomas Dekker.
La comedia isabelina tenía un significado muy diferente de la comedia moderna. Una comedia de Shakespeare es una que tiene un final feliz, por lo general con matrimonios entre personajes solteros, y un tono y estilo que es más ligero que otras partes de Shakespeare.
La comedia española
La edad de oro española (Siglo de Oro en español) es el período de influencia cultural de España en Europa del siglo XVI al XVII. Es un período de gran vitalidad literaria y artística en España y en los países hispanohablantes de América Latina
La comedia española de finales del siglo XVI (principalmente comedia), implementa todo tipo de intrigas con Cervantes, Lope de Vega, Calderón de la Barca, Moreto y Cabaña, Fernando de Rojas, y abre con Pedro de Alarcón, la «comedia» de carácter «, que inspirará directamente a Pierre Corneille (con el mentiroso en 1652).
La comedia en España busca cautivar la imaginación por el interés romántico de la trama, en lugar de la verdad del corazón humano. El personaje desaparece y se absorbe en la pasión dominante. La imaginación prevalece y, también, la pasión.
El teatro está inquieto por la verosimilitud de la novela y la verdad del personaje. Un joven enamorado y la joven doña de la que está enamorado son escenificados; están separados por todo tipo de obstáculos, padres inflexibles, un guardián celoso, rivales feroces, la distancia de las filas; a través de los incidentes de una complicada intriga, seguimos con curioso interés los ardides y esfuerzos por los cuales los dos amantes se unen.
Considerado por muchos como el mejor trabajo escrito en español, Don Quijote es una de las primeras novelas publicadas en Europa. Esta novela, como el mundo en el que vive su autor, Miguel de Cervantes, está en el límite de la Edad Media y los tiempos modernos. El segundo volumen se publicó en 1615, un año antes de la muerte del autor. Don Quijote es una novela medieval, una novela caballeresca y una novela de la época naciente. El libro es una parodia de los modales medievales y el ideal caballeresco y una crítica de las estructuras sociales de una sociedad española rígida vivida como absurda. Don Quijote es un hito importante en la historia literaria, y las interpretaciones que damos son múltiples, puro cómic, sátira social, análisis político.
Cervantes contemporáneo, el dramaturgo Lope de Vegais famoso por sus dramas, especialmente aquellos basados en la historia del país. En los cientos de obras que escribió, Lope de Vega adoptó, como Cervantes, un enfoque cómico, transformando, por ejemplo, un juego moral convencional en una obra humorística y cínica. Su objetivo principal es distraer a su público. La mezcla que hace de los elementos morales, la comedia, el drama y el genio popular lo convierten en primo de Shakespeare, a quien se lo compara a menudo, y de quien es contemporáneo. Como crítico de la sociedad, Lope de Vega ataca, también como Cervantes, muchas de las antiguas instituciones del país, incluidas la aristocracia, la caballerosidad, la rigidez de los modales … Estos dos escritores constituyen una alternativa artística al ascetismo de un Francisco Zurbarán. siglo, las piezas de «capa y espada» de Lope de Vega que mezclan aventuras, intrigas románticas y comedia influyen en su heredero literario, Pedro Calderón de la Barca.
Comedia en Inglaterra en el siglo XVII
Carlos II disfrutó de las comedias de la Restauración.
La comedia de la Restauración se refiere al tipo de comedias escritas e interpretadas desde la Restauración inglesa (1660) hasta principios del siglo XVIII. Después de la prohibición de las representaciones teatrales públicas impuestas durante 18 años por el régimen puritano de Cromwell, la reapertura de los teatros en 1660 marca el renacimiento del teatro inglés. Si el comienzo de este período está perfectamente definido por el acceso al trono de Carlos II, su fecha de finalización es bastante vaga. Sin embargo, excede con creces la muerte de Carlos II en 1685, que marca el sentido estricto del fin de la Restauración, y que invade los reinados de Jacques II a Guillermo III e incluso a Anne I re.
Renovación de la comedia en Francia en el siglo XVII
Implementación del teatro clásico a principios del siglo XVII
En Francia, a principios del siglo XVII aparecen varias novedades. De hecho, la profesión de comediante, incluso si es despreciada por la Iglesia y parte de la opinión, fascina más y más. Y las mujeres finalmente pueden subir al escenario.
En 1629 aparece Melite de Pierre Corneille, llamó en la primera edición de «comic piece» y no de comedia, nueva forma de «comedia romántica» basada en heartbreak heart y una nueva concepción del diálogo teatral que él mismo describirá treinta años después como la «conversación de personas honestas», lejos de las formas cómicas conocidas como la farsa y la comedia italiana.
En 1630, el teatro es reconocido como arte oficial por Richelieu. Y la regla de tres unidades se recomienda en 1630 en la Carta al drama de John Chaplain, consejero del cardenal Richelieu. Regenting gran parte del lenguaje teatral de la época, son característicos de lo que más tarde se llamó el teatro clásico. Se introducen en 1634 en la obra maestra de Jean de Mairet, Sophonisbe.
Desde alrededor de 1640 hasta 1656, la comedia de capa y espada está de moda en Francia. Será reemplazado por gallarda tragicomedia.
El abad de Aubignac juega un papel importante, porque en The Practice of the Theatre 14 en 1657 analiza el teatro antiguo y el teatro contemporáneo y dibuja principios que constituyen las bases del teatro clásico con la regla de las tres unidades: la regla de decoro, que obliga a representar en el escenario solo aquello que no choque al público.
En este siglo dominado por el clasicismo, la distinción entre géneros teatrales es clara: tragedia y comedia tienen sus propias características, que un autor debe respetar (sin embargo, hay algunas formas «mixtas»: El Cid, Pierre Corneille, es una tragicomedia). En cuanto a la tragedia, la comedia clásica francesa debe obedecer a la regla de tres unidades.
La comedia, Louis XIV
En el siglo XVII, en la Corte del Rey Luis XIV, que actúa como patrono, Molière inventó el comediazo de ballet de Jean-Baptiste Lully en 1661 y con frecuencia utiliza el burlesque en el teatro desde 1662 en The School for Wives.
Incluso si el clero es en su mayoría hostil al teatro, y considera que los actores deben ser excomulgados, Corneille y Molière logran imponerse. Corneille recurrió a la escritura de la tragedia, mientras que Molière (a pesar de su preferencia por la tragedia) se dedicó a escribir comedias; a menos que sea Corneille quien haya escrito todo en lugar de Molière (ver la paternidad de las obras de Molière).
La Francia, superada por Italia y España en su renacimiento literario comienza tomándolos como modelos. Esto es lo que hace Molière al principio, antes de diferenciarse («Molière toma mucho tiempo de las escenas de italiano y español del lienzo y los personajes de sus primeras comedias, comienza copiando modelos extranjeros, antes de hacerse él mismo»).
Después de haberse inspirado en la farsa y la Commedia dell’arte, (que se encontrará en el médico volador), Molière reinventa la Comédie de caractère, en La escuela de las mujeres en 1662 (encontraremos la comedia de personajes en George Dandin o el confuso Mari, el misántropo, el avaro …), y reinventa la comedia de las costumbres en el doctor a pesar suyo, en 1666. Por lo tanto, Molière ha convertido el teatro de comedia en un arte en sí mismo y ya no como un sub -genre comparado con la tragedia.
La comedia romántica
Las Fábulas de La Fontaine continúan una tradición medieval francesa, historias cómicas y costumbres sociales satíricas, cuyos actores son personificaciones animales, como el Renart romano donde encontramos la anécdota del «Cuervo y el zorro» con moralejas en adagio, o como Marie de Francia donde encontramos la primera versión del «Lobo y el cordero».
La Fontaine también ha realizado un trabajo de traducción y adaptación de textos antiguos, como las fábulas de Esopo (por ejemplo, «La cigarra y la hormiga»), Phèdre, Abstémius, pero también textos de Horacio, de Tito Livio («las extremidades y el estómago «), las cartas apócrifas de Hipócrates (» Demócrito y los abdermitianos «), y muchos otros, constituyen una suma de la cultura clásica latina y griega, e incluso se abren en la segunda colección de la tradición india.
Influencia en toda Europa hasta el siglo XVIII
Las comedias de costumbres y carácter, impuestas por Molière, sirvieron de modelo en toda Europa, incluso para los autores ingleses, que abandonaron la truculencia y bufonería del teatro isabelino para las comedias de William Congreve, y también influyeron en todo el teatro. Cómic europeo durante parte del siglo XVIII (Moratín, en España, Carlo Goldoni en Italia).
Comedia en Francia en el siglo XVIII
En el siglo XVIII en Francia aparece el teatro de derecho de autor, como el de Marivaux y Beaumarchais. En la Ilustración, las «unidades», reconocidas como esenciales para el siglo XVII cuando permitieron (según Boileau, entre otros) dar mayor verosimilitud a las partes aparecen gradualmente como grilletes cuyos autores intentan deshacer. Además, los filósofos de la Ilustración se oponen ferozmente al clero y su actitud autoritaria hacia el teatro. Los «espíritus libres» creen que el teatro no es solo un entretenimiento inocente, sino también un medio educativo: Voltaire y Diderot apoyan la idea de que la representación de vicios y virtudes puede «iluminar» a los hombres. Este siglo de la Ilustración ve la sátira (Alain René Lesage en Francia, Sheridan en Inglaterra) y el análisis de los sentimientos (Marivaux).
En Marivaux, los personajes ya no son tipos de comics o héroes trágicos, sino individuos que luchan con preguntas sobre su identidad. Por lo tanto, en varias comedias (por ejemplo, Inconstancia doble), los personajes ocultan su identidad a la que prometieron, tomando el disfraz de su ayuda de cámara (o el siguiente). Todo el mundo quiere saber su promesa de una manera enmascarada, pero él mismo también descubrió en este juego máscaras. El lenguaje de Marivaux retranscribe los momentos de seducción entre los héroes, y los interrogatorios de los personajes sobre sus propios sentimientos: es el «marivaudage».
Esta Era de la Ilustración, que juega de buena gana con emoción y patetismo, crea, con Nivelle de La Chaussée, la comedia «llorosa», o comedia sentimental y romántica con Gotthold Ephraim Lessing, mientras Denis Diderot saluda en la comedia «Serious», encarnada por Michel Jean Sedaine, una contraparte del drama burgués.
Beaumarchais, con The Barber of Seville o The Marriage of Figaro, le da al personaje del valet una importancia crucial. El ayuda de cámara ya era un personaje importante antes (en Molière, por ejemplo, con Scapin, Sganarelle, etc.), pero él está en Beaumarchais llevando demandas de justicia e igualdad social. Beaumarchais es así un precursor de la Revolución Francesa y la libertad de opinión resumida así en su obra Le Mariage de Figaro: «Sin la libertad de culpar, no hay alabanza halagüeña». Tendrá un homenaje en la película Beaumarchais, el insolente (con Fabrice Luchini).
El teatro de la feria (que combina comedias y farsas improvisadas), heredado del teatro italiano y de la Commedia dell’arte, se transforma en una ópera cómica (que también hereda Comédie-ballet).
Comedia en Francia en el siglo XIX
En el siglo XIX, las reglas del siglo XVII (unidades, propiedad) se abandonan permanentemente. Los autores del Romanticismo quieren otro teatro. Quieren un tipo de pieza capaz de escenificar la historia y el poder, en un estilo que ya no está sujeto a la propiedad. Victor Hugo habla de las unidades como una «jaula» y provocativamente declara: «Desalojé a este gran tonto alejandrino».
Alfred de Musset, otro autor romántico, se distingue en que se da por vencido lo suficientemente rápido como para tener sus piezas representadas. Después del fracaso de The Venetian Night, escribió dramas y comedias, en prosa, mezclando a jóvenes enamorados y grotescos y viejos personajes autoritarios, en conjuntos múltiples, difíciles de escenificar. El teatro, con Musset, está hecho para ser leído (e imaginado) más que para ser visto.
A principios del siglo XIX, el mimo y la pantomima, y la marioneta (títere) de la escena de la feria, se reconstruyen y adquieren su forma actual. Bajo el Segundo Imperio, el teatro de la feria realiza una transformación final en el vodevil en el teatro boulevard (en el que habrá un tributo en la película The Children of Paradise). Frente a estos repertorios no literarios de teatro cómico, la Comédie-Française, aún muy joven, logra imponer el respeto por los estándares de la dramaturgia, lo que la convierte simbólicamente en una institución importante, garante de las tradiciones.
La comedia rusa Belle Epoque
El teatro ruso Belle Epoque (desde finales del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX) recurre a las escenas cómicas bajo «serio». Así, en las obras de Chéjov, la pintura de una sociedad en descomposición, con su galería de personajes lamentables, oscila constantemente entre lo grotesco y lo trágico.
Comedia del siglo XX
Tras la conmoción de la Primera Guerra Mundial y el auge del fascismo en la primera mitad del siglo XX, aparece más tragedia (Cocteau, Jean Anouilh, Jean Giraudoux) que la comedia y la tragedia aparecen como mitos antiguos.
Géneros de diversificación en el teatro
En el siglo XX, el teatro toma prestados diversos canales, que los autores hoy en día aún cavan y diversifican.
Algunas partes continúan en la línea de la comedia de los modales, ya presente en el siglo XVII, y que tuvo un éxito renovado a finales del siglo XIX, con Georges Feydeau y Eugène Labiche (autores del vodevil).
Al mismo tiempo, aparece un teatro de «subversión»: Alfred Jarry, con el rey Ubu, presenta una pieza hecha para shock (la primera línea es un resonante «Merdre!»). En una cierta proximidad al movimiento Dada o surrealismo, este teatro rechaza cualquier psicología de los personajes para preferir una representación cruda, casi abstracta del hombre.
En plena Segunda Guerra Mundial, aparece el teatro del absurdo (Eugène Ionesco, Samuel Beckett): por la antigua reescritura, el objetivo es demoler los mitos tomando los mismos héroes, los mismos temas y degradarlos, pudiendo pasar del registro trágico en el registro de comics. Cuestionan en sus obras el carácter teatral, el tipo de obras de teatro (Ionescothus afirma que «el cómic es el otro lado de lo trágico») y el lenguaje mismo. Gritos y respuestas aparentemente sin sentido se suceden para dar una imagen divertida y aterradora de la humanidad.La escena a menudo tiene lugar en un clima de desastre, pero el comic se mezcla para superar lo absurdo. Los personajes a menudo tienen reacciones exageradas.
El teatro del bulevar, después de que el Boulevard du Crimen fue destruido en 1862 (y que «a partir de entonces, el teatro se encerra en edificios y solo se dirige a una pequeña élite»), se convierte nuevamente en el teatro de la calle después de la Segunda Guerra Mundial.
Literature Comedy
Marcel Proust, en In Search of Lost Time, que no es una novela cómica en sí misma, utiliza diferentes formas de comedia:
personaje cómico y gestos: M me Verdurin encarna la caricatura de la falsa amistad, una parodia de la cultura y la distinción, y Madame de Cambremer …
Cómic de situación: el abuelo del Narrador desea una recomendación para su nieto cuando va a curar a Balbec … sin éxito … El Sr. Legrandin usa varias estrategias para desviar la conversación del abuelo.
Cómic de palabras: Zeugma: Madame Verdurin habla al familiar del pequeño clan en el tono de Cristo …
Nuevas formas de comedia
En el siglo XX, la comedia se diversificó en música (Musical), en película (Cómic cinematográfico), en televisión, y en nuevas formas teatrales (Boceto, Stand-up y nuevas formas de improvisación).